Культурология. Мировая культура и искусство

101

отличалась своим повышенным интересом к цвету, к проблемам колорита. Творчество ее мастеров джостигло очень высокого уровня.

Джорджоне (Джордже Барабелли да Кастельфранко) (1477 – 1576) был учеником прославленного венецианского мастера Джованни Беллини. Джорджоне был художником лиричным. Его полотна наполнены тонкими, часто скрытыми переживаниями. Работы Джорджоне очень поэтичны. Важную роль в его живописи играет колорит с многообразием тонов и их мягкими переливами. На его картинах всегда присутствует пейзаж, с которым гармонирует нагое человеческое тело («Сельский концерт», «Спящая Венера»). Герои Джорджоне чаще всего пребывают в раздумье, погружены в свой внутренний мир. Многие его произведения навеяны античной мифологией или библейскими сюжетами («Юдифь»). В своей знаменитой и загадочной картине «Гроза» он показал напряжённо застывшую природу и безмятежного человека. А его «Спящая Венера» – самый прекрасный идеальный женский образ в искусстве Высокого Возрождения.

Творчество другого художника Тициана Вечеллио (1476/1477 – 1576) отличается исключительно широким и разносторонним охватом тем и жанровым многообразием. Он один из создателей монументальной алтарной картины, пейзажа как самостоятельного жанра, различных типов портрета, в том числе и торжественно-парадного. В творчестве этого великого колориста идеальные образы соседствуют с яркими характерами, трагические конфликты – со сценами ликующей радости, религиозные композиции – с мифологическими и историческими картинами.

Его жизнь можно условно разделить на 4-е творческих периода. Раннего Тициана привлекала красота обнаженного женского тела и роскошных тканей («Любовь небесная и земная»). Во 2-й период (1519 –1530) он стал самым именитым художником Венеции, выполнив заказ герцога Феррарского, создав целый цикл картин античного содержания («Вакханалия», «Праздник Венеры», «Вакх и Ариада», «Венера и Адонис», «Даная»). В это время он создал для церкви Санта Мария дельи Фрари огромную алтарную картину «Вознесение Марии», художественное полотно, подобное целостному организму, все части которого охвачены стремительным и торжественным движением.

Третий период творчества (начиная с 1530 г.) характеризуется повышенным интересом художника к народным типам, деталям быта. Так его «Венера Урбинская» приняла облик привлекательной и женствен-

101

102

ной венецианки, окруженной домашней обстановкой. 40-е гг. отмечены расцветом портретного творчества Тициана, герои которого отличаются благородством облика величественностью осанки, сдержанностью поз и жестов. В зрелые же годы он создаёт образы особо драматические, противоречивые характеры, изображённые в противостоянии. Начиная с 50-х гг. Тициана больше волнует трагическая сторона жизни, зрелище человеческих страданий («Бичевание Христа», «Святой Себастьян»). Глубоко переживая крушение ренессансных идеалов, он изображает своих героев, поверженными, пронзёнными стрелами, но не сломленных. Безмерная глубина скорби и величественная красота человека переданы им в последнем произведении «Оплакивание Христа». В этот период изменилась и техника письма Тициана. На смену золотистому, светлому колориту пришла живопись мощная, бурная, пастозная с использованием широких мазков ограниченной палитры.

Художников Высокого Возрождения называют титанами. И это определение очень верно. Оно подчеркивает мощь их таланта, уровень мастерства, глубину мысли и неиссякаемую жажду творчества. В 40-е годы в художественной жизни Италии произошли изменения, которые говорили о новом этапе в развитии культуры.

Позднее Возрождение характеризуется тем, что молодые художники сохраняют высокий уровень мастерства, но уже не ставят перед собой тех глобальных, грандиозных тем, которые разрабатывали титаны Возрождения. В творчестве многих из них в 80 – 90-е годы начали проявляться элементы нового стиля – барокко.

Наиболее значительными мастерами Позднего возрождения были художники венецианской школы: Паоло Кальяри, по прозвищу Веронезе (1528-1588) и Якопо Робусти, известного как Тинторенто (1518 – 1594).

