20.3 Искусство России второй половины XIX в.

В 60-70 гг. XIX в. в русском искусстве наметился новый этап, искусство сближается с жизнью революционно-освободительными движениями. Тема народа, социальной несправедливости становится главной в искусстве, а критический реализм — основным творением метода. Утверждение новых направлений происходило в борьбе с академизмом, господствовавшим в Петербургской Академии Художеств. Консерватизм традиций привел в 1863 г. к «бунту 14 выпускников», которые отказались писать домашние работы на сюжет скандинавской мифологии и в знак протеста покинули Академию Художеств. Они образовали Петербургскую артель свободных художников. В 1870 г. по инициативе Н. Н. Ге, В. Г. Перова было организовано Товарищество передвижников художественных выставок.

Пейзажная живопись. В этом направление работали И. К. Айвазовский, А. К. Саврасов, И. И. Шишкин, А. И. Куинджи, И. И. Левитан, Ф. А. Васильев.

Иван Константинович Айвазовский (1817–1900) — русский художник-маринист. Живописец Главного морского штаба (1844 г.), академик Петербургской академии художеств (1844 г.) и ряда заграничных академий. Айвазовский учился в Петербургской академии художеств (1833–1839 гг.). Автор грандиозных полотен, в которых романтически воспевает силу и величие морской стихии, а также картин, посвящённых героическим делам русского флота. Им написано около 6 тыс. картин. Он писал не только море: украинские степи, поросшие седым ковылем, чумацкие возы на крымских дорогах, прибрежные города и гавани; писал баталии, принесшие славу русскому флоту. Но подлинным призванием Айвазовского было изображение морской стихии. Писал не с натуры, а по памяти и воображению.

Живопись Айвазовского 40–50-х гг. отмечена сильным воздействием романтических традиций К. П. Брюллова. Очень ярко это отразилось в одной из ранних батальных картин «Чесменский бой», написанной им в 1848 г., посвященной выдающемуся морскому сражению. Гордость выдающимся подвигом русских моряков, радость достигнутой победы прекрасно передал Айвазовский в своей картине. Бой изображен в ночное время. В глубине бухты видны горящие корабли турецкого флота, один из них — в момент взрыва. Охваченные огнем и дымом, в воздух летят обломки корабля, превратившегося в огромный пылающий костер. А сбоку, на переднем плане, темным силуэтом высится флагман русского флота, к которому, салютуя, подходит шлюпка с командой лейтенанта Ильина, взорвавшего свой брандер среди турецкой флотилии. При близком рассмотрении на воде видны обломки турецких судов с группами матросов, взывающих о помощи, и другие детали.

Духом эпической героики овеяны не только батальные картины Айвазовского. Его лучшими романтическими произведениями второй половины 40-50-х годов являются: «Девятый вал» (1850 г.), «Буря на Черном море» (1845 г.), «Георгиевский монастырь» (1846 г.), «Вход в Севастопольскую бухту» (1851 г.), «Черное море» и др.

Алексей Кондратьевич Саврасов (1830–1897) — русский живописец, передвижник. Выдающийся пейзажист, один из родоначальников русского реалистического пейзажа, передал поэтическую красоту и значительность обыденных городских и сельских мотивов, заложивший основы лирического пейзажа (или «пейзажа настроения») в русском искусстве.

Раннее творчество Саврасова развивается всецело в рамках романтизма (резкий контраст переднего и заднего планов). Наиболее зрелым произведением этого периода является «Вид в окрестностях Ораниенбаума» (1854 г.), за который Саврасов получил звание академика. Последующие поиски приводят к более спокойным, гармонически ясным колористическим и композиционным решениям.

