Вхутемас-вхутеин

25 декабря 1920 года были созданы Московские государст-венные высшие художественно-технические мастерские (сокращенно ВХУТЕМАС). Это должно было быть специальное высшее учебное заведение, имеющее целью подготовку "художников-мастеров высшей квалификации для промышленности". Образовался ВХУТЕМАС первоначально в результате слияния бывшего Строгановского училища и бывшего Училища живописи, ваяния и зодчества. В 1926 году ВХУТЕМАС был преобразован в институт (ВХУТЕИН), который просуществовал до 1930 года. В новом учебном заведении художественное творчество трактовали широкую сферу, включавшую и создание произведений искусства, и художественно ценных предметов быта и техники.

Руководители ВХУТЕМАСа - ВХУТЕИНа рассматривали подготовку художника-производственника как синтетическую задачу воспи-тания всесторонне и гармонично развитого работника нового общества.

На факультете по обработке дерева и металла пре­подавали А.Родченко, Эль Лисицкий, В.Татлин и другие представители Производственного искусства. Ведущими принципами их работы были: экономичность материалов и конструкций, рациональность использования простран­ства, многофункциональность и мобильность изделий. Ка­тегорически отвергалось всякое поверхностное украша­тельство. Большое внимание обращалось на гигиенич­ность вещей. Многие из их принципов стали впослед­ствии каноническими для дизайна.

На металлообрабатывающем факультете в течение 10 лет профессиональной подготовкой руководил А. Родченко. Разработанную им концепцию проектирования можно рассматривать как одну из ранних систем дизайн-образования.

Учебные задания развивались по двум направлени­ям: конструирование вещи – “конструкция” и лицевая обработка металла – “композиция”.

Курс “Композиция” помогал студентам овладеть тех­нологиями обработки поверхностей, прививал навыки художественно-декоративного решения изделия, “исходя из потребительской целесообразности”. Постановка конк­ретного задания подчиняла декоративный рисунок фун­кции вещи. Это мог быть товарный знак, световая рек­лама, рисунок для облицовочной плитки или нагрудный значок. При этом оформление поверхности изделия опи­ралось не на ручную, а на промышленную технологию: изучались способы штамповки, гравирования, гальвано­техники,  технология  окраски,  способы печати.

Учебные задания по конструированию строились с нарастанием сложности от проекта к проекту: от вещей, выполняющих только одну функцию, – к многофункци­ональным предметам; от простых конструкций – к более сложным; от изделий из металла – к сочетанию металла с деревом, керамикой, кожей и другими материалами.

Первыми учебными заданиями по конструированию были проектирование простейших обыденных вещей: ложка, дверная ручка, кастрюля, утюг, ножницы, подкова. По мнению А.Родченко, нужно научиться в простейшей обыденной вещи проявить творческий подход, найти оригинальное и вместе с тем рациональное решение конструкции и формы с тем, чтобы потом это решение можно было многократно воспроизвести в промышленности.

Большое внимание в обучении уделялось инженер-нотехническим дисциплинам, что объяснялось во многом первоочередной необходимостью развитию промышленности. Это проявилось в проектировании многофункциональных, мобильных предметов: складной киоск-витрина, кресло-кровать, трансформирующийся стол и другие. Художественная сторона творчества проявилась, прежде всего, как изобретательская деятельность, направленная на поиски оригинальной, функционально и технически оправданной конструкции.

Среди заданий, которые А.Родченко давал своим ученикам, были следующие: упростить существующую вещь, т.е. снять с нее украшения, выявить конструкцию, убрать неработающие части и т.д. Улучшить существующую вещь – сделать ее более удобной, может быть, функциональной, по-новому решить цвет и материал. Разработать новые формы вещей, исходя из наиболее промышленных, массовых способов изготовления, использования массовых материалов и т.д. Предложить новую вещь или комплекс вещей с новыми социальными функциями – например, оборудование избы-читальни, советского кооператива, общежития совхоза

С 1920 года выступал под артистическим именем «Эль Лисицкий». Преподавал в московском Вхутемасе (1921) и Вхутеине (с 1926); в 1920 вступил в Инхук.

В мастерской Лисицкого выполнен проект «Ленинская трибуна» (1920—1924). В 1923 г. выполнил эскизы к неосуществленной постановке оперы «Победа над Солнцем».

В 1921—1925 годах жил в Германии и Швейцарии; вступил в голландскую группу «Стиль».

Здание типографии журнала «Огонёк» построено по проекту Эля Лисицкого

Архитектурная деятельность Лисицкого заключалась, в частности, в решении проблем вертикального зонирования городской застройки (проекты «горизонтальных небоскрёбов» для Москвы, 1923—1925).

