Тема : Ренессанс ( Возрождение)

Начало 15 в. ознаменовано большими изменениями в искусстве Италии. Они были обусловлены экономическими и общественными причинами: торговля со странами Востока, возникновение промышленности , развитие банковского дела позволили сосредоточить в городах Италии огромные богатства. Удачливые купцы, предприниматели и банкиры, сколотившие за короткое время большие состояния благодаря своей предприимчивости, обретали уверенность в себе и чувство собственной значимости. Они увидели, что в обществе жизнь развивается не по «божьему установлению», как считалось в предшествующие века, и что человек может многого добиться собственными силами. Отсюда взяла свое начало вера в человека, в силу его разума, в его творческие возможности, а вслед за этим –интерес ко всему земному : и к человеку и к окружающей его природе. Этот интерес в свою очередь способствовал развитию научных занятий и в то же время ослабил путы религии.

Изменившееся отношение к жизни повлекло за собой потребность в новом искусстве. В Италии сохранилось множество памятников искусства Древнего Рима, к тому же античную эпоху в это время стали почитать за идеальный образец: античное искусство стало предметом поклонения. Подражания античности и дало основание назвать этот период – 15 и 16 вв. – Р е н е с с а н с о м, или по–русски –

В о з р о ж д е н и е м; имелось в виду возрождение античности. Само собой разумеется, искусство Ренессанса совсем не ограничивалось следованием античным образам, по существу это было новое искусство.

Итальянское Возрождение делят на два этапа: 15 в. называют ранним Возрождением, а 16 в. точнее его первую треть, - Высоким Возрождением. Важнейшим культурным и художественным центром раннего Возрождения была Флоренция, к 16 в. центр переместился в Рим; большую роль в этом периоде стала играть также Венеция.

Коренные изменения произошли в архитектуре. Хотя архитекторы получили все больше заказов на сооружение светских зданий, самые крупные достижения той поры все еще были связаны с церковным строительством. И в архитектуре зданий, и их декоре отказались от всего, что напоминало готику. Под влиянием античности наиболее совершенными стали считать постройки, увенчанные куполом; образцом здесь был римский Пантеон. Величайшим и известнейшим купольным зданием эпохи Возрождения стал собор святого Петра в Риме. Его строили более ста лет; среди десятка руководивших строительством архитекторов важнейшими были создатель первоначального проекта Браманте (1444 – 1514 ) и Микеланджело . Шедевром Микеланджело является вознесшийся на 132 метровую высоту гигантский купол собора. Все это здание отличается равновесием и гармонией. Невзирая на огромные размеры и высоту, оно не устремлено к небу, как готические соборы. Собор святого Петра в своем величественном совершенстве кажется хвалою не столько богу, сколько своему создателю – земному человеку.

Здания эпохи Возрождения украшают колонны, пилястры, львиные головы, и «путти» ( обнаженные младенцы), гипсовые венки из цветов и плодов, листья аканта и другие детали, образцы для которых были найдены в развалинах древнеримских построек. Большая их часть применялась в плоть до начала 20 ст. Снова вошла в обиход полукруглая арка.

Состоятельные люди стали уделять больше внимания удобству и красоте жилья . Вместо прежних тесно прижатых друг к другу домов появились т.н. п о л а ц ц о, повернутые к улице широкими фасадами. Палаццо по своему плану приближались к квадрату, его центральной частью был четырехугольный двор, окруженный открытыми аркадами, обычно палаццо имели три этажа . Их суровые уличные фасады часто были облицованы грубо отесанными каменными блоками на первых этажах и более чисто обработанной легкой каменной кладкой - на верхах. В таком раннего типа палаццо жила и самая влиятельная семья Флоренции – богатые банкиры и владельцы текстильных мануфактур, а позднее Флорентийские герцоги Медичи, которые были также щедрыми покровителями искусства.