В 1871 г. мастер создает лучшие свои работы — «Печерский монастырь под Нижним Новгородом»; «Разлив Волги под Ярославлем». Картина «Грачи прилетели» (1871 г.) стала самым популярным русским пейзажем, своего рода живописным символом России. Этюдная работа над «Грачами» шла в марте. Талый снег, весенние грачи на березках, серо-голубое, блеклое небо, темные избы и древняя церквушка на фоне дальних стылых лугов, — все сплавилось в образ удивительного поэтического обаяния. Картине свойственен поистине волшебный эффект узнаваемости, «уже виденного» — причем не только где-то близ Волги, где писались «Грачи», а чуть ли не в любом уголке страны.

Позже Саврасов пишет: замечательные московские пейзажи, органично сочетающие бытовую простоту переднего плана с величавыми далями — «Вид на Московский Кремль. Весна» (1873 г.); виртуозные по передаче влаги и светотени — «Проселок» (1873 г.).

Иван Иванович Шишкин (1832–1898) — русский живописец и график, передвижник. Выдающийся мастер пейзажа, органически соединил в своей живописи и графике черты романтизма и реализма. В эпических образах раскрыл красоту, мощь и богатство русской природы (преимущественно лесной). Мастер литографии и офорта. Шишкин — замечательный поэт почвы и дерева, тонко чувствующий характер каждой породы.

Для ранних работ мастера характерна некоторая дробность форм; придерживаясь традиционного для романтизма построения картины, четко размечая планы, он не достигает убедительного единства образа. Позже это единство предстает уже очевидной реальностью, прежде всего за счет тонкой композиционной и света — воздушно-колористической координации зон неба и земли, почвы.

В 1870-е гг. мастер входит в пору творческой зрелости, о которой свидетельствуют картины «Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии» (1872 г.) и «Рожь» (1878 г.). Новые реалистические веяния проступают в выписывании примет конкретного куска земли, уголка леса или поля, дерева.

Художнику одинаково удаются и долевые виды, и лесные «интерьеры» («Сосны, освещенные солнцем», 1886 г.; «Утро в сосновом лесу» где медведи написаны К. А. Савицким, 1889 г.). Самостоятельную ценность имеют его рисунки и этюды, представляющие собой детализованный дневник природной жизни. Плодотворно работал также в области офорта. Печатая свои пейзажные офорты в разных состояниях, издавая их в виде альбомов, Шишкин мощно активизировал интерес к этому виду искусств.

Архип Иванович Куинджи (1841–1910) — русский живописец-пейзажист. Сын сапожника, грека по национальности. Живописи учился самостоятельно, в 1868 г. занимался в петербургской Академии художеств. В 1878 г. получил звание «классного художника первой степени» за картины «На острове Валааме», «Чумацкий тракт в Мариуполе», «Украинская ночь» и «Степь».

В ранний период творчества испытал влияние Айвазовского. В первых работах проявляет интерес к проблемам передачи света — «Исаакиевский собор при лунном освещении». В зрелый период творчества, используя световые эффекты и интенсивные цвета, сведенные к нескольким главным тонам, художник стремился передать наиболее выразительные по освещению состояния природы — «Березовая роща» (1879 г.); «После грозы» (1879 г.); «Ночь на Днепре» (1880 г.). Для получения в своих пейзажах панорамных эффектов Куинджи применял различные композиционные приемы, например высокий горизонт. Его картины, прежде всего «Ночь на Днепре», произвели неизгладимое впечатление на современников, особенно на художников, и принесли Куинджи широкую известность. Со временем многие из полотен художника потеряли первоначальный вид: краски потускнели, цвет их изменился.

Исаак Ильич Левитан (1860–1900) — русский живописец-передвижник. Крупнейший мастер русского пейзажа конца XIX в., заложивший в этом жанре принципы символизма и модерна, создатель «пейзажа настроения».

Ранние работы художника порой напоминают маленькие лирические новеллы с открытым концом — «Осенний день. Сокольники» (1879 г.). Полного расцвета искусство Левитана как мастера пейзажа-картины, умеющего превратить простой мотив в образ России, достигает в «Березовой роще» (1885–1889 гг.). Левитан много писал природу Волги — «Вечер на Волге» (1888 г.). Левитан создает классические образцы «церковного пейзажа», где здания храмов вносят в природу умиротворение («Вечерний звон», 1892 г.) или, напротив, тревогу, («Над вечным покоем», 1893-1894 гг.). Гражданская скорбь сочетается с религиозной в картине «Владимирка» (1892 г.), где на дороге, по которой гнали арестантов в Сибирь, видна лишь одинокая фигурка странника близ придорожной иконки.

