Культурология. Мировая культура и искусство

81

готеет к ярким цветам и отчетливому рисунку. Фрески в изобилии покрывали стены и колонны романских церквей. Однако нередко ведь декор романских церквей сводился к яркому геометрическому орнаменту на стенах и опорах. Фрески в церквях раннего средневековья были «Библией для неграмотных». Так, в церкви Святого Иоанна Крестителя (780 – 790) в г. Мюнстере сохранились старейшие из известных каролингских фресок на темы Ветхого и Нового заветов. Как отмечают исследователи, автор росписей следовал античным традициям и канонам

– строго выдержаны пропорции фигур. Однако, он привнес и свое собственное мировосприятие: в отличие от спокойных уравновешенных композиций античности, жесты персонажей резки, их одежды развеваются словно взметенные вихрем. Здесь впервые появилось изображение страшного суда, что впоследствии стало характерной чертой средневекового искусства.

Сейчас немного церквей сохранили это убранство, но многие несут его следы.

Особое место занимала иконопись. Иконы рассматривались как средство эмоциональной связи с Богом, доступное неграмотным массам. Священные образы так и называли: Библия для неграмотных.

Икона как таковая была более распространена в Византии и странах ее круга. Однако и в Западной Европе главное место в алтаре занимала икона, иногда скульптора. Именно влияние византийской иконописи, её символики, наложило неизгладимый отпечаток на западноевропейское искусство, включая и эпоху Возрождения. Цветовая и предметная символика легко читается во многих произведениях художников Возрождения, особенно Северного. Если взглянуть на «Мадонну в винограднике» Лукаса Кранаха (ХVI в.), то мы, зная знаковую символику, легко поймем, что перед нами не просто очаровательная мать с младенцем на фоне красивого пейзажа, но именно сакральный текст. И на итальянских полотнах эпохи кватроченто, например, у фра Беато Анжелико, мы видим несомненное влияние Византии не только в характере композиции, плоскостности золотого фона, но и в деталях, например, крещатом нимбе над головой младенца Иисуса.

Икона (от греч. «icon» – образ, изображение) – это изображение бога, святого или библейского сюжета на специально приготовленной доске, мистическим образом связанное с самим божеством.

Икона – это, прежде всего, молитвенный образ и изначально она мыслилась как сакральный текст. Поэтому для ее прочтения необхо-

81

82

димо изучить ее символико-аллегорический язык, то есть символику цвета и предметного мира иконы. Символика иконы связана с контекстом, вырванный из контекста знак (цвет или предмет) может иметь различное значение. Например, голубь на ветхозаветной иконе означает веру, надежду, а на новозаветной – Святого Духа.

Символика цвета. Цвет в средневековой живописи имеет свою иерархию. Высшим является золотой цвет (божественный) – символ божественной энергии, божественного сияния. Золотые лучи ассиста (асс-луч), окружающие образ Иисуса – это символ его божественной энергии.

Затем идет белый – символ чистоты, непорочности, отрешенности от всего мирского, то есть цветного, поэтому в белоснежных одеждах изображаются ангелы, они принадлежат высшему миру.

Следующий красный цвет – один из самых многозначных (иногда он заменяет пурпур), это цвет мученичества, жертвенности, цвет огня, как карающего, так и очищающего. Это символ горения за веру, символ животворящей энергии, тепла и в то же время это символ земной сущности. Красный цвет в женских одеждах – это также цвет материнства и девства.

Синий – цвет трансцендентности, непостижимости божественных тайн, а также символ неба. Фиолетовый цвет считался цветом готики – это цвет молитвы и мистического устремления души, как соединение красного цвета крови и синего цвета неба. Синий цвет считался также символом любви, верности (поэтому в витражах преобладали красные, синие и фиолетовые краски).

Пурпурный цвет, в котором смешиваются красный и синий цвета

– это символ власти, императорского достоинства (иногда подменяется красным). В Византии пурпурную (красную) обувь мог носить только император, поэтому башмачки Марии красного цвета – символ не только ее достоинства, но и того, что она принадлежала к роду царя Давида.

