из электронной библиотеки / 716391966678202.pdf

Для Вьетнама характерно стремление приблизить звучание инструмента к речи и пению, воспроизведению звуков природы (журчание ручья, пение птиц и т.д.). Большая часть инструментов рассчитана на большую силу звучания; «даже во внешней форме инструментов вьетнамцы стремятся подражать природе, воспроизводя в них образ полной луны, форму груши, а также кувшина для вина (символ наслаждения)».160 Самый популярный во Вьетнаме инструмент – однострунный бау, на котором можно извлекать только флажолетные звуки, а его вибрирующее звучание очень близко вьетнамской манере пение; также известны инструменты типа лютни (нгуэт, ты и др.); двухструнные ко лий, ни; флейты из бамбука различных размеров и типов (продольная, поперечная, пикколо, альтовая), свирель; хен тхай и хен мэу (трубки с вмонтированными в отверстия медными язычками; их звучание напоминает «шум ветра в зарослях сухого бамбука»; бычий рог (ки па), древесный лист (кен ла); чонг (барабан), чонг дай («великий барабан» диаметром до 2 м., звук разносится на 10 км), гонги (гонг находится почти в каждом доме, это признак зажиточности) и др.

В Монголии популярны цитра, рог и другие духовые, шаманские бубны, колокола, гонги, большие медные трубы и др.

Кроме того, с каждой страной связан ряд особенностей, касающийся синкретичности: в Японии музыка тесно связана с театром; вершины японского искусства

–классические театры Но (известен с XII – XIIIвв.), театра марионеток (рубеж XVI и XVII веков) и театр Кабуки (от «ка» - песни, «бу» - японский традиционный танец, «ки» - мастерство, XVII век). Здесь синтезированы элементы драмы, оперы, балета (в европейской терминологии). Особенность китайской музыки – ее теснейшая связь со словом – определила большую, по сравнению с инструментальными, значимость вокальных жанров. Из богатых и разнообразных песенных жанров в разное время возникли три вида национальной оперы Вьетнама – тео, туонг, кай–лыонг, в которых

сочетаются речь, декламация, пение, жест, мимика, танец. Один исполнитель (часто это был слепой бродячий певец) мог спеть целую оперу с развернутым сюжетом.161

Культуру и религию Японии, наряду с индийской, глубоко изучал С. Роллинз. В Московской государственной консерватории существует ансамбль японской музыки «Wa

–On», который исполняет медитативные пьесы японского дзэн–буддизма и игровые хонк

–йоку, изображающие природные явления (дождь, ветер, жизнь птиц и животных (в ансамбле два исполнителя на сякухати, большой японский бамбуковой флейте). Джазовый российский дуэт Вячеслав Гайворонский (труба) и Владимир Волков (контрабас) в своей программе «Путешествия Yankee Doodle» коснулись как русского, индийского, так и японского фольклора; Бобби МакФеррин в совместной программе с японским виолончелистом Йо–Йо–Ма обратился к японской традиционной музыке; один из выдающихся представителей «New age», Китаро, черпает свое вдохновение в в том же источнике; Джордж Уинстон (также один из представителей «New age» в альбоме «Forest» («Лес») 1994 года записал японскую колыбельную «Japanese Music Box (itsuki No Komoriuta)», - вот лишь несколько примеров использования японского фольклора в США, Европе и России. Но, пожалуй, самые интересные работы в области синтеза джаза и этнической музыки, представили миру японские музыканты, и, в первую очередь, это Тосико Акийоси (р.1929 г.) – пианистка, композитор, бэнд – лидер. Свою музыкальную карьеру она начала с изучения классической японской музыки, а продолжила в колледже Беркли. В 1973 году вместе с мужем Лью Табакином Т.Акийоси собирает оркестр, первый альбом которого имеет большой коммерческий успех в Японии. С 1980 года биг–бэнд становится популярным во всем мире, что стимулирует композиторскую активность Тосико – она сочиняет множество пьес, соединяя современные биг–бэндовые традиции Гил Эванса и Теда Джонса – Мела Льюиса с японскими традиционными мотивами.

