21 Зарубежное искусство рубежа

XIX–XX веков

Конец XIX в. в европейских странах и США — время стремительного технического прогресса. Реалистическое искусство видело свою задачу лишь в точном отображении окружающей жизни. В это время во Франции родилось новое художественное течение — символизм, ведущий искусство в мир мечты и фантазии, видений и грез.

Под влиянием эстетики символизма на рубеже XIX–XX вв. в искусстве сформировался стиль модерн (франц. «новейший», «современный»). Первые признаки нового стиля в живописи, архитектуре и декоративно-прикладном искусстве появиись во многих странах Европы практически одновременно — в конце 80-х гг. XIX в. Модерн начался в графике и прикладном искусстве, заявляя о себе импульсивными линиями, украшавшими книжные, журнальные обложки, броскими пятнами афиш, мистическим мерцанием цветного стекла витражей и посуды.

В начале XX в. модерн распространился в странах Восточной Европы и Скандинавии, а также в Северной Америке. Перед Первой мировой войной этот стиль обозначил свои возможности и пределы. Но война показала, насколько беспреспективным в то время было отвлеченное искусство. С началом XX столетия стиль модерн угас.

Архитектура.

22 Искусство россии рубежа XIX–XX веков

Конец XIX – начало XX вв. — переломный этап в истории России. Это время бурного развития капитализма, время больших капиталов. Строятся крупные промышленные предприятия. Происходят изменения в социальной жизни страны.

Все это не могло не отразиться на художественной жизни России рубежа веков. Все виды искусства — архитектура, живопись, скульптура, театр, литература, музыка выступили за обновление художественного языка, за высокий профессионализм. Одной из главных тем в культуре этого периода является тема России. Историки, живописцы, да и вообще интеллигенция, заново открыли для себя историю России, ее культуру, традиции, легенды.

В это же время появляется новый стиль в искусстве — модерн. Это весьма яркое и заметное направление повлияло и на западноевропейское искусство. Нужно обратить внимание на ярко выраженные национальные черты русского модерна, рожденные общественной атмосферой русской жизни того времени и ее культурной традицией.

Этот период был важнейшим этапом в становлении нового искусства XX в.

Архитектура. Эпоха высоко развитого промышленного капитализма вызвало существенные изменения в архитектуре города. Возникают новые типы архитектурных сооружений: фабрики и заводы, вокзалы, магазины, банки, с появлением кинематографа — кинотеатры.

Последнее десятилетие XIX – начало XX вв. — это время господства в российской архитектуре стиля модерн. Здания этого стиля не надо было вписывать в привычные симметричные композиционные схемы, их планы формировались свободно; вследствие этого свободными и живописными стали объемно-пространственные структуры зданий.

Широкое использование металлических и железобетонных конструкций способствовало созданию больших пролетов и пространств необходимых для торговых, транспортных, банковских, промышленных и других общественных зданий. Для освещения залов и галерей устанавливались большие витражи и фонари верхнего света. Все это резко изменяло внешний вид зданий.

Стремление к внешней неповторимости, оригинальности зданий побуждало архитекторов прибегать иногда к чрезмерному использованию декоративных средств оформления фасадов: декоративной и орнаментальной облицовке, керамической мозаике, скульптурному убранству. Насаждалась стилизация цветов, причудливо изгибающихся и переплетающихся стеблей болотных растений, сказочных персонажей. Стала распространенной чрезмерная вычурность деталей.

В стиле модерн работали В. М Васнецов, М. А. Врубель, С. В. Малютин, Ф. О. Шехтель, Л. Н. Кекушев, Ф. И. Лидваль, И. А. Фомин, Э. Ф. Виррих, и др.

Федор Осипович Шехтель (1859–1926). С его именем связан расцвет архитектуры стиля модерн в России. Шехтель строил: доходные дома, особняки, здания торговых фирм, банки, типографии, вокзалы и даже бани. Ему свойственна асимметричность постройки, органичное наращивание объемов, разный характер фасадов, использование балконов, крылец, эркеров, сандриков над окнами, введения в архитектурный декор стилизованного изображения лилий или ирисов, применение в окнах витражей с таким же мотивом орнамента, разной фактуры материалов в оформлении интерьеров. Причудливый рисунок, построенный на извивах линий, распространяется на все части здания: мозаичный фриз, или пояс поливных керамических плиток в блеклых декадентских тонах, переплеты витражных окон, узор оград и даже мебель.

