из электронной библиотеки / 337565074907616.pdf

предыдущих эпох, преломляя в своем творчестве элементы различных стилей и течений. Происходит распад стилевого единства, как целостной художественной системы, охватывающей все виды искусства.

Романтическое искусство Франции 20-30-х годов Передовое романтическое движение 1810-1830-х годов как развитие

прогрессивных демократических идей французской буржуазной революции.

Теодор Жерико (1791-1824) - основоположник революционного романтизма во французской живописи. Острота жизненных наблюдений, эмоциональная насыщенность колорита, бурная динамика ранних полотен Жерико («Офицер императорских конных егерей во время атаки», «Раненый керасир»). «Плот Медузы» - выдающееся произведение французской живописи первой половины XIX века. Индивидуализация и обобщение в изображении персонажей. Социальное звучание картины, призыв к стойкости и борьбе.

Пафос борьбы за свободу, сочувствие к угнетенным в творчестве Эжена Делакруа (1798-1863). «Резня на Хиосе» - эмоциональный отклик на борьбу греческого народа против турецких завоевателей. Смелость композиции. Обращение художника к большим общественно значительным темам современности. «Свобода на баррикадах» - вершина творчества Делакруа и выдающееся явление художественной жизни Франции. Прославление всенародного революционного порыва, борьбы за свободу.

Реализм в искусстве середины XIX века.

Обретение нового качества реализмом этого периода как определенной художественной системы, нашедшей теоретическое обоснование в манифестах; превращение его в эстетически осознанный метод.

Первоначальное оформление реализма во французском пейзаже барбизонской школы (Т.Руссо, Дюпре, Добиньи).

Нарастание демократического и пролетарского движения по Франции середины XIX века. Революция 1830 и 1848 года и рост новых тенденций во всех областях культурной жизни.

Оноре Домье (1808-1870) - непримиримый боец с буржуазными порядками. Развитие в творчестве Домье сатирической графики и карикатуры. Создание образа положительного героя - рабочего, сознательного борца за свои интересы. Разоблачение лицемерия и фальшивой морали буржуазного общества. («Законодательное вето», «Улица Транснонен»). Сочетание героитизации и лиризма в изображении повседневной жизни народа («Прачка»). Глубокий гуманизм, сердечная доброта и жалость к людям. Философская обобщенность образов. Домье и Бальзак.

Густав Курбе (1819-1877) - борец за реалистическое демократическое искусство. Социальный смысл картин «Дробильщики камней», Похороны в Орнане». Активное участие Курбе в Парижской коммуне. Значение творчества Курбе и его влияние на творчество следующего поколения французских художников.

Развитие реализма в творчестве Жана Франсуа Милле (1814-1875). Тема тяжкой доли крестьянина-труженика в картинах «Собиратели хвороста», «Человек с мотыгой».

Французские импрессионисты Появление импрессионизма в 70-е годы как выражение несогласия с

официальным искусством. Сложность и многообразие понятия «импрессионисты». Общее, объединяющее импрессионистов при всем своеобразии их творческих манер, - полный отказ от локального цвета, замена его аналитическим, стремление к передаче световой среды, воздуха, окутывающего предметы, передаче непосредственного впечатления от окружающей среды.

Эдуард Мане (1832-1883). Изображение в его творчестве парижских улиц, баров, городской толпы, парижской богемы. Наиболее типичная для импрессионизма картина - «Бар «Фоли-Бежер». Картины «Завтрак на траве», «Олимпия». Резкое неприятие его

171

работ обществом в начале творческого пути. Объединяющая роль Мане среди художников нового направления.

Клод Моне (1840-1926) - глава импрессионистской школы. Растворение предметов в световоздушной среде, лишение их материальности - характерные черты творчества Моне. «Стога», «Руанский собор», «Бульвар Капуцинов в Париже», «Туман в Лондоне».

Мастер городского пейзажа Камиль Писсаро (1830-1903). Тонкая лиричность его пейзажей. «Бульвар Монмартр» и др.

Огюст Ренуар (1841-1919)- художник огромного живописного таланта. Проявление высочайшего живописного мастерства в женских портретах, в изображении обнаженной натуры («НЮ»), бытовых сценах. Гармония чистых, мажорных, красочных сочетаний тонов в его образах. Картины: «Девушка с веером», портреты актрисы Жанны Самари», «Бал в Буживале», «Обнаженная» и др.

