Основы культурологии - Л.Г. Горностаева

Лекция 4. Изобразительное искусство. Сущность, функции и виды искусства X 91

художников, настроенных против войны. Они считали, что их обманули, втянув в мировую войну, и эту обиду можно реализовать в искусстве. Основная деятельность «Дада» — скандалы, направленные на дискредитацию в основном классического искусства.

Непосредственность и несерьёзность дадаисты выставляли

альтернативой старому искусству,

«Дада» в переводе с фран-

которое не смогло себя оправдать. Главная задача — оскорбить, задеть чувства людей, настроенных на высокое искусство. Один

из примеров — «Мона Лиза» М. Дюшана (1887–1968), где к знаменитому портрету Леонардо добавлены усы и борода. Из этих идей родился французский сюрреализм.

Сюрреализм. Французский писатель и поэт, один из лидеров дадаистов А. Бретон (1896–1966) был не удовлетворён тем, что у них не было движения вперёд. Он считал, что можно создать более интересные варианты обновления искусства, если отнестись к этому серьёзно. Он был психиатром, увлекался фрейдизмом. Бретон полагал, что искусство должно открывать подсознательное, придать значение и внести в культуру сновидения, воспоминания раннего детства.

Сюрреализм (от франц. — сверхреальность) уже давно превратилось в общеупотребительное понятие, которым обозначают всё странно сочетаемое, удивительное, фантастическое, оторванное от реальности.

Что касается сюрреализма как художественного направления, то начало ему положил «Манифест сюрреализма», опубликованный Бретоном в 1924 г., в котором сюрреализм определялся как чистый психический автоматизм, при помощи которого предполагается в устной или письменной форме, или каким-либо иным образом передавать реальное функционирование мысли, как диктовка мысли вне всякого контроля разума, вне каких-либо эстетических и нравственных соображений. Бретон требовал полного разрушения всех существовавших до того психических механизмов и заме-

92 W Раздел II. Художественная культура

ны их механизмом сюрреалистическим, единственно возможным для постижения высшей реальности и для решения кардинальных вопросов бытия.

«Самым красивым пером на шляпе сюрреализма» Бретон назвал испанского художника Х. Миро (18931983). В его картинах появлялись странные формы, похожие на амебы, которые витали в пустом пространстве, двоились, менялись, растворялись. В некоторых работах появляется некий лиризм («Собака, лающая на луну»: собака пытается достать луну, и как воплощение мечты — с земли на небо устремилась цветная лесенка — трап). Миро часто экспериментировал в «картинах-объектах», где использовал старую бумагу, обломки, верёвку. С началом гражданской войны в Испании в его работах появляются оскаленные монстры. Но постепенно художник избавляется от кошмаров и вновь улыбается миру. Птицы, созвездия, женщины в образах-знаках населили его картины («Полёт птицы вокруг женщины с тремя волосами»). Миро — признанный мастер, его имя прочно связано с сюрреализмом.

Символом сюрреализма стало творчество испанского художника С. Дали (1904–1989). Трудно назвать другого художника, о котором слагалось бы такое количество мифов, как о Дали. Сам он считал существование на публике ещё одной гранью творчества и потому постоянно провоцировал скандальный интерес к своей особе. За дерзкое поведение он был исключён в 1926 г. из Мадридской Королевской академии изящных искусств. Дали присоединился к группе сюрреалистов в 1928 г. И очень скоро его имя в сознании публики стало олицетворением сюрреализма. Дали исходил из того, что необходимо соединение качественного рисунка с неожиданной композицией вещей и неожиданными переходами форм («Сон, навеянный полётом пчелы вокруг граната за миг до пробуждения»). И это оказалось наиболее адекватно содержанию подсознательного. Каждая картина Дали становилась своеобразным интеллектуальным ребусом. На одном из самых известных полотен ХХ в. — «Постоянство памяти» (1931) каждую деталь можно рассматривать самостоятельно, а все вместе они создают загадочную картину. И в этой, и в других работах прочитывается чёткость и абсолютная продуманность композиционного и колористического строя. Совмещение реальности и фантазии как бы конструировалось, а не рождалось вдруг, по воле случая. Дали много путешествовал. С его прибытием в Аме-

Лекция 4. Изобразительное искусство. Сущность, функции и виды искусства X 93

рику страну охватила «сюрреалистическая лихорадка». В честь Дали устраивались сюрреалистические балы с маскарадами, на которых гости появлялись в костюмах, словно бы вдохновлённых фантазией художника — экстравагантных, провоцирующих, забавных. Дали сотрудничал с кинорежиссёром А. Хичкоком, именно он создал знаменитую сюрреалистическую последовательность сна

