Основы культурологии - Л.Г. Горностаева

Лекция 7. Театр — синтетический вид искусства X 181

строено здание — «Комедиальная храмина». Там давала спектакли немецкая труппа И. Кунста. Потом на обучение к нему были направлены «русские ребята». В репертуаре театра были иностранные пьесы, которые не имели успеха у публики, поэтому в 1706 г. театр прекратил своё существование.

В 1750 г. в Ярославле начались спектакли первого провинциального публичного театра с русскими актёрами, музыкантами. В его репертуаре были русские пьесы. Возглавлял театр первый русский актёр Фёдор Волков. Царица Елизавета Петровна выписала Вол-

новном такие театры создавались в Москве и Подмосковье (театры Шереметьевых, Юсуповых и др.). В историю русского театрального искусства вошли имена крепостных актрис П. Жемчуговой, Т. Шлы- ковой-Гранатовой. Был вначале крепостным и известный русский драматический актер М. Щепкин. ХIХ в. стал переломным для русского театра. Главное место в его репертуаре заняли пьесы отечественных авторов. В Москве (после нашествия Наполеона и пожара 1812 г.) к 1816 г. был составлен проект новой театральной площади. Проект был утвержден Александром I. Производство работ и проектирование нового Петровского театра было возложено на главного архитектора Москвы О. Бове, роль которого в создании «ампирной» Москвы была так же велика, как роль Казакова в создании Московского классицизма.

В 1824 г. в результате раздела Петровского театра в Москве появились две самостоятельные труппы: драматическая — Малый театр и оперно-балетная — Большой театр. Малый театр использовался и как концертный зал для выступления зарубежных знаменитостей — Ф. Листа, Клары Шуман и др.

182W Раздел II. Художественная культура

Вконце 1850-х гг. в Малом театре ведущее место заняли пьесы А. Островского. На сцене Малого театра в это время играла знаменитая династия Садовских, одна из лучших трагических актрис мира М. Ермолова, основоположником реализма стал М. Щепкин, прославившийся в ролях спектаклей «Горе от ума», «Ревизор», «Свадьба Кречинского». Расцвет романтизма связан с творчеством московского актёра П. Мочалова, прославившегося в трагедиях Шекспира и Шиллера.

Втеатральной жизни Петербурга также усиливались реалистические тенденции. В Александрийском театре развитие реализма связано с деятельностью таких артистов, как А. Е. Мартынов, П. В. Васильев. Одним из ярчайших событий стала постановка в Александрийском театре «Грозы» Островского. Существовало и другое направление в театре — руководство театра боролось с проявлениями реализма и демократизации театра и поддерживало развлекательную драматургию и традиции классицизма. Ярким представителем классицизма в это время оставался ведущий петербургский трагик В. Каратыгин, в течение всей творческой жизни игравший на сцене Александрийского театра, а также сам писавший пьесы. Исполнял преимущественно комедийные и водевильные роли: Загорецкий («Горе от ума»), Замухрышкин («Игроки» Гоголя) и др. Александринский театр славился также актёрской династией Самойловых, актрисами М. Савиной, П. Стрепетовой.

ВПетербурге к началу второй половины ХIХ в. кроме Александрийского театра действовали Мариинский, Михайловский, Большой драматический театры и консерватория. Мариинский театр под этим названием работает с 1860 г. Именно в это время в России выдвигается группа выдающихся композиторов — Бородин, Мусоргский, Римский-Корсаков, Чайковский. Под влиянием глубоких изменений, происходящих в общественной жизни, театр ориентируется на творчество отечественных композиторов: ставит оперы «Каменный гость» Даргомыжского, «Псковитянка», «Майская ночь», «Снегурочка», «Ночь перед рождеством» Римского-Корсакова, «Борис Годунов» Мусоргского, «Опричник», «Орлеанская дева», «Пиковая дама», «Иоланта» Чайковского.

«Серебряный век» в России — это не только взлёт поэзии и изобразительного искусства, это и эпоха художественных открытий в театральном искусстве. В конце ХIХ в. сценическое искусство

Лекция 7. Театр — синтетический вид искусства X 183

переживало кризис, проявившийся в том, что репертуар театров в большинстве своём носил развлекательный характер, он не затрагивал насущных проблем жизни, игра актёров не отличалась богатством приёмов. Необходимы были глубокие перемены в театре, и они стали возможны с появлением пьес А. Чехова и М. Горького.