Эдгар Дега (1834-1917). Изображение будней театра (балета), ипподрома, сцен труда простых людей. Стремление выразитель характерное, главное, а не мимолетное, - основное отличие его творческой манеры от более последовательных импрессионистов. Картины «Голубые танцовщицы», «Прачки», «Абсент», «Проездка скаковых лошадей» и др.

Доведение импрессионистического метода до своего логического конца в творчестве Жоржа Сера (1859-1891) и Поля Синьяка (1863-1935). Попытки теоретического обоснования и практического применения ими пуантилизма (от французского - точка).

Близость импрессионизму в пластике, характерная для творчества скульптора Огюста Родена (1840-1917). Стремление воплотить в статистическом искусстве трепетность жизни, предать мгновение в позе и выражении лица. Работы «Бронзовый век», «Мыслитель», «Ева», «Адам», «Блудный сын» и др.

Постимпрессионисты.

Условность названия группы художников, каждый из которых, основывался на достижениях импрессионистов, полемизируя с ними, искал свой путь в искусстве. Отсутствие единой программы и метода.

Поль Сезанн (1839-1906). Отказ от дематериализации формы в картинах, от этюдности, стремление к передаче с помощью цвета устойчивости природных форм, их геометрической структуры. Картины «Натюрморт с корзиной фруктов», «Игроки в карты», «Курильщик», «Берега Марны».

Винсент Ван Гог (1853-1890), его глубоко искреннее напряженно-эмоциональное искусство. Передача экспрессии через цвет, напряженность линий (зигзагообразные и параллельные мазки кисти). Глубокое сострадание к человеку и безысходный трагизм: «Прогулка заключенных», «Автопортрет с перевязанным ухом», «Едоки картофеля», «Хижины». Пронзительное чувство в пейзажах и натюрмортах: «Красные виноградники», «Дорога в Овере после дождя», «Натюрморт с ботинками», «Кресло Гогена» и др.

Поль Гоген (1848-1903). Протест против сковывающей буржуазной цивилизации, поиски красоты и гармонии в идиллической жизни племен Полинезии. Стремление передать в живописи не облик предмета, максимально приближенный к его оптическому восприятию, а сущность предмета, его идею. Использование образа как знака, символа. Сочетание монументальности с декоративностью, ковровостью, контрастное столкновение цветов, ритм произведений. «Женщина, держащая плод», «Ноа-Ноа», «А, ты, ревнуешь?», «Таитянская пастораль».

Модерн (новый, современный) – это синтетический стиль, своеобразная попытка обобщения художественных традиций запада и Востока, античности и средневековья, классицизма и романтизма. Главным критерием красоты модерн провозгласил целостность создаваемого художественного образа, от проектирования здания и

172

оформления интерьера декоративным панно, витражами, живописью, графикой, являющимися его неотъемлемой частью, до мебели, посуды решеток, светильников, украшений и одежды. В основных национальных школах он начинался в графике и прикладном искусстве, постепенно втягивая в свою орбиту архитектуру. Позже именно в архитектуре этот стиль проявился с наивысшей полнотой. Ведущая роль на раннем этапе развития стиля модерна принадлежит Англии.

Наиболее яркие представители стиля модерна: Уильям Моррис, Луис Комфорт Тиффани, Густав Климт, Антонио Гауди, Виктор Орта, Гектор Гимар, Франц Штук. Искусство модерна называют «последним большим художественным стилем», так как в более позднем периоде своего развития этот стиль отказался от художественно-образного содержания искусства, в нем исчезло человеческое и прервалась «связь времен», «нарушились грани, отделяющие одно искусство от другого и искусство вообще от того, что не есть уже искусство» (Н. Бердяев – русский философ).

Модернистские течения начала XX века

В XX веке, веке потрясений, мировых войн и тоталитаризма, искусство переживало глубокий кризис. Попытки забить неугодных творцов, очернить и уничтожить памятники искусства, бросающие тень или просто неугодные властям порой напоминали вакханалии. Но, тем не менее, сами деспоты становились жертвами искусства. У Гитлера, например, были свои любимые композиторы и художники.

К середине XX века обстановка мира изменилась, изменилось и мировоззрение вследствие резкого скачка вперед технического прогресса. Появились новые формы искусств, остатки старины обратились же в бесценные реликвии.

На протяжении всей истории человек и искусство были неразрывно связаны. Осознание человеком самого себя отражается в каменных фигурках, в чертах памятников архитектуры. Человеческие качества и чувства запечатлены в произведениях живописи, скульптурных группах. Проблемы бытия, религии, мироощущение нашли свое отражение в произведениях искусства.

