из электронной библиотеки / 747436586301774.pdf

словесного описания, кино-, видео-, фонозаписи и т. л. Концептуализму была близка идея связи художественного и научного творчества, попытка превратить мир научных понятий, умопостигаемых явлений в предметы художественной деятельности, исследовать и показать сам процесс возникновения творческого замысла, не делая различия между архитектурой,

живописью, литературой, театром, музыкой. Концептуалистов более интересовал процесс созидания, а не готовое произведение как таковое. Они стремились показать формирование художественной идеи, раскрыть состав элементов, структуру замысла. Процесс творчества концептуалистами документировался, и зафиксированная идея приобретала особую ценность, как и любой документ в обществе. Художник становился в этом случае комментатором собственного творчества, зачастую беря на себя роль критика. Так, классическим образцом концептуализма явилась композиция Дж.Кошута «Один и три стула» (1965 г.), которая показала три «сущности» стула: сам стул, его фотографию и его же словесное описание. Таким образом, концептуальное искусство ориентировалось не столько на эмоциональное воздействие, сколько на интеллектуальное осмысление увиденного. Не случайно концептуализм претендовал на роль феномена современной культуры, объединяющего в себе искусство и науку, его претензии простирались до философского понимания жизни «индустриального общества». Впервые термин «концептуализм» был употреблен Г.Флинтом в 196! г. Адептами направления считаются американцы Р.Берри, Д.Хюблер, Л.Вейнер, Д.Грехэм, Э,Хессе и др. Концептуализм активно использовал в своем творчестве находки дадаизма, конструктивизма, поп-арта, реди-мейд М.Дюшана. Он стал переходным явлением от авангарда к постмодернизму.

Особое место занимал российский концептуализм, который формировался как реакция на «зрелый» социалистический реализм и на искусство периода застоя (конец 1960—середина 1980-х гг.). «Концепт» для российских представителей движения — это прежде всего текст передовицы в газете, лозунг, речевое или визуальное клише. На основе этого материала, при помощи авангардного метаязыка, описывающего советскую реальность, создавались произведения искусства. Среди художников-концептуалистов наибольшую известность получили (сначала на Западе) И.Кабаков, Э.Булатов.

KОPA (греч. - девушка) - обозначение скульптурных изображений девушек в искусстве Древней Греции. Эти художественные памятники найдены в различных культовых центрах и представляют собой задрапированные в одежды фигуры женщин, в облике которых присутствует архаическая обобщенность форм . Отличаются тонкой обработкой мрамора, из которого изготовлены. Отдельные детали (глаза, одежды) часто подцвечивались красками. Скульптурные изваяния иногда использовали как вертикальные опоры в архитектурной конструкции.

КОРИФЕЙ (греч. – вождь, предводитель) - руководитель хора в древнегреческом театре. В ходе спектакля вступал в диалог с персонажами пьесы.

КОСМИЗМ – термин, обозначающий совокупность течений философской и религиозной мысли, ставящих в центр своих исследований проблему космического всеединства всего живого, волю к мистико-интуитивному познанию внеземных пространств (например, в учении Н.Ф.Федорова). Эта философия легла в основу деятельности нескольких художественных направлений, близких к символистам либо работающих в жанре научной фантастики и космонавтики. В России космистами себя считали члены группы «Амаравелла», существовавшей в Москве в 1923-1928 гг. Название общества восходит к санскритскому слову «амаравати» - «обитель бессмертных». Творчество группы развивалось под влиянием Н.К.Рериха и М.Чюрлёниса. Деятели «Амаравеллы» (А.П.Сардан, Б.А.Смирнов-Русецкий, П.П.Фатеев, В.Т.Черноволенко, С.И.Шигалев) создавали живописные и графические произведения на инопланетно-галактические темы с мотивами оккультизма и восточной мистики. Космизм в художественной культуре непосредственно примыкает к более широкому жанру «фэнтэзи».

КОСМОГОНИЯ (греч. – мир, Вселенная и рождение, возникновение) – миф, повествование или учение о возникновении мира. Космогонии существовали еще на Древнем Востоке. В

161

античности космогонические поэмы (Геснод) в мифологической персонифицирующей форме («Теогония» - «Рождение богов») представляли собой первую попытку логического объяснения появления Вселенной, а также орфические учения (рождение мира из яйца и периодические обновления Вселенной).