В 1930—1932 годах по проекту Эля Лисицкого была была построена типография журнала «Огонёк» 55.777277, 37.610828 ^(G) (O) (дом № 17 по 1-му Самотечному переулку).^[25] Типография Лисицкого отличается удивительным сочетанием огромных квадратных и маленьких круглых окон. Здание в плане похоже на эскиз «горизонтального небоскрёба» Лисицкого.

Лисицкий выполнил в духе супрематизма несколько агитационных плакатов, например, «Клином красным бей белых!»; разрабатывал трансформируемую и встроенную мебель в 1928—1929 годах. Он создал новые принципы выставочной экспозиции, воспринимая её как целостный организм. Отличным примером тому служит Всесоюзная полиграфическая выставка в Москве (1927 год).

Он увлекался фотографией, в частности, фотомонтажом. Одно из лучших изображений этой области — плакат для «Русской выставки» в Цюрихе (1929), где над обобщёнными архитектурными конструкциями поднимается циклопическое изображение двух голов, слитое в единое целое.

43) Фотография в дизайне Фотографии уже пошел третий век, но она всё ещё считается современным способом графического представления реальности. Ее влияние на различные области человеческой жизни остается огромным: в документальном описании истории, в мире рекламы, моды и искусства. Для большинства же людей она стала способом остановить время, запечатлеть значимые моменты жизни, рождение, свадьбу, вечеринки, отпуск и прочее. Для дизайнера же главный вопрос в том, почему фотография оказывает на наши суждения такое большое влияние? Сообщение будет гораздо эффективнее, если изображение выбрано удачно и соответствует заголовку. Дизайн будет более удачным и сильным, если вы научитесь выбирать эффектное изображение, с хорошей композицией, хорошим цветом; изображение, которое хорошо сочетается с оформлением, цветами и другими иллюстрациями. Вот несколько причин, почему дизайнеру необходимо уметь сделать простую фотографию: это помогает определить примерные пропорции, понять композицию, а так же служит неплохим дополнением к рисованию. Роль многих проффесиональных дизайнеров (и ваша тоже) в основном не в создании, а в отборе фотографий, которые нужны для решения дизайнерских задач. Тем не менее для дизайнера важно уметь пользоваться камерой, знать основы фотографии, чтобы создавать изображение с использованием снимков. Из чего складывается хорошая фотография? Есть множество причин, по которым изображение привлекает внимание. Посмотрим, есть ли какие-то общие причины. Неплохо если изображение резкое, нормально экспонировано, расположено на странице так, что его видно во всей красе, и интересно по содержанию. Изображение хорошее тогда, когда сообщает вам какую-то информацию, заставляет задуматься, озадачивает, заставляет переоценить знакомые вещи. Линии помогают провести зрителя через картинку от первого плана к среднему и заднему. Диагонали которые можно создать наклонив камеру, могут превратить обычный объект в нечто потрясающее. Диагонали обычно используются как символ движения и действия. Фотография: kleimenov2 Фотография: _NA Снимки необычного формата - хороший способ привлечь внимание. Если ваш фотоаппарат дает прямоугольные снимки, не стоит отказываться от панорамных или квадратных изображений. Фотография: Iga Мы все делаем снимки, которые касаются повседневной жизни. Но фотография в дизайне отличается тем, что несет в себе нечто большее. Это можно проиллюстрировать простым примером. Мультиэкспозиция используется как эффект движения. Фотография: kleimenov2 Композиция это жизненно важный вопрос. Ведь плохая композиция может разрушить снимок. В кадре слишком мало объектов - снимок выйдет пустым, слишком много - перегруженным. Не обязательно, чтобы на нем было видно всё и сразу: оставьте зрителю пространство для фантазии. Старайтесь исключить всё лишнее из кадра: фактически это и есть композиция. Симметричная композиция обычно вызывает чувство спокойствия, гармонии и безмятежности. Фотография: leriy Ассиметричные композиции - по природе своей раздражают и кажутся загадочными. Фотография: irji Фотография: signer Абстракция. Вы быстро забываете, что смотрите на купол. Вместо этого вы всецело отдаетесь созерцанию радиальных линий на фоне уходящих вдаль рядов прямоугольников. Фотография:saga Фотография: kleimenov2 Яркий свет и тени оказывают сильное эмоциональное воздействие и вызывают ощущение надвигающейся опасности. Фотография: .L. Фотография: Zima Диагонали добавляют драматизм в любую фотографию, так как создают внутри стандартного прямоугольного формата напряжение. Фотография: saga Кадрировать - значит выбрать какую либо часть снимка (например, случайно попавшую в кадр голову прохожего). Но это также мощный инструмент, который позволяет не только избавится от ненужной информации, но и усилить снимок. Кадрирование. Некоторые вертикальные снимки смотрятся лучше, если их подрезать до горизонтального формата. Кадрирование: _NA Драматический эффект можно создать отрезав часть изображения и взяв более крупный план. Тот же снимок изменили таким образом, что зритель чувствует себя рядом с моделью. Кадрирование: Alexsas С чего начать? Какой фотоаппарат? Какая пленка? Для того чтобы делать хорошие снимки, вам нужна камера. Не обязательно тратить на неё целое состояние, но вам нужно надежное оборудование. 35-миллимитровая однолинзовая зеркалка позволит вам снимать именно то, что вы видите в видоискателе. Пойдет и цифровая камера. Важно выбрать для работы подходящую пленку. Её оценивают исходя из чувствительности (от низкой к высокой), которая измеряется в единицах ISO. Высокая чувствительность (800 ед.) позволит вам снимать на коротких выдержках при хорошем освещении и на средних - при плохом. Низкая чувствительность (50 ед.) означает, что хорошие снимки вы получите только при ярком освещении (много солнца или белого снега). Эффект темной комнаты. Проявив катушку пленки, вы можете оценить, насколько правильной была экспозиция. В двух словах процесс печати можно описать так: свет падает на светочувствительную бумагу через негатив. Чем дольше падает свет, тем темнее изображение. К примеру, темный пиджак на негативе будет светлым. Это позволит пройти через него большему объему света, и соответственно создать более темное изображение. После воздействия света изображение на бумаге проявляется и закрепляется с помощью химических веществ.