Помощь в познании мира через эмоциональное восприятие его, расширение кругозора, пробуждение творческих сил, формирование духовного облика человека — функции искусства. Момент обращения человека к художественному творчеству, быть может, является величайшим открытием, не имеющим себе равного в истории по тем возможностям, которые в нем заложены. Искусство не существует вне времени и общества, по своему содержанию оно социально и неразрывно связано с национальной традицией и эпохой.

Экспрессионизм - одно из самых сложных и противоречивых направлений начала XX века. Родина экспрессионизма - Германия. Стремление экспрессионистов выразить драматическую подавленность человека в мире посредством геометрически упрощенных форм, несгармонированных тонов. Чувство безнадежности, беззащитности, ужаса, заключенного в их полотнах, построенных на деформациях, остром рисунке. Работы Э.Л.Кирхнера, Э.Хеккеля, К.Шмидт-Ротлуфа, В.Кандинского, Ф.Марка. Размежевание экспрессионистов после войны, уход в абстракционизм, сюрреализм и другие направления. Последователь экспрессионизма в скульптуре - Эрнст Барлах («Памятник павшим» 1931, Магдебург). Влияние экспрессионизма на отдельных художников вплоть до наших дней.

Кубизм как одно из характерных направлений авангардизма в начале века. Отказ художников от перспективы воздушного пространства, фетишизация геометрической конструкции предмета. Картины Пабло Пикассо «Авиньонские девушки», «Женщины с веером», «Танец с покрывалами», «три женщины». Работы Брака Леже (1881-1955). Постепенная эволюция кубизма к абстрактному искусству. Кубизм в скульптуре. Александр Архипенко (выходец из России, живший в США), А.Лоран.

173

Наиболее крайняя школа авангардизма - абстракционизм, сложившийся в Европе в 10-е годы XX века.

Один из основоположников абстракционизма - Василий Кандинский (1866-1944), родившийся в России, живший в Германии, потом во Франции. Полный отказ от предметности в изображении. Его картины раннего периода - пятна интенсивного цвета в красивых сочетаниях, пересекаемые кривыми и извилистыми линиями. Поздние работы — совмещение живописного и геометрического абстракционизма.

Каземир Малевич (1878-1935), выходец из России. «Супрематизм» Малевича. «Черный квадрат» - наивысшее выражение крайностей модернистского искусства. Возвращение Малевича в 30-е годы к фигуративной живописи в реалистических традициях («Девушка с красным древком»). Михаил Ларионов и Наталья Гончарова - представители «лучизма» в живописи.

Перемещение центров абстракционизма из Европы в Америку в 30-е годы в связи с приходом к власти фашистов. Связь послевоенного абстракционизма с огромным размахом рекламы. Огромный успех беспредметного искусства на Западе, его причины.

Появление сюрреалистического направления в искусстве в 20-е годы как искусства «потерянного поколения» (после первой мировой войны»). Основы сюрреализма - философия интуитивизма А.Бергсона и фрейдизм с культом бессознательного. Творчество Сальвадора Дали (1904-1989), художника широчайшего диапазона и с мировой славой. Алогизм сюрреалистических полотен, иррациональность изображения. Сочетание абстрактных неизобразительных форм с подчеркнутой объемностью, натуралистическими деталями («Предчувствие гражданской войны», «Пылающий жираф», Атомный Нерон»). Американский период творчества художника, наивысший успех. Сюрреализм в скульптуре. Скульптор Цадкин, «Памятник разрушенному Роттердаму».

Отступление сюрреализма в 60 -е годы на второй план, рост популярности искусства «поп-арт», возникшего в Америке как реакция на беспредметное искусство. Поп -арт, значение термина (популярное искусство», «ширпотреб-искусство»). Поп-арт-коллажа, комбинации из бытовых вещей на холсте. В ск ульптуре - комбинация из самых неожиданных реальных предметов.

Поп-арт и кинетическое искусство, гиперреализм - направление, распространенное и сегодня.

Развитие реалистических тенденций в искусстве XX века. Неореализм, сформировавшийся в эпоху Сопративления в борьбе с фашизмом. Ренато Гуттузо, участник итальянского сопротивления «Распятие». Графическая серия «С нами Бог», страстное обличение нацистов. Живописные эффекты, диссонансы цвета, резкая деформация в рисунке в сценах насилия и казней. Связь Гуттузо с творчеством Делакруа и Домье.

