из электронной библиотеки / 102239451603964.pdf

250

фантазия, перерабатывающая и изображающая действительность в качестве нереальных образов. При этом фантастические существа обобщенно отражают эту действительность и мыслятся первобытным сознанием как вполне реальные.

Под мифологией можно понимать определенную знаковую систему, с помощью которой человек воспринимал и описывал мир. Она явилась первым, необходимым этапом развития типов познания действительности. Мышление первобытного человека было образным, предметно-чувственным. Его отличало почти полное отсутствие абстрактных понятий, неразличение реального и идеального, природного и человеческого. Архаический (см. Архаика) человек видел мир как подобие самого себя, наивно очеловечивал природную среду, переносил на нее собственные чувства, свойства, качества и характеристики. Его отличала двойственность мыслительной процедуры. Например, человек сначала на основании своего земного опыта создал модель небесного мира, а потом при помощи этой модели пытался объяснить земную жизнь. Мифологическая картина мира отличается жесткой полярностью: разделен мир на «свой», являющийся воплощением добра, порядка, безопасности, и «чужой», олицетворяющий зло и опасность. При более детальном осмыслении делался вывод о борьбе двух взаимоисключающих начал, каждое из которых наделялось исключительно положительным или отрицательным смыслом: день—ночь, свет—тьма, жизнь-смерть, верх-низ, восток-запад, юг—север, правое-левое, начало—конец, утро-вечер, весна-осень, лето-зима. Например, небо мыслилось местом обитания богов, подземелье – злых духов, восток ассоциировался с жизнью, запад – с царством мертвых. Считалось, что злые духи подстерегают человека исключительно с левой стороны. Особый интерес архаический человек проявлял к необычным, аномальным явлениям — стихийным бедствиям, солнечным и лунным затмениям и т. д. Мифологическая картина мира носила универсальный характер в первобытной культуре. Именно из мифа впоследствии произошли религия, философия, искусство.

Влияние мифологии заметно и во многих современных сферах (даже наука не всегда может избежать мифов). Например, радикальная смена научной концепции, построение на ее основе новой научной картины мира (см. Культурная картина мира) делает предыдущие концепции не более чем мифом. Научные теории не должны застывать, считаться непогрешимыми и абсолютными (в отличие от архаических, современные мифы имеют своих авторов, которые часто идут на намеренный обман людей). В основе многих современных обрядов и праздников также лежат мифологические ритуалы, хотя в современную эпоху их мистические функции не осознаются и на первый план вышли функции эстетические. Миф широко культивируется в политике, заменяя реальное знание: миф о великом вожде, мудрой политике, ожидании перемен. Обычно он исчезает вместе с изменением обстоятельств, изживается в открытом, демократическом обществе, дающем доступ к полной информации.

МОДЕРН («ар нуво», «югендстиль», «либерти», «модерн стайл»)(фр. - новейший,

современный) – стиль в европейском и американском искусстве конца XIX—начала XX вв. Его идейной основой стала задача создания искусства «Большого стиля», а эстетическая программа сводилась к сотворению прекрасного, которого нет в окружающей действительности, к излечению болезней цивилизации красотой. Творческая деятельность художника модерна была призвана не копировать предметы и явления, а создавать новый, как правило, очень необычный и индивидуальный мир. Художник уподоблялся творящим силам природы, становился вровень с Богом.

Модерн выразился главным образом в архитектуре и декоративно-прикладном искусстве.

В этом нашли отражение предъявляемые капиталистической реальностью требования: бурное городское строительство и отделка интерьеров вновь построенных зданий. «Большой стиль» в применении к модерну означал объединение усилий художников

251

разнообразных специализаций. К художнику модерн предъявлял требование — быть универсалом. Именно такого рода мастером был, например, М.Врубель в России. В произведениях модерна часто использовалась стилизация, художник обращался к культуре прошлого. При этом, как правило, заимствовались отдельные элементы и наполнялись новым художественным содержанием. Ярким примером такого заимствования является здание Ярославского вокзала в Москве архитектора Ф.О.Шехтеля, выполненное в рамках «неорусского стиля» (см. Русский стиль). Стилистические особенности модерна определяются как пластические, текучие, словно самообразующиеся формы, в декоративноприкладном искусстве — стелющийся по поверхности, обволакивающий предмет стилизованный растительный орнамент, чаще всего — морские водоросли либо цветы (ирисы, лилии, орхидеи). Краски обычно неяркие, их сочетание очень изысканно. В живописи и графике произведения модерна отличают плоские контрастные пятна цвета, которые не выделяют объемы, не делают изображение рельефным. Гибкая линия ограничивает живописное пространство, которое не имеет глубины, а изображенные предметы — массы. Всю композицию определяет декоративно-узорное начало. Абстрактные и натуралистические предметы предстают в неожиданных сочетаниях, художественный язык очень выразителен. Поэтому изображение выглядит необычно, даже если художник специально не стремится к достижению этого эффекта. Мастера модерна не отказывались от использования сюжетной мотивировки. В архитектуре это проявляется в виде майоликовых

