Pojdina-ii1-2
.pdfПостживописная абстракция, оп-арт, кинетическая скульптура, минимализм.
Новый иллюзионизм и новое фигуративное искусство в 70-х г. Сооружения Ч. Мура, М. Грейвса. Творчество Г. Базелитца, А. Кифера, А.
Пенка, М. Люпертца. Итальянский трансавангард – Ф. Клементе. С. Киа, Э. Кукки.
14.1 Характеристика эпохи. Противоречия развития художественной культуры
Искусство XX века – переломная эпоха во всеобщей истории искусств. Новый взгляд на классическое наследие. Попытка осуществления синтеза искусств на иной основе. Характеристика эпохи: обострение социальных противоречий, революции, мировые войны, научные открытия XX в., изменившие представления о материи и Вселенной, изменчивость мира. Утрата ценностных ориентиров. В искусстве новый язык, новые формы, разрыв с традициями: стремление художников предать мироощущение человека в эпоху техногенной цивилизации, социальных потрясений, мировых войн и глобальных проблем (научные открытия, социальная напряженность, экологические катастрофы), политическая ангажированность искусства. Влияние достижений науки на искусство. Распад художественной культуры на множество самостоятельных направлений и школ. Личности, идеологии, теории, эксперименты, как в калейдоскопе, сменяют друг друга. Внутренняя логика развития искусства. Формирование нового художественного идеала. Расширение видовых и жанровых границ искусства, изменение структуры мира искусства. Новые виды и жанры искусства, их влияние на традиционные. Массовая и элитарная культура и искусство. Поиски новых средств художественной выразительности: в нетрадиционное использование художественных материалов, взаимодействие художественных и технических средств; эксперименты с формой, цветом и композицией, тяготение к синтезу искусств; полистилистика (смешение видов, жанров и стилей искусства). Научно-технический прогресс и его влияние на искусство. Интерпретации классических традиций
Модернизм – как важнейшее явление художественной жизни XX века. Философские основы модернизма. Модернизм — общее обозначение направлений искусства и литературы конца XIX—XX вв. (кубизм, дадаизм, сюрреализм, футуризм, экспрессионизм, абстрактное искусство и т. п.). Основные черты модернизма: отрицание познавательной и общественной роли искусства, его идейности, народности, подмена искусства всевозможными трюкачествами, полное искажение или игнорирование профессиональных традиций реалистического художественного наследия.
Борьба реалистического и формалистического (авангардного) искусства. На протяжении тысячелетий основным критерием оценки истинности произведения служило наиболее точное отражение реальности. Авангардисты стремятся сотворить новую художественную реальность. Эстетика авангардизма (от фр. avant — передовой и garde — отряд) — направления,
определяющего экспериментальные, новаторские начинания в искусстве, — как правило, строится на основе резкого неприятия прошлого, подчеркнутого опережения времени в творчестве, стремления создать искусство будущего. Многообразие школ, групп, направлений и течений. Каждая авангардистская группировка имеет свою концептуальную основу, программу или манифест и очень часто сопровождается яростными спорами. В начале XX в. роль авангарда выполняли сформировавшиеся тогда направления — фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм. В период между двумя мировыми войнами (1920—1930-е) пальма первенства переходит к сюрреализму. В 1960— 1970-е годы возникают акционизм, попарт, концептуальное искусство (иногда все эти явления объединяются термином «неоавангард»).
Соотношение понятий «авангард» и «модернизм». Модернизм (от фр. Moderne – новейший, современный) – художественно-эстетическая система или совокупность течений искусства, ищущая нетрадиционные способы художественного освоения действительности. Модернизм включает все новейшие направления и течения, школы и деятельность отдельных мастеров искусства конца XIX —XX в., порывающих с реалистической традицией и считающих эксперимент основой творческого метода. Противоречия модернизма в контексте исторической динамики.
Разнообразие творческих программ авангардистских направлений и течений. Общие черты: по отношению к обществу и традиционной «консервативной» культуре художники авангарда занимали нонконформистскую позицию. С этим связаны отказ от классических норм изобразительности, красоты, преимущественная ориентация на формальную новизну либо на примитив. Авангардистам присущи стремление уловить и осмыслить глубинные законы человеческой психики и мышления, изначальные принципы устройства мира и нашего отношения к нему и смелые эксперименты с самим художественным языком. Изображение подвергается деформациям, аналитическому расчленению, различным игровым преобразованиям, вплоть до его вытеснения формальными построениями в абстракционизме. Изменение пластического языка в искусстве XX в. Сотворчество, активное взаимодействие со зрителем.
