19.2.1 Костюм

Развитие модной индустрии во второй половине XIX в. определили два явления: возникновение Домов моды и повсеместное использование усовершенствованной швейной машинки. Магазины торговали готовым платьем.

Одежда мелкой и средней буржуазии, простых горожан следовала моде высшего света, но уступала в роскоши: сукно недорогая шерсть, скромные платки наброшенные, на плечи, вместе ручных кружева и вышивки — машинные.

У высших слоев: чем богаче заказчица, тем прихотливее фасон, дороже ткань и обильнее отделка. В моду вошли переливчатые и шуршащие ткани. При неизменности силуэта, заданного кринолином, детали сменяли друг друга: воротнички, шемизетки, рука, шарфики, манто, ротонды, бурнусы бедуинов с кисточкой на конце капюшона. В 1867 г. эпоха кринолина закончилась. В моду вошло цельнокроеное платье с плавно расширяющейся к низу юбкой и более скромной отделкой. Новый силуэт сделал женщин выше и стройнее.

В мужской моде главным ста деловой стиль. Элегантный костюм казался на размер больше. Появляется визитка — более свободный вариант сюртука со скругленными полами. Костюм дополняют светлые перчатки и галстуки. О состоятельности владельца позволяют судить часы с цепочкой, изящные табакерки, трости, булавки для галстука, кольца, запонки, цепочки для ключей.

В конце века в гардеробе появилась одежда для спорта и езды в автомобиле, восхитительные женственные туалеты из шифона и пенного кружева. Женщины носили прическу из пышно взбитых волос и обязательно широкополую шляпку.

20 Русское искусство XVIII–XIX веков

20.1 Искусство России XVIII в.

В XVIII в. в России происходит экономическое развитие, всестороннее развитие культуры. Искусство стало светским. Большое развитие получили архитектура, живопись, гравюра. Ведется строительство Петербурга. Приглашали иностранных мастеров для обучения русских. В первой четверти XVIII в. развито «пенсионерство» (поездка за границу на обучение). В это время талант ставился выше родовитости. Зародилась идея о создании Академии художеств.

В художественной культуре XVIII в. выделяют три периода:

1. Конец XVII – 20-е гг. XVIII в.: деятельность Петра I; закладываются основы Просвещения; идеология, связанная с воспитательной, созидательной ролью искусства в обществе.

2. 30–50-е гг. XVIII в.: связан с правлением Анны Иоанновны и Елизаветы Петровны, период пышного цветения барокко и перехода к классицизму в архитектуре.

3. Кульминация расцвета Просвещения — правление Екатерины II. Характеризуется взлетом во всех областях художественного творчества, расцвет классицизма, развитие русской словесности, время перехода от парсуны к портрету. Русское искусство вышло из периода ученичества.

Архитектура. Государственные и культурно-бытовые преобразования в Петровский период вызвали строительство промышленных и общественных зданий и сооружений — фортификаций, верфей, заводов, производственных и гостиных дворов, коллегий, госпиталей, учебных и музейных помещений, театров и жилых зданий. Строительство велось по регулярному плану. Применялись новые материалы, строительная техника.

На рубеже XVII и XVIII вв. большое строительство велось в Москве. Появились новые жилые сооружения, строящиеся вдоль улицы, а не как усадьбы — Дом Гагариных. Архитектор И. Зарудный построил Церковь архангела Гавриила (Меньшикова башня).

Велось активное строительство Петербурга. Был создан генеральный план города и строительства по укреплению реки Невы. В новую столицу в 1710 г. были приглашены: итальянцы Н. Микетти, Г. Киавери, К. Б. Растрелли, Д. Трезини, М. Фонтана, француз Ж. Б. Леблон, немцы Г. Маторнови, И. Шендель, А. Шлютер, голландец Г. Ван Болес. Дома в столице строили мазанкового типа и кирпичные, оштукатуриваемые в два цвета (стены — красные, светло-коричневые или зеленые, а лопатки, пилястры, наличники, русты на углах — белые). Для привлечения в Петербург каменщиков Петр I в 1714 г. издал указ, запрещающий по всей России, кроме столицы, строительство из камня и кирпича.