(см. Майолика) панно, витражей, фризов или скульптурных рельефов. Обычно используется романтическая или фольклорная тематика. Сюжет призван усиливать действие чисто эстетических средств. Искусство модерна рационально. Каждый фрагмент произведения занимает снос, тщательно продуманное место. Симметрия признается необязательной. Ясность и простота общего решения сочетаются со сложностью отдельных деталей. Модерн произвел переворот в книжной графике. Мощным толчком для развития этого направления стали работы англичанина О.Бердсли. В России стилистика модерна использовалась некоторыми художниками «Мира искусства» (А.Бенуа, К.Сомов и др.). Мастера стиля модерн создали новый тип книги, все оформление которой, включая иллюстрации, шрифт, переплет, формат и т. д., образуют художественное целое, объединенное единством стиля. В декоративно-прикладном искусстве модерн занял особо прочные позиции. Казалось, что выполнена стратегическая задача модерна – улучшение повседневности средствами искусства. Однако по мере того, как модерн широко входил в моду, произведения с его признаками постепенно теряли связь с идейно-художественной первоосновой и становились китчевыми (см. Китч). В архитектуре модерн также представлен чрезвычайно широко, но ни в одной стране мира он не был признан (как, например, классицизм) официальным стилем. Модерн наиболее широко представлен в архитектуре гостиниц, доходных домов, особняков, загородных вилл и дач. Во всех случаях присутствовал богатый индивидуальный заказчик, не ограничивавший творческую свободу архитектора и желавший получить здание, удовлетворявшее любым требованиям. Представители «модерна» использовали новые технико-конструктивные средства (стекло и бетон, кованое железо и т. д.), свободную планировку, своеобразный архитектурный декор. Все элементы таких зданий подчинялись единому орнаментальному ритму и образносимволическому замыслу (Х.Ван де Велде в Бельгии, Й.Ольбрих в Австрии, А.Гауди в Испании, Ч.Р.Макинтош в Шотландии, Ф.О.Шехтель в России). В процессе строительства здание как бы вырастает изнутри, по принципу пчелиных сот: помещения разных размеров и очертании примыкают друг к другу и размещаются на разных уровнях.

Снаружи здание выглядит как увлекательная несимметричная пространственная композиция, объединяющая воедино разные по формам и масштабам объемы. Формы и украшения окон, дверей, лестниц самые разнообразные. Декоративное убранство фасадов достигает небывалой изощренности. Отсутствует вертикальное членение здания, и подчас невозможно понять, сколько в нем этажей. Архитектура, таким образом, сосредоточивается на

252

создании бытового эстетического комфорта. Соображения удобства легко переходят здесь в причуды воображения, капризы вкуса и т. п.

В России недолгий расцвет модерна имел свои периоды. В первые пять лет XX в. развивалась декоративистская стадия, к концу десятилетия – конструктивистская (см. Конструктивизм). Во второй стадии гораздо в меньшем количестве применялись манерные и усложненные детали. Было заметно стремление к простоте и строгости. К зданиям раннего модерна относятся особняк С.Рябушинского архитектора Ф.Шехтеля, гостиница «Метрополь» В.Валькотта и Л.Кекушева (при участии М.Врубеля) в Москве, гостиница «Астория» архитектора Ф.Лгиваля в Санкт-Петербурге. Из сооружений позднего модерна следует отмстить здание типографии «Утро России» Ф.Шехтсля и дебаркадер Киевского вокзала В.Шухова в Москве. В стиле модерн Ф.Шехтель перестроил, по заказу К.Станиславского и С.Морозова, будущее здание Московского Художественного театра. Перед 1-й мировой войной модерн в архитектуре постепенно вытесняется неоклассицизмом.

МОДЕРНИЗМ (фр. — современный) – общее обозначение всех авангардистских (см. Авангард) направлений в культуре XX в. Модернизм обычно понимается его создателями в качестве единственно истинного «искусства современности» или «искусства будущего», и в этом смысле противопоставляется традиционализму (см. Традиционная культура). Иногда под модернизмом подразумевают ранние проявления авангардизма; импрессионизм, постимпрессионизм, символизм, стиль модерн. В этом смысле модернизм не считается синонимом авангардизма, а является только одним из его этапов. Во всех перечисленных художественных направлениях разрыв с предшествующей традицией еще не был столь резок, как в последующих авангардистских проявлениях.