Итак, Искусство модернизма: 1) порывает с традицией и считает формальный эксперимент основой своего творческого метода; 2)каждый раз выступает с позиций открытия новых путей. Все авангардистские течения имеют одно общее: они отказывают искусству в прямой изобразительности, отрицают познавательные функции искусства.
Архитектура XX века. Применение новых материалов: внедрение железобетона и стекла, разработка новых каркасных конструкций, позволяющих заменить несущие стены навесными экранами, применить сплошное остекление, достигнуть свободной планировки зданий — все эти новшества выдвинули на первый план инженерную сторону архитектуры. Архитектурный модернизм.
14.2 Изобразительное искусство XX века: основные направления
Изобразительное искусство Франции позволяет проследить сложности развития художественной культуры XX в. В изобразительном искусстве Франции, особенно в живописи, уже с самого начала XX в. обозначился отход от реализма. Французская живопись прошла почти через все этапы и варианты формалистического искусства. Франция явилась родиной фовизма, кубизма и его разновидности — пуризма; получили развитие дадаизм, сюрреализм, абстракционизм; менее всего во Франции получили развитие футуризм и экспрессионизм.
Фовизм («Дикие», 1905) - декоративные искания, нарочитая острота композиционных решений, пластическая деформация формы (А. Матисс, А. Дерен). Фовизм (от фр. Fauves – дикие) – название направления, которое было присвоено творческой группе молодых парижских художников А. Матиссу, А. Дерену, М. Вламинку, А. Марке, Р. Дюфи, К. ван Донгену, совместно участвующим в выставках 1905-1907 гг. Четкой программы у группы не было. Художников объединяло стремление к созданию образов с помощью яркого, открытого цвета. Природа – повод для создания экспрессивных композиций. Работы этих художников отличало отсутствие светотеневой моделировки, стремление к гармонизации цветовых пятен.
Анри Матисс (1869-1954), член парижской группы художников, называвшей себя «фовистами», отказался от модулирования цветов, чтобы снова создать впечатляющие, простые и ясные цветовые поверхности, расположенные в субъективно-прочувствованном равновесии по отношению одна к другой. Вместе с Браком, Дереном, Вламинком он принадлежал к парижской группе «Диких». В результате многолетней интенсивной работы, Матисс постепенно отходит от свето-теневой модуляции, постепенно переходит к плоскостно-декоративной манере живописи, превращая картину в декоративный узор.
В 1905 г. состоялась выставка, в которой участвовали Матисс, Дерен, Вламинк, Руо и другие художники. Матисс показал на ней картину «Открытое окно». Критик Луи Воксель назвал живопись дикой, а их авторов дикими или фовистами. С 1907 г. начинается сотрудничество Матисса с известным русским собирателем живописи Сергеем Ивановичем Щукиным. Для стиля Матисса характерна предельная упрощенность формы, композиционная ясность и уравновешенность, отсутствие светотеневой моделировки, плоские пятна чистого цвета и мажорность («Танец», «Музыка», «Натюрморт с ковром», «Красная комната»).
Художественные принципы кубизма. Конструктивность, геометрическое совершенство – главные критерии оценки произведений. Разложение предметов реального мира на составные части, на простейшие геометрические формы, образующие «новую реальность».
Возникновение кубизма в 1907 г. Роль П. Пикассо и Ж. Брака как основоположников течения. Художественные принципы кубизма. Конструктивность, геометрическое совершенство – главные критерии оценки произведений. Разложение предметов реального мира на составные части, на
простейшие геометрические формы, образующие «новую реальность». Влияние кубизма на дальнейшее развитие формалистического искусства.