Паоло Веронезе называют последним певцом праздничной, ликующей Венеции ХVI в. Художник-монументалист создал великолепные декоративные ансамбли стенных и плафонных росписей с множеством персонажей и занимательных деталей. Блестящий мастер колорита, Веронезе писал в светозарной гамме насыщенных звучных цветов и тончайших оттенков, объединённых общим серебристым тоном. В росписи потолка церкви Сан-Себастьяно, посвящённой истории библейской героини Эсфири, он использовал эффект «прорыва» потолка, в результате чего перед зрителем «открывалось» голубое небо, на фоне которого предстают персонажи в головокружительных ракурсах. Автор

102

103

также прославился росписями Дворца Дожей в Венеции, принимал участие в оформлении виллы Барбаро. Фресковая живопись Веронезе, виртуозная, праздничная, отмеченная ликующей жизнерадостностью, явилась прообразом всей дальнейшей декоративной живописи.

Центральное место в его станковой живописи занимают знаменитые монументальные холсты на евангельские сюжеты. Эти произведения известны под общим названием «Пиры Веронезе» («Брак в Кане Галилейской», «Пир в доме Левия»). В этих произведениях чувствуется любовь к праздничной и красивой атрибутике, пирам, процессиям, чернокожим слугам и златоволосым женщинам. В его великолепных композициях персонажи представлены на фоне пышной архитектуры, облачены в тяжёлые одеяния из парчи и бархаты. В сочных, красочных картинах всегда царит атмосфера праздника, блестящего и изысканного театрального зрелища.

Другой известный художник Тинторетто был творцом вулканического темперамента, бурных страстей и героического накала. Отличаясь поистине нечеловеческой трудоспособностью и неутомимостью исканий, он глубже и быстрее, чем его современники, чувствовал трагизм своего времени. Отказавшись от соблюдения симметрии, статичности и строгого равновесия, он насытил свои произведения динамикой, драматизмом действий, стал ярче выражать человеческие чувства. Создавая массовые сцены, он объединял свои персонажи единством переживаний. Это были уже черты барокко.

Искусство Тинторетто многогранно и богато: это и большие композиции на религиозные темы, и исторические полотна, и картины с мифологическим сюжетом, и замечательные «поэзии», и многочисленные портреты. В работах раннего периода (30-40-гг.) преобладает радость и оптимизм («Чудо св. Марка»), в работах позднего творчества - драматизм и психологическая глубина происходящих событий («Тайная вечеря», «Введение во храм», «Похищение тела св. Марка»). Полон тяжких раздумий, мучительной тревоги, душевного смятения и автопортрет Тинторетто. Замкнутыми в своём величии он изображал и своих современников – патрициев и дожей.

Стараясь уйти от трагизма текущих событий, он создаёт серию картин из мира мечты, в которых соединяет самые красивые вещи в мире: молодое женское тело, золотые волосы, шёлк, жемчуга, радужные переливы небесного сияния («Сусанна», «Св. Георгий», «Происхождение млечного пути»). Но главным в творчестве Тинторетто все же

103

104

остаются монументальные полотна, исполненные для залов Скуолы ди Сан-Рокко («Распятие», «Голгофа», Благовещение», «Христос перед Пилатом») и романтические картины на античные сюжеты для веницианского дворца Дожей («Бахус и Ариада», «Кузница вулкана», «Меркурий и грации», «Миневра и Марс»).

Позднее Возрождение в Италии породило такое противоречивое и сложное явление, как маньеризм (от итальянского слова manierismo – вычурность). Это явление отражало кризис художественных идеалов эпохи Возрождения, характеризовалось преобладанием формы над содержанием, стремлением заменить главный принцип Ренессанса - «подражать природе» – манерной изощрённостью формы.

Вэволюции маньеризма выделяют два периода. Первый период – 20 – 30-е годы ХVI века. Искусство ранних маньеристов характеризовалось антиреалистическими тенденциями и утратой гуманистических идеалов. Образ человека лишился героической значительности, стал излишне напряжённым. Отказ от изображения реальности привёл к нарочитому искажению пропорций человеческой фигуры, дисгармонии форм и иррациональному построению пространства.

Основоположником маньеризма являлся римский художник Якопо Понтормо (Каруччи) (1494 – 1557), творчество которого отличалось высокой духовностью. В своей знаменитой, одной из самых трагических картин «Положение во гроб», он изобразил свои персонажи с вытянутыми, причудливо изгибающимися фигурами. Текучая линия силуэтов лишает их жизненной конкретности. Искажённое обозначение горизонта создаёт иллюзию парения персонажей в воздухе. В зрелые годы Понтормо стал тяготеть к средневековой живописи с ее мистической экзальтацией и экспрессией образов.

Втворчестве другого художника – Франческо Маццола, прозванного Пармиджанино (1503 – 1540), ярко проявился эстетический идеал маньеризма - рафинированная, утончённая, хрупкая, почти бесплотная красота, противопоставленная объективной реальности. Художник выработал особый канон изображения, представленный в чрезмерно вытянутых пропорциях человеческих фигур, в преуменьшенных кистях рук и головы человека («Мадонна с длинной шеей»).