вфильме «Зачарованный» в 1945 г. В американский период Дали приступил к циклу картин на религиозную тематику. «Искушение Святого Антония» (1946), «Мадонна порта Льигат» (1949), «Христос Святого Иоанна Креста» (1951) и другие создали ему славу «католического живописца». Сам он говорил, что в католической религии его пленило «редкое совершенство замысла». При этом художник внимательно следил и за достижениями научной мысли. Потрясенный атомной бомбой, он написал картину «Три сфинкса атолла Бикини»(1947). Позже Дали возвращался к теме атома в картинах «Атомная Леда» (1949) и «Атомистический крест» (1952), как бы объявляя о множественности своих интересов, о возможности разных путей в попытках проникнуть в тайны Вселенной.

Творчество Дали не ограничивалось живописью, он создавал арт-объекты и предметы моды. Сотрудничество художника с модельером Эльзой Скиапарелли оказало огромное влияние на развитие моды. С. Дали придумал для Скиапарелли сумку в виде телефона, по его наброскам были созданы знаменитое платье с омаром в окружении листиков петрушки, жакет с карманами в виде выдвижных ящиков, розовый диван в виде губ актрисы и секс-символа 30-х гг. Мэй Уэст. Дали вдохновил модельера на создание ряда необыкновенных аксессуаров — сумочек в виде телефона, яблока или воздушного шара, перчатки с кармашками для спичек или с приклеенными когтями, шляп в виде поношенной туфли, чернильницы или бараньей отбивной.

Через влияние сюрреализма прошёл и мексиканский художник Диего Ривера (1886–1957). Он был представителем социального реализма, получал значительные государственные субсидии при создании фресок, восхвалявших мексиканскую революцию. Выработал собственный стиль монументальной живописи. Ривера испытал влияние как классического европейского изобразительного искусства (изучал стенные росписи XIV—XVI вв.), так и модернизма,

вчастности кубизма. Ему были близки и традиционные мексикан-

94 W Раздел II. Художественная культура

ские художественные жанры и стили. Работал в Европе и в США. Его супругой была культовая мексиканская художница Фрида Кало (1907–1954). Впервые Кало стала рисовать, будучи прикованной

кпостели после автомобильной катастрофы, не имея профессиональной подготовки. Стиль её работ сложился под влиянием мексиканского фольклорного искусства, и почти все её сюжеты были автобиографичны. Фрида восхищала Андре Бретона. Очарованный мексиканским простонародным бытом и искусными ремесленниками, Бретон организовал после возвращения в Париж выставку «Вся Мексика» и пригласил для участия Фриду Кало. Образ Фриды оставил глубокий след в памяти богемы. Марсель Дюшан, Василий Кандинский, поэты-сюрреалисты и даже Пабло Пикассо — все оценили уникальность мексиканской художницы. Сюрреалисты видели в ней родственную душу, но она никогда не присоединялась

ких группе. Чувственная красота, сотни поклонников, скандальное поведение сделали Кало самой эпатажной женщиной ХХ в. Американский режиссёр Дж. Теймур снял о ней фильм «Фрида» с Салмой Хайек в главной роли.

Экспрессионизм — одно из самых сложных направлений авангарда, признающее единственной реальностью субъективный мир человеческих ощущений, а задачей искусства — его отражение.

Экспрессионизм — это эмоции, идущие непосредственно от вещей: вещь высказывается сама, а художник лишь отображает её крик.

Ван Гог, а затем фовисты и некоторые другие мастера этой эпохи стремились к самовыражению, но название «экспрессионизм» употребляется преимущественно в отношении немецкого искусства, где он получил наиболее чистое воплощение. Цель экспрессионистов — отрицание реальностей буржуазной жизни, призыв к социальному переустройству общества. Политика стала его содержанием. Немецкий экспрессионизм может произвести на некоторых зрителей угнетающее впечатление своей экзальтированностью, выражением ужаса перед действительностью и отчаяния. Экспрессионисты не стремились к красоте. Главным было выра-

Лекция 4. Изобразительное искусство. Сущность, функции и виды искусства X 95

зить удручённость, разочарованность, недовольство всем сущим. В мире нет ничего, кроме зла и уродства. Художественные средства — это необычный ракурс вещи (виды с башни, кривые изображения, человек плечом или боком). Первой значительной вехой