Модернизм как ранняя стадия авангардизма утвердил себя во второй половине XIX в. Для появившихся тогда новых форм творчества было характерно не столько привычное следование духу природы и традиции, сколько проявление свободного взгляда мастера, желающего не просто копировать, но изменять видимый мир по своему усмотрению на основе личного впечатления (импрессионизм, постимпрессионизм), внутренней идеи или мистической грезы (символизм, модерн). С модернизмом обычно связывают «второе пришествие» романтизма во второй половине XIX—начале XX вв.

Термин «модернизм» зачастую трактуется неверно. Иногда это понятие путают со стилем модерн. Кроме того, традиция советского искусствоведения применяла его ко всем культурным проявлениям XX в., не вписывавшимся в каноны социалистического реализма. Модернисты оправдывали свое наименование тем, что обычно заявляли о себе, как о представителях действительно современного искусства, выразителях ритма «текущего времени». Ярче всего образ сиюминутной современности отразился в импрессионизме. В то же время символизм и модерн отбирали из ощущений сиюминутности наиболее выразительные с точки зрения «вечных тем» бытия человека и природы. Постепенно усиливается тяга к созданию особого «искусства будущего», моделирующего завтрашний лень. В целом модернизм выглядел достаточно противоречиво. Неприязнь к обществу, отрицание машинной цивилизации, ощущение краха культуры («чувство бездны») соседствовали с желанием создать новую реальность, расширить пространство жизни. Культуре в этом созидании отводилась ведущая роль. «Жизнестроительные» устремления особенно проявились в декоративно-прикладном искусстве и архитектуре. Со временем внешнее правдоподобие образов становится необязательным. В 1900-е гг. художникимодернисты вплотную подходят к границе абстрактного искусства.

МОЗАИКА (лат. — посвященное музам) — изображение или узор, выполненные из разноцветных мелких камней, керамических плиток, смальты (кубиков из стеклянных сплавов, окрашенных окисью металлов, а затем обожженных). Мозаика как техническая

253

разновидность живописи возникла в античную эпоху. Первоначально ею украшали чаше всего пол здания. В дальнейшем средневековые мастера, начиная с византийцев, стали размещать мозаичные композиции на стенах, используя для их создания не гальку, а кубики смальты.

МОЛЬБЕРТ (нем.) — станок (деревянный, металлический) для укрепления холста, картона, доски на нужной для художника высоте. Существуют стационарные и переносные (для этюдов) мольберты.

МОНУМЕНТАЛЬНАЯ ЖИВОПИСЬ – род живописи, относящийся к монументальному искусству. К монументальной живописи относятся те произведения, которые непосредственно связаны с архитектурными сооружениями, украшают стены, потолки, своды, а иногда и полы. К монументальной живописи относятся фрески (буон фреско, фреско а секко), мозаике всех видов, а также написанные на холсте живописные панно, гобелены, витражи, майолики и другие формы плоскостно-живописного декора в архитектуре. Поэтому монументальную живопись называют монументально-декоративной или живописным декором, что подчеркивает декоративное назначение и декоративные качества росписей. По характеру содержания и образного выражения можно различать произведения монументальной живописи, обладающие качествами монументальности, и такие, которые не обладают ими, но органично связаны с архитектурой. В первом случае они являются важнейшей доминантой ансамбля, играют в нем первостепенную роль (например, плафон Микеланджело в Сикстинской капелле в Ватикане), во втором – монументальнодекоративные росписи как бы «растворяются» в архитектуре, становясь художественно организованной поверхностью ее стен, перекрытий, фасадов (фрески Рафаэля в Ватиканском дворце). В зависимости от своей функции произведения монументальной живописи решаются в объёмно-пространственном или плоскостно-декоративном ключе. Каждое из произведений монументальной живописи приобретает цельность и законченность благодаря взаимодействию со всеми составляющими архитектурного ансамбля, создающего целостный художественный образ. Монументальная живопись и другие виды монументального искусства призваны участвовать в создании постоянно существующей реальной архитектурно-пространственной среды (в то время как станковая живопись создает в картине свое самостоятельное иллюзорное пространство, а при декоративно-прикладном назначении — в сценографии или в оформительском искусстве – живопись формирует особую сценическую или выставочную среду временного характера). Поэтому образный строй разных родов живописи существенно различен: если для оформления спектакля или особой выставочной среды, как правило; требуются экспрессивные, сразу бросающиеся в глаза приемы, то для монументальной живописи, постоянно и неизменно сопутствующей человеку, более подходит искусство неназойливое, гармоничное, рассчитанное на длительное существование во времени, обращенное ко многим, часто одним и тем же людям в различные моменты их жизни. В этом произведения монументального искусства сближаются с архитектурой.

