Культурология. Мировая культура и искусство

91

вере и на фресках церкви Санта Чечилия ин Трастевере в Риме, объёмность и материальную осязаемость. Флорентийский художник Джотто ди Бондоне (1276 – 1337) первым, подражая природе, начал рисовать с натуры живых людей. В качестве фона он стал изображать не Средневековок золотое сияние, а пейзаж или интерьер. Он сделал первые шаги в создании иллюзии глубины пространства. Джотто начал использовать светотеневую моделировку и тем самым предал своим персонажам материальность и объемность. Он разработал метод росписи церковных капелл, разбив повествовательные циклы на отдельные композиции, расположив их в несколько ярусов на стенах. При работе над фресками особое внимание им уделялось показу душевного состояния изображаемых героев, сделав их эталонами художественной выразительности. Таковы его персонажи на фресках капеллы Санта Мария дель Арена в Падуе. Печальна, встревожена и полна величия дева мария в сюжете «Бегство в Египет». На фреске «Поцелуй Иуды» Иисус Христос изображен как прекрасный и мудрый человек, знающий о совершающемся предательстве, спокойно и строго смотрит на уродливого Иуду, тянущегося к нему с поцелуем. Поиски Джотто в передаче пространства, пластики фигур, выразительности движения сделали его искусство целым этапом в эпохе Возрождения.

С 30-х гг. ХIV века центром художественной культуры стал город Сиена, где господствовал французкий готический стиль, тесно связанный с рыцарской этикой и придворной куртуазностью. Здесь творили известные мастера фресковой росписи Дуччо ди Буонинсенья (1255 – 1319), Симоне Мартини, (1284 – 1344), Амброджо Лоренцетти (1280 – 1348). Они внедрили в живопись новые элементы: изображали фигуры свободно, естественно, в движении, передавали психологическое состояние героев, пытались моделировать формы с помощью светотени, воспроизводили пейзаж, включая реальные сцены городского и сельского быта. Накопленные во всех областях художественного творчества достижения послужили основой для быстрого развития в последующий период.

Раннее Возрождение. Главным культурным центром этого периода стала Флоренция, где с 1434 года власть перешла к Козимо Медичи, основателю банкирской династии герцегов-меценатов, под крыло которой стекались писатели, поэты, учёные, архитекторы и художники. Это способствовало быстрому развитию художественной культуры.

91

92

Новые веяния проявились, прежде всего, в скульптуре, которая приобрела независимое от архитектуры значение, освоила новые жанры. Важным моментом в развитии итальянской ренессансовской скульптуры явился конкурс на изготовление из бронзы вторых северных дверей флорентийского баптистерия. Победителем его стал мастер живописной скульптуры, специализировавшийся на изготовлении рельефов, Лоренцо Гиберти (1981 – 1455). В его творчестве главным было равновесие и гармония всех элементов изображения.

Мастерская Гиберти стала настоящей школой для целого поколения художников и скульпторов. Среди них выделяется Донато ди Никколо ди Бетто Барди, которого называли Донателло (1386 – 1466). Не было ни одной области скульптуры, в которой он не работал бы и в которую не внёс бы что-то принципиально новое. Он создал монументальную свободно стоящую статую. Так, для оформления фасада церкви Ор Сан Микеле Донателло изготовил фигуру св. Георгия. Лицо его одухотворено. Он твёрдо стоти на ногах, опираясь на щит и устремив свой взгляд в своего врага. Чувство уверенности в этом ярко индивидуальном образе подчёркнуто свободной, спокойной позой фигуры, напоминающей колонну.

Донателло создал множество статуй для украшения соборов, уравняв тем самым скульптуру с архитектурой. При работе над каждой статуей он учитывал, где она будет установлена, и как будет смотреться. Так его знаменитый «Давид» – первая обнажённая статуя в итальянкой скульптуре Возрождения, предназначался для фонтана во внутреннем дворе палаццо Медичей. Много работал он над созданием сложных алтарных композиций и в области рельефной пластики. Так, им был создан весь вызолоченный алтарь капеллы семейства Кавальканти в церкви Сан Кроче. Её центральная часть представлена сценой Благовещения, на которой изображена испуганная Мария от внезапного появления ангела.

Донателло первым стал изображать в рельефных композициях перспективу с огромными толпами людей, с небом, облаками и солнцем, добиваясь ощущения пространства. Большинство рельефных изображений им было изготовлено для украшения кафедр, консисторий, алтарей в соборах Флоренции, Сиены, Падуи. Он положил начало изготовлению надгробий, в которых были соединены элементы архитектуры и пластики. Его гробницы (гробница папы Иоанна) отражают спокойное достоинство человека перед смертью.

