из электронной библиотеки / 747436586301774.pdf

украшения стен. Если композиция была решена по горизонтали - «шоу-цзю-ань», в несколько метров длиной, ее рассматривали часть за частью, расположившись на полу. Китайская средневековая живопись стала основой для развития пейзажа стран Юго-востока. Временем рождения европейского пейзажа считается XVI в. Однако как самостоятельный жанр искусства он окончательно сложился здесь только в XVIII в., причем особый вклад в его формирование внесли художники Нидерландов, Впервые получил широкое признание реалистический пейзаж как изображение конкретной местности, широко распространился видовой городской пейзаж. В целом же для представителей всех европейских школ характерна романтическая трактовка образа природы. XIX в. — это время нового расцвета реалистического пейзажа, который стал художественным выражением национального взгляда на природу. Художники этого времени наполнили пейзаж социальной и идейной проблематикой, ввели новую тематику — развитие индустрии, утвердили ценности пленэрной живописи. Особенная роль в развитии пейзажа принадлежит импрессионистам, которые преодолели академические условности изображения, утвердили передачу пространственной глубины, изменчивость световоздушной среды. Сторонники символизма и модерна внесли в пейзаж идеи о таинственном родстве человека и «матери-земли», обыгрывая в своих композициях различного рода органические формы (ветви, корни, стебли и т. п.). Развитие пейзажа как жанра идет в общем русле движения эстетических ценностей и художественных вкусов времени. Внутри основного жанра можно выделить сельский и городской, архитектурный, индустриальный, морской (марина), речной, а также исторический, фантастический и космический пейзажи.

ПЕРИПТЕР (греч. – вокруг и перо) — тип древнегреческого храма прямоугольной формы, обнесенный по периметру здания одним рядом колонн. Периптер явился основным типом храма периодов архаики и классики. Число колонн по торцевым и продольным частям храма рассчитывалось пропорционально. Если с торцевых частей число колонн было х, то с продольных – 2х + 1. Одним из самых знаменитых храмов этого типа был афинский Парфенон.

ПЕТРОГЛИФЫ (греч. – камень и резьба) – изображения и знаки, выбитые или процарапанные на камне, на поверхности скал, на потолках и стенах пещер. Составляют значительную часть наскальных изображений, с которыми их нередко отождествляют.

ПЕЩЕРНОЕ ИСКУССТВО – комплекс древнейших художественных памятников, созданных в период, когда пещеры использовались человеком в качестве жилья или святилища. Главный изобразительный персонаж пещеры – животные. Их фигуры переданы со скрупулезной реалистичностью, следуют одна за другой, находят друг на друга, образуя скопления, или разрежаются вплоть до одного силуэта на всей поверхности стены. Фигуры все профильны, почти нет изображений в фас. Наряду с рисунками, ставшими эталоном первобытного реализма, можно встретить простейшие насечки, треугольники, сетки. Изображения животных писались охрой с добавлением крови и мозга животных, а в мине для рельефа использовались кости самого животного.

ПИГМЕНТЫ (лат. – краска) — тонкий порошок для изготовления красок, цветоноситель. Подразделяются на органические и неорганические. Неорганические пигменты, в свою очередь, - на природные, т, е. минеральные (охра, мел, сурик, киноварь, ляпис-лазурь и др.) и искусственные (сажа, ультрамарин, белила и др.).

ПИЕТА (ит. – жалость, сострадание; в немецкой традиции – образ для вечерни) -

своеобразная разновидность иконографического типа «Оплакивание Христа» в западноевропейской живописи. Особенность этой композиции заключается в том, что мертвый Христос изображается на коленях скорбящей Богоматери либо Дева Мария обнимает тело мертвого Христа. Все остальные персонажи должны отсутствовать. Однако в действительности произведения, включающие и изображения других лиц, также именуются пиетой (Флорентийская пиета Микеланджело, пиета Мантеньи и т. д.), поэтому часто одни и те же картины и скульптуры именуются и как «Оплакивание Христа», и как пиеты. Кроме

181

того, изображения мертвого Христа с оплакивающими его ангелами либо только одного тела усопшего Христа без Богоматери тоже называют пиетой. Таким образом, пиета становится синонимом тех произведений, в которых изображение мертвого Христа занимает центральное место. Пиеты появляются в Средние века, а особенное распространение получают в XV в. Для них характерны натурализм и экспрессионизм в передаче мертвого тела Христа и тягчайшей скорби Марии, призванные убедить зрителя, что событие происходит в настоящий момент. Самыми значительными произведениями в скульптуре, как правило, признается пиета П.Микеланджело (1498 г.). В живописи наиболее известны листы Мастера Авиньонской школы (1460 г.), Беллини (1460, 1478 гг.), Мантеньи (1480 г.), Боттичелли (1500 г.), Тициана (1576 г.).