Зеленый цвет – цвет жизни, воскрешения, цветения, символ Святого Духа. Желтый цвет равнозначен золотому, жёлтый заменяет золотой на более скромных иконах. Оранжевый – символ небесной благодати. Золотисто-розовый – символ младенчества. Сиреневый – символ печали. Черный – цвет конца, также цвет ада, конечности, бренности всего земного.

82

83

Цвет в средневековой живописи – это своеобразный опознавательный знак персонажей. Алый плащ на архангеле – символ архангела Михаила, так как он архистратиг небесного воинства, зеленый плащ у архангела Гавриила, небесного вестника.

По огненно красному фону можно узнать икону Ильи пророка, который был вознесен живым в огненной колеснице на небо. По охри- сто-желтому плащу и связке ключей (райский привратник) узнаем апостола Петра. По алому плащу (малиновому) и книге (вероучитель) мы узнаем апостола Павла. Католики часто изображают апостола Павла с мечом, как хранителя веры. На византийских иконах Иисуса изображают с крестчатым нимбом над головой и с золотой полоской клава на правом плече его хитона.

Символика предметов. Средневековый живописец не ставил перед собой цель изобразить реальный мир во всей его предметной полноте. Предметы, окружающие священный образ, имеют двойное значение. С одной стороны, они обозначают достаточно условно место действия. Например, изображение горы в сюжете «Преображение Господне»: Иисус с учениками действительно поднимается на гору. С другой стороны, многие предметы, изображённые художником на фреске или на иконе передают христианскую идею (гора-символ возвышения духа и, соответственно, преображение его). Строения, башенки означают и человеческое жилье – шатер, селение, город, и могут быть символом строительства Вселенной.

Треугольник – символ Святой Троицы. В средневековье в Западной Европе символом Святой Троицы было также изображение фиалки трехцветной (анютины глазки). Сердечко цветка символизировало всевидящее око. Четырехугольник – символ земли (четыре стороны света, четыре главные стихии и т.д.). Круг – символ вечности, гармонии, божественной самодостаточности, Вселенной. В середине века Вселенная представлялась также в виде кристалла.

Гора – это одновременно и реальная гора, и символ восхождения духа. Иногда этот символ представляют в виде лествицы (лестницы). Скала – символ стойкости, крепости в вере (Святой Петр).

Иисуса в раннем христианстве часто изображали в виде безбородого юноши пастуха («Евангельский пастырь»). В раннем христианстве, особенно в катакомбах, часто встречается изображение рыбы – это также символ Иисуса Христа, так как рыба по-гречески – «ихтюс».

83

84

Расшифровывая каждую букву, получали: Иисус Христос – божий сын, Спаситель.

Крест – символ мученичества. Крест в руках ангела или Иисуса – это символ спасения. Мандорла – голубовато-синяя, с лиловым центром сфера, окружающая фигуру Иисуса - символ его божественной силы и славы. Мандорла может быть миндалевидной или овальной формы.

Дерево на иконе – не только дерево, но и древо жизни, символ креста Христова. Дерево наполовину засохшее, наполовину цветущее и плодоносящее – древо познания добра и зла. Горки (лещадки) – символ открытого пространства. Чаша – символ искупления. Свеча – символ горения, устремлённости души к небу, а также бренности, тленности всего земного и плотского. Череп также символизировал бренность всего земного. Свернутый свиток (полотнище) – означал ночь. Радуга

– символ связи между богом и людьми, а также надежды. Символичны были и изображения цветов, растений Роза – сим-

вол христианского милосердия («мизорекордия» в переводе с латинского – милосердие), это цветок райского сада, символизирует райское блаженство. Это также символ Богоматери. Символом Богоматери является также горящий и не сгорающий куст – «Неопалимая купина». Готическая роза (круглое окно над порталом со сложным переплетом, напоминающим лепестки цветка в готических соборах) символизирует небесный град Иерусалим. Белая лилия (почти всегда в сцене «благовещения» у католиков) – символ чистоты и непорочности (иногда это белый ландыш). Гвоздика – символ любви, верности, постоянства (в Древней Греции была посвящена Зевсу). Ирис – символ красноречия. Цветок граната – символ страстей христовых. Виноград – символ крови Христовой и причастия.