92

93

Донателло первым после столетнего забвения возродил конную статую, увековечив в Падуе память кондотьера Эразма ди Нерни, прозванного Гаттамелатой за рябое лицо. Широкая, свободная моделировка формы создаёт монументальный образ военноначальника с маршальским жезлом в руке, облачёного в доспехи, но с обнажённой на римский манер головой, на грузном величественном коне. Причём голова персонажа является великолепным образцом портретного искусства. Почти восьми метровая статуя на высоком пьедестале одинаково выразительна со всех сторон.

Донателло подготовил целую плеяду своих учеников, наиболее известным из которых был Андреа Вероккио (1436 – 1488), ставший скульптором и живописцем, автором ряда утончённых, изящных скульптур («Давид»). Он известен также как учитель Леонардо де Винчи.

Вслед за скульптурой важнейшие изменения произошли и в архитектуре.

Родоначальником ренесанской архитектуры Италии стал один из основателей научной теории перспективы, уроженец Флоренции Филиппо Брунелески (1377 – 1446). В 1434 г. он завершил строительство Флорентийского Собора, основанного ещё в 1295 г., воздвигнув гигантский купол, достигавший в диаметре 42 м.. Он максимально облегчил его, сделав пустотелым с двумя оболочками, из которых более толстая - нижняя, является несущей, а более тонкая, верхняя – защитной. Жесткость конструкции обеспечивалась каркасной системой, основу которой составляли восемь несущих ребер, связанных между собой каменными кольцами. Это решение позволило в дальнейшем решать сложнейшие градостроительные задачи.

Принципиально новым было и использование аркады, не имевшей прототипов в античном искусстве. Брунелески первым связал в единую конструкцию колонну и арку и использовал мотив глубокой открытой лоджии в оформлении П-образного фасада Воспитательного дома. Применение при его строительстве лёгких «парусных» сводов вместо крестовых позволило значительно увеличить глубину лоджии и расстояние между колоннами, предельно уменьшить их толщину. Такой тип аркады в дальнейшем нашёл широкое применение далеко за пределами Италии. Построенная по его проекту капелла Пацци при церкви Санта Кроче несёт в себе черты конструктивной ясности, античной простоты, гармонии и соразмерности. Им был разработан и создан но-

93

94

вый тип светского городского дворца (палаццо): как правило, трёхэтажного, напоминающего крепость, благодаря кладке из грубо отёсанных камней. Его неприступность мощь сочеталась в светской архитектуре с внутренней атмосферой уюта для хозяев.

К числу наиболее совершенных архитектурных сооружений Флоренции относится и полаццо Ручелан, построенное архитектором Леоном Баттиста Альберти (1404 – 1472). Он впервые осуществил в этом проекте поэтажное членение стены пилястрами, используя римскую ордерную аркаду и соответствующие античные ордера. Его новшество в дальнейшем активно стало использоваться при строительстве светских зданий. Большую известность ему также принесли теоретические сочинения. Так, его трактат «Десять книг о зодчестве» является ценнейшим источником для изучения эстетических представлений ХV века.

Архитектура этого периода соразмерна человеку, приближена к его реальному росту в отличие от готических построек с их высокими сводами. Благодаря новшествам итальянских архитекторов стена перестала быть непрерывной бесконечной плоскостью. Она разбивалась на составные элементы, получила скелет и мускулы, приобрела органическую энергию, стала источником внутренних сил, подобно функциям человеческого организма. Новшество появляется и в церковном зодчестве в виде облицовки фасадов церквей разноцветным мрамором, делая его «полосатым».

Новые веяния в живописи проявились позже, чем в скульптуре и архитектуре. Но они оченбь быстро развивались, охватили широкий круг мастеров и дали выдающиеся результаты. Самой яркой и значительной фигурой раннего Возрождения в живописи был флорентийский художник Томмазо ди Джованни ди Симоне Касаи Гвиди, известный под именем Мазаччо (1401 – 1428). Несмотря на приверженность традициям готики, он первым начал разрабатывать систему глубинного изображения пространства с помощью прямой центральной перспективы, названной впоследствии итальянской. Перспектива отражала новое отношение к миру, выделяя центр картины точкой схода перспективных линий («Троица» во флорентийской церкви Санта Мария Новелла). Мазаччо положил начало свободным позам, порывам, движению в живописи. От этого его персонажи стали живыми, правдивыми и естественными. Так, на фресках капеллы Бранкаччи во флорентийской церкви Санта Мария дель Кармине он достиг такой правдивости в передаче

94

95

внутреннего напряжения и психологического состояния, что его персонажи кажутся живыми. В «Изгнании из рая» обнажённый Адам от стыда закрыл лицо руками, а Ева рыдает, запрокину в отчаянии голову.