Скульптурные ансамбли Ф.Кремера в стиле неореализма - памятники жертвам фашизма и героям Сопротивления в Вене , Бухенвальде, Маутхаузене, Равенсбруке.

Развенчание шовинистов разных стран в творчестве бельгийского художника Ф.Мазереля. «Романы» в гравюрах, образ города-спрута. Кинематографичность гравюр, резкие контрасты черного и белого, света и тьмы, добра и зла. Творчество К.Кольвиц.

Воинствующий гуманизм П.Пикассо.Эволюция художника от бесстрастного кубизма к эмоциональному насыщенному искусству. Панно «Герника» - символ войны и преступления, ужас и отчаяние, гнев художника против страшного разрушения, связанного с фашизмом. Необычайное многообразие творчества Пикассо на разных этапах, широта диапазона художника.

174

Марк Шагал (1887-1985), выходец из России, проживший почти всю творческую жизнь за ее пределами. Станковая и монументальная живопись Шагала, разнообразие жанров, ярко выраженная индивидуальность, не поддающаяся классификации по направлениям и штилям в искусстве.

Выдающиеся художники США XX века. Рокуэл кент. Величественная красота северной природы и единение человека с ней в картинах художника («Аляска», «Вид с лисьего острова», «Эскимос в каяке»). Э.Уайес, певец «одноэтажной Америки». Изображение мира простых людей, глубокое уважение к ним («Мир Кристины», «Ветер с моря», «Сын фермера»).

Советский психолог Л. С. Выготский писал: "Искусство есть социальное в нас... — есть общественная техника чувства, орудие общества, с помощью которого оно вовлекает в круг социальной жизни самые интимные и самые личные стороны нашего существа".

Художник, переосмыслив увиденное, по-своему разгадав тайны бытия, с помощью системы художественных образов старается передать свое мироощущение, вовлекая нас в сложный процесс самопознания, заставляя работать не только наши глаза, мозг, но и воображение, мобилизующее к действию наши духовные силы.

История искусства в истории человечества представляет собой сложную картину развития различных национальных школ, течений, стилей, взаимопроникновения форм и традиций, не знающих временных и географических границ, благодаря чему в ступенчатых формах православных храмов, богатством декора не уступающих образцам французского барокко, прослеживаются геометрически аскетичные линии Египетских пирамид, а русские иконы смотрят на нас глазами ликов, написанных кистью византийского художника.

Таким образом, вся история человечества отражена в произведениях искусства. На искусство влияли государственный строй, проблемы эпохи, искусство было официальным лицом наций и империй. Все грани жизни от уродливого до прекрасного отражает искусство в своем беспристрастном зеркале, оказывая сильное эмоциональное воздействие на человека. Ведь и человек многообразен и многолик. Сегодня он вандал, завтра он Рафаэль, послезавтра… будущее покажет.

Основные характеристики культуры постмодернизма.

Наиболее яркие представители художественного направления в авангардном искусстве ХХ века: Анри Маттис, Франц Марк, Василий Кандинский, Казимир Малевич,

экспрессионизм, абстрактивизм (конструктивный геометризм или супрематизм), футуризм, кубизм, даддизм., сюреализм, пуризм, орфизмконструктивизм; в архитектуре - стили ар-деко и ар-нуво.

ХХ век ознаменовался множеством нововведений в искусстве и литературе. Это было связано с катастрофическими изменениями в сознании обществ, в сознании людей в

классической традиции, а с другой – породили новое искусство – авангардизм (передовой отряд) или модернизм ( новый, современный), наиболее полно отражавшее лицо и дух времени, эпохи. По существу этим термином обозначаются художественные традиции. Течения, школы, деятельность отдельных мастеров ХХ века, которые отказались от прежней изобразительной формы, порвали с понятием стиля как целостности формы, пространства, плоскости, цвета и провозгласили в качестве основы своего метода именно полную свободу, свободу от всех условностей и прежних традиций.

Вся художественная культура переживала невиданный и бурный до сих пор

175

«копирования натуры»: акцент делался на создание формы, отражающей духовную сторону природы, невидимую, а, следовательно, и неизобразимую.

По сути, модернистская школа, провозгласившая главенство искусства над жизнью и проповедовавшая отказ от решения больших социальных проблем, была ярким выражением углубляющегося кризиса общества после первой мировой войны. Модернисты делают основной акцент на субъективном мире героев, стремятся изолировать человека от окружающей его социальной среды, объяснить присущие ему недостатки и пороки исконным несовершенством человеческой природы. Модернисты воспринимают жизнь как бессмысленный хаос.