В благоприятной для искусства атмосфере расцвели многие замечательные дарования . В отличие от средневековых художников их имена хорошо известны. Особенно стали ценить личную неповторимость художника; каждый мастер стремился создать нечто самобытное, врезающее в память, отличное от других. Многие художники были одновременно и ученными – эта многосторонность отпечаталась и на их творчестве. Как можно лучше познать человека и окружающий его мир и создать изображения верные и правдивые – таково было общее стремление. Живописцы Возрождения хотели создать картину «окном в мир»; для передачи глубины пространства они разработали т.н. линейную перспективу, а округлость объемов стали умело изображать с помощью светотени, особое значение имело изучение анатомии человека. Красоту человека почитали тогда превыше всего. Однако церковь долгое время оставалась главным заказчиком поэтому большая часть произведений все еще посвящена христианским сюжетам. Однако рядом с ними в искусстве Возрождения проявляются картины и статуи, вдохновленные античной мифологией. Вполне светский характер имели созданные тогда многочисленные портреты.

В эпоху Возрождения скульптура отделилась от архитектуры; статуи стали размещать в залах, во дворах и на площадях так, чтобы их можно было рассматривать со всех сторон. Изображали обычно доблестных и отважных людей; из библии и легенд выбирали таких персонажей, которые напоминали уверенных в себе, предприимчивых людей Возрождения. Таким был, например, святой Георгий, победивший дракона. Все знаменитые скульпторы изображали Давида – юного пастуха, который справился с великаном Голиафом.

Между античной скульптурой и скульптурой Возрождения есть много общего: формы снова близки к реальности, снова высоко ценится красота обнаженного тела. Скульптура знаменитого Донателло (1386 –1466) «Давид» - это первая статуя после тысячелетнего перерыва, изображающая обнаженного человека; а его памятник мужественному военаначальнику Гаттамелате в Падуе – первый со времен античности, стоящий посреди площади конный монумент.

Эпоха Возрождения обновила и искусство живописи. Живописцы обратились к природе. Они научились верно передавать пространство, свет и тень, естественные позы, разнообразные человеческие чувства. Именно раннее Возрождение было временем накопления этих знаний и навыков. Картины той поры проникнуты светлым и приподнятым настроением. Задний план часто написан в светлых тонах, а строения и природные мотивы очерчены резкими линиями; преобладают чистые цвета. С наивным прилежанием изображены все подробности события, персонажи чаще всего выстроены в ряд и отделены от фона черным контуром. Живопись раннего Возрождения только стремилась к совершенству, однако, как ни странно, ее искания, ее искренность нередко трогают больше, чем достигшее совершенства искусство Высокого Возрождения.

Первым мастером живописи раннего Возрождения считали прожившего всего 28 лет Мазаччо (1401-1429). В его фресках во Флоренции достигнута невиданная ранее сила выражения человеческих чувств. Темный и глубокий колорит отличает его живопись. Люди на фресках Мазаччо гораздо более плотны и мощные, чем на картинах готической поры; округлость человеческих тел кажется осязаемой.

В творчестве Сандро Боттичелли ( 1447 – 1510) живопись раннего Возрождения достигла своей вершины. Этот автор, прославившийся изображением нежных мадонн, стал любимцем Медичи. Среди заказанных ему картин на сюжеты из античной мифологии особенно известны две: « Примавера» («Весна») и «Рождение Венеры» - богини любви и красоты. В этих проникнутых поэтическим настроением картинах много грации, плавного движения, прекрасных и одухотворенных лиц. На портретах того времени запечатлены люди Возрождения – волевые, спокойные, прямодушные. Портретисты раннего Ренессанса предпочитали изображать свои модели в профиль.

Типичные картины Высокого Возрождения строго уравновешенны по построению . Персонажи часто объединены в группы, напоминающие пирамиду; пейзаж, словно утопающий в синей дали, служит для них фоном или виднеется из окна.

В период высокого Возрождения в Италии работали три великих мастера, чье творчество отражает во всей полноте эту замечательную эпоху. Это Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэль.

Круг интересов Леонарда да Винчи (1452-1519) охватывал почти все известные тогда науки, а также литературу и музыку. Он во многом опережал свое время, например, но пробовал сконструировать летательный аппарат, одним из первых он прибег в научных целях к анатомированию организма человека.