Изображение благославляющей десницы приравнивалось к изображению лика. Изображение благославляющей десницы в радуге символизирует бога-отца.

Изображения животных, птиц также несли определённую символику. Голубь – символ Святого Духа в Новом Завете и веры, надежды в Ветхом Завете. Символами четырёх евангелистов являются Телец (Луки), Ангел (Матвея), Орел (Иоанна), Лев (Марка). Изображение льва также сопутствует святому Иерониму, иногда лев олицетворяет силу и могущество Иисуса. В устной традиции может олицетворять

84

85

дьявола. Агнец (ягнёнок) – символ жертвы и символ Иисуса Христа (отсюда сюжет католической иконы «Поклонение Агнцу»).

Птичка чиж охраняет детство. Павлин – это райская птица, традиционный символ вечности, а также спасения. Петух символизирует утро, очищение, надежду, победу. Свинья – атрибут Святого Антония. Змей – символ зла, сатаны, искушения.

В иконописи сложились определенные правила, каноны изображения бога (Иисуса), Богоматери, святых и основных библейских сюжетов – праздников. Эти каноны влияли и на западноевропейскую средневековую живопись.

Иисус и Богоматерь обычно изображались строго фронтально, статично, что подчеркивало их вневременную и внепространственную сущность и значимость. Цвета одежд Иисуса и Богоматери - пурпурный и синий. На Иисусе обычно красный хитон и синий плащ – это символизирует божественное воплощение в человеке. На плече хитона Иисуса золотая полоса – клав. Клав – символ императорского достоинства. Богоматерь традиционно изображается в синей тунике и пурпурном мафории с тремя золотыми звездами на плечах и на лбу (символ трижды присноденства). Таким образом, одеяния Богоматери символизируют образ земной девы, принявшей в себя Святого Духа.

Канон, по сути дела, регламентировал работу художника. В результате постепенно сложились жесткие правила изображения тех или иных сюжетов. Такие правила называются иконографическим типом. Небольшие изменения в деталях (изменения положения рук, смена разворота фигуры), в цвете внутри иконографического типа называются изводом.

Канон, иконографический тип, с одной стороны, сковывали творческую инициативу художника, но в то же время, способствовали оттачиванию мастерства рисунка, изображения деталей, учили виртуозно владеть светом и цветом в иконе.

Сюжеты и образы нерелигиозного происхождения, но имеющие символическое значение, также занимали значительное место в украшениях храмов, начиная с романской эпохи. Например, изображения аспидов и василисков. По народному поверью, аспид представлял собой змееподобное чудовище, которое можно обольстить пением; поэтому, заслышав пение, он тут же прижимался одним ухом к земле, другое закрывал хвостом. В христианстве аспид символизировал

85

86

грешника, не внемлющего голосу истины. Василиск – птица-змей – обладал взглядом, способным убить человека и олицетворял силы зла.

Химеры олицетворяли собой человеческие пороки. Сирена, губящая своим пением моряков, символизировала мирские соблазны. Единорог символизировал целомудрие, увидеть и изловить единорога могла только непорочная девица, поэтому в христианской западноевропейской традиции он связывался с девой Марией. Пеликан, питающий детей собственной кровью, олицетворял Христа, принесшего себя в жертву ради людей. Львица, склоняющаяся над мертвыми детенышами и взывающая их к жизни рычанием, символизировала Бога Отца, воскресившего Сына – Иисуса Христа6. Кроме того, как отмечает Л.Емохонова, было еще огромное количество химер: многоглавых тварей, зверей с раздвоенными телами, людей с собачьими головами, карликов, обезьян, лягушек, чьи скульптурные или рельефные изображения входили в декор храмов, устрашая грешников.

В готическую эпоху, начиная примерно с ХII века, широко распространяется изготовление шпалер – безворсовых, цветных ковров. Большие ковры являлись украшением холодных каменных замков, храмов. Их вывешивали на улицах во время праздников. Сюжеты шпалер выбирались легкие – любовные истории, сцены охоты, аллегории или сказочные мотивы. Были и религиозные сюжеты – для украшения алтарей. Особое место занимают шпалеры – мильфлеры (от франц. – тысяча цветов), на которых фигуры располагались на темном фоне, сплошь усеянном цветами. Происхождение шпалер связано с праздником Тела Господня, когда улицы, по которым двигалась процессия, украшались занавесями с наколотыми на них живыми цветами. Этот декор позаимствовали ткачи.