Зрелый маньеризм – более изящен, утончен и аристократичен. Он охватывает период с 40-х годов до конца ХVI века. Это время укрепления феодально-монархических режимов в городах Италии и наступление католической реакции – восстановления инквизиции, создания ор-

104

105

дена иезуитов, введения церковной цензуры. Многие живописцы, поэты, скульпторы, архитекторы в этот период отказались от идей гуманизма, унаследовав лишь манеру, технику великих мастеров Возрождения, перешли под покровительство церкви и монархов. Придворное искусство этого периода свелось в основном к парадному портрету и так называемым «историям» – грандиозным многофигурным росписям на религиозно-мифологические сюжеты или прославления правящих династий.

Среди художников маньеристов этого периода особенно выделялись Аньоло Бронзино (1503 – 1572) и Бенвуто Челлини (1500 – 1571). Их творчество оставило значительный след в итальянской живописи. Бронзино известен, как основатель придворного психологического портрета. Работая при дворе флорентийского герцога Козимо I, он создал целую серию портретов представителей правящей династии. За фарфоровую, блистательную живопись, за краски, сияющие холодным блеском, он получил прозвище – «бронзовый».

Бенвуто Челлини – скульптор, теоретик искусства, автор разнообразных рельефов, виртуозных по мастерству исполнения ювелирных изделий. Он представлял так называемое декоративное направление. В его творчестве отчётливо проявились реалистические каноны Возрождения (бронзовая статуя «Персей»). В истории культуры он остался не только как выдающийся ювелир, давший своё имя целому периоду в развитии прикладного искусства, но и как мемуарист, талантливо воссоздавший портреты своих современников в книге «жизнь Бенвуто Челлини».

Безудержная фантазия маньеристов нашла благоприятную почву и широкое поле деятельности в живописи Испании, Германии, идерландов и Франции. Маньеристские тенденции в итальянском искусстве, свидетельствуя о вырождении великих идеалов Возрождения, предвещали рождение нового стиля – барокко.

Итальянское Возрождение было таким новым и ярким явлением в духовой жизни, что приклекало к себе внимание всех образованных, творческих людей Европы. Гуманистические идеи и новые художественные формы довольно быстро распространились за пределами Италии. Итальянское Возрождение было той основой, на которой строилась новая культура во всей Европе.

105

106

6.2. Художественная культура Северного Возрождения

Северным Возрождением называют процесс распространения гуманистических идей и новых художественных форм в странах, расположенных к северу от Альп, – Нидерландах, Германии, Англии, Франции, Испании. Северное Возрождение охватывает период ХV – ХVI веков. По сравнению с итальянским, оно имело ряд особенностей. Гуманистическое мышление здесь сочеталось с мистическим мироощущением. Больше проявили себя готические традиции. На северное искусство большое влияние оказало христианство. Образ необозримого бога, как Абсолютного совершенства, считали художники Северного Возрождения, яснее всего мог быть запечатлён в окружающем мире. Поэтому предметом их благоговейного внимания сделались небеса и солнечный свет, вода и камни, растения и животные, сам человек, его жилище и все творения рук человеческих. Любой предмет мог скрывать в себе что-то великое. Земной мир вызывал живейший и пристальный интерес, поскольку был продолжением мира небесного.

Художников Северного Возрождения мало волновала красота человеческого тела. Для них выразительной была готическая экспрессивность, состоящая в нарушении пропорции фигур, в беспокойном движении складок одежды, в напряжении мускулов. В искусстве Северной Европы человек рассматривался как одно из многочисленных свидетельств всемогущества Творца. Человек, созданный вместе с миром, живёт в картинах художников одной жизнью с небесами, землёй и морем. Для них человек прекрасен и величествен, как и любой предмет или растение.

Ренессанс в Нидерландах. Нидерландская культура эпохи Возрождения развивалась под знаком религиозной тематики. В ней новизна сочеталась с устойчивыми средневековыми традициями и пережитками. Обращаясь к достижениям итальянского искусства, нидерландские художники использовали и своё национальное прошлое. Интуиция заменяла им научный подход к изображению природы. Для нидерландского искусства характерно выражение органического единства человека и окружающей его природной среды, утверждение эстетического восприятия действительности таковой, какова она есть. Эти особенности восприятия мира нашли отражение в нидерландском искусстве ХVI века: в бытовом жанре, портрете, интерьере, пейзаже. В них выразились ти-

106

107

пичные для нидерландской живописи любовь к конкретности изображения, повествовательность, тонкость в передаче настроений и чувств.