Леонардо работал преимущественно при дворе герцога миланского в качестве инженера, архитектора и художника. Многогранность его интересов оставляла, к сожалению , мало времени для художественных занятий. На стене трапезной одного миланского монастыря он написал большую фреску «Тайная вечеря»; к несчастью, краски, им изобретенные, оказались нестойкими. Благодаря умелому перспективному построению в этой росписи особенно хорошо удалось передать пространство, в то же время эта картина с удивительной силой изображает напряженные человеческие взаимоотношения. В наши дни эта строго продуманная по своему построению роспись сильно пострадала. Самая известная картина Леонардо «Мона Лиза» (или «Джоконда») – это, вероятно , портрет молодой жены флорентийского купца Джокондо; ее таинственная улыбка до наших дней продолжает завораживать любителей искусства. Неповторимое обаяние картины Леонардо придает особая туманная дымка («сфумато») , окутывающая людей и предметы.

Самой могучей личностью среди художников Ренессанса был Микеланджело (1475 – 1564).Титанический размах творческой мысли диктовал ему колоссальные замыслы, которые он не успевал завершать. Единственная его законченная большая работа – роспись потолка Сикстинской капеллы в Ватиканском дворце. Под этим потолком, имеющим 40 метров в длину, Микеланджело провел долгих четыре года, работая в неудобной позе. Он изобразил библейскую легенду о сотворении мира до всемирного потопа, представлены там и другие сцены. На фреске можно увидеть 350 человеческих фигуры – это образы могучих, страстных , сильных телом и духом людей, воплощающие ренессансный идеал совершенного человека. Однако гармония этих образов смущена неким тревожным, зловещим предчувствием. Большая фреска, написанная Микеланджело спустя 30 лет на восточной стене той же капеллы, уже полна тревоги и скорби. Она изображает сцену страшного суда, когда Христос выносит приговор всем – живым и мертвым. Подчиняясь его повелительному жесту, судорожно переплетенные тела грешников потоком извергаются в ад. Все люди обречены, и никому здесь нет пощады. В этой росписи нет больше свойственных Высокому Возрождению покоя и ясности: здесь Микеланджело приблизился к следующему художественному стилю – барокко.

Фигуры в его росписях необычайно мощные и мускулистые ; своей рельефностью они напоминают раскрашенные скульптуры. В этом , очевидно . сказалось, что Микеланджело был также великий скульптор. Скульптором прежде всего он считал себя сам. Его готовый к схватке Давид, мраморная статуя высотой 5,5 метров, по сравнению с такими же статуями Донателло и Верроккьо куда более могуч и даже грозен. Мужские и женские фигуры, олицетворяющие время суток, погружены в мучительные мысли ( в капелле Медичи во Флоренции). Самому художнику более всего забот доставила гробница папы Юлия II. По первоначальному замыслу она должна была включать более 40 фигур размером, превышавших натуральную величину; из них вполне закончены были только три, в том числе и могучий «Моисей».

Творчество Микеланджело охватывает шесть десятилетий. За это время в искусстве произошли большие изменения, которые отразились и в его произведениях – здесь ярче всего ощущается переход от Ренессанса к барокко.

Третий великий мастер Высокого Возрождения Рафаэль (1483 – 1520) не был ни столь разносторонним, как Леонардо, ни таким могучим, как Микеланджело , но именно он наиболее полно воплотил в своих творениях идеалы Высокого Возрождения. Он изображал цельных и гармоничных людей в мирной и ясной обстановке, фоном служили красивые пейзажи или величественная архитектура. Таковы его мадонны – небесно прекрасные, и вместе с тем земные, таковы и персонажи его больших многофигурных фресок, украшающих частные комнаты Ватиканского дворцы (т.н. станцы).

Самая известная картина Рафаэля – «Сикстинская мадонна»: в золотом сиянии легко ступает по облакам молодая мать с ребенком на руках; в этом образе жизненная правда и естественность сочетаются с идеальным совершенством.

С середины 16 в. Италия переживала упадок искусства. Художники стремились не столько подражать природе, сколько манере знаменитых мастеров – отсюда это искусство получило название маньеризма. Картины маньеристов проникнуты, беспокойством, фигуры людей часто бывают неестественно вытянуты и представлены в странных позах, краски слащавы.