Важнейшим событием театральной жизни было открытие в Москве Художественного театра в 1898 г. Актёр К. Станиславский и литератор В. Немирович-Данченко стояли во главе нового театра. Перестроить всю жизнь русского театра, увлечь общностью интересов все художественные силы — так были определены задачи нового театра.

Начатое Станиславским и Немировичем-Данченко дело было поддержано их учениками и последователями: Е. Вахтанговым, Ю. Завадскнм, Р. Симоновым, В. Мейерхольдом, А. Таировым, Н. Охлопковым и др.

Россия вступила в ХХ в., обладая немалым авторитетом в мировой культуре, её успехи были впечатляющими. Это был «серебряный век» русской культуры. Целое созвездие великих актёров, режиссёров и организаторов театра подготовили небывалый подъём российского оперного, балетного и драматического искусства.

В 1904 г. в Петербурге был открыт театр В. Комиссаржевской, репертуар которого отражал устремления демократической интеллигенции. Один из реформаторов русского театра, основатель московского Камерного театра в 1914 г. А. Таиров, стремился к созданию «синтетического театра» преимущественно романтического и трагедийного репертуара, к формированию актёров виртуозного мастерства. Великим режиссёром ХХ в. был В. Мейерхольд — создатель так называемого «условного театра». Им была поставлена первая советская пьеса «Мистерия — буфф», написанная В. Маяковским.

После революции 1917 г. был взят курс на сближение театра с широкими кругами зрителей и создание максимально реалистических постановок. Театры перешли под контроль Народного комиссариата по просвещению, была создана система государственных академических театров. Среди населения нашей страны активно пропагандировалось театральное искусство, многие актеры были кумирами народа. По количеству новых и строившихся театров Советский Союз опережал все страны мира. Наряду с классическими стали появляться камерные театры, театры-студии, театры-лабора-

184 W Раздел II. Художественная культура

тории. Как результат трёхвековой истории развития театрального искусства только в Москве в настоящее время действует более 200 профессиональных театров и концертных залов.

В современном отечественном театральном искусстве прослеживаются два ведущих художественных направления — постмодернизм и неоакадемизм. Театральный постмодернизм пришёл на смену модернизму в последней трети ХХ в.

Модернизм — это обобщающее понятие, которое включает все художественные направления в искусстве прошлого столетия (экспрессионизм, сюрреализм, футуризм, дадаизм, абстракционизм и т.д.), отошедшие от традиций классического искусства и утверждающие новый подход к изображению жизни.

Для театрального постмодернизма характерен синтез, казалось бы, самых разнообразных и несоединимых течений, стилей, жанров и направлений, которые представляют собой причудливо организованное единство. Это взаимодействие абсурда и сюрреализма, модерна и классицизма, экспрессионизма и реализма; и жанров — комедии, трагедии и драмы, оперы, балета и оперетты. Для театрального постмодернизма характерно «подтягивание» классики к современности и совмещение любых времён. В основе постмодернистской интерпретации классики лежат абсолютно новые, современные модели сознания, поведения и психики, переводящие всё в регистр сегодняшнего дня, стирая грань между временами, событиями, прошлым, настоящим и будущим.

Одним из ярких представителей театрального постмодернизма является Р. Виктюк. О нём громко заговорила театральная Москва после его постановки «Уроки музыки» Л. Петрушевской в студенческом театре МГУ в конце 1970-х гг. Позже, уже в 1990-е гг. наступил период огромного успеха таких известных работ Виктюка, как «Служанки» Ж. Жене и «Батерфляй» Д. Хуана, «Лолита» В. Набокова, «Рогатка» и «Полонез Огинского» Н. Коляды.

Кэстетике постмодернизма как синтеза театральных стилей

ХХв. тяготел и один из интереснейших театральных коллективов Москвы — Молодёжный театр на Красной Пресне, руководимый

Лекция 7. Театр — синтетический вид искусства X 185

Ю. Погребничко. В репертуаре театра причудливо соединились русская классика (Н. Гоголь, А. Островский, А. Чехов) с песнями группы «Битлз» и современной драматургией А. Вампилова. Постмодернизм прослеживался в работах режиссёра С. Арцыбашева в руководимом им театре на Покровке. Эстетика постмодернизма в последние годы оказалась близкой не только новым театральным коллективам, но и академическим театрам, которые имеют свою историю и традиции. К их числу относится театр им. Моссовета. Одна из работ этого театра — спектакль по пьесе А.де Мюссе «Любовью не шутят», поставленный режиссёром Марком Вайлем. Эта старая пьеса в постановке Вайля предстала удивительно современной, говорящей сегодняшнему зрителю о хрупкости мира чувств и человеческого сердца. На протяжении всего спектакля зритель наблюдает причудливое смещение жанров: иронической комедии, фарса, музыкального карнавала, притчи, трагедии и т.д.