Роль и место Пикассо в искусстве XX в. Острая наблюдательность, глубокое психологическое проникновение, сочувствие к обездоленным, изможденным, одиноким людям в работах «голубого» (1901–1904) и «розового» периодов. «Старый нищий с мальчиком» (1903, ГМИИ), «Странствующие гимнасты» (1901, ГМИИ), «Гладильщицы» (1904), «Девочка на шаре» (1905, ГМИИ). Разрыв с реалистическими основами искусства. Кубизм. «Авиньонские девушки» (1907). Теоретиками кубизма являются живописцы Ж. Метценже и А. Глез. Кубисты пробовали осознать внутреннее строение предметов, они пытались расширить пределы оптического видения. К трем измерениям пространства Возрождения кубисты добавили 4-е – время. В 1911 г. они выставили свои произведения в «Салоне отверженных». Кубисты – Пабло Пикоссо, Жорж Брак, Жуан Грис, М. Дюшан прежде всего интересовались формой, преобразуя предметы. Прежде всего, они свели многообразие форм к элементам прямоугольника, треугольника и круга. Полихромное богатство Сезанна, охватившее весь спектр, они свели в основном к черному, белому, серому, охре, коричневому и синему цвету. Контраст света и тени ими был использован во всех возможностях его многотональности. Картины стали уподобляться рельефу, а их содержание свелось к нескольким предметам домашнего обихода. Музыкальные инструменты, благодаря своей утонченности
ифункциональной красоте форм, вдохновляли живописцев и становились объектами натюрмортов. В качестве контраста к линейным формам и сплошным поверхностям использовались куски ткани, имитации кусков дерева
идеревянных решеток. Позже к окрашенным геометрическим формам стали добавлять настоящие предметы, как то: фанера, стекло, листовые металлы, ткани, куски обоев и газет и отдельные типографские буквы. Формы предметов были отделены от их естественной, органической среды и согласованы с абстрактными геометрическими формами. Кубисты разрабатывали новые формы неглубокой многомерной перспективы, позволяющей представить объект в виде множества пересекающихся и просвечивающих плоскостей, сосредоточенных вдоль оси композиции. Объект изображался одновременно со многих точек зрения как комбинация геометрических форм. По мнению кубистов на картине был представлен не только внешний облик объекта, но и знание о нем. Конструктивное сходство и взаимосвязь всех предметов – на это обращают внимание кубисты. Первый этап развития кубизма связан с аналитическими композициями, второму этапу свойственны абстрактные натюрморты.
Пикассо пишет картины «Танец с покрывалами», «Женщина с веером», «Три женщины». В 1908 г. создалось объединение «Бато-Лавуар». В 1911 г. образовалась новая группа кубистов в мастерской Вийона, к которому присоединились Дюшан, Глез, Метценже, Ле Фоконье, Леже, Пикабия, Купка.
Наиболее последовательно кубизм проявлялся в творчестве Ж. Брака (18821963) («Арии Баха», «Португалец»). Связь его искусства с основными проблемами эпохи в картине «Герника» (1937, Нью-Йорк, Музей современного
искусства). Сложный, противоречивый характер творчества П. Пикассо. Сочетание реалистических и формалистических тенденций. «Влюбленные» (1923, Вашингтон, Национальная галерея), «Женщины на берегу моря» (1929, Нью-Йорк, Музей современного искусства).
После Второй мировой войны кубисты ушли в декоративно-прикладное искусство. Глез стал заниматься стенописью, Люрса и Леже – коврами и керамикой. Продолжатели кубистов – пуристы – развивали рационалитическую, рассудочную живопись (Озанфан). С пуризма начинал и Ле Корбюье, считавший, что картину можно построить так же, как машину или здание.
Экспрессионизм (от фр. Expression – выразительность) – одно из направлений авангардизма. Первое поколение экспрессионистов соотносится с деятельностью немецкой группы «Мост» (1905-1912 гг). Их сочная и многоцветная живопись сменяется плоскостной и графичной манерой письма. Группа «Мост» была организована в Дрездене студентами архитектурного факультета Высшего технического училища. Своим предшественником экспрессионисты считали бельгийца Джеймса Энсера с его масками и Эдварда Мунка, чьи картины называют «криками времени». С 1906 по 1912 гг. выставки «Моста» устраиваются то в Дрездене, то в Кельне. Для экспрессионизма характерна изломанность линий, контрастность цвета, деформированность пространства. В 1910 г. В. Кандинский и Ф. Марке организовали альманах под названием «Синий всадник», а в следующем году – выставку с этим же названием. Эта выставка положила начало второму объединению экспрессионистов (1911-1914 гг.). К этому объединению примкнули Макке, Кампендонг, Клее, Кубин, Кокошка. Экспрессионисты – Мунк, Кихнер, Геккель, Нольде и художники группы «Голубые всадники» - Кандинский, Марк, Маке, Клее – вновь пытались вернуть живописи ее психологическое и духовное содержание. Целью их творчества было представить внутренний духовный опыт с помощью форм и цвета, донести до зрителя внутреннее напряжение, которое испытывает автор.