КОСМОС (греч. – порядок, упорядоченность, мир, мироздание, красота) — мир как структурно организованное и упорядоченное целое, противоположность беспорядочной рассеянности, бесформенности. Во многих традициях слово «космос» служит обозначением самого закона, управляющего космосом как универсальной формы мироздания. Для древних греков космос актуализировал идею эстетически отмеченного порядка, красоты. Для традиционных обществ было характерно пространственное противопоставление между своим местом обитания и чужим. Свое - это мир, освоенный космос, все остальное - иное, чужое, хаотичное, населенное демонами, привидениями, духами и т. п. «Космичность» Земли заключается в ее священности, т.к. она является творением богов и сообщается с их миром. Хаос — это то, что пребывает в туманных, аморфных условиях, то, что может трансформироваться в космос. Космос всегда вторичен по отношению к хаосу, как во времени, так и по составу элементов. Переход от хаоса к космосу – процесс структуризации мира: отделение неба от земли, земного от подземного, мрака от света. Таким образом, возникает пространство, космическая модель мира, в которой вертикальная структура космоса трехчленна, иногда нижний мир трактуется как хаос. Горизонтальная структура выражается в четных числах элементов (четыре стороны света, правое и левое и т. д.). Образным выражением космоса в мифологиях выступают: древо мировое, гора мировая, человек (тождество макрокосма и микрокосма), боги. Мотив космизации может быть представлен как борьба богов и культурных героев с демонами, чудовищами и злыми духами. Мировые мифологии наполнены подобными сюжетами, которые впоследствии легли в основу многих памятников мирового искусства. Идея космоса как символа стабильности, упорядоченности и гармонии в различных художественных системах приобрела собственные черты. Так, в античности это скульптурное изображение совершенной человеческой фигуры, соразмерной и симметричной. В средневековье это прежде всего готический храм – образ божественной гармонии. В эпоху Возрождения — образ прекрасной, идеальной творческой личности, цельной по духу и натуре. А в искусстве классицизма - строгая организация композиции, четкое соблюдение планов, ритмов. Все это создает образ возвышенного, свободного, разумного и уверенного в своих целях общества.

КРАКЕЛЮРЫ (фр. - трещать) — трещины в грунте, красочном слое иконы или картины. КРАСКИ – жидкие, тестообразные или твердые вещества и составы, обладающие чистым и ровным цветовым тоном, хорошей окрашивающей способностью и устойчивостью к физическим и химическим воздействиям. Цветовая основа красок — порошкообразные сухие пигменты, качество которых зависит от тонкости помола. Связующие вещества определяют отличительные свойства красок в различных видах живописной техники (масля-

ная живопись, акварель, темпера, гуашь, пастель). По химическому составу краски разделяются на минеральные (неорганические соли или окислы металлов) и органические (сложные соединения, в основном растительного и животного происхождения); те и другие могут быть естественными и искусственными. Кроющими, или корпусными, называют непросвечивающие краски со значительной способностью отражения. Краски, пропускающие свет в сравнительно тонком слое, называются прозрачными и полупрозрачными (см. Лессировка). Водяными красками обычно называют акварель. Известно свыше полутораста красок для живописи, в т. ч. белила цинковые, свинцовые, стронциановая желтая, кадмий, хром, охра, сиена, умбра, киноварь зеленая, изумрудная зелень, кобальт, ультрамарин, жженая слоновая кость.