Доменико Трезини (1670–1734) впервые в русской архитектуре разработал в 1714 г. образцовые проекты жилых домов, предназначенных для застройщиков разного достатка: одноэтажные небольшие для беднейшего населения, побольше для знатных. Он сформирован русское барокко: рациональные конструкции, умеренность убранства. Самым знаменитым русским» проектом Трезини стал Петропавловский собор (1712–1733 гг.), базиликальная трехнефная по композиции церковь. В западной своей части высокой колокольней (106 м) с 34-метровым шпилем и флюгером в виде ангела, поднимается из-за стен крепости на 122 м, став одной из наиболее выразительных доминант в панораме города на Неве. Колокольня представляет единый, в несколько ярусов-этажей массив, напоминающий европейские колокольни или ратушные башни. Интерьер храма высок, светел, убран живописными панно и золоченой резьбой. Деревянный резной позолоченный иконостас в стиле барокко, исполненный архитектором и скульптором И. Зарудным (1722–1726 гг.), похож на торжественную триумфальную арку.

Д. Трезини также принадлежит здание Двенадцати коллегий (1722 г., закончено к 1742 г. при участии М. Земцова). Оно обращено к Неве боковым фасадом, а главным — к Петропавловской крепости (10 коллегий — органы государственного управления; сената и синода). Трехэтажное здание протяженностью 400 м, состоит из двенадцати одинаковых корпусов с раздельными крышами и портиками, соединенные торцами. Все корпуса объединяет открытая аркада с длинным коридором на втором этаже. По традиции того времени здание было окрашено в два цвета: кирпично-красный и белый.

Трезини также исполнил Петровские ворота Петропавловской крепости (1707–1708 гг. — из дерева, а в 1717–1718 гг. переведены в камень) в честь победы России в Северной войне. Для украшения ворот был приглашен скульптор Конрад Оснер Старший, изготовлявший деревянный рельеф «Низвержение Симона-волхва». Ниши ворот украсили статуи Беллоны и Минервы, авторство которых приписывается Н. Пино.

Михаил Григорьевич Земцов (1688–1743) — русский архитектор, представитель раннего барокко. Сначала 1720-х гг. принимал участие в осуществлении планировки ряда построек Летнего сада; в создании дворцово-паркового ансамбля в Петергофе. Среди других работ — Итальянский дворец на Фонтанке (1726–1728, не сохранился), церковь Симеона и Анны, Аничков дворец; отделка интерьеров парадных залов Кунсткамеры.

Иван Кузьмич Коробов (1700–1747) — русский архитектор, работал над зданием Адмиралтейства.

Россия в середине XVIII в. стала одной из самых развитых европейских стран. Все это обуславливало торжественно-декоративный облик дворцов и храмов — основных типов монументальных зданий в России в этот период. В середине XVIII в. стиль барокко в России имел ярко выраженные самобытные особенности: полихромия фасадов, стены которых окрашены в синие, красные, желтые и зеленые цвета, дополнением к этому служат пучки колонны, пилястры, обрамленные окна. Характерной чертой архитектурных произведений является то, что группы зданий или корпусов формируют замкнутый архитектурный ансамбль, раскрывающийся лишь при проникновении внутрь его. В дворцовых и церковных помещениях наряду с лепным живописным убранством стен и потолков выполнялись многоцветные узорчатые полы из разных пород дерева. Стены парадных помещений обрамлялись сложными профилированными позолоченными тягами. Распространено анфиладное расположение зданий и комнат.

Растрелли Франческо Бартоломео (1700–1771) — глава русского барокко середины XVIII в. К основным его работам относятся: ансамбль Смольного монастыря в Петербурге (1748–1754 гг.); дворцы елизаветинских вельмож М.И. Воронцова и С.Г. Строганова в Петербурге; императорские дворцы — Зимний в столице (1754–1762 гг.), Большой (Екатерининский) в Царском Селе (1752–1757 гг.), Большой дворец в Петергофе (1747–1752 гг.), Адреевская церковь и Мариинский дворец в Киеве. Все они характеризуют стиль барокко середины XVIII в. в России.

Одновременно с Ф.Б.Растрелли работал архитектор С.И. Чевакинский (1713–1770). Он спроектировал и построил громадный двухэтажный Никольский военно-морской собор (1753–1762 гг.) в Петербурге.