Великолепным образцом средневековых шпалер является серия «Дама с единорогом» из шести ковров, найденная в ХIХ веке в крипте (подземная часовня) кафедрального собора г. Буссак7.

Витражи заменили фреску в готических храмах и по разнообразию тематики соперничали со скульптурой. Свет - важная тема религиозной культуры ХII – ХIII вв. Богословы, Фома Аквинский и Гуго из Сен-Виктора рассматривали красоту как гармоничную пропорциональность, но также, как свет. Красота света тесно связана с его боже-

6Емохонова Л.Г. Мировая художественная культура. – М., 2000. – С. 121.

7Емохонова Л.Г. Мировая художественная культура. – М, 2000. – С. 130 – 131.

86

87

ственной природой – эта мысль есть в Евангелии от Иоанна, ее затрагивал впоследствии и Блаженный Августин. Наиболее полно эту идею развил христианский философ V века Дионисий Ареопагит. Бог есть свет, утверждал он, а творение – это воссияние света8.

Настоящие витражи – наборные композиции из цветного стекла в свинцовом переплете - переживают расцвет во 2-ой половине ХII – начале ХIII века. Затем их постепенно заменяет роспись по стеклу. Самый замечательный из дошедших до наших дней витражей – это ансамбль высокой готики в Сен-Шапель в Париже. Он содержит 146 окон с 1359 различными сюжетами.

Как отмечает Дмитриева Н.А.9, в большинстве готических соборов скульптурное убранство преобладало над живописью, так как ажурные стены не годились для фресок. А потому готическая живопись развивалась главным образом в миниатюрах рукописей и в росписях створок алтарей. Среди огромного числа рукописных книг, запечатлевших в своих миниатюрах весь мир средневековья, особо выделяется «Великолепный Часослов герцога Беррийского» начала ХV века. Уроженцы Нидерландов, братья Лимбурги создали удивительно выразительную хронологию года, сочетая утонченную куртуазность с ярко реалистичными зарисовками крестьянского труда.

Монументальная живопись – живопись алтарей – больше развивалась в тех странах, где готическая архитектура по ряду причин сохраняла относительную массивность и гладкость стен и где поэтому живопись не терялась, не растворялась в пронизанном цветными лучами витражей интерьере. Великолепные памятники алтарной живописи сохранились в Чехии – знаменитый Тржебоньский алтарь, алтарные преграды-ретабло в Кастилии (Испания). Как и скульптура, готическая живопись экспрессивна, драматична, чрезвычайно детальна, и, несмотря на плоскостность, обратную перспективу и символизм, насыщена элементами окружающей реальности.

В средние века была создана богатая, своеобразная культура. Это время дало образцы возвышенного одухотворённого искусства, подготовив во многом культурный взлёт в эпоху Возрождения.

Вопросы

8Искусство. – М., 2001. – С. 99.

9Дмитриева Н.А. Краткая история искусств. Вып.1. – М., 1968. - С. 187.

87

88

1.Какие источники питали формирование средневекового искусст-

ва?

2.Каковы особенности романской живописи?

3.Что нового появляется в готической скульптуре по сравнению с романской?

4.Что такое икона?

5.Какова символика средневековой живописи?

Литература

1.Дмитриева Н.А. Краткая история искусств. Очерки. – М., 1968.

2.Емохонова Л.Г. Мировая художественная культура. – М., 1999.

3.Ильина Т.В. История искусств. Западноевропейское искусство. –

М., 2000.

4.Искусство. Энциклопедия знаний. – М., 2001.

5.Любимов Л. Искусство Западной Европы: средние века. Возрождение в Италии: кн. для чтения. – М., 1982.

6.Очерки истории искусства / под ред. Г.Г. Поспелова. – М., 2001.

88

89

Глава 6.