К работам Шехтеля относятся: особняк С. П. Рябушинского у Никитских ворот (1900–1902 гг.), особняк З. Г. Морозовой на Спиридоновке (1893–1896 гг.), Ярославский вокзал в Москве (1902–1904 гг.), спроектировал российские павильоны на Международной выставке в Глазго (1901 г.).

Вильям Францович Валькотт (1874–1943) в 1899–1905 гг. возвел гостиницу «Метрополь» в Москве.

Лев Николаевич Кекушев (1863–1919) строил в основном в Москве — особняк его жены Л.Н. Кекушевой (1901–1902 гг.).

Роман Иванович Клейн (1858–1924) построил множество зданий, каждый раз обращаясь к новому стилю. Наиболее известные его сооружения — музей изящных искусств (1898–1912 гг.), универсальный магазин «Мюр и Мерилиз» (ЦУМ, 1908 г.).

Федор Иванович Лидваль (1870–1945) — один из ведущих архитекторов Петербурга. Строил банки, учебные заведения, доходные дома, гостиницы, особняки — доходный дом А.Ф. Циммермана на Каменноостровском проспекте (1906–1908 гг.), «Шведский дом» на Малой Конюшенной улице (1904–1905 гг.), гостиница «Астория» (1908 г.).

Скульптура. На рубеже веков сформировалось новое поколение скульпторов, которые противопоставляли внешнее правдивому описательному псевдореалистическому направлению. Теперь предпочтение отдавалось не тщательной детализации формы, а художественному обобщению. Изменилось отношение к поверхности скульптуры, на которой сохранялись следы пальцев или стеки мастера. Кажущаяся незаконченность произведений, разорванные или текучие линии отразили стремление мастеров воссоздать живую натуру. Из материалов скульпторы отдавали предпочтение дереву, природному камню, гинее и пластилину. Русская скульптура рубежа XIX–XX вв. представлена несколькими крупными именами: П. П. Трубецкой, А. С. Голубкина, С. Т. Коненков, Н. А. Андреев и др.

Павел Петрович Трубецкой (1866–1938), — один из наиболее ярких представителей импрессионизма в скульптуре. Его ранние русские работы дают полное представление об импрессионистическом методе Трубецкого: форма как бы вся пронизана светом и воздухом, динамична — «Московский извозчик» (1898 г.), «Лев Толстой на лошади» (1900 г.). Самой замечательной работой П.Трубецкого в России был бронзовый памятник Александру III, установленный в 1909 г. в Петербурге, на Знаменской площади. Здесь скульптор оставляет свою импрессионистическую манеру. Крепко сидящий на грузном коне всадник символизирует Россию покоя, устойчивости и силы.

Импрессионизм в своеобразном, очень индивидуальном творческом преломлении нашел выражение и в работах Анны Семеновны Голубкиной (1864–1927), после Московского училища учившейся в Париже и пользовавшейся советами Родена. В образах Голубкиной, особенно женских, много высокой нравственной чистоты. Это чаще всего изображения простых бедных людей.

Самое интересное в творчестве Голубкиной — портреты, всегда драматически напряженные, что в целом свойственно творчеству этого мастера, и необыкновенно разнообразные — «Дед» (П. С. Голубкин, 1892 г.), бюст Андрея Белого (1907 г.), «Мария» (1901–1906 гг.), портрет А. Н. Толстого (1911 г.). Другие работы: «Волна» («Пловец», 1901 г.), «Пленники» (1908 г.), «Спящие» (1912 г.).