Крупнейшим представителем Московского барокко середины XVIII века был архитектор Дмитрий Васильевич Ухтомский (1719–1774). Его творчество развертывалось под влиянием художественных воззрений и произведений Ф.Б.Растрелли — дворцы в Кремле, Аннегофе и Перове. До наших дней дошло лишь одно произведение Ухтомского — пятиярусная колокольня в Троице-Сергиевской лавре в Загорске.

Во второй половине XVIII в. в области архитектуры работали:

Александр Филиппович Кокоринов (1726–1772) — здание Академии художеств в Петербурге (1763–1788 гг.).

Юрий Матвеевич Фельтен (Георг Фридрих, 1730–1801) — Воспитательный дом в Москве, Смольный университет.

Антонио Ринальди (1710–1794) — дворец Петра III (1758–1762 гг.), Мраморный дворец в Петербурге (1766–1785 гг.).

Василий Иванович Баженов (1738–1799) — Большой Кремлевский дворец (1767–1773 гг.), Царицынский ансамбль (1775–1785 гг.), Дом П.Е. Пашкова (1784–1786 гг., ныне библиотека им. Ленина).

Матвей Федорович Казаков (1738–1812) — здание Сената в Кремле (1776–1787 гг.), Петровский дворец (1775–1782 гг.), колонный зал в доме Благородного собрания в Москве (1784–90-е гг.), Галицынская больница. Был помощником Баженова.

Иван Егорович Старов (1745–1808) — Таврический дворец (1783–1789 гг.).

Джакомо Кваренги (1744–1817) — Эрмитажный театр в Петербурге (1783–1787 гг.), здание Академии наук (1783–1785 гг.), Ассигнационный банк (1783–1788 гг.), Смольный институт благородных девиц (1806–1808 гг.).

Чарлз Камерон (ок. 1740–1812) — Павловский дворец (1782–1786 гг.), «Камеронова галерея» (1783–1786 гг.), павильон «храм Дружбы» (1780–1782 гг.), отделка личных комнат Екатерины II в Екатерининском дворце Царского села.

Старов, Кваренги и Камерон придерживались канонов классицизма.

Императорские и усадебные дворцы создавались в единстве с садами и парками, которым присуще регулярная планировочная система с прямолинейными аллеями, подстриженной древесной растительностью и орнаментными цветниками. Созданы свободные парки на Гатчине, в Останкино, Павловске, Царицыно.

Скульптура. В первой половине XVIII в. скульптура, не имевшая в России давних традиций, развивалась довольно медленно. Князь Потемкин покупал скульптуру за рубежом («Венера Таврическая»). Все крупнейшие мастера того времени были иностранцами.

Растрелли Бартоломео Карло (1675–1744) — архитектор и скульптор, в 1716г. приехал в Россию. Он создал: бронзовый бюст Петра I (1723–1729 гг.), бюст Меньшикова, конная статуя Петру I (1720–1724 гг.), статуя Анны Иоанновны с арапчонком (1732–1741 гг.).

Фальконе Этьен Морис (1716–1791) создал знаменитый памятник Петру I («Медный Всадник») в 1766–1782 гг.

Во второй половине XVIII в. в России появились свои мастера, получившие образование в Академии художеств и за границей.

Федот Иванович Шубин (1740–1805) — очень популярный скульптор, выполнял множество заказов. Был крепостным, стажировался в Париже и Риме. Он создал обширную серию портретов: бюст кн. Голицына, портрет М. Р. Паниной, портрет Чернышевой, бюст Павла I, бюст Ломоносова, бюст Безбородко. Создал работы около здания Адмиралтейства.

Ф. Г. Гордеев создал известного «Прометея», рельефы на зданиях Академии художеств, Казанского собора, Старого Эрмитажа, надгробие Голицыных.

Михаил Иванович Козловский (1753–1802) в своем творчестве обращался в основном к античной мифологии и библейским преданиям — «Самсон, разрывающий пасть льва» (1800–1802 гг.). Самое известное произведение — памятник полководцу А.В. Суворову на Марсовом поле (1799–1801 гг.).