Своеобразный характер получила архитектура Возрождения во Франции. Во время своих походов в Италию французские короли познакомились с новым искусством и пожелали иметь нечто подобное у себя в стране, поэтому они стали приглашать во Францию итальянских художников и архитекторов. Так попал туда и Леонардо да Винчи, который провел последние годы своей жизни при дворе Франциска I. Но пересадить на французскую почву итальянское искусство не удалось. Французские художники создали свое искусство Ренессанса – изящное, ясное и утонченное, оно с самого начала служило только власть имущим. Особенно оживилась строительная деятельность с начала правления Франциска I в 1515 в. На берегах Луары возникли один за другим замки сказочной красоты. Охотничий замок короля Шамбор – наиболее впечатляющий из них. Его трехэтажное главное здание и боковые флигели с мощными угловыми башнями замыкают внутренний двор. Башни и башенки с чердачными окнами, каминные трубы высятся наподобие фантастического леса. Эта любовь к украшению высоких крыш, особенно чердачных окон, будет отличать французскую архитектуру и в дальнейшем. Уже по одному этому признаку легко отличить французские ренессансные замки от современных им итальянских палаццо с плоскими кровлями.

В середине 16 в. в Париже приступили к строительству нового Луврского дворцы. Его четкая архитектура и тонкие украшения повлияли на тех мастеров, которые позднее достраивали новые части – ибо строительство дворца растянулось на столетия. Лувр был достроен только во второй половине 19 в. в наши дни в этом огромном здании размещен один из величайших художественных музеев мира.

Гораздо медленнее отступала готика в Германии. В строительстве городских жилых домов сохранилась готическая традиция – об этом говорят высокие щипцы обращенных к улице фасадов; однако украшения из резного камня были исполнены уже в ренессансном духе. Дворцы властителей и аристократов более приближались к итальянским образцам. По готически высокие щипцы в сочетании с ренессансными украшениями вошли в обиход и в Нидерландах ( на территории нынешних Бельгии и Голландии). Среди архитектурных украшений особую популярность получили к а р т у ш и – овальные щиты в затейливых рамках. В голландской части страны жилые дома того времени пленяют своим уютом. Красные кирпичные стены прекрасно оттеняют белизну каменного декора.

Новой по характеру, но по прежнему сохранявший высокий художественный уровень, была скульптура французского Возрождения. Выдающийся скульптор Жан Гужон (около 1510 – 1568) украшал первые сооружения Лувра. В его работах французское изящество соединяется с живой естественностью. Тип женщины в творчестве Гужона – гибкой, длинноногой, с маленькой головой и прямым правильным носом – много раз повторяли французские скульпторы и после него. Таковы и нимфы с кувшинами в руках, изображенные Гуженом на рельефах «Фонтана невинных» в Париже (сейчас в Лувре).

Лучшие черты французской скульптуры получили продолжение в творчестве Жермена Пилона (ок. 1535-1590). Поразительно созданное им надгробие королевской четы Генриху II и Екатерине Медичи из уже знакомого нам флорентийского рода. Мраморные полуобнаженные фигуры, возлежащие на подушках, были в то время новостью. Кажется, мгновение назад они были живы и еще сохраняют жизненное тепло. Необычность этого погребения станет ясной, если вспомнить, что в те времена в произведениях такого рода было принято изображать смерть в самом отталкивающем виде – с черепами и скелетами.

Произведения наибольшей ценности художники северного Возрождения создали в живописи. Именно в ней особенно наглядно выступают характерные черты искусства каждого народа.

В истории нидерландской живописи трудно провести четкую границу между готикой и Возрождением. Живопись всего 15 в. выглядит как долгий переход от старого стиля к новому. Человеческие фигуры в нидерландских картинах сохраняют готическую стойкость и бестелесность; при этом художники предпочитали изображать своих персонажей одетыми. Внешне их картины не были столь величественными и монументальными, как в Италии, где было создано множество фресковых росписей большого размера. В Нидерландах заказывали по преимуществу станковые картины; художники развили до необычайной виртуозности манеру письма, где любая мельчайшая подробность изображалась с крайней тщательностью. Такая картина очень увлекательна для зрителя: чем больше ее разглядываешь, тем больше находишь там интересных вещей.