44

ОРГАНИ́ЧЕСКАЯ АРХИТЕКТУ́РА" (от позднелат. organizmo — "устраиваю, придаю стройный, естественный, природный вид"; см. архитектура) — течение в американской, а затем и в западноевропейской архитектуре начала и середины XX в., мастера которого стремились противопоставить свое творчество обезличенному "интернациональному стилю" Л. Мис Ван дер Роэ (см. функционализм). Основной принцип "органической архитектуры" — биоморфизм, уподобление художественных форм природным, естественным объектам. Теоретическая основа — бионика. Художественные предпосылки "органической архитектуры" складывались постепенно, в искусстве Модерна рубежа XIX—XX вв., в его флореальном течении (франц. floreal — "растительный, цветущий"). Мастера Модерна А. Ван де Велде, Х. Обрист, В. Орта, Э.-Ж. Гимар впервые стали применять в архитектуре и изделиях прикладного искусства "органогенные" формы (от франц. organique — "естественный, природный" и греч. genos — "происхождение"; см. т. 5, рис. 460—468). Флореальные мотивы использовал в своих мистических архитектурных композициях А. Гауди (см. "каталонский модернизм"). Идеи новой "органической архитектуры" развивал в США архитектор Луис Салливан (см. чикагская школа). Учеником Салливана был выдающийся американский архитектор Франк Ллойд Райт (1867—1959). Одним из первых Райт попытался отойти от функционализма "интернационального стиля" и проектировать здания, уникальность, неповторимость которых диктуется особенностями окружающего пейзажа (см. также новый экспрессионизм; сравн. конструктивизм). В связи с возникновением течения "органической архитектуры" немецкий теоретик З. Гидион писал: "На протяжении всей истории архитектуры существуют две разные тенденции: одна, развивающаяся в сторону рационального, другая в сторону эмоционального и органического восприятия окружающей среды. Таковы два различных пути к решению пространства. Эти разные подходы к проблеме встречаются во всех культурах. С начала цивилизации имелись города, которые планировались по правильно разработанной схеме, и другие, которые разрастались органически, как деревья. Даже в современной живописи и архитектуре существует разница между органическим и геометрическим восприятием. Ни одно из них не может считаться лучше другого. Художник имеет право выбора"¹ (см. геометрический стиль; "гипподамова система"; рационализм; "регулярный стиль"; супрематизм). "С самого начала, — писал далее Гидион, — восприятие Райта было органическим. На протяжении всего творческого пути Райт пытался выразить свое мировоззрение в „органической архитектуре“, как он ее называл". В книге "Исчезающий город" (1932) и в утопическом проекте нового города (1935) Ф. Л. Райт выдвинул идею дезурбанизма (франц. desurbanisme от des — "от, против" и лат. urbanus — "городской") — рассредоточение города в сельской местности (сравн. урбанизм; футурологическое проектирование). В отношении композиции отдельного здания на примере проектирования частных вилл архитектор Райт стремился выразить различия между эстетикой открытой конструкции и художественным образом сооружения, смысл которого раскрывается в тропах — метафорах, уподоблениях искусственных форм природным (см. также ордер). Райт использовал окружающий пейзаж не только в качестве фона, вида за окном, но и вводил его внутрь архитектуры, как, например, фрагмент естественной скалы в знаменитой "вилле над водопадом" («Fallingwater"; рис. 482, 483). В центре дома он помещал камин — традиция первых американских поселенцев, но каждый раз особенный по конструкции и связи с интерьером. План дома — свободный, чаще на нескольких уровнях по высоте, причем он не