МОРАЛИТЕ (фр.) – назидательная аллегорическая (см. Аллегория) драма, один из театральных жанров в Западной Европе XV-XVI вв. Персонажи моралите олицетворяли различные пороки и добродетели (Скупость, Лесть, Глупость, Дружба, Справедливость и др.).

«МОСТ» («Brucke») — объединение художников, существовавшее в Дрездене с 1905 по 1913 гг. и положившее начало экспрессионизму в Германии. В него входили студенты Дрезденского высшего технического училища, изучавшие архитектуру, - Ф.Блейл, Э.Хеккель, Э.Л.Кирхнер, К.Шмидт-Ротлуф, Целью своего творчества они провозгласили обновление немецкого искусства. В 1906 г. состоялась первая выставка группы на ламповом заводе в Дрездене, вслед за ней в 1907 и 1908 гг. прошли еще две выставки. В 1906 г. к

254

инициаторам группы ненадолго примкнули Э.Нольде и М.Пехштейн. С объединением сотрудничали К. ван Донген, О.Мюллер и др. В 1909 г. вслед за Мехштейном участники группы перебрались в Берлин. После активного неприятия «академическим Берлином» живописи «Моста» Пехштсйн и Нольде создали новое объединение, в которое вошли независимые немецкие художники, а также французские фовисты и кубисты (см. Фовизм и Кубизм), Стиль группы складывался параллельно французскому фовизму, основываясь на схожих творческих принципах. Особое внимание было обращено на творчество Ван Гога, Его художественные приемы иногда откровенно заимствовались. Много говорилось об «антиклассической традиции», поэтому большой интерес вызывало также немецкое средневековое искусство. Для живописи «Моста» характерны резко очерченные, динамичные формы, диссонирующие сочетания цветовых пятен. В трагически заостренных образах выражался протест против современной цивилизации, переживавшей духовный кризис.

МУДЕХАР (араб. – получивший разрешение остаться) — стиль испанской архитектуры

XIV-XV1 вв., соединяющий черты западноевропейского и восточного искусства.

Особенно ярко проявилось влияние арабской культуры. Использовались купола, сталактитовые своды, подковообразные арки, изразцы, каллиграфия, геометрический орнамент, ажурная резьба.

МУЗЫКА – один из видов искусства, как и другие, отражает действительность в художественных образах. Одна из основных особенностей состоит в ее способности наиболее тонко выразить душевное состояние человека. Язык музыки имеет специфические выразительные средства: мелодию, музыкальную интонацию, лад, ритм, тембр, темп и динамику. Из этих средств главным является мелодия или музыкальная мысль, выраженная одноголосно. Чтобы мелодия могла передавать то или иное содержание, ее звуки должны находиться в определенной системе, объединяясь по тяготению вокруг самого устойчивого звука. Такая система звуков называется ладом. Благодаря ладовой настройке мы улавливаем смысл и логику построения мелодии, которая может быть разделена на мелкие частицы, интонации (обычно состоят из 2—3 звуков). Музыкальные интонации очень близки интонациям речи. Иногда речевая интонация может быть воспроизведена в музыке буквально («А-у!» - возглас, состоящий из двух звуков — низкого и высокого). Интонация придает музыкальной речи смысловую окраску и выразительность. Ярким выразительным средством музыки является ритм, который неразрывно связан с мелодией. Ритмом называется соотношение звуков по их длине (длительности). Мелодиям определенного характера соответствует и свой ритм. Так, у колыбельных мелодий ритм плавный, размеренный, создающий впечатление неторопливого движения. В плясовых, полькообразных мелодиях ритм быстрый, четкий, энергичный, с чередованием звуков различной длительности, в основном коротких. Темп — еще одно яркое выразительное средство музыки. Темпом называется скорость исполнения музыкального произведения. Чаще всего он может быть медленным, умеренным или быстрым. Важное значение в музыкальном языке имеет окраска певческого голоса или звучания музыкального инструмента. Такая окраска называется тембром. Его нельзя измерить или конкретно обозначить. Именно тембровая окраска позволяет отличать звучания различных музыкальных инструментов и голосов. На тембр влияет материал, из которого сделан источник звука, его форма, удаленность резонатора, акустика помещения и др. Тембр зависит от обертонов, сопровождающих основной звук. Характеризуя звук, обычно отмечают звонкий, глухой, теплый, холодный тембр и т. п.