160Музыкальная энциклопедия, стр.854.

161Все перечисленные особенности музыкальной культуры азиатских стран даны автором очень кратко, в обзорной форме и без претензии на глубокое исследование.(от авт.)

«Tsutsumi», записанном в 1999 г. и изданном в прошлом, 2000 году фирмой «Sony», представлено виртуозное мастерство музыкантов, рисующих настоящие музыкальные картины с помощью отточенной техники и великолепных, мистических ритмов. В японском языке иероглифы «Ко – до» могут иметь два значения: первое – «Ритм Сердца» - это звук материнского сердца, который младенец чувствует, находясь в утробе матери. Прочтенный другим образом, этот иероглиф имеет другое значение – «Дитя Барабана», - и это его значение отражает желание группы играть на барабанах просто, «с сердцем открытым и чистым, как у ребенка».

В древней Японии деревни располагались на таком расстоянии друг от друга, чтобы звук тайко одной деревни был слышен в другой. И группа «Kodo» надеется при помощи своего турне «Единая Земля» донести звук тайко до более широкого сообщества

– всего мира. Впервые под названием «Kodo» группа выступила в 1981 году на фестивале в Берлине. С тех пор она дала огромное количество представлений во многих странах мира, став самой известной и широкой гастролирующей японской группой. Сохраняя и развивая традиционное искусство Японии, группа «Kodo» придает большое значение как музыкальному, так и культурному аспекту в контактах с артистами со всего земного шара. Самое яркое проявление этого – фестиваль искусств и барабанной музыки «Празднество Земли», впервые проведенный в 1988 году, когда была основана «Деревня Kodo». Сейчас этот фестиваль каждое лето собирает на базе группы «Kodo» на острове Садо лучших исполнителей со всего мира. Энергия и разнообразие творческих подходов к жизни и созданию музыки, которые приносят на остров Садо все эти музыканты, поддерживают энтузиазм группы и помогают «Kodo» развивать свой музыкальный стиль, гастролируя по всему миру. Используя традиционные японские барабаны тайко, группа Kodo продолжает открывать для себя новые музыкальные направления, расширяющие возможности этих древних инструментов».163

Китайской музыкой в конце 60-х годов XX века заинтересовался Стив Лэйси164: он сочинил цикл из шести композиций под названием «Дао», навеянный работами древнекитайского философа Лао Цзы. Сначала цикл появился в инструментальной форме на диске «Wordless» (1971 г.), затем цикл записан с вокалом Ирен Аби (переводы текстов основателя даосизма) под названием «The Way» (1979 г.), а через 12 лет Лейси издал сольную версию цикла на альбоме «Remains» (1991 г.).

Подобные метаморфозы происходят и с Алексом Ростоцким (р.1955 г.), бас– гитаристом, организатором джазовой жизни столицы, директором джазового клуба «Birdland». На протяжении всей своей творческой жизни он уделяет внимание этно – джазу, работая то с Л. Субраманиамом, то с Ю. Парфеновым, то создавал сольную этнофьюжн программу «Джаз–театр». Отдал дань почтение Рстоцкий и китайской культуре: «Недавно мы сделали мини – спектакль для чайного театра. Я познакомился с уникальными людьми, которые увлекаются китайской культурой. Они основали «Дом чайной культуры» в Саду «Эрмитаж». Михаил Баев и Вячеслав Виноградский – лидеры этого движения. Они серьезно изучают китайскую философию, медицину, гимнастику, боевые искусства и чайную церемонию в том числе. С ними мы сделали именно церемонию, куда входит свободная музыка, которую я играю на басовом синтезаторе. Вячеслав читает китайскую поэзию, делая при этом гимнастику, а Михаил заваривает чай», - рассказывает сам музыкант в беседе с журналистом «Jazz–квадрат» А. Малахиной.