проявлялся на внешнем облике здания и был как бы секретом хозяина. Даже в ранних проектах высотных зданий (см. небоскребы) Ф. Л. Райт сосредоточивал всю тяжесть сооружения на массивных центральных опорах, а затем "завешивал" несущую конструкцию паутиной из бронзы и стекла. Это противоречило формуле чикагской школы архитектуры: форма определяется функцией, но, по мнению архитектора, уподобляло несущую конструкцию здания стволу дерева, а его оболочку — лиственному покрову. Функцию Райт понимал не в утилитарном смысле, называя ее "функцией человеческого духа". В зданиях, созданных по проектам Р. Нейтра, Ф. Джонсона, Ч. Имса, испытавших воздействие идей Райта, стенами иногда в буквальном смысле становятся лес, небо и вода, поскольку еле заметная несущая конструкция ограничена прозрачным стеклом. В этом усматривают также влияние традиционной архитектуры Японии. В "органической архитектуре" выразительно сочетаются качества естественных, природных материалов: грубо обработанного камня, дерева, кирпича, красной меди. Райт, связывая постройку с окружающим ландшафтом, никогда не строил дом на вершине холма, только на склоне, по его словам, "огибая вершину, как бровь огибает глаз" (сравн. Китая искусство). Архитектор говорил: "Если мы ставим дом на вершине горы, то зрительно уничтожаем и дом и вершину, а если на склоне — имеем и то и другое". На первом этапе развития "органической архитектуры" здание часто понимали, используя определение Й. В. Гёте, как "простое подражание природе" (см. стиль). В отдельных случаях искусственные сооружения напоминают раковину улитки или пчелиный улей. Такова одна из наиболее известных работ Райта — здание Музея Соломона Гуггенхайма в Нью-Йорке (рис. 484). Со временем принципы формообразования "органической архитектуры" стали приобретать стилеобразующий характер, определяя особенную непрерывность, текучесть архитектурного пространства. Райт писал: "Во имя выразительного течения непрерывной поверхности нужно совсем отказаться от балок и колонн, нагроможденных в качестве „сочленений“. Никаких карнизов. Никаких „деталей“, выполняющих роль соединений. Ничего. Не иметь абсолютно никаких придатков типа пилястр, антаблементов и карнизов. И не вводить в здание никаких соединений как „соединений“. Ликвидировать разделение и разделительные швы"². Концепция непрерывности и пластичности придавала новой архитектуре не только "органичность" и живописность, но и символичность, включая это течение в русло романтического искусства (рис. 485). Символическое начало "органической архитектуры" развивал Р. Штайнер (см. Гётеанум; см. также неопластицизм). Приемы "органической архитектуры" использовал финский архитектор Алвар Аалто (1898—1976). В 1945 г. в Италии была создана Ассоциация органической архитектуры. К мастерам "органической архитектуры" близки экспрессионисты Э. Мендельсон, Э. Сааринен, Х. Шарун, Ф. Шеллкопф. Произведения мастеров поколения 1970-х гг. граничат с сюрреализмом

45

Фрэнк Оуэн Гэри (англ. Frank Owen Gehry, настоящее имя Эфраим Оуэн Гольдберг, англ. Ephraim Owen Goldberg; род. 28 февраля 1929, Торонто) — один из крупнейших архитекторов современности, стоявший у истоков архитектурного деконструктивизма. Лауреат Притцкеровской премии 1989 года. Гэри принадлежат самые известные образцы архитектуры деконструктивизма — музей Фредерика Вейсмана в Миннеаполисе (1993), обшитый титановыми листами музей Гуггенхейма в Бильбао (1997), концертный зал им. Уолта Диснея в Лос-Анджелесе (2003), а также «танцующий дом» в Праге (1995). Гораздо менее тёплый приём ожидал спроектированный Гэри по заказу Пола Аллена музей музыки в Сиэтле (2000).