Умение Мазаччо связывать воедино образы людей и пейзаж во многом определило его место в искусстве Возрождения. Перспективное решение фрески вносило логику в изображение мира, делало его доступным человеческому разуму, свидетельствовало о сближении искусства с наукой. Математика, анатомия, оптика стали использоваться для изображения человеческой фигуры и пространства. Творчество Мазаччо способствовало тому, что церковь Санта Мария дель Кармине превратилась в своеобразную академию, где учились многие поколения художников. Некоторые из них – Паоло Уччело, Андреа Кастаньо, Доменико Венициано (Умбрийская школа) также продолжали работать над проблемами перспективы, движения и анатомии человеческого тела.

Светское начало, стремление к увлекательному повествованию, земное лирическое чувство нашли яркое выражение в творчестве Фра Филиппо Липпи (1409 – 1469), монаха ордена кармелитов. В его картинах религиозные темы превратились в светские картины с массой бытовых подробностей, с портретами современников. Они были наполненные живым человеческим чувством и переживаниями, поэтической любовью к природе («Мадонна с младенцем», «Поклонение младенцу»).

Выдающимся мастером Раннего Возрождения был флорентиец Алессандро ди Мариано Филипепи, прозванный Сандро Боттичелли (1445 – 1510). Он входил в кружок гуманистов-поэтов и философов, собиравшихся при дворе правителя Флоренции Лоренцо Медичи (Великолепного). В его творчестве прослеживаются два периода. Первый – время турниров и карнавальных шествий, время вечной радости и весны среди единомышленников. Это было время расцвета гения молодого художника, отмеченное его знаменитыми картинами – «Рождение Венеры» и «Весна». На этих двух полотнах он отобразил два разных образа Венеры: Венеры земной («Весна»), окружённой свитой, и Венеры небесной, рожденной из пучины моря.

Для картин Ботичелли раннего периода характерен вполне определённый тип лиц, особенно женских: удлинённый овал, пухлые губы, кажущиеся заплаканными глаза. Картины поражают декоративностью и нарядностью, музыкальностью линий и силуэтов, лирическим и романтическим характером созданных образов на фоне фантастического пей-

95

96

зажа. К шедеврам графики относятся исполненные им иллюстрации к «Божественной комедии» Данте. 96 рисунков этого цикла показывают глубокое проникновение художника в мир чувств героев. В этот период он также выполнил ряд фресок для Сиктинской капеллы.

В начале 90-х годов в творчестве Боттичелли произошёл решительный перелом под влиянием страстных проповедей доминиканского монаха Совонаролы, обличавшего папство, аристократию и гуманистическую культуру. В его картинах стали преобладать религиозные сюжеты трагического характера, как олицетворение безнадёжности, одиночества и фатализма («Оплакивание Христа», «Покинутая»). Сильное влияние на художника оказали религиозно-мистические проповеди против светской культуры, он отнёс на костёр свои картины с изображением обнажённых фигур. Трагична была и кончина художника – он умер в нищете и забвении.

Завершает развитие искусства Кватроченто веницианская школа, представленная творчеством семейства Беллини: Якопо Беллини (1400

–1470) и двух его сыновей – Джентиле (1429 – 1507) и Джованни (1430

–1516).

Художественные достижения Кватроченто подготовили новый этап развития итальянской культуры.

Высокое Возрождение. «Золотой век» итальянского искусства был очень кратким, но на него приходятся величайшие творения титанов Возрождения. В это время формируется общеитальянский стиль реннесансного искусства, для которого характерны гармонически целостное восприятие мира и необычайно широкий общественный кругозор твор- цов-художников. Художники Высокого Возрождения полны творческой активности и артистического самосознания. Они не только гении в искусстве, но обладают глубокими и разнородными познаниями во многих областях новой светской культуры. Это люди с сильным характером, способные заставить считаться со своими замыслами и предпочтениями всемогущих властителей мира. В центре их искусства - образ идеального и прекрасного человека, гармонически сочетающего духовное богатство и физическое совершенство. Будучи всесторонне одарёнными и талантливыми в разных сферах титаны Возрождения сумели создать гениальные произведения искусства в области живописи, скульптуры, архитектуры написали замечательные труды по теории искусства.

96

97

Грандиозный качественный сдвиг в искусстве связан, прежде всего, с именем Леонардо да Винчи (1452 – 1519). Гений Леонардо да Винчи проявился в самых разных областях, но главным делом его жизни являлась живопись. В произведениях художника отразилось восхищение красотой окружающего мира, его гармонией и упорядоточностью. Художника поражало многообразие природных форм. Он воспевал величие человека, его неисчерпаемость и загадочность.