Дэвид Сак – это музыкант, мастерски играющий на разнообразных аутентичных видах флейт: индийской «алхозе» и на китайской ti - tzu (ти – цзу). «Эта флейта использовалась еще задолго до династии Хань. Недалеко от того конца, куда дует

163«Jazz – квадрат» № 2 (39)` 2002, стр.54

164Стив Лэйси (р.1934) – выдающийся сопрано – саксофонист и композитор. Ввел сопрано – саксофон в современный джаз на несколько лет раньше Д. Колтрэйна; первым использовал флажолеты; один из пионеров сольного саксофонного концерта; универсальный исполнитель; один из лучших интерпретаторов музыки Т.Монка (от авт.).

«Импровизационное искусство Ирана не имеет четкой ритмической структуры, ритм тесно связан с особенностями национальной поэзии и танцем, а также с общим потоком и натурой человека». Двадцать четыре усула (ритмических рисунка) соответствуют 24 часам суток.168 «Усулы заключены и в человеческом теле», - пишет К.Агекян, «ибо биение сердца изменяется с каждым часом. Поэтому, в разных усулах бъется сердце здорового человека и сердце больного с высокой температурой, сердце бодрствующего и спящего».169 Инструментарий Ирана обширен, а многие его инструменты распространены и в других странах Востока. Группа струнных щипковых инструментов: танбур, тар, ситар, смычковый ребоб, уд (арабская лютня); группа смычковых инструментов: кеманча, сантур (вариант цитры, 72 струны, звук извлекается с помощью деревянных молоточков); большинство духовых инструментов делается из тростника: най, зурна, донай (двухтрубочная флейта); из группы ударных инструментов самым значительным является домбак.

«Макам можно сравнить с блюзом, где неписанная формула тоже есть условие свободы исполнителя. Правда, в отличие от блюзов, 12 макамов передают полную гамму человеческих чувств: от буйной, пьянящей радости до мрачного, беспредельного разочарования».170

Музыкальные культуры Ирана, Пакистана и Турции родственны, у них много общих составляющих, рассмотрим это на примере следующей таблицы:

Персидские (иранские) мотивы можно услышать в творчестве Шахина и Сепера (это сочетание гитарной музыки с традиционными персидскими мелодиями и народными иранскими инструментами (сантур, томбак, ней);

Махмуда Туркмани, который одинаково виртуозно играет на гитаре и уде, а его творчество – это синтез двух миров: Запада и Востока.

«Появление джаза в Европе не намного разошлось по времени с рождением молодой Турецкой республики на обломках одряхлевшей Османской империи. Кемаль Ататюрк, этот турецкий Петр Великий, жестко и энергично начал поворачивать идеологию и культуру страны лицом к Западу. В силу этого, и к джазу с самого начала отношение властей было вполне благожелательным. Уже в 30-х годах в стране появились профессиональные джазовые оркестры, а, начиная с 40-х годов, джаз можно было слушать

ив специальных радиопрограммах. Начали добираться до Турции с гастрольными турами

иродоначальники джаза – американцы. Все это способствовало появлению первых интересных отечественных джазменов. Толчок к карьере одного из них, трубача Маффи

168«Jazz – квадрат» № 4 (35)` 2001, стр.67.

169«Jazz – квадрат» № 4 (35)` 2001, стр.67.

170«Jazz – квадрат» № 4 (35)` 2001, стр.67.

Фалая, дал сам Диззи Гиллеспи, познакомившийся с этим музыкантом во время выступления в Анкаре в 50-х годах. Впоследствии Фалай организовал, получившую в начале 70-х годов европейскую известность, группу «Sevda».