Основателями нидерландской школы 15 в. были братья Ян ван Эйк (ок.1380-1441) и Хуберт ван Эйк (ок. 1366/70 – 1426). В городе Генте, в современной Бельгии, находится т.н. Гентский алтарь, созданный совместно обеими братьями. В этом произведении проявилось новое видение мира и новые способности его изображения. Если раскрыть створки алтаря, то перед нашими глазами предстанет 12 картин. Особенно интерестны 5 картин нижнего ряда, которые образую единое целое. Они представляют обширный пейзаж с виднеющимися городами и замками , с горами и долинами покрытыми разнообразной растительностью; толпы людей с разных сторон направляются к источнику в центре переднего плана. Рассматривая эти картины, обнаруживаешь все новые и новые подробности. Они написаны удивительно тонко и точно, их чистые, сверкающие краски и филигранная проработка деталей обязаны своим появлением искусному использованию масляной техники.

Двойной портрет купца Арнольфина и его жены, написанный Яном ван Эйком, также был новым для своего времени – прежде всего, благодаря поэтическому изображению обыденной сцены.

Художник написал супружескую пару в уютной комнате. Примечательная находка – зеркало на стене, в выпуклой поверхности которого отражается все происходящее в комнате.

Вполне можно отнести к Возрождению нидерландских художников работавших в 16 в. Величайшим среди них был Питер Брейгель Старший (ок. 1525 – 1569). Он писал достоверные сцены из крестьянской жизни. Даже библейские сюжеты он помещал в деревенскую обстановку Нидерландов того времени. Поэтому он и получил прозвище «Брейгель Мужицкий» - чтобы отличить его от сыновей, которые тоже были живописцами.

Картины Брейгеля построены так, что зритель глядя на них, чувствует себя словно бы стоящим на возвышенности. Оттуда , с высоты , он созерцает события, изображенные на картине. Он видит многолюдные празднества, детские игры и т.п.; это сотни маленьких и чуть неуклюжих Фигурок, занятых разнообразными делами.

Тяжелые времена которые Нидерландам пришлось пережить под испанским владычеством, оставили свой след в искусстве. И у Брейгеля встречаются мрачные образы, напоминающие творчество Иеронимуса Босха.

Брейгель был одним из первых подлинных мастеров пейзажной живописи, однако он всегда соединял природу с человеком. Прекрасна его картина «Охотники на снегу» - из серии картин «Времена года». Кипит трудовая жизнь, конькобежцы кружатся на льду пуда, над сине-белым простором парит одинокая сорока. Подобно Брейгелю Старшему, другие художники стали проявлять все больший интерес к пейзажу и к жанровой живописи, т.е. изображению сцен повседневной жизни.

Ренессанс в Германии не принес с собой такого чувства освобождения, как это было в Италии. Там долго еще сохранялось свойственное раннему средневековью миропонимание. Люди на немецких картинах большей частью суровы, приземленные, им чужды светлые настроения, столь харакетные для итальянского Возрождения. Тем не менее ни одна другая эпоха не видела такого расцвета немецкой живописи, как Ренессанс. К сожалению, этот расцвет длился недолго: всего лишь два – три десятилетия в начале 16 в. Реформация (религиозное движение «очищение веры») и внутренние войны, включая и крестьянскую войну 1525 г., положили конец этому короткому, и блистательному периоду в истории немецкого искусства.

Старшим из работавших в первой половине 16 в. немецких художников был Маттиас Грюневальд (ок. 1470-1528) . Сотни лет его творчество находилось в полном забвении, даже точно не знали его имени. Его картины, потрясающие своим драматизмом, исполненные в напряженных пылающих цветовых сочетаниях. Главное произведение Грюневальда – т.н. Изенгеймский алтарь, точнее его живописная часть (алтарь находится в г. Кольмаре, во Франции). Изображенный на алтарной картине высотой в 3 м. Распятый Христос – это само страдание. Изуродованное, позеленевшее тело распятого и кроваво- красные плащи присутствующих, на фоне черного ночного неба, производят жуткое впечатление. Если открыть створки алтаря, можно увидеть и более радостные сцены. Тем не менее Грюневельда считают прежде всего живописцем человеческого страдания.

Величайшим немецким художником был Альбрехт Дюрер (1471-1528) . Он был непревзойденный рисовальщик и график. Изобретение печатной графики стало возможно, когда в Европе повсеместно вошла в употребление бумага. На рубеже 14 и 15 вв. появились техники гравюры на дереве и на меди, они позволяли печатать много одинаковых картин с доски, на которой был вырезан рельефный рисунок. Ни одна из этих техник не была изобретена в Германии, но только в руках Дюрера обе достигли совершенства. Его гравюры, в том числе и на религиозные сюжеты, глубоки по мысли и человечны. Животные и растения на его акварелях словно живые. В живописи ему лучше всего удавались портреты, особенно серьезные и простые автопортреты.