Постмодернистские спектакли идут и на большой сцене МХАТа им. Чехова. Один из таких спектаклей — постановка К. Шейко романтической драмы М. Лермонтова «Маскарад», в котором зрители на сцене видят людей и кукол.

Вобращении современных театров к классике сегодня набирает силу и неоакадемизм, для которого характерно концентрирование внимания не на сиюминутных ассоциациях, а на создании неповторимой атмосферы «мира автора», стремление в одном произведении увидеть всю художественную природу творца. То есть во главу угла ставится не сиюминутная злободневность, а художественное совершенство, подлинная красота.

Одним из лучших, вобравших в себя наиболее принципиальные тенденции неоакадемизма является спектакль театра им. Вахтангова

«Без вины виноватые» по пьесе А. Островского в постановке

П.Фоменко. Спектакль, в котором играл блистательный актёрский ансамбль: Ю. Борисова, Л. Максакова, Ю. Яковлев, В. Шалевич и др., показывал зрителю всю полифонию известнейшего произведения, в котором сплетены театр и жизнь.

Вэтом смысле, пожалуй, самым консервативным и академичным в лучшем смысле этих слов остаётся Малый театр, и именно верность традициям в их сегодняшнем осмыслении привлекает сюда разные поколения зрителей. Визитная карточка многообразной и многожанровой афиши Малого театра — трилогия А. Толстого, идущий

186 W Раздел II. Художественная культура

уже более 20 лет знаменитый «Царь Фёдор Иоаннович», спектакли «Смерть Иоанна Грозного» и «Царь Борис».

Неоакадемизм как эстетическое направление в современном театре существует не только на российском, но и на мировом уровне. Достаточно вспомнить постановки Чехова немецким режиссёром П. Штайном, их огромную популярность у зрителей многих стран мира, опыты таких реформаторов мирового театра, как английский режиссёр П. Брук и итальянский Д. Стрелер, в своих работах также тяготеющих к неоакадемизму, чтобы видеть в этом направлении не только и не столько прошлое, сколько настоящее и будущее мирового театра.

В современном российском театре идет поиск новых подходов, неожиданных трактовок привычных сюжетов.

188 W Раздел II. Художественная культура

Именно такой подход позволяет вкладывать в каждую постановку несколько миллионов долларов, приглашать в труппу лучших актёров, певцов, танцоров, насыщать шоу ошеломляющими специальными сценическими эффектами. Известные сегодня всему миру мюзиклы были впервые поставлены на Бродвее: «Вестсайдская история» Бернстайна, «Иисус Христос — Суперзвезда», «Кошки», «Призрак оперы» — Э. Ллойда Уебера и другие. Безусловным старожилом Бродвея является постановка «Кошек», продержавшаяся на сцене театра «Winter Garden» более 17 лет. Для американцев бродвейский театр — это символ успеха, залог высокого качества, престиж.

В50–60-х гг. прошлого века зародилось движение внебродвейских театров — «оф-Бродвей» и «оф-оф-Бродвей», провозгласивших приоритет искусства над прибылью и бросивших вызов шоу-бизне- су. Но если первоначально такие театры воспринимались как некий вызов, авангардная альтернатива традиционному Бродвею, то сегодня это своеобразные экспериментальные площадки для современного театрального искусства. Сегодня коммерческий и некоммерческий американские театры успешно сосуществуют, у каждого имеется собственная публика. Их дополняют широко представленные в провинции любительские театры.

Китайский театр. Как и в других древних цивилизациях, театральное искусство Китая имело своим истоком разнообразные культовые действия, связанные с поклонением богам и ушедшим предкам, выполнением обрядов жизненного цикла и т.д. Древние китайцы выработали особые способы перевоплощения актёров

вживотных, духов, исторические персонажи, которые осуществляли с помощью масок и костюмов. Наряду со священными мистериями устраивались уличные представления на бытовые темы. Под влиянием уличных представлений в начале нашей эры мистерии стали приобретать всё более светский характер. Затем репертуар изменился, в нём появились пьесы историко-героического характера, которые создавались на основании народных преданий и исторических хроник, а впоследствии — и различных романов. Актёры играли на открытых помостах без декораций.