Почти сразу наметились два направления в развитии турецкого джаза. Одно было связано с более или менее удачным копированием американских образцов, как например, у гитариста Ондера Фокана, играющего преимущественно стандарты, второе ориентировалось на сочетании джазовых элементов с идиомами турецкой народной музыки. Этому способствовали богатая полиритмия и гармонические системы, близкие модальному джазу, характерные для турецкого музыкального фольклора. Кроме того, турецкая музыка вобрала в себя и элементы фольклора других народов Балкан и Средиземноморья, издавна живших рядом с турками. Особая роль тут принадлежит Стамбулу – Нью–Йорку Ближнего Востока, где издавна были значительные греческие, армянские, еврейские, итальянские и цыганские общины. Неудивительно, что наиболее плодотворным, выдвинувшим наибольшее количество ярких музыкантов, оказалось именно второе направление.

Здесь, в первую очередь, надо назвать перкуссиониста Окая Темиза. В начале 60-х годов этот музыкант перебрался в Швецию (кстати, как и упоминавшийся выше Фалай), где какое–то время играл би–боп на ударных. Но вскоре он перешел к сотрудничеству с такими музыкантами, как американская звезда Дон Черри и южноафриканец Джонни Диани, уже на базе экспериментов по использованию в джазе фольклорных мотивов. Позднее Темиз организовал группу «Oriental Wind», где играли его шведские коллеги Бобо Стенсон и Леннарт Аберг, а в конце 70-х годов появились интересные записи, сделанные им совместно с индийскими музыкантами из «Karnataka College Of Percussion». В настоящее время Темиз вновь живет на родине, много гастролирует в Европе со своей новой группой «Magnetic Band» и изучает музыку турецких цыган.

По его стопам пошел и представитель более молодого поколения, пианист и саксофонист Туна Отенель, одно время игравший в «Oriental Wind» Темиза. Он сегодня один из самых известных джазменов Турции, участник самых разных по стилистике проектов, один из наиболее востребованных в записях сайдменов. К числу его самых удачных собственных проектов относятся альбом «Sometimes» (1995 г.) и записанный во Франции с местным трио диск «L`Ecume De Vian».

В Нью–Йорке живет сегодня интересный турецкий джазмен, тенор–саксофонист Ильхан Эрсахин. Его музыка – это причудливый коктейль из электронных ритмов, ярких импровизаций, а иногда и поэтического слова. В Штатах Эрсахин записывается на лэйбле «Colden Horn». Его дебютный альбом – «Ноmе», записанный в формате трио с Лэрри Гренадье на басу и Кенни Уоллесеном за ударными, был издан в 1997 году. На следующий год, вслед за этим диском появился альбом «Our Song», сделанный уже в квинтете с участием известного американского трубача Эдди Хендерсона. В Турции же, где Эрсахин часто появляется с гастролями, причем не только в Стамбуле и Анкаре, но и в менее крупных городах, весьма популярен его «домашний» диск «She Said».

Международной известностью пользуется сегодня и молодой коллектив под названием «Asia Minor». Мозгом и мотором этого состава является композитор и бас – гитарист Камил Эрдем, а из других участников можно выделить саксофониста Яхью Даи. Стихия группы – смесь электрического джаза с традиционной турецкой музыкой, причем эта смесь, как правило, пользуется успехом как джазфэнов, таки у традиционалистов. На счету «Asia Minor» уже несколько дисков, все они, включая последний «Cat`s Dream», расходились весьма бойко.

Говоря о современной музыке Турции следует назвать такие имена, как Эркан Огур, мастер разнообразных струнных инструментов, играющий со своим трио «Telvin» медитативную музыку, странно напоминающую одновременно Колтрейна и Хендрикса; как Хикмет Йилдырым и Эрдем Эрол – барабанщики на традиционных турецких барабанах дарбукка, создавшие в 2000 году в Анкаре ансамбль Siwatura, успешно

музыкальной индустрии. Торнтон выпустил альбомы «Eternal Egypt», «Immortal Egypt», «Pharaon», а линки на его сайте имеют форму пирамид. Торнтон говорит по этому поводу: «Я заинтересовался пирамидами задолго до того, как узнал что – либо о современном Египте. Меня всегда интриговали истории о том, что такая форма может улавливать энергию. Этот интерес привел меня к открытию того, что тетраэдр (трехмерная пирамида с равными гранями и углами) – это не то же самое, что форма египетских пирамид. Однако эта форма – сильнейшая из возможных, где все силовые линии сходятся в центре! Эта форма и представлена на сайте. Она остается для меня огромным источником вдохновения через ее использование в направленной медитации и визуализациях.