Импрессионизм мало затронул творчество Сергея Тимофеевича Конёнкова (1874–1971). Образами микеланджеловских рабов вдохновляется Коненков, исполняя в 1902 г. «Самсона, разрывающего узы», в котором выразил образ предреволюционного времени. Античная тема в творчестве мастера началась со знаменитой мраморной «Нике» (1906 г.). Скульптор много работал в дереве. В возрождении деревянной скульптуры огромная заслуга Конёнкова. В отличие от Голубкиной у Коненкова отсутствует драматизм, душевный надлом, его образы полны народного оптимизма. Работы Конёнкова: «Сон» (1913 г.), «Стрибог» (1910 г.), бюст А. П. Чехова (1908 г.), «Паганини» и т. д.

Из монументальных работ начала века выделяется памятник Н. В. Гоголю Н. А. Андреева (1873–1932),открытый в Москве в 1909 г. Это Гоголь последних лет жизни, неизлечимо больной. Необычайно выразительны его грустный профиль с острым носом, худая, кутающаяся в шинель фигура: Андреев передал трагедию великой творческой личности.

Живопись. Живописцы рубежа веков воспринимали свою эпоху как время глубоких драматических конфликтов, время неизбежных социальных потрясений, которые должны были обновить мир и изменить человеческие судьбы. Здесь были истоки и социальной активизации искусства, и появления утопических концепций, и обострения интереса к национальным особенностям русской культуры прошлого.

Михаил Васильевич Нестеров (1862–1942) был учеником В.Г. Перова. Ранние работы Нестерова выполнены в бытовом жанре: незатейливые бытовые сюжеты, отражающие домашнюю жизнь обывателей и изображающие незначительные сценки из жизни простых людей.

В 1887 г. Нестеров написал одно из самых известных своих произведений — картину «Христова невеста». Это новое по сюжету произведение положило начало следующему периоду в творчестве художника.

Многие работы периода 1890-х гг. Нестеров посвятил образу Сергия Радонежского. Это не были исторические полотна. Основная идея этих работ раскрывается в следующих словах Нестерова: «Я передаю легенду, сложенную в давние годы родным моим народом о людях, которых он отметил своей любовью и памятью». Цикл работ о Сергии Радонежском включает в себя пять полотен: «Видение отроку Варфоломею» (1889–1890 гг.), «Юность преподобного Сергия» (1892–1897 гг.), «Труды преподобного Сергия» (триптих, 1896–1897 гг.), «Преподобный Сергий» (1898 г.), «Прощание преподобного Сергия с князем Дмитрием Донским» (эскизы, 1898–1899 гг.).

«Великий постриг» (1897–1898 гг.) и «Под благовест» (1895 г.) фокусируют в себе эмоциональный строй предыдущих работ Нестерова, посвященных старообрядчеству. Фрагментарность композиций придает действию характер быстротечности.

Программными произведениями Нестерова стали «Святая Русь» (1905 г.) и «На Руси» («Душа народа», 1916 г.). На первой картине художник представил Христа в окружении святых и народа, на фоне русской природы. Полотно «На Руси» изображает крестный ход. Здесь Нестеров создает обобщенный образ русского народа, показывая все сословия и типы, не только современные, но и исторические. На картине запечатлены и реальные персонажи — Л. Н. Толстой, Ф. М. Достоевский и др.

Революция 1905 г. изменила творческое направление художника. Он обратился к образам конкретных, часто близких ему людей. Через их портреты передавая сложность и противоречивость действительности. Один из лучших портретов 1900-х гг. — портрет Е. П. Нестеровой, жены художника (1905 г.). Свет ясного зимнего дня, мягко рассеиваясь в комнате, не нарушает покоя и светлой грусти, которые излучает молодая женщина. Два наиболее значимых портретов – «Портрет хирурга С. С. Юдина» (1935 г.) и «Портрет И. П. Павлова» (1935 г.).

Нестеров писал портреты, посвященные философии и религии — «Философы» (1917 г.). На полотне изображены выдающиеся религиозные мыслители П. А. Флоренский и С. Н. Булгаков, прогуливающиеся у Троице-Сергиевской лавры.

