28. Реформы художественного образования в Советской России; вхутемас – вхутеин, разработки принципов промышленного искусства.

Высшие государственные художественно-технические мастерские, учебное заведение в Москве. Образован путём слияния московских 1-х и 2-х Свободных художественных мастерских. Включал факультеты: художественные (живописный, скульптурный, архитектурный) и производственные (полиграфический, текстильный, керамический, деревообделочный и металлообрабатывающий). Практически готовил в основном художников-станковистов и архитекторов. Важной частью нового метода обучения был разработанный во В. и обязательный для всех студентов, независимо от будущей специализации, пропедевтический (предварительный) курс, основанный на сочетании научных и художественных дисциплин. Пропедевтический курс должен был научить студентов языку пластических форм, законам формо- и цветообразования (включал рисование как основу пластического искусств, цветоведение, дисциплины, исследующие взаимоотношения между цветом и формой, изучение принципов построения пространственной композиции и др.).

Во В. преподавали как художники-станковисты, продолжавшие традиции русской художественной школы предреволюционных десятилетий (А. Е. Архипов, П. В. Кузнецов, И. И. Машков, Д. Н. Кардовский), так и представители производственного искусства (А. М. Родченко, В. Е. Татлин и др.).

На первом этапе развития (1917-1922) дизайн формировался на стыке производства и агитационно-массового искусства. Основным объектом стало художественное оформление новых форм общественной активности масс: политических шествий и уличных празднеств. Оригинальная конфигурация и устройство трибун, агитационных и театральных установок, киосков доказали обоснованность переноса акцентов с разработки новых стилистических приемов на художественно-конструкторские проблемы. Однако признание новой концепции формообразования пришло лишь в 1921 году, когда произошли определенные изменения в экономической ситуации. Так совпало, что именно этот год характеризуется наиболее активными и плодотворными пространственными экспериментами конструктивистов. Конструктивизм перерос производственное искусство, утвердив собственную эстетику и самостоятельные цели.

Второй этап развития дизайна в России (1923-1932) можно считать временем становления его профессиональной модели. Россия становится одним из важнейших центров формирования дизайна. Происходит становление школы профессиональной подготовки дипломированных дизайнеров - производственных факультетов ВХУТЕМАСа. Дизайн переориентируется на решение практических задач: разработку бытового оборудования для жилищ, обстановки рабочих клубов, общественных интерьеров. Производственный заказ пока не играет определяющей роли, и активной стороной остается сам дизайн, сохранивший энтузиазм изобретательства.

29. Возникновение промышленного дизайна в сша; пионеры американского дизайна; становление организационных форм; школы дизайна.

Дизайн в Америке возник позже, чем в Европе, но именно там он полу­чил наиболее широкое распространение, прочно укоренился в экономике и промышленности. Сам термин «индустриальный дизайн» был предло­жен в Соединенных Штатах Америки Джозефом Синеллом в 1919 г., ког­да профессия дизайнера в этой стране еще не появилась и когда Америка была еще дизайнерской провинцией.

Норман Белл Геддес стал проектировать вещи, не рассчитывая на их воплощение в промышленности. Может быть, поэтому он и сумел, вдох­новленный примером европейцев, решить одну из труднейших проблем, а именно проблему эстетического освоения новых индустриальных форм. До него, но на ином техническом материале эту задачу уже решали европейс­кие и русские архитекторы и художники.

В 1927 г. в США возникла первая професси­ональная дизайнерская фирма Уолтера Дорвина Тига - исключительно энергичного и обладающего практической жилкой художника рекламы. Однако неизвестно, сколько бы времени он оставался одиночкой, если бы не великий кризис 1929 г.

Однако с приближением кризиса 30-х гг. производители сталкивались с растущими трудностями при продаже своих товаров. Именно кризис по­казал, что стабильность экономики определяется потреблением не только эксклюзивных дорогих изделий, но и сбытом массовой продукции, что при­быль обеспечивается не только высокими ценами, но и оборотом капитала за счет продажи самому массовому среднему потребителю.

Наиболее очевидный сдвиг в этом направлении произошел в 1927 г., когда Генри Форд прекратил выпуск автомобилей своей знаменитой моде­ли «Т». Столкнувшись с насыщением рынка и конкуренцией со стороны компании «Дженерал моторе», Форд истратил 18 миллионов долларов на нереоснащение своих предприятий для выпуска нового автомобиля моде­ли «А», имевшей гораздо более изящную, обтекаемую форму. Опыт Форда продемонстрировал деловому миру важную роль дизайна для успешного сбыта любого вида потребительских товаров.

Норман Белл Геддес, Уолтер Дорвин Тиг, Раймонд Лоуи и Генри Дрей­фус, пионеры этой профессии, обеспечили себе успех благодаря своим не­заурядным практическим дарованиям. Соединив в себе такие качества, как терпеливость ученого и воображение художника, каждый из них проделы­вал бесчисленные опыты, преодолевая технологические трудности и заме­няя уродство красотой и целесообразностью.

В 1930-е гг., после закрытия Баухауза, в США из Германии эмигриро­вала группа ведущих архитекторов, дизайнеров и художников - Гропиус, Мохой-Надь, Мис ван дер Роэ, Брейер. В Америке они продолжили препо­давательскую деятельность, обучая будущих американских дизайнеров профессии, но не сумели «привить» им свое мировоззрение. Ни одной из социально-утопических идей эстетического преобразования технической цивилизации, которые составляли самую душу программы Баухауза, ди­зайн США не воспринял.

Коммерческий дизайн - это прежде всего создание потребительской ценности товара. Дизайнеры умеют делать это благодаря вкусу, знанию рынка, образованию и, не в последнюю очередь, рекламе. Лучшим приме­ром здесь является деятельность Раймонда Лоуи, который как бы симво­лизирует собой все это направление, являясь одним из самых известных дизайнеров мира и пионером коммерческого дизайна.

Стиль обтекаемых форм, или стримлайн. Несмотря на то, что европейский Арт Деко стал стилем американских поп-звезд, стилистика промышленного дизайна в Америке развивалась своим путем. Первая, а затем и Вторая Мировая война существенно подорвали экономику Европы, известно, что лучшие художники и дизайнеры Старого Света уехали в США, спасаясь от нацизма и сталинизма. Поэтому Новый Свет имел более выгодные шансы с точки зрения социально-экономического и культурного развития. Действительно, американский дизайн бурно развивается в 30-е годы и быстро становится новой профессией. Именно в США эта деятельность, которую раньше называли «промышленным искусством», впервые становится профессией. Дизайном движет рынок, и наоборот - рынок движим дизайном. Поэтому основной критерий формы - это ее коммерческая успешность, и именно поэтому обтекаемая форма стала господствовать в американском дизайне. Она же дала название стилю – стиль обтекаемых форм, или стримлайн (его еще называют «американский модерн» за плавность линий).

Корни этого стиля можно обнаружить еще в футуризме, в его восхищении техническим совершенством машин и скоростью новых транспортных средств. Скорость требует от создателей автомобилей, локомотивов и самолетов использования аэродинамических принципов правильного обтекания воздухом поверхности транспортного средства для снижения сопротивления воздуха. Отсюда плавность линий и обтекаемость форм. Они были заимствованы именно из мира новых транспортных средств. В результате бытовые приборы, фотоаппараты и даже точилки для карандашей обрели округлость и каплевидность обтекаемой формы (капля воды имеет совершенный аэродинамический профиль). Такая форма оказалась коммерчески привлекательной за счет того, что оставляла ощущение простоты, совершенства, легкости и современности.