Новое искусство в Нидерландах было представлено в основном живописью, так как архитектура и скульптура, по-прежнему, развиваясь в рамках средневекового готического стиля, и не претерпели существенных изменений. Живопись сделала значительный шаг вперёд в связи с возникновением станковой картины, пришедшей на смену настенным росписям церквей и готическим витражам.

Оставаясь глубоко религиозной, нидерландская живопись призывала молящегося не только к поклонению, но и к пониманию и сопереживанию происходящего. Самыми распространёнными среди художников были сюжеты, связанные с земной жизнью Христа, Богоматери и святых, с их хорошо знакомыми и понятными каждому человеку заботами, радостями и страданиями.

Усовершенствование техники масляной живописи приписывают Ян ван Эйку (1390 – 1441), в творчестве которого прослеживаются два основных жанра: сюжетная религиозная картина и станковый живописный портрет. Совместно со старшим братом Хубертом он создал знаменитый Гентский алтарь в церкви Святого Иоанна Крестителя. Алтарь представляет собой грандиозный двухъярусный складень на 12 досках, состоящий из 26-и картин, на которых изображены 258 человеческих фигур. Хотя в нём реализована идея грандиозности мироздания и взаимосвязи всех вещей, свойственная классической готике, на первый план художники выдвигают человека.

Роспись внешней части алтаря воплощает идею пришествия в мир Христа во имя искупления грехов человеческих. Жизнь здесь изображена в её реальном, земном виде, с множеством подробностей. Внутренняя часть алтаря посвящена миру высшему, идеальному, подобному сказочному сноведению. На картинах верхнего яруса размещены в величавых позах красивые небожители во главе с Богом-отцом, одетые в парчовую одежду. Обрамляют верхний ярус обнажённые Адам и Ева. Картины нижнего яруса изображают людей, стремящихся достичь обители блаженства. Персонажи здесь размещены определёнными группами на фоне чудесного южного пейзажа. В центре, вокруг престола с агнцем, у фонтана с живой водой, представлена обетованная земля.

Ян ван Эйк впервые в истории европейского портрета создал парный портрет. Шедевром его творчества является «Портрет четы Арнольфини» – молодых супругов, запечатлённых в момент произнесения

107

108

клятвы верности друг другу. Широтой общения выделяется и другой парный портрет «Мадонна канцлера Ролена». Налицо контраст молодой безмятежной красоты Марии и страстного, но сдержанного канцлера. Разнообразию портретных образов соответствует неповторимость композиционных и колористических решений, включая фон за окном или отражения в зеркале свидетелей церемонии. Обе картины насыщены предметами и символами, наделёнными таинственным, религиозным значением.

Традиции своего учителя продолжил прославленный живописец Рогир ван дер Вейден (1399 – 1464). Его алтарные композиции отличались высокой одухотворённостью образов и условным плоскостным фоном. Он создал свой собственный экспрессивный стиль, для которого были характерны изысканная силуэтная линия, чёткие линейные контуры и большие, нередко плоскостные, яркие цветовые пятна, богатый орнаментальный декор («Снятие с креста»). Все свои творческие интересы он сосредоточил на человеке, считая его источником высшей красоты и духовного совершенства. Пейзажу, на фоне которого разворачиваются события, художник отводил второстепенную роль и не обращал внимания на подробности быта.

На 2-ую половину ХV века приходится творчество Гуго ван дер Гуса (1435 – 1482) создателя грандиозного по размерам и монументального по образам алтаря Портинари. Это едва ли не первое в истории искусства Северной Европы произведение, в котором художник, тщательно продумав соотношения фигур, подчинил их общей композиционной схеме. Но автор здесь руководствовался не столько законами перспективы, сколько логикой сюжета. В его картине линии перспективы сходятся не где-то за горизонтом, а в самом центре композиции, на фигуре Младенца Христа. Всё изображённое художником несёт в себе удвоенный смысл: небесная реальность просвечивает сквозь реальность земную. В своих поздних произведениях Гуго говорит об отчаянии и безнадёжности человека, оставленного богом («Успиение Богомате-

ри»).