Множество запоминающихся портретов и алтарных картин создал Лукас Кранах Старший (1472 – 1559) . Писал он картины и на мифологические сюжеты; яркие изысканные, они часто представляют обнаженные женские фигуры, неуверенно стоящие и причудливо вытянутые, но пленяющие своей странной грацией.

У них характерные округлые лица и чуть раскосые глаза, по которым картины Кранаха Старшего легко узнать.

Разносторонним мастером был Ханс Хольбейн Младший (1497-1543), создавший известную серию гравюр на дереве «Пляска смерти». Обращаясь к популярному в то время мотиву «плясок смерти», художник хотел сказать, что смерть всесильна и перед нею все равны – богатые и бедные, власть имущие и угнетенные. Наивысшим достижением Хольбейна были портреты.

Позднее, став портретистом при английском дворе, Хольбейн создал целую галерею портретов. В их числе портреты горделивого и жестокого короля Генриха VIII, его жен, придворных и других аристократов.

Тема: Художественные стили европейского

искусства 16 -18 ст.

Искусство Барокко

В конце 16 в. в Италии возник новый стиль – б а р о к к о. Это название проще объяснить с помощью слова « необычное». Яркость чувств, порывистость, страстность этого искусства, его преувеличения и излишества полны неожиданностей и поражают зрителя . Взволнованность и впечатляющую силу искусства барокко стремилось использовать в своих интересах римско-католическая церковь для укрепления веры в народе. Это искусство поддерживали и правители, которые видели в нем средство, чтобы показать свое могущество и власть.

Поэтому искусство барокко получило особый размах там, где господствовала католическая вера или о его распространении заботились властители. В конце концов,барокко покорило почти всю Европу, благодаря испанцам, достигло Америки, где его до сих пор называют «испанским стилем».

Родиной архитектуры барокко стал Рим. Новый стиль утвердился прежде всего в церковном зодчестве.

Плоскость стены дробилась и изгибалась, украшения создавали беспокойную игру света и тени.

Франческо Борромини (1599 – 1667) , большой любитель излишеств, достиг в этом крайности. Для созданных им зданий характерны сильные контрасты выступающих вперед и уходящих в глубину частей, волнообразные линии фасадов и планов.

Планы сооружений эпохи барокко легко узнать. В их основу нередко положены сопряженные друг с другом овалы. Закругленные пространства, дугообразные и извивающие линии сплавляются в своеобразное целое. На этом фоне иначе зазвучали даже старые применявшиеся ранее детали. Излюбленным архитектурным мотивом стали волюты – они спирально изгибались на фасадах, охватывали овальные окна и порталы с вычурно- волнистыми фронтонами. Снова получили распространение базиликальные церкви, но в преобразованном виде. В боковых нефах разместились капеллы, перед алтарной частью вознесся купол. Встречались в церквях и фасадные башни с причудливыми, как бы раздутыми завершениями.

Самые представительные барочные здания украшались дорогими породами цветного мрамора, пышной лепниной, скульптурами и росписями. Живопись на стенах и потолках создавала обманчивые пространственные эффекты. Колонны, изображенные на потолках, благодаря искусному использованию перспективы, казались продолжением стен.

Вверху меж кучевых облаков в странных позах парили ангелы и святые или персонажи мифов – так возникало ощущение бесконечного, уходящего в небо пространства.

В эпоху барокко в Европе было построено множество великолепных дворцов , были разбиты парки с прямыми аллеями и подстриженными деревьями, созданы просторные площади с памятниками, в городах спланированы целые архитектурные ансамбли.

Архитектура барокко, выйдя за пределы Италии, приобрела в каждой стране особый облик. Лучшими примерами щедрой роскоши, характерной для немецких земель, могут служить дворец Бельведер в Вене и т.н. Цвингер в Дрездене. Последний представляет собой площадь для празднеств , окруженную прелестными галереями, башенками и павильонами.