ПИКЧУРЕСК (лат. – разукрашенный, расписной, разноцветный) – художественное течение

ванглийском искусстве XVIII в., представителем которого первоначально был Т.Гейнсборо. Его картины отличались необычной для того времени техникой раздельных мазков разного цвета, составляющих разноцветный ковер, с холодным серебристо-жемчужным колоритом, глубоким, почти мистическим пространством. Теория «живописного стиля» была изложена в книге «Принципы живописной красоты поэта-романтика и живописца У.Гилпина (1768 г.), он же считается основателем течения. Романтические традиции английской пейзажной живописи были развиты в дальнейшем Д.Констеблом и У.Тернером. В конце XVIII в. «пикчуреском» в Англии стали называть также стиль пейзажно-паркового искусства, который характеризовался свободной, живописной планировкой расположения кустов, деревьев, аллей и водоемов.

ПОРТРЕТ (устар. фр. – изображать, передавать «черта в черту») — жанр изоб-

разительного искусства, посвященный изображению конкретного человека или группы людей, реально существующих либо существовавших в прошлом. Важнейший критерий портретности – сходство изображения с оригиналом, которое достигается не только верной передачей облика модели, но и раскрытием духовной сущности, характера портретируемого. Наряду с неповторимостью индивидуального своеобразия, в портрете выявляются типичные черты эпохи и социальной среды. Субъективно-авторскую окраску придают искусству портрета личное отношение художника к модели, его собственное мировоззрение, творческая манера. Исторически сложилась широкая и многоплановая типология портрета в зависимости от функционального назначения (парадный, камерный, интимный), композиционных особенностей (двойной, групповой, погрудный, в полный рост, анфасный, профильный), образной трактовки (героический, сатирический, сентиментальный, романтический и др.). Парадные портреты (репрезентативные) предполагают изображение человека в полный рост (на коне, стоящим или сидящим). В камерном портрете используется поясное, погрудное, оплечное изображение. В парадном портрете фигура обычно дается на архитектурном или пейзажном фоне, а в камерном — чаще на нейтральном. Разновидностью камерного изображения с нейтральным фоном является интимный портрет, выражающий доверительные отношения между художником и портретируемым. Портрет, в котором человек представлен в виде какого-либо аллегорического, мифологического, исторического, театрального или литературного персонажа, называют костюмированным. В наименования таких портретов обычно включаются слова «в виде» или «в образе» (например, «Екатерина II

ввиде Минервы»). В зависимости от характера костюмирования различают аллегорический, мифологический, исторический портреты. Портреты, написанные на разных холстах, если они согласованы между собой по композиции, формату и колориту, называют парными. Чаще всего это портрет супругов. Портреты, сделанные после смерти людей по их прижизненным изображениям, называются посмертными (ретроспективными). Портреты различают и по размеру, например станковый «и натуру», малоформатный, миниатюрный. В особую группу выделяется автопортрет – изображение художником самого себя.

Искусство портрета имеет древние традиции. Оно связано с культом загробной жизни. В Древнем Египте скульптурное и живописное изображение умершего должно было быть его точной копией, чтобы душа могла вернуться после смерти в свою оболочку. Идея победы

182

жизни над смертью была характерна для Древней Греции. В надгробных памятниках: классической поры умершие всегда изображались молодыми и красивыми. Их портретные черты едва просвечивались сквозь идеальную форму человеческого лица. Все посмертные изображения обязательно подписывались, имя умершего значило не меньше, чем изображение, оно было сакральным. Древнеримские скульптурные портреты отличаются натуралистичностью. Несмотря на нарочитую индивидуализированность, они всегда несут в себе черты времени правления того или иного императора, как приобщенность к священному статусу гражданина Римской империи. Средневековое искусство портрета не знало. Подлинно портретными считались только изображения Христа и Богоматери. Изображения святых в этой культуре создавались, как правило, посмертно, после их канонизации. Икона передавала не земное лицо святого, но его преображенное, вечное лицо, лик. Такой «непортретный портрет» призван был представлять человека не в неповторимости его внешнего и внутреннего облика, но в его статусе молельника за весь род человеческий. Перелом в истории портрета произошел в эпоху Возрождения, когда человек мыслился центром мироздания. В XVII-ХVIII вв. портретное искусство создает непревзойденные образцы проникновения в глубины психологии и сложной душевной жизни человека.

С начала XVIII в. портретный жанр активно развивается в русской живописи (И.Н.Никитин, Ф.С.Рокотов, Д. Г Левицкий, В.Л.Боровиковский). В XIX в. одно из главных мест занял портрет-тип, где человек, изображаемый во всей своей психологической сложности, оценивался еще и по его роли в обществе (Н.Н.Ге, И.Н.Крамской, И.Е.Репин, В.Г.Перов). В XX в, портрет противоречиво сочетает острое внимание к судьбе личности и подчинение портретной задачи субъективному и художественному строю авторской индивидуальности.