Несколько особняком в искусстве Нидерландов стоит творчество Иеронима Босха (1460 – 1516), болезненно воспринимавшего всю полноту социальных противоречий и конфликтов в стране. Художник создал мрачные мистические видения, в которых он обратился и к средневековому аллегоризму, и к живой конкретной действительности. В своём творчестве Иероним Босх отважился проникнуть в глубину челове-

108

109

ческой психики, чтобы показать то мрачное и трагическое, чем была больна его эпоха. Сюжеты его картин показывают отрицательные явления жизни, изображая земное существование людей как всецело греховное и утверждая, что человечеству предстоит держать ответ на Страшном суде за пройденный путь греха и безумия. Образ преисподней в его творчестве достигает грандиозных размеров («Семь смертных грехов», «Воз сена», «Сад наслаждений»).

При этом демонология Босха уживается со здоровым народным юмором, тонкое чувство природы – с холодным анализом человеческих пороков и беспощадным гротеском в изображении людей («Корабль дураков», «Несение креста»). Он проявил всю безудержность и неутомимость своей фантазии в изобретении ужасов и нелепиц, стирая различия между живым и неживым. Действительность в его работах предстала сплошным кошмаром. В последних произведениях художника («Святой Антоний») усиливается тема одиночества человека. Творчеством Босха завершился ХV век, когда в искусстве очень сильны были средневековые традиции.

Вершиной нидерландского Ренессанса явилось творчество Питера Брейгеля Старшего, прозванного Мужицким (ок. 1525 – 1569). В его картинах содержится богатейший материал о жизненном укладе и обычаях нидерландского народа. В картинах «Битва Масленицы и Поста», «Фламандские пословицы» и «Игры детей», близких друг другу по своему образному строю, отражена активная людская деятельность, не имеющая определённого смысла. В этих картинах выражена мысль о безумии человеческого существования в условиях «перевёрнутого мира».

С именем Питера Брейгеля связано окончательное оформление пейзажа как самостоятельного жанра в нидерландской живописи. Его эволюция художника-пейзажиста прослеживается от пейзажапанорамы, фиксирующего мелочные подробности в стремлении показать бесконечность и грандиозность мира, к пейзажу более обобщённому, лаконичному, философскому по осмыслению («Охотники на сне-

гу»).

Некоторые работы художника пронизаны отчаянием и пессимизмом. В картине «Триумф смерти» он показал жуткую картину массовой гибели людей. В работе «Перепись в Вифлеме» под видом библейского сюжета изобразил взимание испанцами налогов. В «Избиении младен-

109

110

цев» представил нападение испанского карательного отряда на мирную деревню.

С добродушным, иногда с грубоватым юмором и верой в нравственную силу народа создал художник ряд картин, посвящённых жизни простых людей. Он первым среди художников страны начинал изображать труд крестьян («Уборка урожая», «Возвращение стада», «Крестьянская свадьба», «Крестьянский танец»). Картина «Слепые» является как бы итогом творчества мастера. Бредущая по тропе процессия слепых не знает своего пути, – так художник выразил своё собственное трагическое мироощущение.

Ренессанс в Германии. Под влиянием прошедшей Реформации в искусстве Германии утвердились новые идеалы и принципы реализма. Многие художники активно включились в политическую и религиозную борьбу. Открытие книгопечатания привело к появлению и расширению деятельности нескольких десятков типографии на территории всей страны. Благодаря этому открытию многие виды искусства (книжная иллюстрация, станковая гравюра, карикатура) обрели как бы вторую жизнь.

Содержание сложной исторической эпохи, её идейные и художественные достижения нашли яркое воплощение в творчестве Альбрехта Дюрера (1471 – 1528), великого художника-мыслителя Германии. Пытливость ума, разносторонность интересов, широта восприятия поставили Дюрера в один ряд с титанами итальянского Возрождения. Его творчество поражает контрастами. Рассудочность и аккуратность сочетается у него с умением тонко чувствовать и фантазировать. Выбор тематики и даже особенности стиля обусловила глубокая религиозность Дюрера. Накалённая религиозными распрями атмосфера, ожидание пришествия антихриста и гибели мира, надежда на Божью справедливость – всё это в полной мере воплотилось в величайшем его творении

– знаменитой серии медных гравюр «Апокалипсисе». Наибольшее впечатление на его современников произвела гравюра «Четыре всадника», олицетворявших Мор, Войну, Голод и Смерть, под копытами которых гибнут люди, независимо от своего положения и ранга в обществе.

Много работает Дюрер и для книгопечатных мастерских, занимается оформлением и иллюстрацией книг, в том числе и знаменитой книги Себастьяна Брандта «Корабль дураков». Его гравюры для книг – это жанровые сцены, удивительно конкретные, с передачей массы деталей. Его офорты виртуозны по технике и насыщены глубокими разду-

110