Феодосий Федорович Щедрин (1751–1825) — один из немногих русских скульпторов того времени, умевший изображать обнаженное тело в мраморе — статуи Венера (1792 г.), Диана (ок. 1798 г.). Создал скульптуры для Адмиралтейства в Петербурге, статуи для петергофских фонтанов — «Нева» (1804 г.), «Сирены» (1805 г.).

Живопись первой половины XVIII в. В XVIII в. живопись постепенно стала приобретать европейские черты: осваивалась линейная перспектива, позволявшая передать глубину пространства, художники стремились правильно изображать объем предметов с помощью светотени, изучали анатомию. Мастера пишут исторические композиции, баталии, натюрморты, портреты во всех разновидностях: камерный, парадный, в рост, погрудный, парный. В станковой живописи картины пишут маслом на холсте. Создаются парсуны, для которых характерны плоская трактовка формы, орнамент — «Портрет Тургенева».

Иван Никитич Никитин (1680–ок. 1742) — один из первых портретистов. Учился за границей. Он не раз писал императора с натуры, самое известное изображение — «Портрет Петра I на смертном ложе» (1725 г.).

Известны четыре его подписных портрета: «Портрет племянницы Петра I Прасковьи Иоанновны» (1726 г.), «Портрет Г. И. Головкина» (1720-е гг.), «Портрет старшей сестры Петра I Натальи Алексеевны» (1715–1716 гг.), «Портрет дочери Петра I Анны Петровны» (до 1716 г.).

Пятилетие по возвращении из-за границы — триумфальный и последний период его творчества. Он пишет своего знаменитого «Напольного гетмана» (1720-е гг.). Он небрежно облачен в коричневый с золотым позументом кунтуш с розовыми отворотами и свободно расстегнутую рубашку, волосы растрепаны. Запавшие глаза с покрасневшими веками под седыми нависшими бровями напряженно вглядываются не вдаль, а в глубь себя, красноречиво передовая мучительное состояние души. Психологическая острота образа подчеркнута резкой светотенью, теплым, несколько мрачноватым колоритом, построенном на сочетании коричневого, розового и золотого оттенков цвета.

Андрей Матвеевич Матвеев (1701—1739) учился в Голландии и Франции портретописи и монументальной живописи. По возвращении в Россию, был приглашен участвовать в создании живописных образов и общем оформлении Петропавловского собора. В Петропавловском соборе он выступает как инвертор, делает «модели», т. е. эскизы образов-картин, украшающих храм. В начале 1730-х гг. Матвеев возглавляет живописные работы в «Сенатской зале» здания 12 коллегий: вместе со своей артелью он пишет плафон зала. Матвеев писал также батальные картины для Летнего дома, живописные работы для Петергофа, оформлял Адмиралтейские триумфальные ворота.

Самое известное произведении Матвеева — «Автопортрет с женой», (1729 г.). Матвеев первый из русских художников создал поэтический образ дружественного и любовного союза — непреходящей общечеловеческой ценности. Фигуры размещены по центру прямоугольного холста. Портретируемые смотрят спокойно и благожелательно. Мастеру удалось создать портрет, в котором и композиция, и рисунок, и колорит, выдержанный в красновато-коричневой и серо-зеленой простой и благородной гамме.

Работы Матвеева: «Портрет Петра I»; парные портреты Петра и Екатерины; парные портреты князя Голицына и его жены Анастасии Петровны. «Портрет кн. А. П. Голицыной» (1728 г.): при всей парадности и роскоши аксессуаров на портрете представлена женщина, прожившая жизнь, полную унижений. По воле царя она была шутихой Екатерины I. Матвееву удалось передать в лице Голицыной выражение недоумения, обиды и жалобы.

Творчество мастеров начинавших работать в 30-е гг. XVIII в., пришлось на самый неблагоприятный для русского искусства период правления Анны Иоанновны. Ведущие художники середины столетия формировались и обретали зрелость как истинно русские мастера, с чисто русским пониманием образа, почтением к отечественной изобразительной традиции, с мировоззрением русского человека.

Иван Яковлевич Вишняков (1699–1761), приехав из Москвы в Петербург, учился сначала «лаковому делу». С 1739 г. и до самого дня смерти Вишняков руководил всеми живописными работами, связанными со строительством не только в Петербурге, но и в загородных резиденциях.