Последняя, неоконченная картина Левитана — «Озеро. Русь» (1900 г.). Левитан также создавал виртуозные образцы акварельной и пастельной живописи.

Федор Александрович Васильев (1850–1873) окончил Рисовальную школу при Обществе поощрения художников, пользовался советами Шишкина и Крамского. Его произведения свидетельствуют о незаурядном даровании, не успевшем полностью раскрыться из-за ранней смерти художника — «Оттепель» (1871 г.), «Мокрый луг» (1872 г.), «В Крымских горах» (1873 г.).

Историческая, бытовая и портретная живопись. В этих жанрах работали В. Г. Перов, И. Н. Крамской, Н. Н. Ге, В. В. Верещагин, И. Е. Репин, В. И. Суриков, В. М. Васнецов, В. Д. Поленов, Н. А. Ярошенко.

Василий Григорьевич Перов (1833–1882) — русский живописец, один из организаторов Товарищества передвижников.

Ранние произведения Перова проникнуты анекдотически «обличительным» настроением, представляя собой живописные карикатуры, в том числе на духовенство — «Сельский крестный ход на Пасхе» (1861 г.), «Чаепитие в Мытищах» (1862 г.). Мастер тщательно выписывает характеры и обстановку, стремясь к нравоучительному эффекту. Сатирическое настроение с годами ослабевает, сменяясь драматической экспрессией либо добродушным юмором.

Колорит Перова обрел более острую, тональную выразительность в картинах — «Проводы покойника» (1865 г.), «Ученики мастеровые везут воду» (1866 г.). Крестьянские похороны в первом случае и эпизод из жизни обездоленных детей-подмастерьев, во втором предстают уже не просто социальной сатирой, но драмой об «униженных и оскорбленных», по смыслу своему общечеловеческой.

Перов внес также большой вклад в искусство портрета. Он создал образы ряда известных деятелей культуры («А.Н. Островский», 1871 г.; «В.И. Даль», 1872 г.; «М.П. Погодин», 1872 г.). Его портрет Ф. М. Достоевского (1872 г.) считается лучшим живописным изображением писателя. Персонажи Перова полны особой внутренней значительности вне зависимости от своего социального и культурного статуса.

В 1870-х гг. Перов пишет жанровые композиции — «Охотники на привале» (1871 г.). Картина «Старики-родители на могиле сына» (1874 г.) написана как иллюстрация к финалу тургеневских «Отцов и детей».

Иван Николаевич Крамской (1837–1887) — русский живописец, критик и теоретик искусства, один из самых значительных мастеров русского реализма XIX в. Завоевав высокий авторитет уже в молодые годы, стал инициатором так называемого «бунта четырнадцати», а также организатором Артели художников и Товарищества художественных передвижных выставок.

Крамской проявил себя, прежде всего как замечательный портретист. Начиная с автопортрета 1867 г. он утверждает идеалы гордой, нравственно сильной личности: портреты Л.Н. Толстого (1873 г.); П.М. Третьякова (1876 г.); М.Е. Салтыкова-Щедрина (1879 г.). Та же мягкая живописность, четкая ясность пластической композиции выделяет и крестьянские образы: «Полесовщик» (1874 г.); «Крестьянин с уздечкой» (1883 г.). Крамской часто применял в портретах монохромную технику соуса (живопись смесью черного красящего порошка с клеем и водой), добиваясь особой тонкости светотеневых переходов.