Творчество Валентина Александровича Серова (1865–1911) соединило в себе черты разных художественных направлений: от реализма до импрессионизма и модерна. Больше всего Серов прославился как портретист. В 1887 г. он создал свой шедевр «Девочка с персиками». Это был портрет дочери С.И. Мамонтова Веры. Серов много работал вне мастерской, на открытом воздухе. В портрете М.Я. Симонович — «Девушка, освещенная солнцем» (1888 г.) — он стремился передать игру света и тени.

Знаток человеческих характеров, Серов помещал модели в удобную, естественную для них обстановку: светских барышень и дам писал в гостиных, деловых людей — в конторах и кабинетах, детей — на прогулке или за чтением. Что ни портрет у Серова, то новая композиция, новый психологический образ. «Портрет З. Н. Юсуповой» (1900–1902 гг.), «Портрет княгини О. К. Орловой» (1911 г.), «Портрет М. Н. Ермоловой» (1905 г.), «Портрет Иды Рубинштейн» (1910 г.).

Серов был превосходным пейзажистом. Его ранние этюды на случайные сюжеты выполнены в импрессионистической манере. Серов много полотен написан на тему русской природы — «Заросший пруд» (1888 г.).

С 1899 г. Серов принимал участие в выставках объединения «Мир искусства», под влиянием Бенуа заинтересовался исторической темой — «Петр I» (1907 г.). На картине царь изображен во время строительства Петербурга. Он стремительно шагает навстречу невским ветрам. Его сподвижники пригнулись и едва поспевают за ним.

После поездки в Грецию Серов написал «Похищение Европы» (1910 г.).

Константина Алексеевича Коровина (1861–1939) называют «русским импрессионистом». В ранних работах Коровина чувствуется влияние Саврасова.

В 1883 г. Коровин создал произведение, которое с полным правом будет названо впоследствии «первой ласточкой» импрессионизма в России, — «Портрет хористки».

Путешествуя по Европе во второй половине 1888 г. Коровин выполнил картины, для которых характерны четкость объемных форм и пластическая выразительность — «Испанки Леонора и Ампара» (1888–1889 гг.).

Красоту окружающего мира Коровин прекрасно воплощал в пейзажах. Он писал бульвары, эффектные морские виды, среднерусскую природу — «Зимой» (1894 г.). Картина изображает скромный, неприметливый уголок России. Но она притягивает внимание зрителей тончайшими переходами тонов, разнообразием приемов наложения красок. В 1906–1908 гг. художник пишет серию работ на тему ночного Парижа — «Париж ночью. Итальянский бульвар» (1908 г.), «Париж. Бульвар Капуцинок» (1906 г.) и др. Эти работы очень романтичны. Зритель погружается в таинственную атмосферу ночных огней, освещенных витрин, разноцветных фонарей.

Совсем иная палитра Коровина в натюрмортах. Он пишет густыми сочными красками, крупными контрастными мазками — «Рыбы, вино и фрукты» (1916 г.).

Коровин работал и как портретист. Лучшими портретами мастера считаются «Портрет Федора Шаляпина» (1911 г.), «Портрет венгерского художника Йозефа Риппль-Ронаи» (1912 г.).

Коровин много работал для театра, оформлял драматически, оперные и балетные спектакли.

Михаил Александрович Врубель (1856–1910) сначала учился на юриста, позже окончил Академию искусств. В начале лета 1884 г. принял участие в реставрации Кирилловской церкви XII в. на Подоле.

Врубель работал над эскизами для Владимирского собора, которые наложили неизгладимый отпечаток на все последующее творчество Врубеля. Именно в этот период завершилось в общих четах формирование сугубо «врубелевского» стиля.

Одной из главных тем в творчестве Врубеля был Демон из одноименной поэмы М. Ю. Лермонтова. Врубель очень ценил это произведение и знал его почти наизусть. Впервые к теме Демона Врубель обратился в 1885 г. в Киеве. Образ Демона необычайно захватил художника.

«Демон сидящий» (1890 г.), наиболее известный из врубелевских «Демонов», кажется и наиболее свободных от литературных ассоциаций. В сильной, едва умещающейся на полотне фигуре Печального юноши, с тоской взирающего на догорающий закат, очень мало демонического в общепринятом плане. В «Демоне сидящем» Врубель как бы подводит итог пережитому, своим раздумьям о судьбе человека и человечества на излете века. Этот Демон прекрасен и полон сил, но его могучий дух томится, скованный еще более могучей плотью.