Однако на самом деле многие его проекты являются скорее иллюстрацией того, что он называет деконструктивизмом (то есть, формальные опыты по «разложению», деструкции и деформации внешней и внутренней оболочек, вроде того, что делает американский SITE). Гэри создает необыкновенные с эстетической точки зрения объекты, деконструирует иллюзорную целостность архитектуры, но он не пытается глобально переосмыслить саму историю европейской архитектуры, деконструировать её базовые принципы. Работы Фрэнка Гэри становятся полностью произвольными и геометрически скульптурными и относятся только к прихотям его композиций, — и в этом, по мнению коллег, состоит определенная опасность. Его деконструктивизм — по сути это деструктивизм: распадающиеся объёмы, грубые, крошащиеся поверхности, использование буквально сломанных традиционных архитектурных элементов.

По его собственному признанию, в творчестве Гэри, в его художественном понимании архитектуры, присутствует лейтмотив очертания и подвижности рыбы (по его словам, намек на традиционное еврейское блюдо матери, «гэфилтэ фиш»). Этот лейтмотив можно проследить во всех поздних постройках Гэри: музее Гуггенхайма в Бильбао (1991-97), музей Уокера, (Миннеаполис), 35-метровая «плывущая рыба» в Олимпийской деревне Барселоны (1992) и т. д. Среди его последних работ — проекты нового музея Гуггенхайма в Нью-Йорке (2000), онкологического центра в Данди (Великобритания, 2003), Музея толерантности в Иерусалиме (2002). Гэри неоднократно посещал столицу Израиля, Иерусалим, участвовал в культурной жизни страны.

Важнейшие постройки Художественный музей Вейсмана, Застройка прибрежной части Дюссельдорфа, Корпус Массачусетского технологического университета, Музей музыки в Сиэтле

Заха Хадид (англ. Zaha Hadid ; 31 октября 1950, Багдад, Ирак) — британский архитектор арабского происхождения, ученица Рэма Кулхаса, представительница деконструктивизма. В 2004 году стала первой в истории женщиной-архитектором, награждённой Притцкеровской премией.

аха Хадид родилась в 1950 году в Багдаде (Ирак). С 1972 по 1977 год училась в Архитектурной ассоциации в Лондоне. Начав карьеру в бюро ОМА своего учителя, видного голландского архитектора и теоретика деконструктивизма Рема Колхаса, в 1980 Заха Хадид основывает собственную архитектурную фирму Zaha Hadid Architects.

Она предлагает варианты постройки обитаемого моста над Темзой (1966), перевёрнутого небоскрёба для английского города Лестера (1994) и клуба на вершине горы в Гонконге (1983). Проектирует здания оперы в Кардиффе (1994), Центров современного искусства в Огайо (1988) и Риме (1999)… Эти и другие проекты приносят ей победу в престижных архитектурных конкурсах (первый был выигран в 1983 в Гонконге), интерес, а затем и популярность среди профессионалов, но остаются на бумаге. Во многом — из-за неготовности заказчиков принять её нестандартный и оригинальный дизайн.

Постепенно к Захе Хадид приходит признание. Одной из первых осуществлённых разработок становится пожарная часть мебельной компании Vitra, напоминающая бомбардировщик «Стелс» (1993).

По словам самой Хадид, всплеск интереса к её творчеству начался после того, как (в 1997 году) был построено здание музея Гуггенхейма в Бильбао по проекту Фрэнка Гери. А после участия в строительстве Центра современного искусства Розенталя в Цинциннати США, открывшегося в 1993 году, идеи Захи Хадид становятся по-настоящему востребованными.

Архитектор всегда пыталась разрушить общепринятые каноны и «растянуть» рамки привычного пространства, придав ему мощный динамический импульс. С этой же целью — усиления внутреннего движения и деформации — Заха Хадид, полностью отметая общепринятую геометрию, использует искаженную перспективу, выявляющую острые углы и кривые линии.

Кроме работы с крупными формами, Заха Хадид создаёт инсталляции, театральные декорации, выставочные и сценические пространства, интерьеры, обувь, картины и рисунки. Её работы есть во многих музейных коллекциях — таких, как MoMA, Немецком музее архитектуры во Франкфурте-на-Майне (DAM) и других. Также она читает лекции и устраивает мастер-классы по всему миру, каждый раз собирая полные аудитории.

Заха — автор нескольких коллекций мебели. Её наиболее известные работы в области мебельного дизайна — светильник Chandelier Vortexx, и кресло Cristal, выполненные для Sawaya & Moroni.

В 2005 году её избрали дизайнером года в рамках первой выставки дизайна Design Miami.