Первое, что меня действительно вдохновило в Египте - это музыка! Я и раньше интересовался историями о древнем Египте и пирамидах, но, услышав такую музыку, как «Songs From The Victorious City» (Песни Победоносного Города) Энн Дадли (Anne Dudley) и Джеза Коулмана (Jaz Coleman), а также «Passion» («Страсть») Питера Гэбриэла, я стал настоящим фанатом.

Распространена инструментальная музыка, в коей широко бытует импровизация. Основные музыкальные инструменты – большая группа ударных; наиболее распространены табла и бубен. Делаются попытки приспособления европейских инструментов, таких как аккордеон, скрипка, саксофон. В этой музыке так много уникальных звуков! Используемые в ней гаммы могут создать настроение, уносящее тебя за пределы минора или блюза в богатое и совершенно незнакомое звуковое пространство. Когда я смог пожить в Каире во время записи альбома «Immortal Egypt», я просто влюбился в народ и культуру Египта.»173 Другой представитель «New age»,Ричард Бон, в альбоме трилогии «Ascensionism» дает место для творческого переосмысления этнических египетских и европейских мотивов, будучи вдохновленным мистическими учениями Каббалы, духовными школами Древнего Египта и Луксора.174

Еврейская музыка одновременна и самобытна и, в то же время, пропитана другими культурами (иранской, арабской, народов Кавказа, европейских стран). Сохранению самобытных черт еврейской музыки способствовала общинная замкнутость, но там, где жили евреи, они становились участниками создания различных национальных культур. «Среди них наиболее известны византийский поэт и певец гимнотворец Роман Сладкопевец (V-VI вв. н.э.), представитель немецкого миннезанга Зюскинд из Тримберга, французские труверы Матье Еврей (Ie Juit) и Бонифас де Нарбона, итальянский поэт – певец Саломон Эбрео из Феррары и др.175 Для европейской музыки характерны:

-ассиметричность формы;

-одноголосие;

-повышенная экспрессия и преобладание в напевах скорбного, трагического колорита.

Выделяется искусство клезмеров – еврейских народных музыкантов – инструменталистов. Они собирались в небольшие ансамбли (цимбалы, контрабас, флейта или кларнет), возглавляемые скрипачом, одаренными виртуозами – импровизаторами. Такие оркестры играли на свадьбах, ярмарках, празднествах, балах. Музыка клезмеров представляла собой своеобразный музыкальный диалект, в котором переплавлены и самобытно претворены немецкие, польские, украинские, венгерские, молдавские и другие влияния.

Большим поклонником стиля «клезмер» был свинговый и биг – бэндовый трубач

Зиги Элман (настоящее имя Гарри Финкельштейн, 1914 – 1968 гг.), который славился необычными импровизациями.176

173«Jazz – квадрат» № 4 (35)` 2001, стр.70-71.

174Луксор – древнеегипетский город.

175Музыкальная энциклопедия, стр.361.

176З. Элман играл в биг – бэндах Б. Гудмена и Т. Дорси (от авт.)