вистории экспрессионизма считается возникновение объединения «Мост» в 1905 г. Художники полагали, что название выражает стремление группы к объединению всех новых художественных течений, а в более глубоком смысле символизирует её творчество — «мост» в искусство будущего. Для экспрессионизма характерны грубая выразительность, искажение формы и цвета, как проявление напряжённого чувства. Представители этого направления: Э. Кирхнер, Э. Нольде, график Г. Гросс и другие. Своим предшественником они считали норвежца Э. Мунка, швейцарца Ф. Ходлера и других постимпрессионистов. Так, Э. Нольде (1867–1956) написал серию картин «Жизнь Христа» (1912) с использованием резкой деформации естественных форм и контрастных сочетаний предельно светонасыщенных цветов. Подобная трактовка библейских сюжетов возмутила церковных иерархов и была снята с выставки в Брюсселе.

В1933 г. нацисты, пришедшие к власти в Германии, объявили экспрессионизм вне закона. Кампания против его представителей увенчалась циничной акцией: в 1937 г. была организована большая выставка работ экспрессионистов и других представителей авангарда под названием «дегенеративное искусство». Выставленные на ней картины подлежали уничтожению. Многие из них действительно погибли, а часть была продана за границу. Картины сохранились ещё и потому, что некоторые фашисты были коллекционерами и понимали их потенциальную ценность. Более 600 работ гитлеровское правительство конфисковало у художника Э. Кирхнера (1880–1938), присвоив им ярлык «дегенеративности». Удар был слишком тяжёл. Мастер покончил с собой. В 1992 г. многие работы на некоторое время вернулись из различных собраний

вБерлин, чтобы «принять участие» в экспозиции — воспоминании об акции 1937 г. Тогда панорама движения предстала во всей своей широте и многозначности, показав, что это горькое, трагическое искусство, в полной мере отразившее настроения своего противоречивого времени, захватывает и потрясает сегодняшнего зрителя.

96 W Раздел II. Художественная культура

Несколько слов о Монпарнасской школе. Это авангардисты, которые не имели собственной идеологии. Они находились под влиянием общего авангардного потока, но не порывали с другими направлениями (на них, в частности, влияли и постимпрессионисты). Это были

восновном эмигранты, поселившиеся в Париже. Они дружили между собой, хотя каждый был вполне самостоятельным художником. Крупнейшими представителями считают М. Шагала и А. Модильяни .

Сприходом к власти фашистов центры абстракционизма перемещаются в Америку. В 1937 г. в Нью-Йорке создаётся музей беспредметной живописи, основанный семьёй миллионера Гугенхейма,

в1939 г. — Музей современного искусства, созданный на средства Рокфеллера. Во время Второй мировой войны в США собрались по сути все ультралевые силы художественного мира. В живописи этой страны появилась новая школа — регионализм (региональная, провинциальная школа). Одним из мастеров этой школы считается Г. Вуд (1891–1942), создававший картины американского быта. Его картина «Американская готика» (1930) — один из самых узнаваемых и растиражированных образов в американском искусстве XX в.

Абстрактный экспрессионизм — стремление художника выразить своё состояние, видение мира методами абстрактного искусства. Его цель — борьба с формой, отказ от всяких принципов цветосочетаний, гармонии. Ярким представителем этого направления является голландец Виллем де Кунинг (1904–1997). Он много писал женские фигуры, но эти фигуры разрывал на части и помещал среди узоров и непонятных изображений. Эти «фигуративные абстракции» составили серию под общим названием «Женщина».

Неоавангард. В неоавангарде на смену мастерству пришло изобретательство. Удачливым изобретателем стиля можно считать американского живописца Дж. Поллока (1912–1956). Он брал кисть и разбрасывал краску по большому (2 на 3 м) холсту. Работы Поллока, в которых ему удалось передать свое состояние, до сих пор производят впечатление на зрителей. Этот стиль многократно воспроизводился другими художниками, но именно Поллок считается классиком. Подражатели не могут достигнуть ничего существенного, так как не могут передать свое внутренне состояние, весь напор, которые возникают лишь во время изобретения, а не повторения. Искусство все больше превращается в шоу, особую роль в котором начинают играть продюсеры. Именно продюсерский талант Пэги

Лекция 4. Изобразительное искусство. Сущность, функции и виды искусства X 97

Гуггенхейм, дочери создателя музея в Нью-Йорке, привёл неоавангардистов, в том числе и Поллока, к успеху в США.