«Демон поверженный» (1901 г.) явился одним из самых загадочных творений Врубеля. Это трагический образ, полный страдания и мученичества.

К теме Демона относятся картины «Голова Демона», «Демон летящий», «Демон стоящий» и др. Все иллюстрации к поэме «Демон» были выполнены Врубелем черной акварелью. Монохромность подчеркивала драматичность сюжета, но и она же заставляла художника изощрять всю свою гениальную фактурную изобретательность.

Увлеченный декоративной керамикой, в 1899–1900 гг. Врубель создает ряд скульптур-майолик на темы русских опер — «Лель», «Весна», «Садко», «Снегурочка» и др., а также майолику камина «Микула Селянович и Вольга».

В 1897 г. выполнен «Портрет С. И. Мамонтова» — одно из лучших произведений Врубеля в этом жанре. В своем творчестве Врубель обращается к сказочным, мифологическим и литературным образам — «Богатырь» (1898 г.), «Царевна-Лебедь» (1900 г.), «Фауст» (1896 г.) и др.

В 1899–1900 гг. Врубель написал ряд станковых работ, в которых с необычайной яркостью отразились стороны его творческого мышления связанные с мифотворчеством — «Пан» (1899 г.), «К ночи» (1900 г.). В этих полотнах благоговение перед вечной красотой соседствует ощущением жути от прикосновения к тайному, недоступному.

В конце жизни Врубель полностью ослеп.

В 90-х гг. XIX столетия появляются различные художественные кружки и объединения. Проходят различные выставки, рассчитанные, в том числе и на широкую публику.

«Мир искусства» не был узким кружком, но возник как идейно-художественное объединение, сплотившего на рубеже веков многих мастеров Москвы и Петербурга. В создании объединения особенно велика была роль С. Дягилева. С появлением «Мира искусства» связано появление многих художественных шедевров. А. Н. Бенуа, К. А. Сомов, Е. Е. Лансере, М. В. Добужинский, Л. С. Бакст — все исключительно талантливые личности, были основателями объединения. Позднее к ним примкнули З.Е. Серебрякова, Б.М. Кустодиев, Н.К. Рерих, И. Я. Билибин, А. Я. Головин. В разные годы с деятельностью «Мира искусства» было связано творчество таких художников как В. А. Серова, М. А. Врубеля, К. С. Петрова-Водкина.

«Мир искусства» — это целая череда выставок, каждая из которых становилась особым художественным явлением и определяла уровень культурной жизни России.

Александр Николаевич Бенуа (1870–1960) — живописец, график-станковист и иллюстратор, театральный художник, режиссер, автор балетного либретто, теоретик и историк искусства, музыкальный деятель, он был идейным вождем, политиком и дипломатом « Мира искусства»

Особой притягательностью для Бенуа обладала фигура Павла I. Художник размышлял о парадоксальности судьбы этого монарха. Павловской эпохе Бенуа посвятил целый цикл работ. Но истинным кумиром для художника был Петр Великий. В Петре он видел не только разрушителя старого уклада, реформатора и созидателя, но и большого художника, «строителя жизненной красоты».

Шедевром книжной иллюстрации явилось графическое оформление «Медного всадника» А. С. Пушкина (1903–1922 гг.; тушь и акварель, имитирующие цветную гравюру на дереве). В серии иллюстраций к великой поэме главным героем становится архитектурный пейзаж Петербурга, то торжественно патетический, то мирный, то зловещий, на фоне которого еще ничтожнее кажется фигура Евгения. Так Бенуа выражает трагический конфликт между судьбами российской государственности и личной судьбой маленького человека.

Как театральный художник Бенуа оформлял спектакли «Русских сезонов», из которых самым известным был балет «Петрушка» на музыку Стравинского.

Деятельность Бенуа — художественного критика и историка искусства, обновившего вместе с Грабарем методы, приемы и темы русского искусствознания — это целый этап в истории искусствоведческой науки.