Абстракционизм (от лат. Abstractioотвлечение). Кандинский начал писать беспредметные картины около 1908 года. Он утверждал, что каждый цвет имеет присущую ему духовную выразительную ценность, что дает возможность передавать духовные переживания, не изображая при этом реальных предметов. Эстетическое кредо абстракционизма Кандинский изложил в книге «О духовном в искусстве», 1910 г.
Между 1912 и 1917 годами в различных частях Европы совершенно независимо друг от друга работали художники, создавая то, что можно было бы отнести к категории «абстрактного искусства». Среди них К.Малевич, Иттен, П. Мондриан Их картины изображали беспредметные, большей частью геометрические формы.
Супрематизм: создание новых типов художественного пространства идет путем сочетания различных геометрических форм. В России это лучизм Ларионова М., супрематизм Малевича К., в Голландии – творчество группы «Стиль» (с 1917 г.) во главе с Мондрианом и Т. ван Дусбургом.;
Абстрактный экспрессионизм, при котором главной задачей становится гармонизация бесформенных цветовых отношений. К этому направлению относятся ранние работы Кандинского, когда происходит «освобождение» цвета от форм реальной действительности. Это завершение поисков экспрессионизма и фовизма.
Пит Мондриан (1872-1944) в 1910-е гг. был связан с кубизмом. В Голландии у него появилась группа последователей, объединившаяся вокруг журнала «Стиль». Датский художник Мондриан ввел понятие «неопластицизма». Он не стремился воспроизвести объект, а создавал ощущение его существования на плоскости. Несколько позже Мондриан сделал дальнейший шаг вперед. Он, как гири использовал чистые желтый, красный и синий цвета для конструкции картин, форма и цвет которых совпадал с эффектом статического равновесия. Он не стремился ни к скрытому выражению, ни к интеллектуальному символизму, но к реальным, оптически различимым конкретным гармоническим рисункам. Мондриан писал: «Нет ничего конкретнее, чем линия, цвет, плоскость».
Кандинский Василий Васильевич (1866-1944) – русский художник, основатель и теоретик абстракционизма. Его стиль называют живописным абстракционизмом. С 1921 г. он живет за рубежом. В 1933 г. эмигрировал из Германии во Францию.По Кандинскому художник выражает существующую духовность, он свободен в выборе средств выражения – от «чистого реализма» до «чистой абстракции». Единственный его руководящий судья – принцип внутренней необходимости. Все, что вызвано этим чувством «совершенствует и обогащает душу». Он создавал цвето-ритмические и колористические симфонии, опираясь на «Учение о цвете» Гете, опыты с цветомузыкой Скрябина. Не отрицая реалистической живописи, Кандинский полагал, что освобождение живописи от природных форм освобождает ее от всего постороннего, «внеживописного». Начиная с 1910-го г. мастер создает в основном абстрактные полотна, называя их «Симфониями» или «Композициями». Он пишет теоретические труды: «О духовном в искусстве» (1910), «точка и линия на плоскости» (1926), «Эссе об искусстве и художниках»
(1935).
Каземир Малевич (1878-1935): супрематизм. «Черный квадрат» по мнению автора не просто изображение квадрата, а «восприимчивость к отсутствию предмета». .В 1920-е гг. Малевич создает планиты и архитектоны, применяет находки в архитектурных поисках. В 1930-е гг. возвращается к реалистической традиции («Девушка с красным древком»). Лучизм – одно из направлений абстракционизма, в котором работают Михаил Ларионов и Наталья Гончарова.
Абстракционизм в скульптуре выразился как интерес к соотношению отвлеченных объемов (К. Бранкузл, Г. Арп), и как решение пространственных отношений (Н. Габо, А. Певзнер).