Раздел 10. Культура и искусство Древней Руси

1. Общие особенности культуры и искусства Древней Руси.

Путь развития древнерусской культуры и искусства делится на ряд четко обозначенных периодов, в основном совпадающих с этапами социально-экономической и политической истории общества.

1.Период Киевской Руси – 9 - начало 12 в. 2.Период феодальной раздробленности – 12-13 вв.

3.Период борьбы против татаро-монгольского ига и объединения русских княжеств – 14 - начало 15 в.

4.Период формирования русского централизованного государства – 15-16 вв.

5.Период кризиса средневекового искусства и зарождения искусства нового типа –17 в. Формируясь и развиваясь в тесном взаимодействии со многими культурами

близлежащих, а порой и весьма отдаленных стран, древнерусское искусство, представляющее целостное и ярко самобытное явление, заняло свое особое место в истории мирового искусства. Древнерусское искусство 10-13 вв. является общим наследием русских, украинцев и белорусов, а с 14 в. искусство каждого из этих народов следует рассматривать отдельно.

Древнерусская архитектура достигла серьезных успехов в гражданском и крепостном строительстве, однако ее своеобразие особенно выступает в культовых сооружениях – храмах.

В изобразительном искусстве Древней Руси своеобразие проявилось с особой силой. Даже в Византии иконопись никогда не играла такой важной роли, как на Руси, где она стала одной из основных, общераспространенных форм изобразительного искусства, соперницей монументальной живописи. В пределах твердо установившихся правил (плоскостность изображения, условность передачи фигуры, лица, архитектурного и природного фона) художники достигали огромной выразительности линейного ритма, силуэта, красочного пятна. Простыми средствами они создавали образы глубокого внутреннего содержания, необычайной эмоциональности и силы. Это дает право считать икону одним из важнейших вкладов древнерусского искусства в мировую художественную культуру. Уже в 11-12 вв. в древнерусском искусстве появляются композиции и образы, которых византийское искусство не знало (культ Бориса и Глеба вызвал к жизни новые иконографические сюжеты).

Пластика занимала в древнерусском искусстве подчиненное положение. Как и в Византии, православная церковь видела в круглой скульптуре наследие «идольских», языческих времен и относилась к ней неодобрительно. Хотя этот взгляд с течением времени изменился, круглая скульптура так и не получила на Руси большого развития. Зато процветало прикладное искусство: резьба по дереву и камню, литье, чеканка, эмальерное дело, вышивка, керамика и др.

2. Искусство Киевской Руси 9-нач.12 в.

Истоки древнерусского искусства восходят к искусству восточных славян, населявших в 1 тысячелетии н. э. европейскую территорию России. Искусство это было связано с

176

языческим культом, носило магически-анимистический характер и широко входило в повседневный быт древних славян. Начальные стадии искусства восточных славян пока еще мало изучены, но, вероятно, в своем становлении оно соприкасалось с искусством скифо-сарматов и античных колоний Северного Причерноморья.

Архитектура восточных славян 1 тысячелетия н. э. стала известна по археологическим раскопкам и скудным литературным данным. Материалом для сооружения жилищ и храмов служило дерево. К глубокой древности относится возникновение крестьянского жилища – избы. Скульптура находилась у древних славян в зачаточном состоянии. Произведения прикладного искусства - бронзовые и серебряные украшения, расцвеченные эмалью застежки - фибулы, височные кольца – колты, бусы, гребешки с фигурками животных - отмечены развитым вкусом народных мастеров.

Сформировавшиеся тогда художественные вкусы и навыки не исчезли и с принятием христианства. Влияние древнеславянского творчества на древнерусское искусство сказалось не только в сохранении технических приемов, но и в слиянии традиционных языческих представлений с образами христианского пантеона. Магический смысл многих изображений был с течением времени забыт, но как мотивы они продолжали жить в скульптуре, миниатюре, резьбе, вышивках и ювелирном искусстве.

В9 в. была образована Киевская Русь. Принятие христианства. С 10 по 15 в. древнерусское искусство имело очень тесные связи с византийским – привозились иконы, ткани, ювелирные изделия и многое другое. Некоторые памятники византийского искусства стали подлинной русской святыней, например, икона Владимирской Богоматери. Греки принимали участие в украшении многих древнерусских храмов. В 1011 вв. Киевское государство, став одним из самых значительных, имело торговые и культурные сношения с Англией, Францией и другими государствами Европы и со странами Востока.