Поп-арт считается высшим достижением неоавангарда в изобразительном искусстве. Славу этому направлению принесли американские художники поп-арта, которые поняли, что мир превратился в ярмарку товаров и эту ярмарку надо изобразить. С поп-артом в музейные и выставочные залы хлынуло то, что искусством ранее не признавалось, а было областью массовой культуры — рекламные плакаты и этикетки, муляжи и манекены, увеличенные репродукции и комиксы, наборы любых предметов, попавшихся под руку: консервные банки, разбитые часы и раскрашенные чучела. Техника поп-арта исключительно разнообразна: живопись и коллаж, проецирование на полотно фотографий и слайдов, опрыскивание из пульверизатора, комбинирование рисунка с кусками предметов. Искусство поп-арта тесно переплеталось с рекламой, ставшей неотъемлемой частью американской жизни. Некоторые громкие имена художников помогали сбывать товар. Так, кумиром промышленников стал Э. Уорхол (1928–1987), поднявший изображение товаров до уровня икон. Он оперировал массовыми брендами — банками супов «Кэмпбелл» или бутылками кока-колы. Уорхол заимствовал свои легко узнаваемые образы из рекламной индустрии или из масс-ме- диа. Самые знаменитые его портреты — вроде иконных Мэрилин Монро, Жаклин Кеннеди, Элвиса Пресли или Мао Цзэдуна — выполнены в технике фотошелкографии. Он нащупал интересный приём перевода обыденных вещей в произведения искусства, который олицетворяет само общество потребления. Это приём серийности, размножения, в котором и состоит суть современного общества. Все его вещи — это повторение изображения («Мэрилин», «200 банок супа «Кэмпбелл»). Для размножения фрагментов Уорхол использовал технические средства, даже арендовал фабрику. Он считал, что современный мир — это есть фактура плюс серийность и разные цвета. Ему принадлежит высказывание: «искусство — это всё, что может сойти вам с рук».

Художники этого направления соединяли различные реальные предметы и раскрашивали их. Так, Р. Раушенберг (1925–2008) стал знаменитым в 1964 г. на выставке в Венеции, когда его инсталляция «Кровать» получила первый приз. Это была кровать, прикреплённая вертикально к стене с постельными принадлежностями, на которых

98 W Раздел II. Художественная культура

чёрной краской была изображена картина. Члены отборочной комиссии аргументировали свой выбор тем, что эта работа отличалась новизной, тогда как ничего другого нового представлено не было.

К. Ольденбург (род. 1929) — американский художник шведского происхождения придумал понятие «антимонумент» для обозначения памятников общества потребления. Его работы показывают уникальную способность художника обращаться к универсальным ценностям человечества. Наиболее характерный прием Ольденбурга — скульптурное изображение достаточно небольшого и совершенно обыденного предмета в несоразмерно гигантском масштабе, а зачастую также причудливо окрашенного и неожиданно расположенного в пространстве: «Прищепка» (1976 г., Филадельфия), «Зонтик» (1979 г.), «Разбитая тарелка с дольками и шкурками» (1990 г., Майами), «Спички» (1992, Барселона), «Печать» (1982, Кливленд), «Игла» (2000, Милан). Сегодня произведения Ольденбурга расположены в американских городах, а также в Венеции, Барселоне, Милане. Изначально носившие провокационный характер, его произведения сегодня прочитываются как игра, легко вписывающаяся

вурбанистический пейзаж. Еще один прием Ольденбурга — использование мягких материалов при изготовлении реальных вещей: «Мягкая миниатюрная барабанная установка», «Мягкий телефон-ав- томат», «Мягкий воланчик».

Наиболее известный английский художник этого направления — Р. Гамильтон (род. 1922), который в своем коллаже «Так что же делает наши жилища такими особенными, такими привлекательными?» изобразил в интерьере обнаженную женщину и мужчину

вспортивной форме с теннисной ракеткой, на которой написано слово «поп», символизирующее звук удара о мяч.

Неоавангард в поп-арте получил высшее развитие, а затем угас, потерял свою публику. С этого периода на авансцену выходит концептуализм. Концептуализм — это крайность, до которой доходит искусство. «Пустые» и в визуальном (то есть полное отсутствие материальной формы) и в смысловом отношении работы — общее место для концептуального направления.