Самостоятельным путем пошло развитие архитектуры во Франции. Там избегали излишества, к которым склонны были итальянцы. Господствующим стало классицистическое направление (т.н. ранний французский классицизм). Это означает . что во Франции стремились следовать античным и ренессансным т.е. «классическим» образцом. Здания строили симметричными, ясными, они были перекрыты высокой мансардной крышей , получившей название по имени ее создателя архитектора Мансара. Самый известный памятник французского барокко – дворец в Версале, неподалеку от Парижа. Его огромные размеры и внушительность должны были символизировать величие «короля-солнца» - Людовика ХIV. Ядро дворца образует относительно невысокое трехэтажное здание, охватывающее с трех сторон большой парадный двор. От главного здания отходят в обе стороны флигели. Один из фасадов дворца обращен к парку. Там расстилаются узорные ковры цветочных клумб, бассейны с фонтанами, на фоне зелени белеют мраморные скульптурные группы на античные сюжеты. От сдержанного внешнего облика дворца разительно отличаются богато украшенные внутренние помещения, и в особенности огромная Зеркальная галерея. На долгие времена Версаль стал образцом дворцового строительства для всей Европы.

Скульптуры барокко порывисты, беспокойны, живописны . Люди – в развивающихся одеяниях или обнаженные – представлены в надуманных позах. Пышные драпировки, вычурные жесты, бесчисленные детали придают статуям извилистые и неопределенные очертания. Сила и страстность с мягкой округлостью, текучестью форм.

Живопись барокко можно условно разделить на три части: церковную, придворную и буржуазную – в зависимости от того, кто ее заказывал. Если наивысшие достижения церковной живописи принадлежат Испании, а фламандские мастера создали наиболее пышное придворное искусство, то буржуазное искусство расцвело прежде всего в Голландии – стране с самым передовым общественным строем в тогдашней Европе. Живописцы барокко предпочитали теплые тона и плавные цветовые переходы, без резких контурных линий. Их привлекала игра света и тени, сильные контрасты светлого и темного. Большое внимание они уделяли верной передаче поверхности различных материалов.

В типичных барочных картинах изображены напряженные и драматические сцены. В них много приходящего, мгновенного: неустойчивые позы, резкие движения – словно на моментальном фотоснимке запечатлены сильные человеческие тела в каком-то неистовом порыве. От яркого выражения человеческих переживаний и страстей недалеко до их искусственного преувеличения.

Искусство рококо.

В 20-х гг. 18 столетия при французском дворе зародился стиль р о к о к о, который просуществовал около полувека; стиль этот вырос из барокко, он был более легким и игривым. Название стиля произошло от французского слова «rocaille» (рокайль), которое означает модные тогда садовые украшения из камушков и раковин, а также сами камушки и раковины. Стиль рококо господствовал в оформлении внутренних помещений.

В эпоху зрелого рококо строили сравнительно небольшие и внешне простые здания – дворцы и жилые дома для одной семьи. Стены их маленьких салонов и будуаров покрывали светлыми панелями или зеркалами, которые обрамляли декоративные композиции из цветов, ветвей и листьев.

Мягкие пастельные жемчужно-серые, золотистые или серебренные тона, блестящие плоскости зеркал, тихо позванивающие хрустальные люстры делали эти комнаты похожими на музыкальные шкатулки. Часто предметы и украшения имели капризно асимметрическую форму.

Повсеместно использовался мотив раковины – это часть поверхности стены или предмета в резной форме причудливо извилистых очертаний.

В моду вошли также всевозможные украшения в китайском вкусе, это были подражания изделиям китайского художественного ремесла, завезенным в Европу.

В живописи предпочтением пользовались светлые тона – розовые, голубые, вибрирующий свет, таинственные пейзажные фоны; наряду с маслинными красками часто пользовались пастелью. Особенно часто в картинах рококо изображали пастухов и пастушек. И это не было изображением людей из народа, а условные пастушеские сцены, разыгранные переодетыми аристократами.

В скульптуре также господствовали легкость, мягкость и грация – долгой чередой повторяются купальщицы, путти и амурчики – божки в виде крылатых мальчиков.

Эпоха рококо принесла новые веяния и в проектирование парков. В противоположность симметричному и регулярному парку эпохи барокко, который называют французским, возник подражающий живой природе парк с извилистыми дорожками и как бы случайно разбросанными купами деревьев, т.н. английский парк; на самом деле идея эта возникла в Китае.