В 1937 г. в Нью-Йорке создается музей беспердметной живописи, основанной семьей Гугенхейма. В 1939 г. создается Музей современного
искусства, созданный на средства Рокфеллера. Искусство становится языком знаков (абстракнная калиграфия Ганса Гартунга).
Футуризм. В 1908 г. математик Герман Минковский сформулировал изменение мировоззрения: «Отныне понятия «время» само по себе и «пространство» само по себе осуждены на забвение: они могут сохранить свое существование только вступив в своеобразный союз между собой». В основе произведений футуристической живописи, скульптуры и архитектуры лежит выражение движения в двух формах: «проникновение во внутрь» и «одновременности» (скульптор Умберто Боччони «Бутылка, развернутая в пространстве»). Футуризм сложился и получил широкое развитие в Италии в 1910-1920-х гг. В творчестве Карло Карра, У. Боччони, дж. Северини появилась тенденция сделать предметом искусства динамизм как таковой. Теоретик футуризма Ф. Т. Маринеттив 1909 г. пишет «Манифест итальянского футуризма». Футуристичесмкие картины – хаотическое нагромождение плоскостей и линий. Художники стремились поместить зрителя в центр картины.
Дадаизм (от фр. Dada – лошадка) – авангардное течение в литературе, изобразительном искусстве, театре возникло почти одновременно в 1915-1916- м гг. в США и Швейцарии. Дадаисты заимствовали у кубистов технику коллажа, у футуристов - любовь к манифестам и публичным действиям, у абстракционистов – спонтанность творчества. Дадаисты утверждают, что мир непостижим, и художники лишь отражают его. В 1915 г. в США художник Дюшан выдвигает программу антиискусства, художественные произведения заменяет экспонированием вещей, которые предстают перед зрителем в непривычном окружении, контексте. Дюшан экспонировал на выставках велосипедную раму, сушилку для посуды и т. п. Ф. Кикабия выставляет репродукции «Моны Лизы» с пририсованными усами и бородой.
Кинетическое искусство (по гр. Kinetikos – приводящий в движение). В произведених искусства применяются возможности движения конструкций и оптические эффекты. Первые попытки развития данного направления встречаются в рамках футуризма, конструктивизма, дадаизма. В начале 1930-х гг. американец А. Кальдер создает мобили – конструкции, приводимые в движение атмосферными явлениями. В 1950-х гг. кинетические конструкции используются в дизайне интерьера. В 1956 г. Сурью в работе «Эстетические категории» обращает внимание на то, что кинетическое искусство может как возбуждать, так и успокаивать.
Изобразительное искусство второй половины XXв.
Сюрреализм (фр. Cur – над). Французский поэт Анре Бретон (1896-1966, «папа сюрреализма» в союзе с Хансом Арпом (1887-1966) и Максом Эрнстом (1891-1976), поэтами П. Элюаром и Б. Пере в 1924 г. издает «Первый манифест сюрреализма». Второй манифест выходит в 1929 г., а третий – в середине 1930- х гг. Бретон определил сюрреалистическое творчество как форму свободного выражения человеческого духа при отсутствии всяких нравственных и эстетических ограничений. Видным представителем ранней поры сюрреализма был Макс Эрнст. Он изображал полустертые в памяти образы юношеских снов.
В годы , предшествующие Второй мировой войне, наряду с Максом Эрнстом, Ивом Танги (1900-1955), Хоаном Миро (1893-1995), появляются новые сюрреалисты: испанец Сальвадор Дали, бельгийцы Рене Магритт (1898-1967) и Поль Дельво, австриец Вольфанг Паален (1907-1959), швейцарец Курт Зелигман (1900-1961). Сюрреалисты – Макс Эрнст, Сальвадор Дали и другие – пользовались цветом как средством выражения «нереальных образов». Интуиция, считали они, - единственное средство познания Истины.