Христианские храмы появились на Руси еще в 10 в. Сначала они были деревянными, что связано с давними традициями архитектуры. Значение собора в жизни города. Русские храмы, как и соборы Запада, были местом не только церковных служб, но и торжественных собраний горожан. Таким образом, облик храма (размеры, интерьер) отвечали не только культовым, но и светским целям.

Вконце 10 в. в Новгороде была срублена церковь св. Софии «о тринадцати верхах». В 1049 г. церковь сгорела. Не сохранились и древнейшие каменные храмы. Однако раскопки позволили установить план первого городского киевского собора - Десятинной церкви Успения Богоматери, сооруженной по желанию князя Владимира (989-996). Сначала это был трехнефный крестово-купольный храм; в 1039 г., при князе Ярославе, он был расширен и стал пятинефным. Внешний облик восстановить невозможно. Внутри он был богато декорирован фресками и мозаиками. Близ собора находились каменные дворцовые сооружения, также богато украшенные мрамором, мозаикой, майоликовыми плитками.

При сооружении самого значительного памятника того времени – Софийского собора

вКиеве (11 в.) - древнерусская архитектура уже обладала своими приемами монументального зодчества. Византийская система крестово-купольной церкви, легла в основу пятинефного киевского собора Софии. От византийских храмов собор отличается числом куполов: их тринадцать, то есть столько, сколько было в несохранившемся деревянном храме Софии в Новгороде. Характерна также конфигурация внешних объемов, которые плавно повышаются к центру, к главному куполу. Принцип постепенного, как бы ступенчатого нарастания массы здания стал с 11 в. последовательно проводиться в древнерусском зодчестве. Пять нефов Софии четко выделены, но все они тяготеют к центральному подкупольному помещению. Внутренние деления выражены во внешних объемах собора и, прежде всего в куполах, среди которых массивный центральный купол подчиняет себе остальные. Различные размеры куполов, волнистые и живые линии закомар (полукруглых завершений фасадов), обширная внешняя галлерея -

177

все это создает довольно сложное и в то же время гармоничное сочетание объемов и линий.

Внутри Софии все стены, своды, абсиды, столбы и купол покрыты мозаиками и фресками. Как и в византийских церквах, изображения в Киевской Софии должны были раскрывать основные догматы православия. Этой цели служили изображения Христа Вседержителя (Пантократора) и четырех архангелов - в центральном куполе, апостолов - в простенках барабана, евангелистов - в парусах свода, Богоматери-оранты - в центральной абсиде, таинства причащения апостолов и изображения святителей - на стене абсиды, а также многочисленные евангельские сцены и фигуры монахов-аскетов и святых-воинов - на стенах, столбах и сводах остальных частей храма.

Окружающий мир казался художникам стройным и нерасторжимым целым, все части которого находятся в строгой зависимости друг от друга. Это был шаг вперед по сравнению с неясными магическими представлениями языческих времен. Поражает грандиозность и единство замысла мозаик и фресок Софии. В сочетании с архитектурой храма они образуют неповторимое целое, одно из самых высоких достижений синтеза искусств в Древней Руси. Несмотря на различие техник и художественных индивидуальностей отдельных мастеров, мозаикам и фрескам свойственно общее приподнятое, торжественное звучание. Применение мозаичной техники – для важнейших сцен. Колорит мозаик, сдержанный, хотя и построенный на насыщенных серофиолетовых, синих, голубоватых, зеленых, ярко-желтых тонах фигур и предметов; золотого фона. Грандиозному, монументальному образу Богоматери-оранты в центральной абсиде, олицетворяющему «земную церковь», свойственна высокая одухотворенность. Образы святых в Софии исполнены суровости.

Величественные и суровые образы были созданы и в мозаиках Михайловского монастыря в Киеве (вторая половина 11 в.), дошедших до нас во фрагментах: «Евхаристия» (причащение Христом апостолов), фигуры архидиакона Стефана и Дмитрия Солунского. Особенности мозаик: свобода композиции, передача движения, а главное - яркая индивидуализация лиц и всего облика апостолов и святых. В образе Дмитрия Солунского на первый план выступают черты суровой мужественности.