Европейское культура и искусство эпохи Возрождения

1.Основные этапы итальянского Возрождения и его художественные достижения.

2.Художественная культура Северного Возрождения.

«Возрождение» (по-французски «Ренессанс») – это термин, который ввел в искусствоведение Джорджо Вазари, итальянский архитектор, живописец и историк искусства, живший в ХVI веке. Вазари применил его для характеристики эпохи ранних буржуазных отношений, когда во всех сферах жизни начали проявляться элементы новизны, а в духовной области произошла настоящая революция. В эту эпоху была заново открыта (возрождена) культура античности. Возродились идеи о неповторимости и ценности личности, о мощи человека и его безграничных творческих способностях. Героем новой эпохи стала титаническая личность, свободная в своих проявлениях. Искусство Возрождения воспевало совершенство и красоту человеческого тела, радости земной жизни. Оно пыталось соединить высокую духовность и психологизм средневековья с чувственным восприятием античности. Эпоха Возрождения выдвинула идеи гуманизма о том, что личность должна цениться не по своей сословной принадлежности, а по тому, что она достигла, как построила свою судьбу, как развила свои таланты и способности.

В эпоху Возрождения огромные изменения произошли в художественной сфере. Библейские сюжеты соседствовали с античными, изображались важные исторические события и сценки из обыденной жизни. В скульптуре и живописи появился обнаженный человек. Быстро развивалась станковая живопись, которую не знало Средневековье. Были заново открыты линейная и воздушная перспективы. Художники освоили много новых законов композиции, колорита, светотени. Это позволило реалистично передать красоту человека и божьего мира. В период Возрождения искусство окончательно отделилось от ремесла, началось профессиональное разделение и в самом искусстве. Все эти изменения привели к тому, что художественная культура достигла небывалых высот. Понятие «Возрождение» тесно связано с блестящим расцветом европейского искусства.

89

90

6.1. Основные этапы итальянского Возрождения и его художественные достижения

Итальянское искусство в эпоху Возрождения прошло в своём развитии несколько этапов:

1)Проторенессанс (2-я половина ХIII – начало ХIV вв.) – Дученто

иТреченто.

2)Раннее Возрождение (ХV в.) – Кватроченто.

3)Высокое (классическое) Возрождение (конец ХV в. – 1-я треть ХVI в.) – Чинквеченто.

4)Позднее Возрождение (середина и конец ХVI в.). Проторенессанс. Новые явления в искусстве Италии, прежде все-

го, появились в скульптуре. Они были подготовлены скульптурными работами мастеров пизанской школы, основателем которой стал Николло Пизано (1220 –1284). Выполненная им шестигранная мраморная кафедра для баптистерия в Пизе, представляет собой целое архитектурное сооружение, легко обозримое со всех сторон. По средневековой традиции на парапетах (стенках кафедры) он создал рельефы по сюжетам из жизни Христа, между ними расположил фигуры пророков и аллегорических добродетелей. Рельеф у Николло выступает как самостоятельный язык пластического, драматического повествования. При этом мастер стремится заполнить каждый пустой уголок рельефа, выделяя большими размерами главную фигуру изображения, придавая формам объёмность и выразительность. Его образы статичны, величавы и бесстрастны. Богоматерь напоминает римскую богиню Юнону, а Аллегория Силы - обнажённого античного героя Геракла.

Большую известность в Италии получило творчество его учеников. Так, фонтан Фонте Маждоре, украшенный многочисленными рельефами – ваяние Арнольфо ди Камбио (1245 – 1310), стал гордостью Пизы. Другой его ученик – сын Джованни Пизано (1245 – 1314), ревностный почитатель французского готического стиля украсил кафедры в пизанском соборе и церкви Санта – Андреа в городе Пистойе многофигурными рельефами, герои которых охвачены порывистым движением, словно стремятся вырваться из камня. Его творчество – это проявление порыва и кипения страстей, бешенной неистовой фантазии.

Перемены происходили и в монументальной живописи. Так, римский художник Пьетро Каваллини (1240 – 1330) стал придавать своим персонажам, изображённым в мозаике церкви Санте Мария ин Трасте-

90