МУЛЬТИПЛИКАЦИОННОЕ КИНО (АНИМАЦИОННОЕ КИНО) (лат. – умножение) –

искусство, в основе которого лежит создание иллюзии движения (оживления) рисованных» различных объемных (кукольных, пластилиновых, барельефных и др.), живописных образов,

255

зафиксированных на пленке методом покадровой съемки). Мультипликация может также основываться на самой разнообразной технике. Это или произведения, созданные с помощью каких-либо сыпучих материалов, приобретающих различные формы непосредственно перед камерой, или фильмы, сотворенные посредством выцарапывания или нанесения рисунка непосредственно на кинопленке, и т. д. В последнее время все большее распространение получает компьютерная анимация. Методы мультипликации часто используются и в игровом кино. Это или комбинированная съемка, или спроектированные огромные кукольные герои. Для телевидения первое время создавали фильмы с использованием всего лишь 2—5 рисунков для одного кадра. Оживляемые рисунки явились предшественниками киноискусства. В середине XIX в. делались неоднократные попытки создать аппарат для воспроизведения на экране движущихся изображений. В 1877 г. француз Э.Рей запатентовал праксиноскоп — наиболее совершенное приспособление того времени. Первые программы, показанные при помощи этого аппарата, длились около 15 минут. Причем изображения были цветными и сопровождалось музыкой и пением. У.Дисней одним из первых начинает использовать для передачи художественного замысла в своих фильмах произведения классической музыки, пытаясь через «живой» рисунок выразить свое восприятие музыкального произведения. В 1937 г. Дисней сделал первую полнометражную мультипликационную ленту - «Белоснежка и семь гномов» (содержит приблизительно 477000 сфотографированных рисунков). Причем при создании таких лент сначала снимали на пленку живых актеров, а потом старались подражать им, рисуя выдуманных персонажей. В последующие годы в мультипликационном кино воплощаются самые разнообразные идеи и стили, используются новые технологии. Наибольшую популярность приобретают полнометражные картины с большим количеством героев, а также экранизация известных произведений литературы.

«МЫЛЬНАЯ ОПЕРА» - многосерийная телевизионная мелодрама, непритязательный сюжет которой насыщен разнообразными жизненными ситуациями, красивой жизнью, страданиями и успехами главных героев, переходящих из серии в серию, любовными конфликтами, семейными драмами с обязательным счастливым концом в финале (хотя многие сериалы имеют тенденцию к бесконечным продолжениям). Технология производства данных картин чрезвычайно проста и малозатратна. Процесс съемок одной серии занимает от одного до нескольких дней. «Мыльные оперы» пользуются, как правило, большой популярностью у телезрителей. Своим названием обязана американской компании по производству мыла, которая после II-й мировой войны финансировала первые дневные радиопередачи, предназначенные для домохозяек, рекламируя при этом свою продукцию.

МЮЗИКЛ (англ. – музыкальная комедия) — музыкально-сценическое произведение, в котором используются различные средства эстрадной и бытовой музыки, драматического, хореографического и оперного искусства. В отличие от оперетты имеет сквозную пластическую драматургию, включает вокально-хореографические ансамбли, может быть не только комедией, но и драмой. Жанр мюзикла сформировался в США в 1920-1930-х гг., расцвет его пришелся на 1940-1960-х гг. Классическими считаются мюзиклы «Оклахома» Р.Роджерса, «Целуй меня, Кэт» К.Портера, «Моя прекрасная леди» Ф.Лоу, «Вестсайдская история» Л.Бернстайна и др. В 1920-е гг. мюзиклы начали экранизировать, что сделало этот жанр еще более популярным. Первые звуковые фильмы собственно и были попытками перенести этот популярный сценический жанр на экран. Один из первых звуковых фильмов

— «Певец джаза» (1927 г.). Среди европейских картин выделяются «Шербургские зонтики» (1964 г.) Ж.Деми на музыку М.Леграна. Среди российских мюзиклов можно выделить «Мой брат играет на кларнете» О.Фельцмана, «Три мушкетера» М.Дунаевского, «Тиль» Г.Гладкова.

НАСКАЛЬНЫЕ ИЗОБРАЖЕНИЯ – знаки или изображения животных, мифологических героев, сцен охоты, войны, обрядовых действий, выполненные в эпоху палеолита, неолита,

256

бронзы, раннего железа первобытным человеком на скалах, потолках, стенах пещер и на отдельных камнях. Наскальные изображения известны в Европе, Азии, Африке, Австралии, Океании. Существуют наскальные изображения, нанесенные минеральной краской, выбитые, гравированные на камне, высеченные рельефом.