ВКитае Раннего Средневековья (IV–VI вв.) в городах уже существовали постоянные театральные здания. Кроме того, спектакли игрались и на временных сценах и на улицах, часто на площадях

Лекция 7. Театр — синтетический вид искусства X 189

населенных пунктов сооружались подмостки с навесом. Декорации в традиционном китайском театре отсутствовали: для него были характерны фантастический колорит и символическое обозначение ситуаций. Так, обыкновенный стул мог с успехом заменить гору, флажок с изображением рыбок — реку, плётка в руке актёра обозначала верховую езду, а веер — ветреность характера. У каждого актёра своё амплуа, своя походка, своя стать.

Всё в китайском театре призвано создавать атмосферу зрелищности: внешний облик, появление на сцене, движение, виртуозная игра с вещами. Грим на лице актёров рассказывает об общественном положении персонажа, а также передаёт его психологическую характеристику. Особая раскраска рассказывает о вероломном злодее, мужественном воине или справедливом судье. Сплошные золотые лица означают персонажей божественного происхождения.

Актёры в старом Китае считались низшим сословием, хотя на них и смотрели как на медиумов, посредников между людьми и духами. И в своей профессиональной деятельности, и в быту они должны были соблюдать множество правил и запретов. Так, перед выходом на сцену они должны были совершить обряд поклонения своему божественному патрону и выполнить определённые очистительные ритуалы. Сам спектакль независимо от его содержания воспринимался и актёрами, и публикой как магический и религиозный акт, призванный очистить зрителей от дурных влияний злых сил и обеспечить благополучие тех, кто пришёл на спектакль. Музыка в китайском театре не сопровождает, а буквально пронизывает всё действие, создавал его ритмический костяк. Согласно легендам, музыкальное искусство китайцам подарили боги. Музыка была тесно связана с пантомимой в китайском театре. Китайцы верили, что боги сочли человека законченным произведением только после того, как он научился музицировать.

Японский театр. Япония сама похожа на театр. Домики с раздвижными стенами напоминают ширмы-декорации, среди которых босиком ступают люди, одетые в многоцветные кимоно. Театральное искусство японцев возникло в системе ритуальной драмы и храмовых действий и прошло сложный и длительный путь развития. История сохранила сведения о первых танцевально-теат- ральных представлениях (гагаку), которые относятся к VII в. Они

190 W Раздел II. Художественная культура

разыгрывались в буддийских монастырях и храмах. С 702 г. получили распространение пляски в масках (бугаку). Первым театром Японии стал театр Но (или Ногаку). Этот вид театральных представлений был связан с древними народными театрализованными представлениями, которые устраивали крестьяне в период сбора риса. С театром Но связана и храмовая пантомима, в которой разыгрывался миф о богине Аматерасу. Основателями театра Но считаются Канами Киецугу и его сын Сэами (1333–1384), который был не только создателем пьес, музыки и танцев, но и теоретиком театра. Выдающийся реформатор театра Но — Мотокио Киндзе, известный под именем Дзами (1363–1443), — создал более сотни пьес и стал самым известным актёром и режиссёром этого театра. Стиль спектакля Но отличается отсутствием динамизма действия, крайней ограниченностью событий, отсутствием внешней борьбы. Актёрская игра заключалась в демонстрации многолетней выверенности движений. Первоначально спектакли разыгрывались при храмах, но позднее актёры стали государственными служащими, а спектакли — основной частью придворного церемониала. Представления театра Но в эпоху Токугава всё более стали приобретать церемониальный характер и устраивались по торжественным случаям на территории замка сёгуна в Эдо.

Каноническое представление Но состоит из пяти пьес: пьесы

обожествах; о погибших воинах-героях; о женщинах и любви;

оженщинах, которые сошли с ума, потеряв мужа или сына; пьесы

опризраках и демонах. Для исполнения ролей в этих пьесах актёры используют более 200 масок. Маска является главным средством выразительности в театре. Основной сценический реквизит — это складной веер, с помощью которого исполнитель передаёт различные эмоциональные состояния. Театр Но соединяет в себе музыку, танец, драму. Законы сценического поведения в нём отличны от европейского театра, в котором всегда в центре был актёр, передающий зрителям смысл происходящего. Театр Но более символичен — символичны ритуальные жесты, цветовая гамма, маски. Все сцены разыгрываются на отведённых для них местах сценической площадки, в глубине которой находится задник с изображением на золотом поле зелёной раскидистой сосны — символа долголетия, благожелательный привет зрителям. Задник остаётся неизменным в течение всего представления. Пьесы театра Но строятся