47

Компьютерный дизайн . Современные компьютерные технологии не только сокращают время работы над проектом, но и значительно расширяют палитру графических и технических возможностей дизайнера. Специальные пакеты художественно-графических и инженерно-конструкторских программ, включая трехмерную графику и мультипликацию, сегодня заменяют целую группу смежных специалистов. Они не только проводят точные расчеты, определяя оптимальную форму изделия, подсказывая выбор тех или иных конструкций и материалов, но и позволяют в трехмерном изображении и в реальном времени моделировать будущий объект в самых различных ситуациях, не только создавать виртуальные образы формы проектируемого объекта и проверять ее функционирование, в том числе и в экстремальных условиях.

Компьютерный дизайн стремительно развивается – из прикладного и обслуживающего он все больше превращается в самостоятельный вил дизайнерской деятельности. Одной из форм его проявления стал компьютерный телевизионный дизайн с различными заставками передач, рекламными роликам и музыкальными видеоклипами.

В последние годы получили развитие компьютерные фильмы, начиная от стилизованных форм детских мультфильмов и кончая реалистическими компьютерными изображениями людей, животных, городских и природных ландшафтов. Получает все большее распространение Web-дизайн

Веб-дизайн (от англ. Web design) — отрасль веб-разработки и разновидность дизайна, в задачи которой входит проектирование пользовательских веб-интерфейсов для сайтов или веб-приложений. Веб-дизайнеры проектируют логическую структуру веб-страниц, продумывают наиболее удобные решения подачи информации, а также занимаются художественным оформлением веб-проекта. В результате пересечения двух отраслей человеческой деятельности грамотный веб-дизайнер должен быть знаком с последними веб-технологиями и обладать соответствующими художественными качествами.

Веб-дизайн — вид графического дизайна, направленный на разработку и оформление объектов информационной среды интернета, призванный обеспечить им высокие потребительские свойства и эстетические качества. Веб - дизайн представляет собой художественное оформление сайтов, а также создание уникального и оригинального дизайна интернет - страниц. Веб - дизайн играет очень важную роль в создании сайта, так как пользователь, впервые открывающий незнакомый ему сайт, обращает внимание не на текст, который находится там, а на элементы оформления сайта. Статистика показывает, что сайты, пусть даже с полезной и интересной информацией для пользователя, но с плохо продуманным веб - дизайном не будут пользоваться большим спросом.

Созданием дизайна занимается веб – студия. На сегодняшний день существует большое количество веб - студий, но если вы хотите получить по-настоящему оригинальный и уникальный сайт в плане дизайна и оформления, к Вашим услугам Веб-дизайн студия Diogenes.

Изначально веб-дизайн интернет-страниц не представлял собой ничего интересного. Так как сайты создавались в основном для узкого круга пользователей: ученые, академики, профессора. Но с появлением графической графики веб-мастера стали добавлять на страницы сайтов разнообразные графические элементы. Веб-дизайн того времени базировался в основном на использовании таблиц с HTML-кодом. Дизайн сайтов нельзя было назвать особо привлекательным, в какой-то степени он даже мешал пользователям в поисках той или иной информации. Но с появлением HCI, что в переводе означает взаимодействие человека с компьютером, были разработаны своего рода правила или рекомендации к созданию веб-дизайна. Гораздо позже аббревиатура HCI перевоплотилась в юзабилити. Одним из основоположников юзабилити можно назвать Якоба Нильсена, который даже выпустил книгу-руководство использования юзабилити в создании сайтов.

Экологический дизайн

Экодизайн — направление в дизайне, уделяющее ключевое внимание защите окружающей среды на всём протяжении жизненного цикла изделия. В расчёт берутся, в комплексе, все стороны создания, использования и утилизации изделия. Экодизайн, наравне c очевидными и обыкновенными требованиями красоты, удобства и цены, уделяет особое внимание:

• Потреблению ресурсов при проектировании, изготовлении, использовании и утилизации.

• Происхождению материалов. В расчет берётся множество аспектов, начиная с защиты окружающей среды производителем (поставщиком) и заканчивая соблюдением прав работников на предприятиях, корректным отношением к фермерам и т.п. Существует сертификация разного рода, подобная той, какую осуществляет Лесной попечительский совет.

• Безопасности в использовании изделия, отсутствии вреда здоровью, сведению к минимуму шумов, выбросов, излучения, вибрации и т. п.

• Простоте и безопасности утилизации, возможности повторного использования материалов с минимальным экологическим ущербом.

46

Постмодернизм от фр. postmodernisme, после модернизм - термин, обозначающий структурно сходные явления в мировой общественной жизни и культуре второй половины XX века. Постмодернизмом называют совокупное название художественных тенденций, обозначившихся в 1960-е годы и характеризующихся пересмотром позиции модернизма и авангарда.