ПОСТИМПРЕССИОНИЗМ (лат. – после и импрессионизм) — термин, используемый условно как собирательное название течений французской живописи конца XIX-начала XX вв. Представители постимпрессионизма — художники В.ван Гог, П.Сезанн, П.Гоген, А.Де Тулуз-Лотрек, Ж.Сера, П.Синьяк, П.Боннар, Э.Вюйар и др. В ранний период своего творчества многие из них примыкали к импрессионизму, а с середины 1880-х гг. попытались пойти дальше и стали искать новые выразительные средства, которые бы позволили преодолеть эмпиризм художественного мышления и перейти от импрессионистической фиксации отдельных мгновений жизни к запечатлению ее длительных состояний, В творчестве постимпрессионистов пейзаж оставался одним из ведущих жанров. Изображая традиционные для импрессионистов сельские и городские мотивы, они ввели в искусство природу иных, еще не изображенных живописцами мест: юг Франции, Бретань. Но главным объектом изображения для постимпрессионистов оставался человек. Интерпретация его образа в портрете и бытовых картинах получила несвойственную импрессионистам заостренность, а подчас даже окрасилась трагизмом. В произведениях постимпрессионистов человек мучительно утверждал себя в борьбе с окружающей его средой и самим собой, напрягая до предела свои внутренние силы. В творчестве мастеров постимпрессионизма есть много общего. Тяготение к символу, декоративность, увлечение линейной ритмикой, силуэтом, плоским пятном сближает их произведения со стилистикой модерна. Однако работы большинства постимпрессионистов «не укладываются» в один стиль, ибо они оригинальны, неповторимы. Искусство постимпрессионистов тесно связано с реальностью.

Утопическими были попытки создания братства художников, несостоятельной оказалась и идея ван Гога об организации «Южного ателье» в Провансе. Зато обычным стал поиск уединенного убежища. Достаточно вспомнить Гогена, уехавшего в Бретань, а затем на острова Полинезии, или Сезанна, проведшего последние годы жизни в Эксе, вдали от центра художественной жизни и единомышленников. Постимпрессионизм, как художественное явление, не получил должной оценки у современников. В то время как импрессионисты становились все более известными в Европе и США, постимпрессионистов мало кто знал.

ПРОПИЛЕИ (греч. — перед воротами) – монументальный вход, парадные ворота. Образованы симметричными портиками и колоннадами, перекрытые антаблементом. Самыми знаменитыми являются пропилеи афинского Акрополя, построенные из мрамора

183

архитектором Мнесиклом в V в. до н. э. Они состоят из пяти ворот, имеющих с обеих сторон небольшие шести колонные залы и боковые сооружения, одним из них явилась пинакотека. Античная форма пропилеи нашла свое продолжение в триумфальных воротах и тор-

жественных въездах в архитектуре классицизма и неоклассицизма.

ПРОСВЕЩЕНИЕ – общественно-политическое, философское и общекультурное течение в европейской общественной жизни конца XVII-первой половины XIX вв. Основным его содержанием была борьба против феодально-сословных традиций, утверждение новых принципов отношений между людьми – Свободы, Справедливости, Равенства, Братства. В нем провозглашалось право человека на достойную жизнь и утверждение его как личности. Конечной целью всех общественных преобразований для просветителей было построение более совершенного общества, основанного на гуманизме. Основным условием достижения цели они считали развитие разума. Формированию умственных способностей человека в просветительской традиции придавалось определяющее значение. Способом достижения поставленной задачи в ней полагалось просвещение общества. Поэтому в культуре Просвещения столь серьезное внимание уделялось вопросам воспитания личности (Д.Дидро, Ж.- Ж.Руссо, И.Г.Песталоцци, Н.И.Новиков). Основными средствами совершенствования интеллектуальных способностей человека выступало в ней научное, философское и художественное образование. Исходя из этой своеобразной прагматической установки определялось и место искусства в системе Просвещения. В зависимости от возможности того или иного вида искусства решать поставленную перед ним задачу — формировать разум, служить добродетели и осуждать порок — определялась его социальная и художественная значимость. Ведущую роль в этой своеобразной просветительской иерархии видов художественного творчества занимают театр и литература. Исходя из своих идеологических целей, это культурное движение существенно повысило социальную роль искусства, направив его на решение дидактических задач. В культуре Просвещения складывается такой важный институт художественной жизни общества, как профессиональная художественная критика. Ее возникновение обусловлено потребностями просветительской идеологии, для которой необходимо было скорректировать идейную направленность художественного творчества и усилить воздействие искусства на публику.

РЕВЮ (фр. — обозрение) — вид театрального или эстрадного представления, состоящего из отдельных сцен и номеров, объединенных общей темой. Под этим же названием выходят журналы, публикующие обзор различных событий.