Константин Андреевич Сомов (1869–1939) в своих работах использует мотивы рококо. Сомов имел особое пристрастие к некоторым жанрам: пейзаж, интерьер, портрет, ретроспективная картина, оформление книг.

Один из самых лучших пейзажей художника — «Вечерние тени» (1900–1917 гг.). В нем есть характерная для пейзажных работ Сомова композиционная завершенность. Точка зрения – сверху вниз. Тема радуги, костра и фейерверка — одна из ведущих в пейзажах Сомова. Почти так же часто, как радугу Сомов пишет таинственные сумерки с их контрастами света и тьмы.

Вечерние тени. 1900-1917

Интерьеры Сомова часто строятся на контрасте затененного первого плана и ярко освещенного второго — солнечного, зеленого пейзажа за окном или дверью. Еще один формальный прием художника: точка зрения, при которой стена комнаты становится параллельной плоскости холста или листа и почти совпадает с ней — это усиливает декоративность композиции.

Сомов вошел в русское искусство как умный и тонкий портретист, внесший много нового в этот трудный жанр. Художник создает новый тип портрета — ретроспективный. Своих современников он пишет в платьях ушедших эпох, на фоне старых парков — «Дама в голубом» (портрет Е. М. Мартыновой, 1897–1900 гг.).

Карандашные портреты (портрет А. Блока, 1907 г.) — одна из многих областей творчества Сомова, в которых проявилось его мастерство графика. Художник так же работает над иллюстрациями к книгам.

В 1910-х гг. начинает ощущаться предвестие творческого тупика художника. Сомов повторяет одни и те же композиционные приемы и светоцветовые эффекты. Так в ряде картин из серии «Фейерверки» («Арлекин и дама», 1910 г.; «Пьеро и дама», 1910 г.) художник варьирует один и тот же тип композиции.

Во втором десятилетии века ретроспективная живопись Сомова переживает кризис. Она становится сухой и жесткой, пестрой и слащавой.

Мстислав Валерианович Добужинский (1875–1957) вступил на художественное поприще в самом начале XX в.

Первые работы художника обратили на себя внимание новой петербургской сюжетикой, остротой образности и резкой подчеркнутостью выражения идеи. Одни из лучших работ этого плана — «Старый домик», «Окно парикмахерской» и «Домик в Петербурге». В этих произведениях ярко проявилась индивидуальность Добужинского. Драматизм и трагический настрой этих работ отражал сложные годы общественных потрясений. Добужинский показал, на сколько емок может быть простой городской пейзаж. Его работы часто лишены людей, но от того они ничуть не теряют состояния внутренней напряженной жизни.

Особенностью работ Добужинского была графичность. Основными техниками ему служили акварель, пастель, гуашь. Наиболее слабым звеном был цвет. Его возможности художник использовал лишь отчасти. Он строил цветом композицию, а не форму. Основой его искусства стал рисунок.

С не меньшим успехом Добужинский работает в книжной и журнальной графике. Работал в сатирических журналах «Жупел» и «Адская почта». Он выполнил политически острые произведения, которые стали поводом для запрещения этих журналов. Создал карикатуру на Николая II — факт необыкновенно редкий в то время.

В начале 1906 г. был создана первая работа в портретном жанре, портрет поэта и критика К. А. Сюннерберга, известен как «Человек в очках». В портрете сконцентрированы все нюансы мучительных противоречий русской интеллигенции — ее метущееся состояние, растерянность, вечная тоска по свободе и отчаянное желание сохранить внутреннюю честность.

Евгений Евгеньевич Лансере (1875–1946) занимался станковой и монументальной живописью, графикой, был театральным художником, создавал эскизы для произведений прикладного искусства. Предпочитал изображать картины русской жизни XVIII в. — «Корабли времен Петра I» (1909 г., 1911 г.), гуашь «Императрица Елизавета Петровна в Царском Селе» (1905 г.).

Значительное место в творчестве занимает графика — станковая, книжная и журнальная.