Во второй половине двадцатого века дух модернизма и интернационального стиля себя исчерпал. Городская среда стала дискомфортной в связи с дешевой застройкой домами, выдержанными в духе рационального функционализма, создающими ощущение уныния, монотонности и однообразия.

Архитекторы постмодерна попытались вернуть потерянную образность и внести в архитектуру выдумку, фантазию, театральное игровое начало, сложные образные ассоциации.

Понятие постмодернизм отражает живой процесс развития искусства, и еще не считается устоявшимся. С одной стороны - это дальнейшее развитие модернизма, а с другой - критичность и даже его исключаемость в своих проявлениях. Отличительными чертами стиля постмодернизм стали использование готовых форм, маргинальность, ирония, синтетичность и сплав старого в новом контексте.

Постмодернистскими течениями традиционно признаются поп-арт, оп-арт, кинетическое искусство, концептуальное искусство, минимализм, хэппенинг.

В 1980-е годы постмодернизм сформировался как особое идейное, теоретическое течение. Он быстро проник во все сферы социально-гуманитарного знания, в том числе и в социологию, начал оказывать влияние на различные сферы общественной жизни - политику, культуру, международные отношения.

Широкую известность приобрели ведущие теоретики постмодернизма - Деррида, Лиотар, Фуко, Бодрийар и др. Возникнув как явление духовной жизни Запада, постмодернизм на рубеже 80-90-х преодолел границы западного общества и стал распространяться не только вглубь, но и вширь, порождая различные формы.

Российский постмодернизм, сложившийся в условиях «неофициального искусства», порождает направления, параллельные западным, самобытным его стилистическим ответвлением явился соц-арт, ставший воистину массовым в период перестройки.

Главная особенность постмодернизма в интерьере - это отказ от стереотипов и обыденности, гармоничное сочетание всех элементов интерьера. При отсутствии какой-либо видимой логики, стиль постмодерн достаточно реалистичен.

В Америке в конце 50-х в в искусстве возникло новое течение "Поп-арт". Оно не было художественным движением в смысле существования группы единомышленников или четкой концепции. Было творчество индивидуалов, которые слышали друг о друге, проводили перформансы и хэппенинги в своих студиях. Название "поп-арт" впервые применил английский критик Л.Оллоуэй для обозначения этого направления художественного авангарда. Мир поп-арта это мир знаков и символов, вошедших в массовую культуру и отложившиеся в сознании как общий визуальный опыт. Средством преобразования знаков и образов поп-культуры стало соединение их в контексты, рождающие новые связи и разрушающие принятые. Самыми известными представителями поп-арта были Энди Уорхол, Роберт Рашенберг, Джаспер Джонс, Джеймс Розенквист. Художники поп-арта вдохновлялись обыденными предметами, которых производилось миллионы. Мир средств массовой информации, реклама, комиксы все это для них представляло несомненный интерес. В работах использовались консервные банки, страницы журналов, электроника, фотографии, билеты и т.д. Предметы многократно копировались, вмонтировались в коллажи, ассамбляжи. Поп-дизайн был неотделимо связан с американской мечтой абсолютно потребительского мировоззрения, которая в начале 60-х овладела всем западным миром. Идея производства долговечных, добротных товаров сменилась лозунгом "сегодня использовал - завтра выбросил". Это был прорыв в философии промышленного производства и дизайна. Детский стул из гофрокартона Петера Мурдока, цветное пневматическоен кресло из поливинилхлорида Ди Паса, Д Урбино, П. Ломази стали символами распространяющейся "культуры недолговечности". Поп-дизайн с его яркими цветами, смелыми формами, дешевыми товарами стал стилем для молодых. Наиболее популярными материалами для поп-дизайнеров стали различные виды пластиков, процессы изготовления которых в 60-е годы были уже хорошо освоены. Пластик привлекал низкой ценой и разнообразием цветов. Энзо Мари одним из первых начал экспериментировать с пластиком. Поп-арт развивал свои принципы формообразования, противоположные функционализму, но при этом не противоречащие ему. "Поп" означало соответствовать времени и быть модным. Ален Джонс создал в натуральную величину полуобнаженных красавиц, которые одновременно были предметами мебели. Тем самым он поставил вопрос о границе между искусством и функциональным дизайном. Поп-дизайн вместе с другими течениями анти-дизайнерской направленности противостоял "современному движению" (функцианализму, модернизму), заявлявшему "меньше-значит лучше" и привел к радикальному дизайну 70-х. Средства массовой информации способствовали популяризации поп-дизайна. Многие считают, что до сих пор трудно дать точное определение сущности поп-арта и очертить его границы, но никто не сомневается, что поп-арт стал символом признания и одобрения новой "популярной культуры".