Искусство миниатюры широко распространилось в Киевской Руси. Самый Значительный памятник – Остромирово евангелие, исполненное дьяконом Григорием для новгородского посадника Остромира в 1056-1057 гг. Миниатюры евангелия содержат много черт, несвойственных собственно византийскому искусству. Более плоскостная трактовка фигур евангелистов, склонность к чистым локальным краскам, употребление золота в контурах - все говорит о формировании нового, более декоративного живописного стиля, о сложении особых живописных традиций.

Высоким мастерством отличалось прикладное искусство Киевской Руси. Христианские каноны не могли сдержать потока древних, еще языческих образов. Например, в эмалях наряду со священными изображениями встречается сирин - птица с женской головой, фантастическая жар-птица. Среди ремесел следует указать художественное литье, сложную технику черни, филиграни и зерни (в ювелирном производстве), поливную керамику и особенно эмальерное дело. В качестве примера можно привести оклад так называемого Мстиславова евангелия (начало 12 в.). Покрытый сканым узором, он украшен «Деисусом» и погрудными изображениями святых, исполненными в технике перегородчатой эмали.

В Киевском государстве образовалось несколько местных живописных и архитектурных школ. Некоторые из них - архитектурные школы Чернигова, Смоленска, Полоцка, Новгорода - сыграли большую роль в формировании древнерусского искусства. В 11 в. во многих городах возводились соборы по системе, выработанной киевскими зодчими; в то же время им присуще своеобразие, обусловленное особенностями местных культур. Так, самый ранний из сохранившихся памятников Новгорода - собор св. Софии (1045 -1050) - значительно отличается от своего киевского прототипа. Вместо тринадцати

178

куполов он имеет только пять, что сообщает ему строгость и компактность. Ясность форм, четкая отграниченность объемов, конструктивная определенность - все придает храму необыкновенную монолитность. Впечатление усиливается шлемовидными куполами. Весь интерьер кажется менее сложным. В дальнейшем новгородские архитекторы продолжали совершенствовать разработанный ими стиль, сооружая храмы, подчеркнуто суровые, строгие и неизменно лаконичные: Николо-Дворищенский собор (1113), собор Рождества Богородицы Антониева монастыря (1117), Георгиевский собор Юрьева монастыря (1119).

Новгородская живопись первой половины 12 в. также свидетельствует об оригинальных творческих исканиях. Сохранившиеся фрески собора Антониева монастыря отличаются большой живописностью и свободой в трактовке традиционных образов святых и говорят о художественных связях с романским Западом.

2. Искусство Киевской Руси 9-нач.12 в.

Истоки древнерусского искусства восходят к искусству восточных славян, населявших в 1 тысячелетии н. э. европейскую территорию России. Искусство это было связано с языческим культом, носило магически-анимистический характер и широко входило в повседневный быт древних славян. Начальные стадии искусства восточных славян пока еще мало изучены, но, вероятно, в своем становлении оно соприкасалось с искусством скифо-сарматов и античных колоний Северного Причерноморья.

Архитектура восточных славян 1 тысячелетия н. э. стала известна по археологическим раскопкам и скудным литературным данным. Материалом для сооружения жилищ и храмов служило дерево. К глубокой древности относится возникновение крестьянского жилища – избы. Скульптура находилась у древних славян в зачаточном состоянии. Произведения прикладного искусства - бронзовые и серебряные украшения, расцвеченные эмалью застежки - фибулы, височные кольца – колты, бусы, гребешки с фигурками животных - отмечены развитым вкусом народных мастеров.

Сформировавшиеся тогда художественные вкусы и навыки не исчезли и с принятием христианства. Влияние древнеславянского творчества на древнерусское искусство сказалось не только в сохранении технических приемов, но и в слиянии традиционных языческих представлений с образами христианского пантеона. Магический смысл многих изображений был с течением времени забыт, но как мотивы они продолжали жить в скульптуре, миниатюре, резьбе, вышивках и ювелирном искусстве.

В9 в. была образована Киевская Русь. Принятие христианства. С 10 по 15 в. древнерусское искусство имело очень тесные связи с византийским – привозились иконы, ткани, ювелирные изделия и многое другое. Некоторые памятники византийского искусства стали подлинной русской святыней, например, икона Владимирской Богоматери. Греки принимали участие в украшении многих древнерусских храмов. В 1011 вв. Киевское государство, став одним из самых значительных, имело торговые и культурные сношения с Англией, Францией и другими государствами Европы и со странами Востока.

Христианские храмы появились на Руси еще в 10 в. Сначала они были деревянными, что связано с давними традициями архитектуры. Значение собора в жизни города. Русские храмы, как и соборы Запада, были местом не только церковных служб, но и торжественных собраний горожан. Таким образом, облик храма (размеры, интерьер) отвечали не только культовым, но и светским целям.