Союз русских художников — объединение, которое возникло в 1903 г. в Москве. Его ядро составляли К. Ф. Юон, А. Е. Архипов, И. Э. Грабаря, А. А. Рылов. Большую роль в появлении Союза сыграл «Мир искусства», хотя московские мастера во много стремись противопоставить себя петербуржцам. Они были далеки от символизма и связанных с ним идей. Их стиль соединял реалистические традиции передвижников и опыт импрессионизма в передаче воздуха и света.

Игорь Эммануилович Грабарь (1871–1960) — русский живописец, историк искусства, первый директор Государственной Третьяковской галереи.

Главные мотивы картин Грабаря — снег и иней. Первой значительной работой стала картина «Белая зима. Грачиные гнезда» (1904 г.). Гармония тональных отношений в картине порождена светом зимнего серебристого, бессолнечного дня.

В феврале и марте 1904 г. была написана «Февральская лазурь». В этой работе художник смог раскрыть все многообразие голубых тонов. Вертикальный формат картины акцентирует пластику березы. Картина была полностью написана с натуры. Это была одна из самых высших точек творческой жизни Грабаря-художника, определивший дальнейший его путь.

Вся серия работ на «зимнюю» тему была показана в конце 1904 г. на выставке союза русских художников и пользовалась огромным успехом — «Мартовский снег», «Снежные сугробы», «Вешний поток».

Грабарь писал натюрморты. Среди первых удачных работ был этюд «Банка с вареньем и яблоки» (1904 г.). Большинство натюрмортов 1900–1910 гг. — цветочные. В натюрмортах воплощен импрессионизм — «Сирень и незабудки» (1905 г.), «Хризантемы» (1905 г.). «Чайные» натюрморты стали популярны среди московских живописцев. Грабарь внес в этот жанр много изысканных решений. «Послеобеденный чай» (1904 г.) и «Утренний чай» (1904 г.), стали первыми в ряду подобных работ.

Также Грабарь работал в жанре пейзажа — «Березовая аллея» (1956 г.).

«Голубая роза». В марте 1907 г. в Москве по инициативе меценат, коллекционера и художника-любителя Н.П. Рябушинского открылась выставка группы живописцев под названием «Голубая роза». Ее основные участники — П. Кузнецов, С. Судейкин, Н. Супанов, М. Сарьян и др. — выпускники Московского училища живописи, ваяния и зодчества. Их объединило глубокое увлечение идеями символизма. Большое влияние на молодых художников-символистов оказало творчество В.Э. Борисова-Мусатова. Главная задача творчества символистов: погружение в мир тончайших, неуловимых чувств, затаенных и сложных внутренних ощущений, которые невозможно объяснить словами.

Выставка «Голубая роза» не привела к созданию прочного художественного объединения московских символистов. Но ее название позднее превратилось в метафору, определяющую основные черты их стиля: камерность, тягу к отражению тончайших ощущений, богатство и гибкость цветовой палитры, чуткое отношение к передаче света.

Павел Варфоломеевич Кузнецов (1878–1968) — наиболее яркий представитель символистов. Его творчество близко манере его учителя Борисова-Мусатова и французских символистов группы «Наби».

Пейзажи Кузнецова выдержаны в холодных тонах: серо-голубом, бледно-сиреневом. Очертания предметов расплывчаты, изображение пространства тяготеет к декоративной условности. Огромное внимание уделял своеобразной передаче света, сообщающего пейзажу ощущение мягкости и одновременно чувство пронзительной грусти.

Работы Кузнецова: «Фонтан», «Утро», «Мираж в степи» (1912 г.).

Мартироса Сергеевич Сарьян (1880–1972) мог прекрасно демонстрировать тонкость ощущений и символическую недоговоренность. Подлинная стихия Сарьяна — мир Востока с его темпераментностью и обжигающей яркостью палитры. Художник лепит форму сочными красками и энергичными мазками.

Работы Сарьяна: «Улица. Полдень. Константинополь» (1910 г.), «Финиковая пальма» (1911 г.).