Свои первые шаги как живописец Леонарда сделал во Флоренции

вмастерской художника А. Вероккио. На картине «Крещение» учитель доверил Леонардо написать одного из ангелов. Он выделяется среди остальных персонажей особой духовностью, естественостью, мягкой красотой. Уже в этом ученическом произведении чувствуется гений художника. Первые самостоятельные работы принесли Леонардо известность. Во Флоренции он писал портреты и религиозные композиции. В одной из своих ранних работ «Мадонна с цветком» он одним из первых

вИталии перешёл от темперы к живописи маслом, постоянно экспериментируя в поисках различных составов красок.

Наиболее плодотворным в творчестве Леонардо явился первый миланский период (482 – 1499), когда он поступил на службу к герцогу Лодовико Моро. Здесь он стал самым известным художником Италии, занимался архитектурой и скульптурой, обратился к фреске и алтарной картине. Более десяти лет он работал над конной статуей Франческо Сфорца, о чём свидетельствуют множество сохранившихся рисунков с различными вариантами. Однако технически отлить из бронзы эту статую оказалось невозможным. А глиняная модель монумента в натуральную величину была уничтожена в ходе военных действий.

Всвоей первой монументальной алтарной композиции «Мадонна

вгроте» Леонардо изобразил свои персонажи в самом пейзаже, вписав их в равнобедренный треугольник, вершина которого совпадает с головой Марии. Утяжелив правый нижний угол картины фигурами ангела и младенца Христа, он уравновесил её с помощью просвета в левой верхней части картины. При этом художник создал новую манеру живописи

– невесомую световоздушную среду, смягчающую контуры. Поместив источники света впереди и сзади фигур, так чтобы свет не растекался в одном направлении, а рассеивался на формах, он создал эффект едва уловимой дымки, окутывающей фигуру, названный им сфумато. Все созданные им образы, идеально прекрасны, естественно связаны с окружающей средой («Мадонна в гроте», «Мадонна Литта»).

97

98

Иной драматический настрой отражён в росписи стены трапезной монастыря Санта Мария делла Грацие на сюжет «Тайная вечеря», где за ужином Христос объявляет своим ученикам о предстоящем предательстве одного из них. Используя точный математический расчет, расположение персонажей и источники света Леонардо показал физически ощутимую черную предательскую сущность Иуды, обращённого в профиль к зрителю и спиной к источнику света.

Для Леонардо искусство и наука существовали нераздельно. Занимаясь искусством, он делал научные изыскания, опыты, наблюдения, выходил через перспективу в область оптики и физики, через проблемы пропорции – в анатомию и математику. Кроме того, он занимался геометрией, фортификацией, мелиорацией, лингвистикой, стихосложением

имузыкой.

С1499 г. в поисках заказа начинаются годы скитаний художника: Мантуя, Венеция, Флоренция, Милан, а затем – Франция. В этот период было создано самое замечательное произведение – портрет Моны Лизы, супруги богатого флорентийца Франческо ди Джокондо. Леонардо вложил в её удивительный, устремлённый на зрителя взгляд, в знаменитую, словно скользящую загадочную улыбку, в отмеченное зыбкой изменчивостью выражение лица заряд такой интеллектуальной и духовной силы, который поднял её образ на недосягаемую высоту. Её улыбка наделена странной, таинственной и магической силой. Жизнь Леонардо окончилась на чужбине, во Франции, в 1519 году.

Личность Леонардо и неисчерпаемость его творчества выходили за пределы своего времени, поднимались над ним. О масштабе и уникальности его дарования говорят и его рисунки, зарисовки, чертежи, наброски, схемы, посвящённые точным наукам и теории искусства. Тысячи страниц его рукописей, охватывая буквально все области знаний, свидетельствуют об универсальности этого гения.

После Леонардо третьим в созвездии гениальных мастеров Высокого Возрождения был Рафаэль Санти (1483 – 1520), сын придворного живописца. Рафаэль синтезировал достижения предшественников и создал идеал прекрасного гармонически развитого человека. Неустанное стремление к светлому совершенному началу пронизывало всё его творчество и составляло его внутренний смысл. Рафаэля называли Мастером прелестных и лирических Мадонн. Рано оставшийся без матери, он одним порывом души написал «Мадонну Конестабиле», в девичьем хрупком образ которой воплотил грёзу о красоте, об идеальной гармо-

98

99

нии. В небольших картинах, посвящённых вечной теме материнства, женственности, обаяния, Рафаэль воплотил самые светлые идеалы гуманизма, создав пленительные образы, полные света и добра.