РЕЛЬЕФ (uт. – поднимать) – один из видов скульптуры, в котором изображение создается с помощью объемов, расположенных на плоскости и сориентированных на нее. Рельеф может выступать над плоскостью фона или углубляться в нее. Выпуклый рельеф, разновидностями которого являются барельеф и горельеф, более распространен. Он известен уже с эпохи палеолита, получил развитие в искусстве Древнего Востока, античности, Средних веков, Возрождения и в последующие культурные эпохи как часть архитектурного декора. В барельефе (низком рельефе) изображение возвышается над плоскостью фона не более чем на половину своего объема. В горельефе (высоком рельефе) изображение возвышается над плоскостью фона более чем на половину своего объема и даже могут восприниматься почти как полнообъемные, лишь соприкасающиеся с плоскостью. В углубленном рельефе изображения представлены объемами «изнутри», углубленными в условный плоскостной фон рельефа. Реже известен декоративный рельеф в виде маски, изображающей (часто в гротескном или фантастическом облике) человеческое лицо или голову животного. Он получил название маскарон (ит. maschlrone — большая маска). Маскароны помещались преимущественно на замках арок, оконных и дверных проемов, использовались в качестве водометов на фонтанах (с отверстием для выпуска воды на месте рта), а также для украшения мебели, сосудов.

РЕПРОДУКЦИЯ (лат. — производство, произведение) – воспроизведение рисунка,

картины, печатного текста и т. п. средствами полиграфии или фотографии. Репродукцией

184

также называется воспроизведенное посредством печати изображение. Репродукции бывают меньше оригинала или больше (редко).

РЕФЛЕКС (лат. – обращенный, повернутый назад, отраженный) – в живописи, реже в

графике отсвет цвета и света на каком-либо предмете, возникающий в тех случаях, когда на этот предмет падает отсвет от окружающих объектов (соседних предметов, неба и т. д.). Термин «рефлекс» применим как к самой натуре, так и к ее изображению. Точное и тонкое воспроизведение рефлекса способствует передаче объема, богатства цветов и оттенков изображаемой натуры в их сложной взаимосвязи.

РИМЕЙК (англ.) — фильм, повторяющий сюжет ранее снятого известного кинофильма. Цель — использовать коммерчески уже зарекомендовавший себя сюжет в сочетании с новыми техническими средствами. С приходом звука в кино появилось множество звуковых римейков немых фильмов. Ряд сюжетов, как правило, экранизаций популярных книг, переносились на экраны много раз. Существуют несколько вариантов римейков: авторская переработка режиссером старых версий, съемки, повторяющие каждую сцену оригинала, с использованием новых технических приемов, перенос сюжета в другую культурную или временную среду и т. п.

РИСУНОК – изобразительное начертание на какой-либо поверхности, сделанное от руки сухим или жидким красящим веществом (либо процарапанное) с помощью графических средств – контурной линии, штриха, пятна. Различные сочетания этих изобразительных средств позволяет создавать светотеневые и тональные эффекты. Как правило, рисунок выполняется одним цветом. Рисунок – первичное, простейшее изобразительное средство, которое лежит в основе всех видов художественных изображений. Он составляет начальную стадию художественного процесса, играет важную роль в определении очертаний формы, объема предметов и расположения их в пространстве. Рисунок часто понимается как совокупность линейно-пластических элементов живописи. Как самостоятельная область творчества является главным изобразительным средством графики. Рисунки различаются по технике, методам, характеру рисования, по назначению, темам и жанрам. Они могут быть вспомогательными (набросок, эскиз, этюд, кроки) и станковыми произведениями. Красящие вещества, используемые для рисунка, - уголь, охра, итальянский карандаш, сангина, графит, тушь, сепия, чернила. Художественные методы рисунка многообразны – от беглых зарисовок до строгих четких построений.

САБИ (яп. – скрытая красота) — эстетическая концепция и критерий оценки совершенства предметов и явлений реальности в духовной жизни средневековой и современной Японии, поэтизирующая гармоническое слияние изысканности и простоты. Возникла в VIII в., особое значение приобрела в искусстве XV—XVII вв. в тесной связи с идеями дзэн-буддизма с его ассоциативностью, импровизационностью, системой намеков. Сущность саби, неоднозначной по смыслу, как и ваби, сводится к обнаружению неяркой красоты порою грубоватых, на первый взгляд, невзрачных, подернутых паутиной времени вещей, как бы скрывающих тайну, раскрытие которой требует от человека внутренней настроенности, самоуглубленного созерцания и выключения из жизненной суеты. Саби может проявиться в заброшенности сада, незавершенности здания, недосказанности стихотворения, лаконизме монохромного свитка. Может трактоваться как утонченное наслаждение, рождающееся в процессе приобщения созерцателя к творчеству поэта или художника.