Вишняков всю жизнь занимался портретом. Выполнял заказы двора, писал и менее знатных персон. Он главное внимание уделял лицу, в котором выражается весь духовный мир человека, он предпочитает в основном большие локальные пятна, не вписывая цвета в общую тональность, а противопоставляя их один другому в сильной и звучной гамме. В портретах Вишнякова есть и драпировка, и колонны, и фонтаны, и деревья — все атрибуты парадных портретов.

«Портрет Сары-Элеоноры Фермор» (1749 г.). Торжественность костюма и позы, жест рук, фон портрета с тяжелой драпировкой, колонной и балюстрадой призваны утвердить высокое сословное положение модели. Образ девочки покоряет своей поэтичностью, очарованием непосредственного воспитания окружающего мира, который художник раскрыл цветом. Изысканная серовато-голубая с вкраплениями розового цветовая гамма оттеняет трогательную хрупкость и очарование юной героини портрета. Для его творчества характерно сочетание традиций парсуны XVII в. с ее плоскостью фигур и черт парадного портрета первой половины XVIII в.

Алексей Петрович Антропов (1716–1795) — ученик Матвеева и Вишнякова. Вместе с Вишняковым участвовал в росписи интерьеров нового Зимнего и Летнего домов, Аничкова дворца в Петербурге, дворцов в Царском Селе и Петергофе, в московском доме Головина, делает декорации для петербургского Оперного дома. Из монументально-декоративных произведений Антропова сохранились — «иконы в куполе» в церкви Андрея Первозванного в Киеве (1752 г.).

В 50-е гг. Антропов работал как портретист. Это в основном портреты царских особ для строящихся дворцов и сооружений иного назначения. Свойственные творческие качества Антропова: застылость позы, объемная моделировка головы, приближенность всей фигуры к первому плану, глухой нейтральный фон, отчеканенность формы, тщательная, но при этом плоскостная трактовка деталей, напряженное цветосочетание красного и зеленого, желтого и голубого, образ прежде всего как символ определенного сословного положения — «Камерный портрет статс-дамы А. М. Измайловой» (1759 г.), «Портрет М. А. Румянцевой» (1764 г.). Лицо и вся фигура в этих портретах максимально приближены к зрителю, взяты очень крупно. Колористическое решение строится на контрастах больших локальных пятен. Контрастна и светотеневая моделировка объемов.

В «Портрете Петра III» (1762 г.) художник не побоялся изобразить непомерно маленькую головку на узких плечах — создать образ душевно развинченного, неуверенного человека, стоящего почти в балетной позиции среди роскошного интерьера и многозначительных атрибутов царской власти. Парадные портреты Антропова с их композиционным, колористическим и линейным ритмом всегда декоративны.

Иван Петрович Аргунов (1729–1802) — крепостной живописец графа П.Б.Шереметева. Писал портреты как знатных, так и самых простых людей. Работы Аргунова соединяют в себе принципы композиции западноевропейского парадного портрета и идущие от старой русской живописи черты застылости, скованности.

Известны парадные, полупарадные и камерные портреты Шереметевых — «Шереметьев и люди его круга». В портрете графини Шереметевой роскошный модный наряд не скрывает своенравия этой гордо сидящей дамы с портретом императрицы в бриллиантовой оправе на груди и веером в руках. Форма лица уточняется тончайшими лессировками. Серые тени на лице в сочетании с розовыми и зелеными тонами создают изысканное сочетание. Аргунов написал «Портрет князя И. И. Лобанова-Ростовского» (1750 г.) и парный к нему портрет жены, Для обоих портретов характерна жесткая, чеканная проработка складок ткани, не выявляющая форму тела. Известны парные портреты Хрипуновых, «Портрет Екатерины II».

В 1784 г. Аргунов пишет портрет «Неизвестной крестьянке в русском костюме». Необычайной живописной свободой поражает автопортрет Аргунова (конец 1750-х гг.). Колорит построен на игре и взаимодействии тончайших оттенков зеленоватых, коричневых и оливковых цветов, вспышками голубого и розового в шейном платке. Главным представляется большое внутреннее достоинство и зоркость, с которыми модель взирает с портрета.