В «Сиктинской мадонне», он написал образ идеально прекрасной молодой женщины, прижимающей к себе ребёнка – младенца Христа, которого она отдаёт в искупление человеческих грехов. Образ матери насыщен высокой духовностью и трагизмом. Взгляд её устремлён сквозь зрителя и полон скорбного предвидения трагической судьбы сына. В ней он соединил воедино античный идеал красоты и христианский идеал духовности.

Обретя большую известность, Рафаэль получил заказ на роспись парадных апартаментов Папы в Ватиканском дворце. Будучи учеником прославленного мастера пространственной композиции Пьетро Перуджино, он, словно зодчий, мастерски решил проблему синтеза архитектуры и изобразительного искусства, разработав целую программу фресковых циклов для прославления католической церкви и её руководителей («Диспут», «Афинская школа», «Парнас», «Мудрость, умеренность и сила» и др.). Тематикой фресок были избраны и эпизоды религиозных легенд и истории папства. Он явился создателем простого, усредненного стиля, основой которого стало идеальное совершенство формы. Живопись фресок понималась им как преображённая реальность, светлая, радостная, гармоничная, обладающая духом пленительной идиллии. Рафаэль был величайшим портретистом своей эпохи, соединившим в своих героях внутреннюю уравновешенность и гармонию («Папа Юлий II», «Лев Х», «Донна Велата»).

Еще одним величайшим мастером Высокого Возрождения был – Микеланджело Буонарроти (1475 – 1564). Первая половина его творчества приходится на период расцвета искусства Высокого Ренесансса, а вторая – на время Контрреформации и начало формирования искусства барокко. Он превзошёл всех мастеров насыщенностью образов, гражданским пафосом, чуткостью к смене общественного настроения. Во Флоренции он сблизился с Лоренцо Медичи и его передовым окружением, что оказало сильное влияние на его творчество, лейтмотивом которого стали способность к подвигу, борьба за утверждение прав человека за свободу. Созданные им образы наполнены знаменитой микеладжеловской «terribilita» – «напряжением духа».

Впервые в истории скульптуры Микеланджело соединил идеал телесной красоты с отвлечённой духовной идеей. Такова его самая зна-

99

100

менитая статуя «Давида». Герой изображён перед свершением подвига. Его обнажённая фигура поражает своей совершенной красотой. Его взгляд, поворот головы, сжимающая пращу рука говорят о бесстрашии, готовности к борьбе. Не менее знаменита статуя Микеланджело «Моисей» (Риская церковь Сан Пьетро ин «винколи»). Пророк изображен полный титанических сил, экспрессии, воли – качеств, столь необходимых для предстоящих трудных испытаний.

Вцеркви Сан Лоренцо в ансамбле капеллы Медичей, Микеланджело воплотил идею трагического бессилия человека перед неумолимым быстротечным временем. Лёгкая, хрупкая архитектурная конструкция заполнена массивными выразительными скульптурными формами, среди которых выделяются статуи «Вечер» и «Утро», «Ночь» и «День», расположенные на саркофагах герцогов Лоренцо и Джулиана Медичи. «Утро» олицетворяет молодая, цветущая женщина, сбрасывающая бремя кошмарных сноведений. Что-то устрашающее есть в физической мощи «Дня». Погружающийся в сон «Вечер» окутан мягким движением светотени. Мучителен сон «Ночи»: тело ощущает бесконечную усталость, голова погружена в тень.

Микеланджело известен не только как гениальный скульптор, но и как великий художник. Самое грандиозное произведение его монументальной живописи – роспись потолка Сиктинской капеллы в Ватикане, площадью около 600кв. м. – выполнено им в 1508 – 1512 гг. В девяти центральных композициях развёртываются события первых дней творения, сотворения человека и его истории. Роспись поражает титанизмом образов, величием деяний, неистовством страстей. Это торжественный гимн творческой мощи и красоте свободного человека.

Два последних десятилетия жизни великого мастера пришлось на период усиливающегося давления католической церкви на гуманистическую культуру. Мастер вынужден был заниматься только архитектурой и поэзией. О гениальности Микеланджело как архитектора свидетельствуют, исполненные им лестница флорентийской библиотеки Лауренцианы, оформление площади Капитолия в Риме. Ворота Пия. Ему принадлежит рисунок и чертёж купола собора святого Петра, претворённые в жизнь после смерти великого мастера.

ВХVI веке одним из самых важных художественных центров стала Венеция, сумевшая сохранить свою независимость и верность традициям гуманизма. От флорентийской венецианская школа живописи

100