КРАСОТА – понятие, раскрывающие эстетическое совершенство предметов и явлений, их ценностное (культурное) значение для человека. Первые философские представления о красоте сформировались в древней философии (Аристотель, Гераклит, Платон) и связывались с образом космоса, который воспринимался в то время как воплощение

162

всеобщей гармонии, определенности и порядка. Человек относится к окружающему миру не только утилитарно (например, удовлетворяя свои физиологические потребности), но и созерцает его сквозь призму красоты. Это вызывает у него положительные эмоции, увлекает и обогащает его духовно. Понятие красоты является одним из основных в теории художественной культуры, оно выражает совершенство формы и глубину содержания произведений искусства, их культурное значение для человека. Представления о гармоничности бытия, о прекрасном воплотились в древнегреческой скульптуре и древнеримской архитектуре. Прекрасное человеческое тело стало основным объектом

изобразительного искусства эпохи Возрождения, которое подчеркивало сотворенность человека «по образу и подобию Божьему». Прекрасна русская художественная культура — иконопись средневековой Руси, архитектура XVIII в., живопись и музыка XIX столетия. Современное искусство расширяет сферу проявления красоты, находя ее воплощения во всех сферах бытия человека, в жизни общества и в окружающей природе. Красота – это мерило эстетического совершенства предмета, выражение его способности удовлетворять духовные потребности человека.

КРЕМЛЬ – центральная часть древнерусского города, обнесенная крепостной стеной. Кремль (до XIV в. – детинец) являлся местом жительства князя, оборонительным комплексом, вокруг которого располагалось поселение ремесленников и торговцев. Обычно для кремля выбиралось место на высоком берегу реки или озера. Это обеспечивало возвышенное положение кремля по отношению к окружающей местности, позволяло оградить его рвом, наполненным водой. Первоначально кремль укреплялся деревянными, а затем и каменными стенами с башнями. Постепенно складывалась традиционная для древнерусских городов кольцевая планировка. Кремли сохранились в Москве, Нижнем Новгороде, Новгороде, Пскове, Смоленске, Туле и других городах.

КРОМЛЕХ (от бретон. – круг и камень) – культовое сооружение эпохи неолита в виде круговых оград из огромных каменных глыб.

КСИЛОГРАФИЯ (греч. – дерево и пишу) – гравюра на дереве, основная техническая разновидность выпуклой гравюры, древнейшая техника гравюры вообще. Изображение в ксилографии отпечатывается с плоской поверхности деревянной доски, покрытой краской, от которой свободны углубления, вырезанные между элементами изображения. Для ксилографии чаще всего используют доски грушевого или букового дерева, на которых вырезаются те части гравюрного рисунка, которые должны оставаться белыми. В продольной или обрезной гравюре волокна доски параллельны ее поверхности и работа ведется в основном остроконечными ножами. Торцовая гравюра выполняется на доске с перпендикулярными к поверхности волокнами, используемый инструмент - штихель, который допускает очень тонкую и разнообразную технику. Возникновение обрезной гравюры связано с развитием резьбы по дереву, а также с появлением бумаги. Впервые ксилография появилась в Китае (VI в.). В Европе техника ксилографии стала использоваться для изготовления игральных карт и изображений религиозного содержания в XIV—XV вв. Около 1430 г. появились первые книжные иллюстрации-ксилографии. Крупнейшим мастером гравюры на дереве был А.Дюрер. В XVI в. получила развитие цветная ксилография (У.да Капри, Д.Беккауфи, Л.Кранах Старший, Х.Буркмайер и др.). Высокого уровня развития достигла техника ксилографии в Японии, где в XVII в. появились иллюстрированные книги, календари, путеводители и т. п. Крупнейшими мастерами японской ксилографии были Окумира Масанобу, Сундзуки Харунобу, Китагава Утамаро, Тесюсай Сяраку, Кацусика Хокусай, Андо Хиросигэ.

КУБИЗМ (фр. - куб) — авангардистское течение в изобразительном искусстве первой четверти XX в. Зародилось во Франции в результате кризиса фовизма на исходе 1910-х гг. Некоторые художники-экспериментаторы уходят от «драмы красок» фовизма и обращаются к проблемам пространства и системности в передаче цвета. Провозвестницей нового стиля стала картина П.Пикассо «Авиньонские девицы», написанная в 1907 г. Фигуры на картине идолообразны, они пугают, завораживают. Пикассо хотел добиться образов предельно