ай-тек (англ. hi-tech, от high technology — высокие технологии) — стиль в архитектуре и дизайне, зародившийся в недрах позднего модернизма в 1970-х и нашедший широкое применение в 1980-х. Главные теоретики и практики хай-тека (по большей части практики, в отличие от архитекторов деконструктивизма и постмодернизма) в основном англичане — Норман Фостер, Ричард Роджерс, Николас Гримшоу, на каком-то этапе своего творчества Джеймс Стирлинг и итальянец Ренцо Пиано.

Одним из первых важных осуществлённых сооружений хай-тека принято считать Центр Помпиду в Париже (1977), построенный Ричардом Роджерсом и Ренцо Пиано. Поначалу проект был встречен в штыки, но к 1990-м годам споры утихли, и Центр стал одной из признанных достопримечательностей Парижа (как некогда Эйфелева башня).

Для становления концепций хай-тека очень важна деятельность группы «Аркигрэм», перенёсшей идеи поп-арта и научной фантастики 1960-х гг. в архитектуру. Также важны с технологической стороны работы Б. Фуллера (геодезические купола; с конца 1960-х по 1983 год он сотрудничал с Н. Фостером), О. Фрея, разрабатывавших кинетические структуры.

Хай-тек, согласно классификации Ч. Дженкса, относится к позднему модернизму, то есть его характеризуют прагматизм, представление об архитекторе как элитном профессионале, обеспечение архитектурой обслуживания, сложная простота, скульптурная форма, гипербола, технологичность, структура и конструкция как орнамент, анти-историчность, монументальность^[1]. Практически все архитектурные критики вслед за Дженксом архитекторов хай-тек называют новым поколением модернистов, так как, несмотря на иронию 1970-х, они не порывают с традициями европейской архитектуры, они не спорят с Витрувием: их произведения очень функциональны, удобны, и в них есть своя красота. Но если хай-тек — пик модернизма, даже шире — пик идеи «современности» в архитектуре, в таком случае хай-тек можно считать поэтичным завершением целой эпохи.

Основные черты:

• Использование высоких технологий в проектировании, строительстве и инженерии зданий и сооружений.

• Использование прямых линий и форм.

• Широкое применение стекла, пластика, металла.

• Использование функциональных элементов: лифты, лестницы, системы вентиляции и другие, вынесенных наружу здания.

• Децентрированное освещение, создающее эффект просторного, хорошо освещённого помещения.

• Широкое использование серебристо-металлического цвета.

• Высокий прагматизм в планировании пространства.

• Частое обращение к элементам конструктивизма и кубизма (в противоположность био-теку).

• В виде исключения жертвование функционалом в угоду дизайну.

АРТ ДИЗАЙН

Арт-дизайн — одна из изящных линий развития современного дизайна. Основным качеством, которым будут обладать дизайнерские решения этого направления – это сильная художественная составляющая, основанная на принципах чистого (высокого) искусства.

 Термин арт-дизайн возник в 80-е годы 20 века в Италии, с появлением там двух дизайнерских групп - «Алхимия» (А.Мендини, А.Гуэррьеро) и «Мемфис» (Э.Соттсасс), которые бросили вызов ортодоксальному миру функционального дизайна. Сегодня, про них бы сказали, что они запатентовали отличную креативную идею. Художественные находки, в разработках этих дизайнеров, а изначально они занимались дизайном мебели и интерьеров, стали преобладать над поднадоевшей прагматикой общеупотребимых дизайн-продуктов.  Отличительными чертами нового направления стали:  неожиданные комбинации цвета и света;  использование разностилья;   смешение стилей в одном объекте;  применение экзотических стилей, ранее в дизайне не применявшихся;  использование нестандартных образов;  использование нестандартных материалов;  высокое качество композиции;  художественная деталировка формы, качества поверхности, общего колорита;  преобладание принципа hand made (сделано вручную) при создании объекта дизайна; 

Арт-дизайн неразрывно связан с концептуальным искусством. Художники-концептуалисты (Арнатт, Лонг, Диббетс и др.) ставили во главу угла идеи, которые заложены в произведении искусства. Своими произведениями они выражали протест против коммерциализации искусства.  Сегодня, арт-дизайн распространен во многих сферах, связанных с дизайном предметов и окружающей среды: от интерьеров ночных баров и квартир, до арт-дизайна собственного тела (body-art),включающего дизайн кожи, ногтей, причесок. Арт-дизайн широко применяется при создании разных видов полиграфии. Не удивительно, если арт-дизайнеры будут консультировать при художественном конструировании даже кулинарных блюд