Этапное значение имеют сюжетно-тематические полотна Крамского. Религиозным картинам придавал актуально-политическое звучание. Его «Христос в пустыне» (1872 г.) выглядит как собирательный образ современного человека в момент мучительного внутреннего выбора. Все творчество мастера пронизывает тяга к картине-символу, воплощающему «вечные темы» — «Русалки» (1871 г.). В таинственные олицетворения женского начала порой превращаются его портреты («Неизвестная», 1883 г.). Во всех этих вещах мастер выступает как непосредственный предшественник символизма.

Николай Николаевич Ге (1831–1894) — русский живописец, один из основателей Товарищества передвижных художественных выставок. Ге выдающийся мастер портрета и сюжетной, в том числе религиозной, картины, обновивший ее язык в преддверии символизма и авангарда.

Первой, по его словам, «самостоятельной картиной», к тому же вызвавшей бурный общественный резонанс, стала «Тайная вечеря» (1863 г.). Ге отказался здесь от академически идеализированной трактовки религиозного сюжета, представив его как реальную психологическую драму. Противостояние Христа и Иуды, тема отступничества наложилась в сознании интеллигенции на смуту и раскол, царившие в политической оппозиции тех лет, что усилило актуальность картины. Другим важным успехом Ге явился «Портрет А. И. Герцена» (1867 г.).

Ге выступил как реформатор исторического жанра. Трагический конфликт не только двух персонажей, но и двух антагонистических эпох русской истории пронизывает картину «Петр I допрашивает царевича Алексея Петровича в Петергофе» (1871 г.).

Стремясь, приблизить Евангелие к мыслям и чувствам современников, Ге переходит к широкой, эскизной манере письма, обостряя цветосветовые контрасты. В картине «Что есть истина?» (1890 г.), Христос изображен перед Пилатом, обращающим к нему свой насмешливо-цинический вопрос. Экспрессионизм Ге, мощная выразительность крупного, мерцающего мазка достигают апогея в картине «Голгофа» (1893 г.). В двух вариантах «Распятия» (1892–1894 гг.) атмосфера исступленного отчаяния производила шокирующий эффект. Такого рода образы вызвали резкую критику со стороны церкви и консервативных кругов общества; с другой стороны, политические и религиозные вольнодумцы почитали их в виде своего рода «толстовских икон».

Параллельно Ге создает замечательные, полные внутренней одухотворенности портреты — портрет Л. Н. Толстого за письменным столом, который считается одним из лучших прижизненных изображений писателя.

Василий Васильевич Верещагин (1842–1904) — русский живописец. Участвовал в экспозициях Товарищества передвижных художественных выставок. В правдивых батальных картинах на темы войны в Туркестане, Отечественной войны 1812 г. (цикл «Наполеон в России») показал народные массы как главную силу военных событий, с демократических позиций обличал завоевательные войны. Известнейшее полотно серии, «Апофеоз войны» (1870–1871 гг.), — с грудой черепов на фоне пустынных, безжизненных горизонтов, — снабжено красноречивой надписью на раме: «Посвящается всем великим завоевателям: прошедшим, настоящим и будущим».

После путешествия по Индии Верещагин создал «индийскую серию» — с красочными этнографическими мотивами, а также разоблачительными сюжетами английской колониальной экспансии. В 1878–1880 гг. пишется «балканская серия», посвященная русско-турецкой войне. Особенно сильное впечатление на современников произвела картина «Побежденные. Панихида» (1878–1879 гг.), где под пасмурным небом расстилается целое поле трупов, присыпанных лишь тонким слоем земли.

Остро чувствуя своим темпераментом художника-публициста, напряженный пульс времени, мастер вновь и вновь устремляется в горячие точки планеты и гибнет во время русско-японской войны, в Порт-Артуре, при взрыве броненосца «Петропавловск».

Илья Ефимович Репин (1844–1930) — русский живописец, передвижник. Работал над темой революционного движения. В исторических полотнах раскрывал трагические конфликты. В портретах современников раскрывал личность в психологическом и социальном плане. Репин соединил крепкую традицию реализма XIX в. с новациями рубежа веков, завоевав славу своими полотнами, будоражившими общественное сознание.