Сименами американцев Дж. Кошута (идеолога этого движения),

Л. Вейнера, Р. Берри и Д. Хьюблера, с деятельностью английской группы «Искусство и язык» связаны представления о «классической» версии концептуализма. В качестве объекта искусства (или неискусства,

Лекция 4. Изобразительное искусство. Сущность, функции и виды искусства X 99

как предпочитают говорить сами концептуалисты) в неоавангардизме может быть представлен любой объект: акт искусства состоит только в том, чтобы он был назван таковым в данном месте и в данной ситуации. «Концептом» могут выступать разного рода документы, в число которых включаются различные тексты, фотографии, графики, диаграммы, географические карты. В число «концептов» включаются и всевозможные природные и социальные явления. Так, скажем, Д. Берди и Г. Диббетс «работают» с природными объектами, с камнями, песком, паром, водой. Такие произведения задают человеку непонимание и оставляют его один на один с неизвестным, заставляют формулировать ответ, исходя только из своего внутреннего опыта. Разрушение традиционного культурного контекста для демонстрации произведений искусства связывают с установкой на антикоммерческие формы функционирования искусства.

Концептуализм на поведенческом уровне называют перфомансом, что в переводе с английского означает представление, спектакль. Это — события, действия, процессы, где художник использует своё тело и тела своих коллег, костюмы, вещи и окружение, придавая каждой позе, жесту, положению в пространстве, контактам с предметами и средой символико-ритуальный характер. Однако если перформанс и относят к визуальному искусству, то не в смысле новой формы театрального искусства. Кто дал этому явлению название, неизвестно, однако считается, что первым свое произведение-дейс- твие так назвал музыкант Дж. Кейдж, исполнивший на сцене «3,33 минуты тишины» (в афише значилось «перформанс»). Перформанс

вотличие от живописи не требует специальной подготовки для адекватного восприятия, даже наоборот, он предполагает отказ от привычных ожиданий и подходов к нему как к произведению искусства. Наиболее правильной здесь окажется незаинтересованная оценка случайного прохожего, который воспринял увиденное как обычное жизненное впечатление, странный случай, не успел встать на позицию потребителя эстетических ценностей и потерять самостоятельность суждения и незамутненность чувства. Перформанс

внаиболее обостренной форме демонстрирует ориентацию концептуализма на сознание, незамутненное идеологией и стереотипами. Как правило, концептуальный перформанс работает с чисто абстрактными категориями: временем, пространством, человеческим телом в пространстве, позицией созерцания, расстоянием,

100 W Раздел II. Художественная культура

длительностью и т.д. Перформанс условно можно назвать театром визуальных искусств, поскольку в него включаются элементы пантомимы, танца, музыки, поэзии, видео, кино…

В последней трети ХХ в. в искусстве сложилось новое направление — трансавангард. Искусство желает выйти из того добровольного плена зауми, в который загонял его авангардизм. Но не следует думать, что трансавангард является альтернативой авангардизму, что он должен его заменить. Само противопоставление этих явлений носит искусственный характер. Показательно звучат названия выставок трансавангардистов: «Барокки», «Присутствие прошлого», «После классицизма» и т.п. Сам термин «трансавангард» оказался удобным, объединяя разные школы и направления: «новые дикие», «неоэкспрессионисты», «молодые фовисты», «постабстракционизм», «гиперманьеризм», «постсюрреализм» и другие. Трансавангардисты легко впадают в эклектизм, который критиками не ставится им в вину. Более того, элитарное по сути своей искусство смыкается с китчем. Исчезновение чувства уверенности и надёжности, которое

всвоё время придавал культурный канон, выражается, прежде всего,

ввозникновении ощущения изолированности, заброшенности, бездомности и отчуждения, которое распространилось по планете. Наверное, ещё никогда в истории живописи не было столько изолированных индивидуумов. Исчезли такие понятия, как школа, традиция и единство стиля. Если «старый» авангард был философичен и утопичен, то нынешний стал потребительским. Современная выставка искусства в принципе не отличается от выставки товаров. И не только потому, что тут может быть экспонирован «Мерседес» (А. Леция), большого размера синтетический медвежонок (М. Плалестина) или колбасная машина (А. Хана). Идеи автономии искусства, конфликта искусства и общества — всё в прошлом. Это творчество, которое живёт в обществе, имея больше социальное и информативное измерение, чем собственно эстетическое. Это своеобразная социальная пластика современности. Меняется и сам характер этого искусства

вобществе. Растет стоимость организации выставок, повышаются цены авангардистских акций. Так, американский художник болгарского происхождения Кристо (Х. Явашев, род. в 1935 г.) разработал технику «эмбаллажа» (от фр. emballer — упаковывать), иронически преображающую природные объекты и бытовые предметы путём их упаковки в пластические плёнки и холсты. Некоторые его акции