Живопись второй половины XVIII в. Открывается Академия трех знатнейших искусств (живопись, гравюра, скульптура). Развиваются новые жанры: пейзажный, бытовой, исторический. Особенностью портрета второй половины XVIII в. является большой интерес художников к внутреннему миру человека. В это время признание находит понимание достоинства человека, которое определяются не столько унаследованными от предков знатностью и богатством, сколько личными заслугами, качествами ума, богатством души.

Федор Степанович Рокотов (1735–1808) окончил Академию художеств. В 1764 г. в мастерской Рокотова при Академии художеств уже стояли десятки портретов, почти готовых, где мастер писал только лица, а его ученики дописывали фон. Так началась карьера модного портретного живописца, вышедшего из крепостных. Он пишет камерные, кабинетные портреты, предназначенные для внутренних покоев. В его работах мягкий фон, легкая дымка. Рокотов пишет на темном подмалевке, постепенно высветляя тон, конкретизируя образ. Простые лица выражают одновременно гордость, одухотворенность и теплоту.

Его произведения: «Коронационный портрет Екатерины II» (1763 г.), «Портрет поэта В. И. Майкова» (1769–1770 гг.), «Портрет неизвестной в розовом платье» (1770-е гг.), «Портрет В. И. Суровцевой», «Портрет Е. В. Санти» (1785 г.). Самое известное произведение Рокотова — «Портрет А. П. Струйской» (1772 г.).

Дмитрий Григорьевич Левицкий (1735–1822) около 20 лет возглавлял портретный класс Академии художеств, задавал тон и уровень высокой репутации портретного искусства в России. Ему одинаково хорошо удавались и камерные портреты и парадное изображение в рост. Левицкий вводил в портрет изображения благодетелей и фаворитов, детей и старших родственников портретируемого, сравнивал его личность с персонажами античной истории и мифологии.

Настоящий успех принес Левицкому «Портрет архитектора А. Ф. Кокоринова» (1769–1770 гг.). В этом портрете художник демонстрирует свое владение пластической формой, рисунком, характеризующим жесты и мимику человека. Колорит и портрета также строг, как и композиция. Он выдержан в сочетании оливковых, жемчужных, сиреневых и золотистых оттенков.

В 70-е гг. по заказу императрицы Екатерины II Левицкий написал серию портретов воспитанниц Смольного института благородных девиц. Девушки на портретах погружены в занятия искусством и наукой — «Портрет Е. И. Нелидовой» (играет в спектакле живописца), «Портрет И. Г. Алымовой» (играет на арфе), «Портер Е. Н. Молчановой» (проводит физический опыт).

Левицкий был мастером программного официального портрета — «Портрет Екатерины-законодательницы». Портрет изображает императрицу идеальной государыней у алтаря Истины, облаченную в светлые одежды. Художник пишет императрицу красивее и моложе, создавая образ служительницы законов и «общего покоя». Екатерина изображена в Храме богини Правосудия — Фемиды. У ног Екатерины — книги и орел с оливковой ветвью в клюве, олицетворяющие просвещенную, сильную и мирную Россию.

Другие работы Левицкого: «Портрет П. А. Демидова» (1773 г.), «Портрет М. А. Дьяковой» (1778 г.).

Владимир Лукич Боровиковский (1757–1825) был представителем мироощущения конца XVIII в., которое получило название сентиментализм. Писал в основном камерные портреты. Полотна художника очень нарядны благодаря грациозной постановке моделей, изящным жестам и умелому обращению к костюму. Герои Боровиковского обычно бездеятельны, большинство моделей пребывает в упоении собственной чувствительностью. Большое внимание художник уделяет малоформатным и прекрасно удавшимся ему миниатюрным портретам. Так же Боровиковский — автор ряда двойных и семейных групповых портретов.

За картину «Екатерина II на прогулке в Царскосельском парке» (1794 г.) Боровиковский получил звание академика. Екатерину художник изобразил не в парадном платье, а в простом голубом капоте с тростью в руке. Перед зрителем обыкновенная пожилая женщина, прогуливающаяся с собачкой.