Известные «Бурлаки на Волге» (1870–1873 гг.) пишутся как академический заказ. Репин создает на базе многочисленных натурных этюдов — в основном написанных во время путешествия по Волге — картину, которая, сразу сделав молодого мастера знаменитостью, производит сенсацию. Зрителей впечатляет и яркая выразительность натуры — народных типов — и ощущение грозной силы социального протеста, назревающей в этих нищих изгоях. Весь красочный и композиционный строй картины выражает не только величие Волги и ее тружеников, но саму политическую атмосферу общества, его чаяния и тревоги.

Художник стремится закрепить успех «Бурлаков» в драматических или стихийно-праздничных сценах народной жизни. Итогом этих поисков стал новый шедевр — «Крестный ход в Курской губернии» (1880–1883 гг.).

Растущий социальный разлад, волна террора, жертвой которого стал император Александр II, заставляют художника задуматься над темой революции — «Не ждали» (1884 г.). В центре образов — борец с самодержавием, героически непреклонный, но в то же время трагически отчужденный от окружающей его человеческой среды.

Репин пишет ряд исторических картин — «Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 г.» (1885 г.), «Запорожцы пишут письмо турецкому султану» (1878–1891 гг.). Сцена убийства Иваном Грозным своего сына производит шоковое воздействие на публику, ассоциируясь с революционным и контрреволюционным насилием 1880-х гг.

Важную часть репинского наследия составляют его портреты. Он создает острохарактерные типажные композиции, образы выдающихся деятелей культуры, грациозные светские однофигурные и эффектные многофигурные портреты: «М. П. Мусоргский» (1881 г.); портреты Л.Н. Толстого, «Торжественное заседание Государственного Совета» (1901–1903 гг.).

Наиболее известные графические работы Репина исполнены графитным карандашом или углем.

Василий Иванович Суриков (1848–1916) — русский живописец, передвижник. Лучший мастер русской исторической картины, соединивший реализм XIX в. с ярким живописным новаторством. В монументальных полотнах, посвященных переломных моментам, напряженным конфликтам русской истории, главным героем показал народную массу, богатую яркими индивидуальностями, исполненную сильных чувств. Картины отличаются широтой и полифоничностью композиции, яркостью и насыщенностью колорита.

Первый исторический шедевр Сурикова — «Утро стрелецкой казни» (1881 г.) — производит фурор. Избрав сюжетом, финальный эпизод последнего стрелецкого бунта 1698 г. — казнь мятежников на Красной площади под личным присмотром Петра I — Суриков показывает народное противодействие царским реформам сверху, где ни одна из сторон не остается победителем. Суриков воплощает в своих образах нелинейный, полифонический характер исторического процесса. Равноправие противоборствующих сторон составляет главное достоинство его «хоровой картины».

Свою репутацию выдающегося живописца-историка Суриков закрепляет в картинах «Меньшиков в Березове» (1883 г.) и «Боярыня Морозова» (1887 г.). Тесный, как тюремная камера, интерьер избы в первой картине, ее пластическая статика, и, напротив, широкий пространственный размах второй, где доминирует мотив движения, но движения в неволю, в равной мере знаменуют неодолимость исторических судеб. Для художника Россия всегда многолика, в его полотнах всегда минимум две России (даже простая крестьянская изба в «Меньшикове...» воспринимается как особый одухотворенный символ старины, в итоге как бы одолевшей некогда всесильного царедворца).

«Утро стрелецкой казни», «Меньшиков в Березове» и «Боярыня Морозова» составляют вершину творчества Сурикова. В последующих «хоровых» картинах художника «Покорение Сибири Ермаком» (1895 г.); «Переход Суворова через Альпы» (1899 г.) отсутствует драматургическая сложность, которая придает особое пластическое и психологическое богатство трем великим картинам Сурикова.