САКРАЛЬНОЕ (лат. — священное) — смысловой центр культурного Пространства человека, духовный ориентир его в жизни. Сакральное противостоит мирскому и определяет, очерчивает круг жизненных ценностей: доброе и злое, прекрасное и безобразное, истинное и ложное, дозволенное и запрещенное, должное и недолжное, полезное и вредное; хорошее и плохое и т. д. Сакральное – это абсолютное, вечное, неизменное, основа основ, то, что составляет духовно-практическую опору существования человека и мира, не подвержено сомнению и критике. Сакральное — это святое: место, событие, отношение, идея, вещь и т. д. Универсальными образами сакральности в истории культуры выступают Мировая Гора, Древо Мировое, храм, алтарь и т. д. Центр Мира – всегда возвышение — кратчайший путь

185

связи Земли, как реального источника жизни, и Неба, как потенциального. Священных центров мира может быть много. Они становятся духовно-практическими ориентирами социокультурного бытия, регулируя жизнь человека и общества (запреты, нормы), без которых она лишается смысла и превращается из космоса в хаос. Сакральные ценности архаического общества в силу его синкретизма имеют горизонтальное измерение: равенство природы и культуры, всех людей (живых и умерших), всех моментов времени (прошлого, настоящего и будущего) и т. д. В современной культуре сакральные ценности обрели вертикальное положение: социальный иерархизм, противопоставление природы и общества, человека и общества, духовного и материального и т. п. Для современного человека сакральным является место, где он родился, влюбился, открыл для себя что-то новое, встретился с кем-то и т. д.

САНКИРЬ (греч. – доска, дерево) – в иконописи темная зеленовато-оливковая или зеленовато-коричневая первоначальная тонировка ликов и других открытых частей тела. При последующей работе остается как основной теневой фон.

СТАНКОВОЕ ИСКУССТВО – термин, которым обозначаются произведения живописи, скульптуры и графики, имеющие самостоятельный характер и значение (в отличие от произведений монументального искусства, прикладного и книжной графики, предназначенных для каких-либо сооружений, изданий или изделий). Термин произошел от слова «станок», на котором создаются произведения искусства. Произведения станкового искусства рассматриваются обособленно от окружения, их значение не меняется от места, где они находятся, хотя условия экспонирования и освещения могут способствовать или препятствовать полному раскрытию их качеств. Станковое искусство получило распространение впервые в эпоху Возрождения, с распадом средневековой художественной культуры и формированием новых типов художественных произведений, рассчитанных на более интимное и непосредственное восприятие. Произведения станкового искусства отличаются особым психологизмом, многообразием и богатством нюансов, обращением к социальной жизни общества. В XVII-XX вв. станковое искусство становится основным родом художественного творчества, определяющим его воздействие и общественную роль. Наиболее широкое распространение получила станковая живопись, которая провозглашала новые социально-гражданские идеалы, раскрывала сложные взаимоотношения личности и окружающего мира. Обращение к многообразию реальной жизни, к повседневному окружению человека привело к четкому формированию системы

жанров: пейзаж, натюрморт, портрет, бытовой жанр и т. д., которые окончательно сложились в XVII в. и продолжали существовать до конца XIX в. К этому времени развитие станковой живописи становится сложным и противоречивым. Появляется абстрактная живопись, которая провозгласила отказ от традиционных жанров и активное выражение личного отношения художника к миру, условность цвета, геометризацию форм, ассоциативность композиционных решений. В современном изобразительном искусстве станковые формы используются наравне с монументальными.

СУПРЕМАТИЗМ – стиль, изобретенный К.С.Малевичем (1878—1935 гг.) и положенный им в основу своих художественных экспериментов 1910-х гг. Художник считал его высшей точкой развития искусства, отсюда название, происходящее от латинского supremus — «высший, последний». К.С.Малевич, наряду с В.В.Кандинским, стал подлинным теоретиком и практиком абстракционизма в России. В отличие от Кандинского, в основу живописи положившего спонтанную игру цветовых пятен, Малевич в своих произведениях демонстрировал видимость математически выверенных, рационально-геометрических построений. Задача творчества мыслилась в исследовании первооснов живописи. По мнению художника, сделать это можно, работая с возможными комбинациями первичных элементов – линии, цвета, формы. Первоначально Малевич экспериментировал в рамках сюжетной живописи, создавая причудливые человеческие фигуры, сконструированные из геометрических примитивов — круга, треугольника, квадрата. Впоследствии он целиком посвящает себя абстракционизму. Своего рода символом русского авангарда стала знаменитая

186

картина «Черный квадрат» (примерно 1913 г.). В представлении самого художника он явился переходом к принципиально новым формам постижения мира. Малевич отвергал внешнюю оболочку реальных вещей и ставил перед собой грандиозную цель «перекодировки» мира. Он преодолевал условия земного существования, чтобы оперировать космическим языком, утверждать мировой порядок, законы всеобщего устройства вселенной. Он писал: «Ключи супрематизма ведут меня к открытию еще не осознанного. Новая моя жизнь не принадлежит земле. Исключительно в человеке, в его сознании лежит устремление к пространству, тяготение «отрыва от шара Земли». Секрет «Черного квадрата»

— в его способности концентрировать в себе бесконечное пространство, выражать все во Вселенной в виде законченной геометрической формы и непроницаемой черной поверхности. Супрематизм оказал большое влияние на конструктивизм и некоторые другие художественные стили. Сам Малевич и его ученики (Н.М.Суетин, И.Г.Чашник и др.) неоднократно переводили супрематическую стилистику в архитектурные проекты, дизайн предметов быта (в особенности художественного фарфора), оформление выставок.