НАТУРАЛИЗМ (лат. — природа, естество) — в широком смысле слова — стремление к наиболее точному изображению явлений действительности, исключающее чувственноэмоциональное и интеллектуальное отношение к ним художника. В различные исторические эпохи натурализм проявлялся в разных художественных стилях, архаических стилях древних культур, наивном искусстве и т. д. Однако натурализм редко выступал в виде самостоятельного направления, чаще он присутствовал как тенденция в том или ином течении. Более активно проявлялся в непрофессиональном творчестве. Часто вырождался в академизм. Натурализм также часто был выражен в искусстве маньеризма и барокко. Барбизонцы и импрессионисты также стремились стать натуралистами. Наиболее полно натурализм также проявился в направлении «натуральная школа», которое сформировалось в России во второй половине XIX в. Первоначально термин «натуральная школа» употребил критик Ф.Булгарин в 1846 г. применительно к литературному творчеству Н.Некрасова. В.Белинский к «натуралистам» отнес Н.Гоголя, Н.Некрасова, Ф.Достоевского, И.Гончарова, Д.Григоровича, выделив следующие особенности школы: стремление «к натуральности, естественности, изображению жизни без прикрас». Первым среди художников этого направления в России был П.Федотов. На основе натурализма в 1840-1850-х гг. выросло российское направление «критического реализма» и движение передвижников. В последней трети XIX в. в Европе и США также сложилось литературное течение, получившее название «натурализм» (Э.Золя). Его отличительными чертами были: стремление к объективному, точному, беспристрастному изображению человеческого характера, обусловленного физиологической природой и средой, понимаемой как бытовое и материальное его окружение.

НАТЮРМОРТ (фр. – мертвая натура) – жанр изобразительного искусства (главным образом станковой живописи и графики), связанный с изображением вещей, окружающих человека, размещенных в реальной бытовой среде и композиционно организованных в единую группу. Объектом изображения в натюрморте могут быть предметы обихода, труда, творчества, цветы, плоды, фрукты, овощи, битая дичь, «дары моря» и т. д. Традиция изображения вещей многообразна. Следует различать предметный мир в картинах других жанров, где предметы выступают элементом живописного произведения, и собственно натюрморт. Главной целью мастера натюрморта является передача материальной вещественности, индивидуальной конкретности каждого предмета, своеобразия его формы, неповторимости цвета. История изображения предметов, их роль в картинах непосредственно определяются тем, какое место отводится эстетической значимости материального мира в системе социокультурных ценностей общества по сравнению с социальными, моральными и религиозными приоритетами. Изображение предметов известно в искусстве античности, Средних веков, но первым натюрмортом в станковой живописи признается картина венецианца Якопо де Барбари, выполненная в 1504 г. Появление натюрморта свидетельствует об общественном признании ценности материального мира, окружающей человека предметной среды, от которой он зависит. Вещи говорят о занятиях человека, его социальной принадлежности, богатстве или бедности.

НЕОКЛАССИЦИЗМ (греч. – новый и классицизм) – возрождение классических традиций и

форм в искусстве, возвращение к идеалам античности. В европейском искусствознании

неоклассицизмом принято называть классицизм второй половины XVIII в. Неоклассицизм начал развиваться во Франции, в годы правления Людовика XVI (1774-1789 гг.), отсюда его другое название — «стиль Людовика XVI». Определенное влияние на его формирование оказали идеи просветителей, связанные с распространением знаний, пропагандой науки,

257

освобождением сознания от предрассудков, обожествлением природы, призывам к простоте

иестественности, что соответствовало эстетике классицизма. В области архитектуры,

декоративно-прикладного искусства, живописи вновь стали возрождаться античные формы. Дополнительный толчок этому дали открытие в 1719 г. погребенного под пеплом Везувия Геркуланума и начавшиеся в 1748 г. раскопки Помпеи. Так, в архитектуре утвердился классический тип симметричной крестово-купольной базилики. По образцу собора Святого Петра в Риме архитектор Ж.Суффло с 1755 г. начал возводить в Париже церковь Святой Женевьевы, превращенную затем, в соответствии с древнеримской традицией, в Пантеон (усыпальницу великих людей). Это здание надолго стало образцом для многих европейских сооружений эпохи (собор Святого Павла в Лондоне, Исаакиевский собор в Петербурге). В оформлении интерьеров стали преобладать прямолинейные формы и вертикальные линии. В декоре широко использовались античные мотивы – факелы, колчаны со стрелами, рога изобилия, грифоны, сфинксы, а господствовавшими цветами были белый

изолотой. Одним из проявлений неоклассицизма в культуре явились «пейзажные сады» — сады, парки свободной, естественной планировки с романтичными парковыми сооружениями в «античном стиле». В живописи Франции неоклассицизм был представлен прежде всего творчеством Ж.Л.Давида (1748— 1825 гг.), который стал впоследствии родоначальником стиля ампир. Английский неоклассицизм развивался параллельно с французским, однако был более связан с романтизмом, а отсюда и с неоготикой. В Австрии неоклассицизм появился в конце XVIII в. под названием «стиль Иосифа II» (или стиль цопф). В Германии неоклассицизм начала XIX в. получил название «прусский эллинизм». Русским неоклассицизмом в отечественном искусствознании принято считать возрождение классического стиля в начале XX в., т. е. в период модерна. Его развитие явилось естественной реакцией на стилистический произвол и избыточную декоративность модерна. В русской архитектуре неоклассицизм связан с именами В.Щуко, И.Жолтовского, И.Фомина, Ф.Шехтеля, которые стремились возродить традиции русского классицизма второй половины XVIII и первой трети XIX вв., используя его приемы отделки фасадов и интерьеров. Средства неоклассицизма (гипертрофированно-монументальные формы и образы) широко использовались в тоталитарном искусстве 1930-1940-х гг. Германии, Италии, Советского Союза в целях пропаганды определенной идеологии.