Сальвадор Дали (1904-1989) родился в маленьком испанском городке. Испания – страна высочайших культурных традиций, где любят и почитают художников. Во многих городах, не говоря уже о Мадриде, можно свтретить памятники Веласкесу, Сурбарану, Рибере, Эль Греко, Гойе. Дали обладал литературным даром. Он пишет «Дневник одного гения», «Тайная жизнь Сальвадора Дали, написанная им самим», «История пука», сценарии фильмов, статьи, манифест «Декларация независимости воображения и прав человека на его собственное безумие». Дали внешне напоминал Дон Кихота. Он любил свою жену, руссую по происхождению, Галу. Рафаэль, Леонардо до Винчи, Вермеер Дельфтский, Жан Франсуа Милле – художники, к творчеству которых он постоянно обращался. Расчитывая композиции произведений, Дали занимался математикой и оптикой. В 1974 г. он открыл собственный музей в городе Фигеросе. Одна из его картин названа «Остатки автомобиля, дающие рождение слепой лошади, убивающей телефон» (1932).
Поп-арт (popular art) широкое распроистранение получил в Англии, США, Канаде. Крестным отцом этого направления был Марсель Дюшан (1887-1968). Не удовлетворившись ни эффектами абстрактного экспрессионима, ни техникой наклеивания Курта Швитерса, ни так называемыми редимейдами (готовыми изделиями) Дюшана, предлагаемыми в качестве художественного продукта, некоторые английские и американские художники уже в 1950-х гг. начинают выставлять комбинированные произведения – живописные работы с располженными на них предметами. В поп-арте используются фотографии, муляж, репродукции из комиксов и журналов. Авторы использовали металлический хлам, старые автомобили, рваный холст, обрывки газет, журналов, рекламных проспектов. Э уорхол выставляет в 1965 г. «Четыре супа фирмы Кэмбелл». Р. Лихтенстайн выполняет в 1963 г.произведение «Женщина в цветной шляпке».США широко демонстрировали поп-арт в 1964 г. на XXXII биенале в Венеции, на котором первый приз был присужден американцу Роберту Раушенбергу («Прейсер»). В своих работах он использовал технику коллажа. Искусство поп-арта тесно связано с рекламой и потому поддерживается меценатами. В 1979 г. Музей Гугенхейма в Нью-Йорке организовал большую персональную выставку Йозефа Бойса. Для Бойса важен не внешний вид его творений, но то, что происходит в сознании у зрителей. Хеппенинг – сценическая разновидность поп-арта, театральное действие без продуманного сценария (от англ. Happening – сдучающееся, поисходящее).
Оп-арт (optical art) распространился в 1960-х гг. Использование оптических мотивов в монохромных или ярких композициях роднит его с росписью тканей. Одно из направлений оп-арта – кинетическое искусство (иногда его
рассматривают как самостоятельное направление). В оп-арте используется блеск дродащих металлических пластин, оживающих от колебаний воздуха; зеркала, создающие иллюзию пространства. Один из известных мастеров опарта – Вазарелли. Он создавал композиции на основе орнимента, в котором с помощью цвета создавалась иллюзия трансформации плоскости (ее выпуклость, вогнутость, неровность).
Гиперреализм (фотореализм) – художественное течение, возникшее в конце 1960-х гг. в США и распространившееся затем в европейских странах. Это течение проявилось прежде всего в живописи (Э. Уорхол и другие). Картины имитируют свойства фотографии: автоматическую визуальную фиксацию мира, документальную точность. У художников Р. Эстеса, Р. Гоинза часто изображаются улицы, реклама, автомобили. Ч. Клоуз интересен применением макрофотографий. К концу 1970-х гг. течение теряет свою силу.
Абстрактный экспрессионизм. Новое поколение абстракционистов (Дж. Поллак, Де Куринг) после Второй мировой войны восприняли от сюрреализма принцип «психического автоматизма». У Поллака акцент перемещается с произведения на сам процесс его создания – живопись-действие (actionpainting). Джексон Поллак (1912-1956) ввел термин «дриппинг» – разбрызгивание красок на холст без кисти. Во Франции такая живопись называлась ташизмом (от фр. Tache – пятно), в США - абстрактным экспрессионизмом, в Англии - живописью действия, в Италии – ядерной живописью. Она развивается в 1940-1950-х гг. Так работают художники в США Дж. Поллок, во Франции П. Сулаж и Ж. Матье, в Нидерландах К. Аппел. Ташисты «беззаконны, как в цвете, так и в форме».