СУТАИСИ (яп.) - искусство композиции японского сада, распределения в нем камней и других компонентов.

СФУМАТО (ит. – затуманенный, затушеванный; исчезнувший, как дым) — прием в

живописи: смягчение очертаний предметов и фигур, богатство светотеневой моделировки в целом, ощущение воздушной среды. Сфумато, важнейший элемент воздушной перспективы, был впервые теоретически обоснован и применен Леонардо да Винчи.

ТЕМПЕРА (urn. – смешивать краски) — живопись красками, в которых связующим веществом для порошковых пигментов служат растворимые в воде эмульсии — яичный желток, а также разведенный на воде растительный или животный клей, смешанный с маслом или с маслом и лаком. Темпера отличается прозрачными красками. Цвет и тон в произведениях, написанных темперой, более устойчив к внешним воздействиям по сравнению с масляной живописью. Техника темперы возникла, очевидно, в Древнем Египте. Темпера на яичных желтках была основной краской для живописи позднего средневековья и Раннего Возрождения Западной Европы, русской иконописи, использовалась иногда и для росписи зданий. С конца XV в. в Западной Европе и с XVIII в. в России темперу постепенно заменяют масляными красками. С конца XIX в. темпера вновь стала широко применяться для создания произведений станкового и декоративно-прикладного искусства. Из мастеров XX в. наиболее удачно технику темперы использует американский художник Эндрю Уайет.

ТЕРРАКОТА (ит. – обожженная глина) — вид керамики, неглазурованные изделия из глины с пористым черепком. Терракота, начиная с эпохи неолита, представлена в основном мелкой пластикой, облицовочными плитами, рельефами, посудой. Терракотовые изделия могут иметь частичную или сплошную полировку.

ТОН (фр. — окраска) — степень светлоты, присущая цвету предмета в натуре и в произведении искусства. В живописи под тоном подразумевается светосила цвета, а также насыщенность цвета (краски). Можно говорить о тоне в пределах одного цвета, например красного: «светлый тон красной краски» или «темный тон красной краски».

ТОТЕМИЗМ – комплекс верований и обрядов родового общества, связанный с представлением о кровном родстве между родом и тотемом – видом животного или растения (иногда явлениями природы и неживым предметом). Каждый родовой коллектив носил имя своего тотема. Человек первобытной и традиционной культуры не выделяет себя из окружающей среды. Он относится к природе по-человечески, наделяя ее антропоморфными чертами, а свое бытие отождествляет с образом жизни природных явлений. Люди не видели в звере существо принципиально отличное от себя, они воспринимали его как «другого человека», непохожего только внешне. Человек и животное — носители одних и тех же свойств и качеств, они партнеры, родственники. Тотемизм воплощает в себе сакральную общность родового коллектива, его могущество, мудрость, силу и жизненную энергию. Тотем становится символом этого первобытного кровного единства.

187

ФАЮМСКИЙ ПОРТРЕТ – тип живописного погребального портрета, существовавший в I—III вв. в эллинистическом Египте, получивший название по месту первой находки (1887 г.) – оазис Фаюм в Египте. Фаюмские портреты выполнялись на деревянных досках или полотне в технике энкаустики (живопись восковыми красками). Происхождение фаюмского портрета связано с искусством Древнего Египта. В V—IV вв. до н. э. постепенно утрачивалось искусство мумифицирования, процедура захоронения упрощалась, и вместо дорогой погребальной маски на лицо умершего стали одевать гипсовую, расписную, а затем укладывать простую дощечку с портретом. Портреты писались с натуры, при жизни живописные образы портретируемых помещались на стены жилищ, а после их смерти вставлялись в бинты мумий. Памятникам, стилистически связанным с древнеегипетской традицией, присущи декоративность, широкая контурная обводка лица, графическая стилизация черт, преувеличенно большие глаза. Другая группа портретов отличается использованием античных изобразительных приемов – светотеневая моделировка , трехчетвертной поворот головы и индивидуализация образов. В III-IVвв. темпера полностью вытеснила технику энкаустики. Это произошло в связи с эволюцией стиля. Если восковая живопись наилучшим образом соответствовала выявлению объемности, материальности формы, то темпера придавала живописи более плоскостной характер. Строгая фронтальность, символически трактованные краски, подчеркнутые пропорции эмоционально настраивали на углубленное созерцание. Фаюмский портрет стал одним из прототипов искусства иконописи.

ФАЯНС (от названия итальянского города Фаэнца) – вид керамики, изделия из белой обожженной глины со специальными примесями, имеющие мелкопористый черепок и покрытые как прозрачной, так и непрозрачной глазурью. Фаянс внешне похож на фарфор, но отличается от него меньшим удельным весом, пористостью черепка, непрозрачностью, глазурью на нижнем ободке изделий. Впервые фаянс был создан в Китае предположительно в V в. В Европе секрет его изготовления открыли только в XVI в. Промежуточное положение между гончарными изделиями и фаянсом занимает полуфаянс. Его отличает черепок красного цвета с обмазкой из белой глины (ангоб), декор процарапывается по белому слою глины до красной глины после чего изделие покрывается прозрачной свинцовой глазурью и обжигается. Фаянс высшего качества называется опак. Область применения художественного фаянса широка — декоративные панно, мелкая пластика, посуда.