Традиция «клезмер» - один из компонентов, сформировавших мощный талант Д. Гершвина: так считает кларнетист Гиора Фейдман и доказывает это каждой сыгранной нотой в альбоме «Gershwin and The Klesmer». Гиора Фейдман – виртуоз мирового уровня в классической музыке, но это не мешает ему заниматься реставрацией еврейских музыкальных традиций. Другой альбом Г. Фейдмана «The Dance оf Joy» несколько иной: в нем «Фейдман играет и чисто фольклорные (или написанные в фольклорном духе)

европейские мелодии «Shpiel Zhe Vir A Liebele», «The Freilach Danct», «It I Were A Rich May» (монолог шолом–алейхемовского Тевье), и композиции, где элементы традиционного мелоса восточно–европейских евреев сочетаются с джазовыми или академическими приемами организации звука («Rue Du Вас», где между кларнетом Гиоры, тромбоном и трубой возникает чисто джазовое напряжение, Soul For The Earth» и др.). Большинство аранжировок сделано самим Фейдманом или Роджерсом, постоянным участником его трио, а некоторые пьесы сочинены специально для Гиоры Фейдмана. И тут особо я бы выделил две. Об арабо–еврейском конфликте сказано много, далеки от идеальных и отношения между евреями и афроамериканцами в Нью–Йорке, где они составляют две крупнейшие общины этого гигантского города. Но не зря слово «гармония» связано с музыкой: для своего друга Гиоры представили свои композиции в этом диске и известнейший джазовый музыкант Брэнфорд Марсалис («L`Chaim» «За жизнь!» - традиционный европейский тост)), и арабский композитор Азам («Giora, For Your Neshama», «Для твоей души, Гиора»).

Можно добавить, что помимо трио Фейдмана в записи участвовало много приглашенных музыкантов, и среди них видный арабский классический музыкант, исполнитель на традиционной скрипке (уд) Симон Шахин», - пишет Л.Аускерн.177

Нью–Йорский дуэт Фрэнк Лондон (труба) – Энтони Коулмен (фортепиано, фисгармония) определил свой жанр как «новый клезмер». Алексей Баташёв дает следующую характеристику музыки дуэта: «Лондон (лидер двух наиболее популярных в настоящее время импровизационных ансамблей, использующих язык европейской музыки как основу для джазового прочтения материала – «Klezmatics» и «Hasidic New Wave») и Коулмэн (руковотель менее известно проекта «Selthaters» и клавишник нео–латин– джазовой группы «Vik Ribot I Los Cubanos Postizoa») играли материал только что вышедшего на лейбле «Tradik» альбома «Frank London: Invocаtions», содержащего авторское прочтение классических произведений иудаистской культовой музыки (в частности, произведения знаменитых канторов прошлого столетия – Розенблантта, Сироты и Камиола).

Большая часть этих этих дуэтных пьес (в которых Коулмэн играл на фисгармонии поддерживающие партии и не солировал) представляла собой импровизации на темы тех или иных фрагментов синагогальной службы, в темах которых Лондон не пропевал, а играл на трубе вокальную линию (сохраняя вокализацию и даже слоговое членение оригинала – по тому же принципу, по которому исполнен «Псалом» Джона Колтрейна в легендарной работе «A Love Supreme»).178

Известен еврейский проект Д.Зорна179 «Масада». Джон Зорн создал свой новоджазовый квартет «Масада» в начале 90-х, когда еще существовали другие его нашумевшие хард-боп–джазовые проекты «Naked City» и «Painkiller». В отличие от них, «Масада» сразу же принялась «разрабатывать» тематику еврейской музыки. Даже в оформлении всех альбомов квартета используется исключительно древнееврейская символика, а названия альбомов соответствуют буквам иврита. (Название этого диска звучит на древнееврейском как «Вав».) Даже возникли слухи, что Зорн собирается сделать с «Массадой» 26 альбомов – по числу букв в алфавите.

177«Jazz – квадрат» № 2 (31)` 2002, стр.14 – 15.

178«Jazz – квадрат» № 9 (32)` 2000, стр.20

179Джон Зорн (р.1953) – альт – саксофонист и кларнетист, придерживающийся авангардного направления (от авт.)