163

настораживающих и подавляющих все мысли и чувства. Лица на картине деформированы - на профиле одной из фигур глаз изображен анфас, а на лицах анфас носы прорисованы в профиль (такой прием называется «симультанизм» — одновременное совмещение нескольких плоскостей). Большое влияние на Пикассо и других кубистов оказало неевропейское искусство, в т. ч. ритуальное африканское (отсюда название «негритянский стиль»). Кубизм, начатый «Авиньонскими девицами», в целом был более радикальным, чем картина Пикассо. Становление стиля приходится на 1908—1909 гг. Объяснить его можно как творчество форм, выступающих как пластические эквиваленты реальных объектов и обладающих собственным бытием и символическим значением. Для него характерно стремление геометризировать форму. На первый план выдвинулись формальные эксперименты — конструирование объемной формы на плоскости, выявление простых устойчивых геометрических форм (куб, конус, цилиндр), разложение сложных форм на простые. Кроме П.Пикассо, первые работы в новом стиле создал также Ж. Брак. В истории авангардизма кубизм является одним из наиболее сложных для понимания стилей. Первая его стадия обычно называется «аналитической". Для нее характерны большие, равномерно окрашенные плоскости, тяжелая объемность, граненость пластических форм, кристаллизация. У объектов не было деталировки и индивидуального характера. Изображение выглядело пугающим. Господствовало стихийное, варварское начало, рождались «складные чудовища». Со временем в аналитическом кубизме краски делались светлее, плоскости дробились. Принцип симультанизма становился более распространенным. В 1911—1912 гг. происходит переход от «аналитической» стадии кубизма к «синтетической». В ней объекты на плоскости чередовались и наслаивались один на другой. Часть представлялась отвлеченно, иногда только внешними контурными линиями, которые могли обрываться, переходить в другие. В живопись вводились инородные материалы. Ж.Брак был первым, кто использовал в своих произведениях напечатанный механическим способом текст на бумаге. Такая техника известна под названием «кубистический коллаж». Используются этикетки, вырезки из газет. Коллаж обогащал фактуру живописи и вносил в образ особый смысл. Выбор текстов не был случайным, В произведениях кубистов часто звучала тема военных событий и социальной критики. Поэтому кубизм часто воспринимался как явление ультрареволюционное, своего рода «эстетический шок» для буржуазии. Помимо текстов, часто использовались реальные или детально прорисованные «настоящие» предметы, этим же создавался любопытный контраст с «геометрической» живописью. Это путь постепенно привел к созданию объемных изображений – «контррельефов», включавших природные материалы или бытовые предметы.

КУЛЬТУРА (лат. - возделывание, преобразование) – способ и результат человеческой деятельности, направленный на стабилизацию и развитие общества. Природа культуры сложна, многогранна и универсальна. Она связана с жизнедеятельностью человека и существует не рядом с ней, а пронизывает все сферы. В каждой из них она имеет свои проявления и формы выражения. В межличностных отношениях культура выступает в форме морали, этикета; в межэтнических и межгосударственных – в виде политики и морали, В процессе освоения человеком природы рождаются такие формы культуры, как мифология, религия, искусство, наука, технология. В сферу культуры входят знания и опыт человечества, накопленный им в различных областях — научной, социальной, художественной и технико-технологической. В деятельности человека она проявляется как ее технологическая, качественная сторона и выступает своеобразным критерием ее совершенства (например, производство орудий труда и предметов быта, приготовление пищи в первобытном и современном обществе осуществляется на различном культурном уровне). Культура находит выражение в образе жизни людей и составляет в нем его качественную основу. В целом же культура есть то особое состояние жизнедеятельности человека, которое отличает последнюю от биологической жизни животного. В обществе культура выполняет ряд функций. Основные из них – преобразовательная, познавательная,

164

коммуникативная, нормативная, воспитательная, а также адаптация и социализация индивида.

КУНСТКАМЕРА (нем, - кабинет редкостей, музей) -первый русский музей, открытый Петром I (1682-1725 гг.) в Петербурге в 1719 г. Основой послужила личная коллекция Петра I, приобретенная им во время путешествия по Западной Европе. Затем музей усиленно пополнялся различными «редкостями» и «монстрами". После смерти Петра I в кунсткамеру были переданы его личные вещи и предметы, сделанные его руками. Посещение музея поначалу было бесплатным, кроме того, посетителям предлагали чай и шоколад. В 1727 г. для кунсткамеры было построено специальное здание, в котором она располагается до сих пор. Ее экспонатами являются предметы культуры и быта различных народов.