ФРОНТОН (лат. – лоб, лицо, лицевая сторона) — треугольная плоскость, завершающая фасад здания с двухскатной крышей. Фронтон в античной культуре и архитектуре стиля классицизм представляет собой равнобедренный пологий треугольник, отделенный от расположенной под ним стены карнизом. Два оформляющих его сверху карниза называются косыми. Обрамленное карнизами поле фронтона называется тимпан. Эта поверхность декорировалась скульптурами из известняка и мрамора, а в эпоху архаики в Древней Греции и расписывалась. В архитектуре барокко получил распространение фронтон в виде сегмента круга, т. н. лучковый. В этом стиле иначе выглядит и карнизное обрамление: 1) раскрепованный фронтон, карнизы которого имеют выступ в середине; 2) разорванный фронтон, карниз которого разомкнут над вершиной; 3) полуфронтон, у которого разомкнут нижний, горизонтальный карниз, так что между образовавшимися отрезками может располагаться вход или проем окна.

ФУНКЦИОНАЛИЗМ (дат. — исполнение, совершение) — течение в европейской и американской архитектуре 1930-е гг., стремившееся к максимальной утилитарности, функциональности зданий. Термин введен швейцарским теоретиком архитектуры З.Гидионом для характеристики всего «нетрадиционного зодчества» 1920-1930-х гг. Одним из первых теоретиков функционализма был венский архитектор Л.Бауэр, сформировавший еще в 1898 г. принцип «абсолютной целесообразности», тождественной «абсолютной красоте»: красиво то, что хорошо функционирует. В Великобритании последователем Л.Бауэра были архитекторы Д.Рескин и У.Моррисон, в Австрии – А.Лоос, в США – Р.Нейтр. В конце XIX в. функционализм получил законченное выражение у деятелей чикагской

188

школы Л.Салливана и Л.Мис ван дер Роэ. Идею Л.Салливана -«форму определяет функция» - подхватили западноевропейские архитекторы-рационалисты. Принципы функциональности разрабатывались во Франции Ле Корбузье, в Германии – архитекторами «Баухауза». Функционализм провозгласил переворот в истории архитектуры, совершаемый на путях смелого инженерного творчества. На структуру построек переносился принцип построения механизма. Здания расчленялись в точном соответствии с последовательностью функциональных процессов, для которых они предназначались. По выражению одного их лидеров функционализма Ле Корбузье, дом должен стать машиной для жилья. Архитектура функционализма, которая утверждала идеи художественно-технического прогресса и воплотила в себе подъем инженерного творчества, в гораздо большей степени, чем другие международные стили, представляла интернациональное явление. Однако по мере своего распространения функционализм терял черты творческого метода. Повсеместное, не зависящее от условий среды и климата насаждение форм, возникших в условиях Франции и Германии, противоречило исходному принципу рационального подхода к архитектуре. Последовательная абсолютизация технического начала привела к представлению об архитектуре как о нехудожественной деятельности, чуждой эстетике.

ХИАЗМ (греч. — крестообразное расположение) — принцип расположения стоящей человеческой фигуры, в которой тяжесть тела перенесена на одну ногу, при этом поднятому бедру соответствует опущенное плечо, а другому опущенному бедру – поднятое плечо. Принцип хиазма впервые возник в древнегреческой культуре периода классики. Его первооткрывателем считают скульптора Поликлета. Получил развитие в Италии в эпоху

Возрождения.

ХОККУ (ХАЙКУ) – традиционный жанр японской поэзии, возникший в XVII в. В его основу была положена начальная строфа шуточной рэнги. Хокку состоит из трех строчек и семнадцати слогов (5-7-5 слогов), не имеет ярко выраженной рифмы. По содержанию чаще всего связана с лирикой природы, полна символов, подтекста, намека, ассоциации.

ХОР (греч.) – в раннехристианских храмах место перед алтарем, предназначенное для певчих, позднее – вся восточная (алтарная) часть романского или готического храма. В музыкальном искусстве — 1) певческий коллектив; 2) музыкальное произведение для хора.

ХРАМ — культовое здание, предназначенное для богослужения и выполнения религиозных обрядов. Архитектура основных типов храмов (святилища, христианские церкви, мусульманские мечети, иудаистские синагоги, буддийские храмы) исторически видоизменялась соответственно развитию зодчества в разных странах и приобретала яркое национальное своеобразие. В течение тысячелетий храмы выполняли не только религиозные, но и некоторые общественные функции (в них проводились торжественные собрания, церемонии; многие храмы имели мемориальный характер). В символике архитектурных частей и декоративного убранства храма раскрывались основные черты мировоззрения эпохи. Монументальные здания храмов, расположенные в узловых точках города, имеют большое градостроительное значение.