ОБЕЛИСК – первоначально тип культового и мемориального сооружения в форме четырехгранного сужающегося кверху столба с заостренным пирамидальным завершением. Ствол обелиска часто покрывается рельефом. Первые обелиски возникли в Древнем Египте. Они размещались на самых высоких точках священных мест. Высота обелиска варьировалась от 20 до 30 м, вес – от 100 до 300 т. В эпоху Возрождения маленькие обелиски использовались как декоративные элементы. Обелиски вновь стали популярны в искусстве классицизма и ампира. Форма их широко используется в современном монументальном и мемориальном искусстве.

ОРДЕР АРХИТЕКТУРНЫЙ – система организации архитектурных форм, логичная расчлененность формы строения, зрительно выражающая разделение функций его отдельных частей; впервые возникает в период архаики в Древней Греции.

Древнегреческий ордер ярко отражает антропоморфизм и рациональный характер культуры, идеалы гармонии, меры, симметрии, пропорциональности, модульности, подчинения частей целому. Мастерам античности впервые удалось гармонично соединить конструктивные и декоративные элементы архитектуры, выразить ее художественнообразный смысл. Каждая из этих частей, в свою очередь, делится на составляющие, которые профилируются соответственно своей функции. Основные части ордерной системы могут быть выражены в большей или меньшей степени. Однако только отсутствие антаблемента, и особенно карниза, лишает постройку всякой идеи ордерности. Все элементы архитектурного ордера, включая интерколумний (расстояние между колоннами), пропорционально

258

рассчитаны, уравновешивая друг друга. Но главное — они должны были выразить красоту и предназначение человека. Греческие храмы строились как жилище бога, во всем похожего на человека. Поэтому не случайно расчет пропорций колонн сопоставим с пропорциями человеческого тела. А основные архитектурные ордера уподобляют образу человека. Все они получили свое название от места возникновения. Правила построения ордера впервые были проанализированы в трактате древнеримского зодчего Витрувия. В эпоху Возрождения все пять ордеров были детально описаны итальянцем Себастьяно Серлио в его сочинении об архитектуре. Три ордера – дорический, ионический и коринфский возникли в Древней Греции. Древнеримские архитекторы добавили два новых ордера — тосканский и композитный. Самой древней разновидностью ордера является дорический (с VII—VI вв. до н. э.). Он назван по наименованию горной местности в Средней Греции. Его отличает строгость, мужественность, рациональность и тектоническая ясность. Ионический ордер возник в эпоху архаики, но наибольшее распространение получил с V в. до н. э. По сравнению с дорическим он характеризуется женственностью, мягкостью, утонченностью пропорций. Колонна ставилась на профилированную базу, ее ствол значительно тоньше дорической, а расстояние между колоннами шире.

Идея ордерной архитектуры получила развитие в древнеримской культуре. Здесь возникли два новых ордера – тосканский и композитный. Зарождение и развитие тосканского ордера связывают с этрусской культурой. По форме и пропорциям он близок к дорическому, но в отличие от него имеет базу и гладкий неканнелюрированный фуст колонны. Композитный ордер можно рассматривать как модификацию коринфского. Его отличает лишь форма капители, которая сочетает коринфский аканф и декоративную скульптуру. Таким образом, римские ордера одновременно выражали суровость, мужество, великолепие, роскошь.

ОТТЕНОК – градация тона, нюанс. Разнообразие оттенков обогащает колорит (в живописи, цветной графике), светотеневую моделировку (в скульптуре, монохромной графике).

ОФОРТ (фр. — крепкая водка) — широко распространенный вид гравюры (углубленной) на металле, оттиск художественного произведения, выполненный на доске, покрытой специальным лаком. Изображение получается путем процарапывания лака специальными иглами, обычно в технике штрихового рисунка, и травления кислотой. Цветная гравюра выполняется с нескольких досок, на каждую из которых наносится одна определенная краска. Неравномерность в продолжительности травления кислотами деталей изображения дает различия в силе и сочности штриха. Техника офорта отличается сравнительной простотой и большой гибкостью.