Концептуальное искусство (от англ. concept – понятие, идея, общее предсттавление) или информационное искусство имеет множество течений. Произведения концептуального искусства демонстрируют понятия, употребляемые в научных дисциплинах (философии, социологии, антропологии, искусствознании и др.). Это искусство должно изменять традиционную, поверхностную точку зрения человека на окружающие его явления и предметы, способствовать расширению осознания. Так работы данного вида искусства могут раскрывать понятия «пустая форма», «условность» и другие. Раздичают следующие основные течения: ленд-арт, боди-арт, перфоманс, кутьтурное искусство, видео-арт.
Скульптура XX. Эмиль Антуан Бурдель (1861–1929 гг.). Драматизм и экспрессивность, напряженность чувств, стремления к героике, тяготение к конструктивному построению монументальных форм, величие замысла в его произведениях. «Стреляющий Геракл» (1909, Париж, Музей современного искусства), «Аполлон» (1900–1904, Париж, музей Бурделя), конная статуя генерала Альвеара (1914–1923, Буэнос-Айрес). Аристид Майоль (1861–1944). Стремление вернуться к античным традициям, внимательное изучение натуры, мастерство пластического обобщения, гуманистический характер и высокое чувство красоты человека в его произведениях. «Помона» (1907), «Флора» (обе в ГМИИ), аллегорическая скульптура «Иль де Франс» (1913–1927, Париж). Шарль Деспио (1874–1946) – мастер скульптурного реалистического портрета,
тяготевший к камерности и интимности. Лиризм, одухотворенность и интеллектуальная содержательность образов. «Мадам Стоун» (1927, Нью-Йорк, частн. Собр.), «Ася» (1937, Париж, Музей современного искусства). Значение творчества этих мастеров для развития реалистической скульптуры XX в.
14.3Постмодернизм и его основные особенности. Тенденции в развитии современного искусства, новые технологии и формы художественного творчества
Постмодернизм — довольно широкое понятие, охватывающее в целом состояние культуры в конце XX—начале XXI в., представляет собой широкое общественное явление, распространившееся во многих областях культуры – философии. Литературе, музыке, изобразительном искусстве, архитектуре.
Для модернизма характерно отрицание традиции, а постмодернизм уже модернизм воспринимал как новую классику и развивал его принципы.
В1960 — 1970-е годы и особенно в 1980-е годы постмодернизм занимает
втеории и в творческой практике ведущее место. В архитектуре и изобразительном искусстве характерной особенностью постмодернизма оказывается объединение в рамках одного произведения стилей и художественных приемов разных эпох. Картины художников наполнены цитатами, отсылками к разным культурам, и на этой основе осуществляется слияние различных исторических традиций, создается новая мифология, соотнесенная с индивидуальностью автора. Ряд художников стремились возродить не внешние приметы классического искусства, а его качественную природу — цельность мироощущения, обращение к вечности. Пользуясь живописным языком авангарда, они воплощали в красках современный вариант мифа о Вселенной.
Вискусстве конца XX в. идеи авангардизма получили дальнейшее развитие. Художники продолжили поиски новых форм демонстрации произведений, например, таких, как поп-арт, соцарт, оп-арт, кинетизм, концептуальное искусство, фотореализм, хэппенинг, пер-форманс, инсталляция, энвайронмент и др. Искусство постмодернизма окончательно утвердилось в своем неприятии традиций, приобрело характер системы акций, не имеющих практической цели (акционизм). Художники авангарда проявляют большой интерес к синтетическим формам творчества.
Принцип открытости искусства, вторгающегося в окружающую среду и преобразующего ее по своим собственным законам, породил хэппенинг, энвайронмент, в том числе ленд-арт.
Хэппенинг (от англ. happening — случающееся, происходящее) — разновидность акционизма, событие, скорее спровоцированное, чем организованное,
вкоторое инициаторы действия обязательно вовлекают зрителей. Хэппенинг провозглашает свободу каждого участника при манипуляции с предметами. Все действия в основном рассчитаны на импровизацию, дающую выход различным бессознательным побуждениям. Для хэппенинга характерны отвлеченность, парадоксальность действия, отсутствие четкого плана и тем более сюжета. Даже съемки происходящего на видеокамеру противоречат природе хэппенинга, так как порядок действия фиксируется.