Виктор Михайлович Васнецов (1848–1926) — русский живописец, передвижник. Создавал жанровые картины, лирические или монументально-эпические полотна на темы русской истории, народных былин и сказок. Выступал как театральный художник и живописец-монументалист. Васнецов сыграл ведущую роль в эволюции русского искусства от реализма XIX в. к стилю модерн.

Обращаясь к темам фольклорной мифологии, Васнецов радикально реформирует русский исторический жанр, сочетая исторические реалии с атмосферой легенды. Среди его популярных полотен этого периода — «После побоища Игоря Святославича с половцами» (1880 г.), «Аленушка» (1881 г.), «Царь Иван Васильевич Грозный» (1897 г.). Наибольшую известность получила картина «Три богатыря» (1881–1898 гг.) с фигурами конных витязей Ильи Муромца, Добрыни Никитича и Алеши Поповича, охраняющих границы отечества.

Новаторский этап в сценографии составили васнецовские эскизы к постановке пьесы-сказки А.Н. Островского, воспроизведенные с археологической достоверностью — «Снегурочка» (акварель, 1881–1882 гг.). Мастером декоративной живописи Васнецов проявил себя в панно «Каменный век» (1883–1885 гг.), написанном для московского Исторического музея, изобразив на нем древних предков славян. Но самым крупным его свершением в области монументального искусства явились росписи киевского Владимирского собора (1885–1896 гг.); стремясь по возможности обновить византийские каноны, художник вносит в религиозные образы лирическое, личностное начало, обрамляет их фольклорным орнаментом.

Самобытен вклад Васнецова также в историю архитектуры и дизайна. По его эскизам в Абрамцеве были выстроены церковь в духе средневековой псковско-новгородской традиции (1881–1882 гг.) и шутливо-сказочная «Избушка на курьих ножках» (1883 г.). Им была также разработана декоративная композиция фасада Третьяковской галереи (1906 г.) с гербом Москвы (св. Георгий, побеждающий дракона) в центре.

Василий Дмитриевич Поленов (1844–1927) — русский живописец, передвижник. Театральный художник, организатор народного театра. Автор музыкальных сочинений (опера «Призраки Эллады», романсы). В своем творческом пути органично соединил верность традициям реализма XIX в. с чертами символизма и модерна. Был членом Товарищества художественных передвижных выставок.

Ранние картины Поленова решены в духе салонного романтизма. Мастерство пленэрной живописи и отдельные черты импрессионизма сочетаются в картинах: «Московский дворик» (1878 г.); «Бабушкин сад» (1878 г.).

С годами Поленов стремится придать своей палитре все большую психологическую выразительность; его многочисленные (русские и зарубежные) этюды с натуры полны искренней теплоты чувства. Но это чувства скорее созерцательные, чем драматически страстные или мистические. Поэтому серия евангельских картин, над которой художник работал многие годы производит двойственное впечатление: «Христос и грешница» (1886–1887 гг.). Поленов стремится решить нравственную задачу в религиозных образах, которые, однако, очаровывают не своим этическим посланием, а живостью пейзажных и этнографических наблюдений.

Живой интерес мастера к национальной архитектурной старине проявился в этюдах, изображающих Теремной дворец и соборы Московского Кремля (1877 г.). Поленов внес большой вклад в русский стиль внутри модерна, создав эскизы церквей, построенных в Абрамцеве (в соавторстве с В. М. Васнецовым, 1881–1882 гг.) и Бехове под Тарусой (1906 г.). Историческая стилизация под средневековье, характерная для этих храмов, отступает на задний план перед общей комфортностью и пластической выразительностью планировки и объемов в зданиях собственного дома (1891–1892 гг.) и мастерской («Аббатство», 1904 г.) на Оке.

Николай Александрович Ярошенко (1846–1898) — мастер бытового жанра, передвижник. Написал довольно много полотен, но известность ему принесла картина «Всюду жизнь» (1887–1888 гг.). На картине изображены люди в зарешеченном вагоне. Кто они: ссыльные или преступники непонятно. Ясно одно: им несладко приходится на свете, но они умеют радоваться жизни.