Боровиковский был популярен среди широкого круга петербургского дворянства. Художник портретирует целые семейные «кланы» — Лопухиных, Толстых, Арсеньевых, Гагариных, Безбородко. К этому периоду его жизни относятся портреты Екатерины II, ее многочисленных внуков, министра финансов А.И. Васильева и его жены, князя Куракина, большой парадный портрет Павла I.

На «Портрете М. И. Лопухиной» (1797 г.) изображена задорная и веселая девушка. Пейзажный фон портрета подчеркивает связь человека с природой. Виртуозность и артистичность живописи с ее гладкой фактурой и мягкой воздушностью письма, тонкие отношения слегка разбеленных голубых, розовых, желтых цветов — придают портрету особое очарование.

«Портрет князя Куракина» (1799 г.). Торжественная поза портретируемого, интерьер с колонной и пышной драпировкой — все это подчеркивает характер парадного портрета. Цветовое решение, построенное на сочетании красного, белого и желтого цветов, также отвечает заданной парадной схеме.

Семен Щедрин (1745–1805) стал первым профессором и руководителем пейзажного класса. Характер пейзажей Щедрина — очень лирический, поэтичный. Это в основном изображение окрестностей Петербурга, Павловска, Петергофа, Царского Села. Пейзажи Щедрина, особенно ранние, во многом напоминают панно. Художник часто употребляет один и тот же прием: на переднем плане развесистое дерево, затем водное пространство, фоном служит архитектурное сооружение — «Вид на Гатчинский дворец с Длинного острова» (1796 г.); «Вид на Большую Неву и дачу Строганова» (1804 г.). Четко прослеживается трехцветная схема, сложившаяся еще в западноевропейском классицистическом пейзаже.

Антон Павлович Лосенко (1737–1773) — самый выдающийся представитель исторического жанра в русской живописи XVIII в. На его картинах действие происходит на фоне архитектурных декораций, жесты героев нарочитые — «Прощание Гектора с Андромахой» (1773 г.), «Портрет Шувалова».

Федор Яковлевич Алексеев (1753/54–1824) прославился городскими пейзажами, главным образом видами Петербурга и Москвы — «Вид дворцовой площади от Петропавловской крепости» (1794 г.). Выполнил множество зарисовок Московского Кремля, создал ряд видов провинциальных городов.

Угрюмов работал в историческом жанре — «Взятие Казани», «Избрание Михаил Федоровича на царство», «Испытание силой».

Гравюра. Самым доступным и распространенным видом изобразительного искусства в Петровскую эпоху была гравюра. Гравюры отображали важнейшие события, служили своеобразными учебными пособиями и иллюстрациями в книгах. Традиции русской гравюры заложили голландцы Адриан Схонебек и Питер Пикар.

Самым знаменитым русским гравером начала XVIII в. был Алексей Федорович Зубов (1682–1749). Его работы запечатлели военные победы Петра I на суше и на море, свадьбу Петра I и Екатерины, виды Петербурга — «Васильевский остров» (1714 г.). Отличительная черта работ Зубова — точно показанные детали с высоты птичьего полета.

В 40–50-е гг. XVIII в. популярным жанром стал портрет. Очень часто на гравюрах изображались роскошные торжества и фейерверки при дворе императрицы Елизаветы Петровны.

Декоративно-прикладное искусство. Развитие получило стекло. Первый фарфор создан Ломоносовым. Популярен виноградовский фарфор зеленого цвета: штофы, бутылки, стаканы и т. д. Создаются швейные фабрики и мануфактуры.

Мебель (комоды, туалетные столики и пр.) украшалась золоченной резьбой. Жилища на европейский лад украшались картинами, зеркалами и обоями.

Костюм

Начавшаяся в русской культуре переоценка ценностей, открытие в человеке индивидуальности, личности привели к тому, что подчиненность чину заменяется следованием моде. Новое время оправдывало все внешнее, мирское — богатство, благосостояние и внешнюю красоту. В круги столичной молодежи и знати постепенно проникает европейская мода. Петр I узаконил европейское платье, бритье бороды, курение табака. Мужчины носили кафтаны, камзолы, штаны кюлоты, халаты, женщины — корсеты, платья с пышными юбками. И мужчины, и женщины носили парики. Среди городской знати входит в моду и европейский стиль поведения — веселый, открытый, деятельный.