ПАСТОРАЛЬ (дат. – пастушеский) – жанр и стилистическая тенденция, характерные для европейского искусства XVI-XVIII вв. В культуре Западной Европы наиболее яркое выражение получили в рококо и неоклассицизме. Сюжетами пасторали являются идиллические сцены из жизни пастухов и пастушек, их идеальной любви и безмятежного сельского быта. Для пасторалей характерна идеализация изображаемого. Пасторальные мотивы сначала наибольшее развитие получили в литературе, в XVII в. - в музыке, а с

XVIII в. — в изобразительном искусстве – росписях плафонов, стен, шпалерах, гобеленах.

Выдающимися мастерами пасторали в изобразительном искусстве были Ф.Буше, А.Ватто. Пасторальные мотивы в музыке воплотили А.Вивальди, И.Бах, Л.Бетховен (например, его знаменитая шестая, «Пасторальная», симфония). Изящные стилизации под мелодии пасторалей были созданы П.И.Чайковским («Пиковая дама», «Лебединое озеро», «Щелкунчик»).

ПЕЙЗАЖ (фр. – страна, местность) — жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения является природа; реально существующая или вымышленная местность; города и архитектурные постройки; морские виды и т. д. Часто

259

пейзаж служит фоном в живописных, графических, скульптурных произведениях других жанров. Развитие пейзажа есть путь от декоративно-вспомогательной роли в составе других картин к обособлению в самостоятельное образование, к «портретированию» природы. Элементы же пейзажа содержатся в рельефах и росписях искусства Древнего Востока, Древней Греции и Древнего Рима, для которых характерен образ природы как сферы идиллического существования людей и божеств. Первые пейзажи появились в Китае. К VII в. здесь уже сложилась ясная концепция пейзажа, а с ней – школа пейзажистов. Вечно обновляющаяся природа считалась наглядным воплощением мирового закона – дао. Созерцание природы в Китае есть неотъемлемая часть духовной жизни общества. Китайский пейзаж представляет собой длинную узкую полоску шелковой ткани или рисовой бумаги, свернутую трубку. Свитки вертикальной композиции - «тяо-фу» - служили обычно для украшения стен. Если композиция была решена по горизонтали - «шоу-цзю-ань», в несколько метров длиной, ее рассматривали часть за частью, расположившись на полу. Китайская средневековая живопись стала основой для развития пейзажа стран Юго-востока.

Временем рождения европейского пейзажа считается XVI в. Однако как самостоятельный жанр искусства он окончательно сложился здесь только в XVIII в., причем особый вклад в его формирование внесли художники Нидерландов, Впервые получил широкое признание реалистический пейзаж как изображение конкретной местности, широко распространился видовой городской пейзаж. В целом же для представителей всех европейских школ характерна романтическая трактовка образа природы. XIX в. — это время нового расцвета реалистического пейзажа, который стал художественным выражением национального взгляда на природу. Художники этого времени наполнили пейзаж социальной и идейной проблематикой, ввели новую тематику — развитие индустрии, утвердили ценности пленэрной живописи. Особенная роль в развитии пейзажа принадлежит импрессионистам, которые преодолели академические условности изображения, утвердили передачу пространственной глубины, изменчивость световоздушной среды. Сторонники символизма и модерна внесли в пейзаж идеи о таинственном родстве человека и «матери-земли», обыгрывая в своих композициях различного рода органические формы (ветви, корни, стебли и т. п.). Развитие пейзажа как жанра идет в общем русле движения эстетических ценностей и художественных вкусов времени. Внутри основного жанра можно выделить сельский и городской, архитектурный, индустриальный, морской (марина), речной, а также исторический, фантастический и космический пейзажи.

ПЕРИПТЕР (греч. – вокруг и перо) — тип древнегреческого храма прямоугольной формы, обнесенный по периметру здания одним рядом колонн. Периптер явился основным типом храма периодов архаики и классики. Число колонн по торцевым и продольным частям храма рассчитывалось пропорционально. Если с торцевых частей число колонн было х, то с продольных – 2х + 1. Одним из самых знаменитых храмов этого типа был афинский Парфенон.

ПЕТРОГЛИФЫ (греч. – камень и резьба) – изображения и знаки, выбитые или процарапанные на камне, на поверхности скал, на потолках и стенах пещер. Составляют значительную часть наскальных изображений, с которыми их нередко отождествляют.

ПЕЩЕРНОЕ ИСКУССТВО – комплекс древнейших художественных памятников, созданных в период, когда пещеры использовались человеком в качестве жилья или святилища. Главный изобразительный персонаж пещеры – животные. Их фигуры переданы со скрупулезной реалистичностью, следуют одна за другой, находят друг на друга, образуя скопления, или разрежаются вплоть до одного силуэта на всей поверхности стены. Фигуры все профильны, почти нет изображений в фас. Наряду с рисунками, ставшими эталоном первобытного реализма, можно встретить простейшие насечки, треугольники, сетки.