Классицизм.

В последней четверти 18 в. во Франции развился новый стиль, для которого непосредственным образцом было античное искусство. Его называют классицизмом.

Сложению классицизма способствовали общественные причины. В противоположность легковымысленному развлекательному искусству двора и аристократии буржуазия выдвинула свое, более строгое и серьезное. Когда в 1789 г. разразилась Великая Французская буржуазная революция, в результате которой был свергнут король Людовик ХVI, классицизм стал стилем революции. Однако позднее, когда генерал Наполеон Бонапарт в 1804 г. объявил себя императором, классицистическое искусство начало воспевать его величие и военные победы.

Классицизм следовал античным образам, поскольку античная эпоха казалась идеалом. Другой причиной подражания античности было накопление новых знаний об античной культуре, например раскопки Помпей в Италии.

Главными принципами классицизма были»возвышенная красота и спокойное величие» Искусство должно было поучать, восхвалять достоинства и осуждать пороки.

Архитектура классицизма распространилась по всей Европе и за ее пределами. Любые, даже самые заурядные здания были симметричными, с большими гладкими плоскостями стен, центральная часть фасада напоминала торец древнегреческого храма – это была выдающаяся вперед колоннада, увенчанная треугольным фронтоном. Такого рода здания возникали во всех более или менее крупных городах. Их простота и строгость в сочетании с выгодным расположением в городском ансамбле производят внушительное , но немного холодное впечатление. Сооружали в то время множество строений, не имевших практического назначения, так скажем, как Триумфальная арка на площади Звезды в Париже.

Классицистическая скульптура целиком зависела от античных образцов. Гладкие полированные поверхности мрамора, четко обрисованные силуэты придают статуям некоторую холодность; их жесты сдержанны, они носят античные одежды или обнаженные. Идеализированные черты лица и прямой «греческий» нос делают их похожими друг на друга. Вытянуты и стройны наподобие античной колонны изваяния женщин. Темы почти всегда черпаются из античной мифологии; даже портретируя своих современников , скульпторы заставляли их играть роль античных героев. Крупнейшими скульпторами этой поры были итальянец Антонио Канова (1757-1822) и датчанин Бертель Торвальдсен (1768-1844) – оба они исходили в своем творчестве из античного идеала красоты.

Скульптура украшала также и архитектурные сооружения. Рельефы заполняли плоскости франтов на фасадах, скульптурные колесницы венчали триумфальные арки. Особенно распространенные были рельефные украшения, составленные из знамен, щитов, алебард и прочего оружия – т.н. т р о ф е и. Их можно было увидеть на общественных зданиях, постаментах памятников, триумфальных арках и т.п. Они должны были напоминать о выигранных сражениях и победоносных походах, символизировать военную мощь государства или прославлять правителей.

Найти подлинные античные образцы для живописи было трудно, их сохранилось совсем немного. Поэтому живописцы также взяли за образец античную скульптуру. Они старательно обрисовывали контуры и лепили светотенью формы тела, цвету не придавали самостоятельного значения. Краски были приглушенные, наносили их на поверхность ровно. Не стремясь к передаче оттенков и переходов.

Обычно на картинах были представлены сцены из античных времен, которые одинаково, перекликались с современными событиями – понимание таких картин требует соответствующих знаний. Сюжеты выбирались поучительные, а поступки героев призваны были служить примером для подражания.

Другим важным жанром живописи классицизма был портрет. Главным мастером классицизма в живописи был француз Жак Луи Давид (1748 – 1825). Самое известное его произведение – «Клятва Горациев», было первым полным воплощением принципов классицизма . Сюжет выбран из истории Древнего Рима: изображены молодые братья Горации, которые клянутся своему престарелому отцу доблестно сражаться с врагами. Сломленные горем , наблюдают за этой сценой мать и сестры. В канун революции 1789 г. французы видели в этой картине призыв к гражданской доблести. Давид принимал живейшее участие в революционных событиях . Он написал картину, где изобразил предательские убитого вождя революции Марата. После прихода к власти Наполеона Давид перешел в лагерь его сторонников и, став придворным живописцем, писал огромные холсты, прославлявшие императора.