Вконце 10 в. в Новгороде была срублена церковь св. Софии «о тринадцати верхах». В 1049 г. церковь сгорела. Не сохранились и древнейшие каменные храмы. Однако раскопки позволили установить план первого городского киевского собора - Десятинной церкви Успения Богоматери, сооруженной по желанию князя Владимира (989-996). Сначала это был трехнефный крестово-купольный храм; в 1039 г., при князе Ярославе, он был расширен и стал пятинефным. Внешний облик восстановить невозможно. Внутри он был

179

богато декорирован фресками и мозаиками. Близ собора находились каменные дворцовые сооружения, также богато украшенные мрамором, мозаикой, майоликовыми плитками.

При сооружении самого значительного памятника того времени – Софийского собора в Киеве (11 в.) - древнерусская архитектура уже обладала своими приемами монументального зодчества. Византийская система крестово-купольной церкви, легла в основу пятинефного киевского собора Софии. От византийских храмов собор отличается числом куполов: их тринадцать, то есть столько, сколько было в несохранившемся деревянном храме Софии в Новгороде. Характерна также конфигурация внешних объемов, которые плавно повышаются к центру, к главному куполу. Принцип постепенного, как бы ступенчатого нарастания массы здания стал с 11 в. последовательно проводиться в древнерусском зодчестве. Пять нефов Софии четко выделены, но все они тяготеют к центральному подкупольному помещению. Внутренние деления выражены во внешних объемах собора и, прежде всего в куполах, среди которых массивный центральный купол подчиняет себе остальные. Различные размеры куполов, волнистые и живые линии закомар (полукруглых завершений фасадов), обширная внешняя галлерея - все это создает довольно сложное и в то же время гармоничное сочетание объемов и линий.

Внутри Софии все стены, своды, абсиды, столбы и купол покрыты мозаиками и фресками. Как и в византийских церквах, изображения в Киевской Софии должны были раскрывать основные догматы православия. Этой цели служили изображения Христа Вседержителя (Пантократора) и четырех архангелов - в центральном куполе, апостолов - в простенках барабана, евангелистов - в парусах свода, Богоматери-оранты - в центральной абсиде, таинства причащения апостолов и изображения святителей - на стене абсиды, а также многочисленные евангельские сцены и фигуры монахов-аскетов и святых-воинов - на стенах, столбах и сводах остальных частей храма.

Окружающий мир казался художникам стройным и нерасторжимым целым, все части которого находятся в строгой зависимости друг от друга. Это был шаг вперед по сравнению с неясными магическими представлениями языческих времен. Поражает грандиозность и единство замысла мозаик и фресок Софии. В сочетании с архитектурой храма они образуют неповторимое целое, одно из самых высоких достижений синтеза искусств в Древней Руси. Несмотря на различие техник и художественных индивидуальностей отдельных мастеров, мозаикам и фрескам свойственно общее приподнятое, торжественное звучание. Применение мозаичной техники – для важнейших сцен. Колорит мозаик, сдержанный, хотя и построенный на насыщенных серофиолетовых, синих, голубоватых, зеленых, ярко-желтых тонах фигур и предметов; золотого фона. Грандиозному, монументальному образу Богоматери-оранты в центральной абсиде, олицетворяющему «земную церковь», свойственна высокая одухотворенность. Образы святых в Софии исполнены суровости.

Величественные и суровые образы были созданы и в мозаиках Михайловского монастыря в Киеве (вторая половина 11 в.), дошедших до нас во фрагментах: «Евхаристия» (причащение Христом апостолов), фигуры архидиакона Стефана и Дмитрия Солунского. Особенности мозаик: свобода композиции, передача движения, а главное - яркая индивидуализация лиц и всего облика апостолов и святых. В образе Дмитрия Солунского на первый план выступают черты суровой мужественности.

Искусство миниатюры широко распространилось в Киевской Руси. Самый Значительный памятник – Остромирово евангелие, исполненное дьяконом Григорием для новгородского посадника Остромира в 1056-1057 гг. Миниатюры евангелия содержат много черт, несвойственных собственно византийскому искусству. Более плоскостная трактовка фигур евангелистов, склонность к чистым локальным краскам, употребление золота в контурах - все говорит о формировании нового, более декоративного живописного стиля, о сложении особых живописных традиций.

180