ЦЕЛЛА (лат. — кладовая) — специальное помещение для хранения съестных припасов в древнеримских домах. Впоследствии внутренняя часть культовых зданий, святилищ, в которых хранились изображения божеств. В отличие от греческого наоса, целла делилась на три части, посвященные разным богам.

ЦЗАЦЗЮЙ (кит. — смешанные представления) – традиционный китайский театр,

возникший в ХП в. Для него характерен синтез драматической игры, вокала, музыки, танца, фехтования, акробатических упражнений. Актерами были только мужчины, для каждого из которых предусматривалось определенное амплуа с канонизированными движениями, жестами, изобразительными приемами. Декорации на сцене отсутствовали, поэтому перед началом спектакля актеры рассказывали зрителям о том, что должно произойти, давали характеристику персонажам, называли время и место действия. Игра оказывалась далекой от бытового правдоподобия. В гриме и костюмах была важна символика цвета; красный являлся символом смелости, желтый — императора, белый — подлости. Темп действия

189

зависел от значимости изображаемого события. Наиболее важные шли в замедленном темпе, второстепенные — в динамичном.

ШЕДУ (ассиро-вавилон. - «дух, охраняющий царя») — в археологии и искусствоведении образы добрых гениев-хранителей; статуи человекоголовых крылатых быков и львов, охраняющих входы во дворцы ассирийских и древнеиранских царей. Высота их достигает 5 м. Отличительной особенностью шеду является добавление, очевидно, с IX—XIII вв. до н. э., пятой, «шагающей», ноги, что создает иллюзию (при осмотре статуи сбоку) шага фантастического животного по направлению к зрителю. Одновременно сохранялось правило фронтальности изображения: статую видели или только в фас, или только в профиль. Наиболее известны статуи шеду, охраняющие входы во дворец Саргона II в Дур-Шаррукине (VIII в. до н. э.), и пропилеи Ксеркса в Персеполе (V в. до н. э.).

ШПАЛЕРА (ит.) — стенные безворсовые ковры, ткани с сюжетными и орнаментальными композициями, вытканные ручным способом. После появления в XVIII в. бумажных обоев название «шпалеры» длительное время сохранялось и за ними. Моделью для шпалеры, как правило, служил картом — живописный эскиз размером с ковер. Изображение создавалось цветными шерстяными и шелковыми, а также металлическими (золотыми и серебряными) нитями, плотно покрывающими неокрашенную основу (лен, шерсть) и образующими особую рубчатую фактуру. Шпалеры являются образцами средневекового монументальнодекоративного искусства, широко использовались для украшения жилых и парадных помещений. Их производство возникло в Западной Европе в XII—XIII вв. Крупными центрами средневекового искусства шпалеры являлись города Париж и Аррас.

ЭЗОТЕРИЧЕСКАЯ КУЛЬТУРА (греч. — внутренний) — разновидность элитарной культуры. Имеет своей основой системы учений и практик, предназначенных для узкого круга посвященных. Центральное место занимает мистический опыт, непосредственное переживание высших, сверхчеловеческих состояний, измененное состояние сознания. Памятники художественной культуры служат выражением этого опыта, а также средствами его достижения. Их отличает сложный символический язык. Для полноценного понимания произведений эзотерической культуры необходимо знание особых ключей, позволяющих расшифровать их скрытый смысл. При отсутствии таких ключевых знаний может быть воспринят лишь самый поверхностный уровень таких произведений. В культуре Древнего Востока эзотерические знания передавались только посвященным, в процессе мистерий. Эзотерическая культура и ее элементы характерны в основном для восточной религиозной культуры.

ЭКЛЕКТИЗМ (греч. – способный выбирать, выбирающий) — произвольное, механическое соединение разнородных художественных элементов в одной композиции или стилевой системе. В той или иной мере эклектизм существовал всегда как неизбежное следствие взаимовлияния разных культур. Наиболее заметное место в истории мировой художественной культуры занимает эклектизм архитектуры середины—второй половины XIX в. Его развитие явилось следствием кризиса и распада классицизма как художественной системы. В своих экспериментах довольно широко использовали формы разных

«исторических стилей» (романский стиль, готический стиль, барокко, рококо и др.).

Однако наследие прошлого было известно еще очень слабо, и изучение его носило поверхностный характер. Отсюда — явный акцент на декоративные орнаментальные детали. Но даже точное их воспроизведение не могло дать нужного результата. Получались сухие, жесткие, по существу безжизненные формы, которые не затрагивали основного – объемнопространственной композиции, образного строя архитектуры. Механическое соединение элементов разных «исторических стилей» не смогло стать исходной основой для выработки нового художественного стиля. Вместе с тем эклектизм с его «свободой выбора» архитектурных форм и орнаментальных мотивов оказал значительное влияние на становление целостного, но питающегося из самых разнообразных источников стиля модерн. В середине XX в. эклектичные тенденции получили широкое распространение в

190