Николай Николаевич Сапунов (1880–1912) Соединил в своих работах элементы символизма и примитивизма. Он писал легкими короткими мазками, сложно соединенными чистыми красками. Большое значение для Сапунова имели образы ушедших эпох.

Работы Сапунова: «Карусель» (1908 г.), «Бал» (1910 г.).

Сергей Юрьевич Судейкин (1882–1946) писал полотна ностальгического настроения. Действие картин разворачивается, как правило, в английских парках, среди листвы и теряющихся в ней легких беседок — «В парке» (1907 г.).

«Бубновый валет» — название выставки, состоявшейся в Москве в марте–апреле 1910 г. и давшее начало одноименному художественному объединению. Ядро экспозиции составляли работы М. Ф. Ларионова, Н. С. Гончаровой, П. П. Кончаловского, И. И. Машкова, А. В. Лентулова, А. В. Куприна, Р. Р. Фалька. Они считали себя последователями Сезанна. Выставка имела шумный и скандальный успех. Группа «Бубновый валет» просуществовала почти до 1917 г.

Центральное место среди произведений членов «Бубнового валета» занимали пейзаж и натюрморт. Художники проявляли повышенный интерес к народному искусству — изображения с провинциальных вывесок и старинных лубков, росписям подносов и игрушек.

Петр Петрович Кончаловский (1876–1956) в своем творчестве сочетал влияние Сезанна с примитивизмом. В основном писал портреты. Многие его работы отличает простота, доведенная почти до гротеска. Работы: «Наташа на стуле» (1910 г.), «Портрет Г. Б. Якулова» (1910 г.).

Илья Иванович Машков (1881–1944) в своих работах прекрасно демонстрирует особенности «русского сезаннизма». Писал густыми и очень яркими красками; создавал портреты, натюрморты: «Портрет Лентулова», «Автопортрет», «Синие сливы» (1910 г.), «Снедь московская. Хлебы» (1924 г.).

Аристарх Васильевич Лентулов (1882–1943) пытался представить все предметы реального мира как постоянно движущиеся абстрактные формы. Он клал краски мелкими, часто точечными мазками, делая масляную живопись похожей на мозаику. Лентулов старался украсить свои картины как только возможно: он наклеивал на них золоченную гофрированную бумагу, золотые и серебряные звезды. Работы: «Василий Блаженный» (1913 г.), «Звон» (1915 г.).

С начала 1920-х гг. Лентулов переходит от огромных картин-панно к произведениям менее масштабным и более натурным. Став председателем Общества московских художников (объединившего в 1928 г. большинство «валетов»), он переходит к тональной живописи, слегка сохраняющей оттенки былой форсированности цвета; создает пейзажи, портреты, натюрморты, пронизанные ощущением полноты бытия — «Закат на Волге» (1928 г.); «Солнце над крышами. Восход» (1928 г.) и др.

Роберт Рафаилович Фальк (1886–1958) много работал в области пейзажа. Он стремился сделать все элементы картин (дома, землю, небо) предельно близкими по фактуре, словно они созданы из одной материи. Тяготел к густым краскам, которые у него приобретали особенно терпкий оттенок — «Старая роза» (1913 г.). Старался обобщить форму и вылепить массу цветом.

Постепенно, на протяжении 1920-х гг., живопись Фалька становится сложнее и тоньше. Исчезают кубистические сдвиги — эмоциональное напряжение в портрете теперь может быть передано и без них. Поверхность холста мягко вибрирует сложным, как бы подвижным цветом. Фальк ищет в картине целостную, насыщенную цветом и светом среду, обволакивающую людей и предметы.

Многочисленные пейзажи Парижа тают в перламутровой дымке мягких золотисто-оливковых тонов. Художника больше интересует воздух города, нежели его дома и мосты, улицы и зеленоватая вода Сены. Цельность цветовой и световоздушной среды растворяет подробности. Интимностью, мягкой лирикой проникнуты и портретные работы, особенно женские, — чуть-чуть нарочито вытянутые, плавно очерченные фигуры: «Портрет Л.М. Эренбург» (1933–1934 гг.), «Больная» (1935 г.), «Парижанка» (1936 г.).