КУПОЛ - одна из архитектурных форм покрытия зданий, напоминающая своими очертаниями полушар (правильной или вытянутой формы).

КУРВАТУРА (лат. – изгиб, закругление) – современный термин, применяющийся по отношению к античной архитектуре для обозначения небольшого искривления, едва заметного отклонения от геометрической прямолинейности отдельных частей здания. Целью курватуры является нейтрализация оптического искажения. Поскольку ровная поверхность кажется слегка вогнутой, ей придавали небольшую выпуклость.

КУРОС (греч. – юноша) – канонический тип культовой надгробной посвятительной статуи в древнегреческой архаической скульптуре (VII—VI вв. до н. э.) . Куросов иногда называют «архаическими Аполлонами». Но это вовсе не значит, что они являлись изображениями бога. Большинство из сохранившихся до наших дней статуй этого типа было найдено в святилищах Аполлона, что, очевидно, и предопределило это название. Образ куроса имперсонален, предельно обобщен. Очевидно, куросы являлись воплощением идеала физического совершенства героя-атлета, воина. Так же, как и фигуры кор, куросов отличает монументальность, геометричность, симметрия, замкнутость формы, отсутствие динамики, экспрессии. Глаза миндалевидной формы, волосы змеевидны, на губах характерная, т. н. «архаическая» улыбка. Руки опущены вдоль тела и прижаты к бедрам, левая нога, как правило, выдвинута вперед, что сближает статуи этого типа с древнейшими скульптурными памятниками. Фигуры куросов могли быть полихромны, причем раскраска весьма условной: например, волосы зеленые, борода синяя, а глаза красные.

КЭСЫ (кит. – резаный шелк) – тип многоцветных китайских тканых картин, выполненных из шелка на маленьких ручных станках. На границах цветовых участков существовали небольшие просветы, что дало название ткани. Изготовление тканых картин подобного типа очень трудоемко.

ЛЕССИРОВКА (нем. — покрывать глазурью) — тонкие прозрачные или полупрозрачные слои красок, которые наносятся на просохшие или полупросохшие основные, плотные красочные слои картины, чтобы изменить, ослабить или усилить цветовые тона, обогатить колорит, добиться его единства и гармонии. В XVI-XIX вв. наложение лессировки было, как правило, заключительным этапом работы художника над картиной.

ЛИБРЕТТО (ит. – книжечка) – текст оперы или другого произведения драматического вокального жанра или сценарий балета.

ЛИНОГРАВЮРА – гравюра на линолеуме, разновидность выпуклой гравюры, по технике сходная с ксилографией. К специфическим особенностям линогравюры относятся лаконизм художественного языка, резкие контрасты черного и белого, сочный и живописный штрих, получаемый благодаря мягкости материала, возможность быстро работать, использовать большой размер листа и цветную печать, высокая тиражность. Техника линогравюры появилась в начале XX века. Благодаря сравнительной простоте исполнения получила широкое распространение.

ЛИТОГРАФИЯ (греч. — камень и пишу) — разновидность графической техники, связанной с работой на камне (плотный известняк) или металлической пластинке (цинковой, алюминиевой), на которые сначала наносится жирным литографским карандашом или специальной тушью рисунок. Затем камень или дощечка обрабатываются кислотой

165

(воздействующей на непокрытую жиром поверхность), рисунок смывается; взамен наносится валиком типографская краска, которая пристает лишь к непротравленным частицам камня, в точности соответствующим рисунку. Литография изобретена в Германии А.Зенефельдером в 1798 г. В XIX в. она широко применялась для воспроизведения картин, черно-белых и цветных эстампов, книжных иллюстраций, географических карт и т. п. В технике литографии, привлекающей простотой и свободой исполнения, работали Ф.Гойя, Э.Делакруа, О.Домье, Т.Жерико и др. В России техника литографии привлекала известных художников О.А.Кипренского, А.Г.Венецианова, К.П.Брюллова, И.И.Шишкина и др. В XX в. к литографии обращались А.Матисс, П.Пикассо, М.Шагал, О.Кокошка и др. В 1930-х гг. литография стала вытесняться из сферы полиграфии более современной офсетной печатью. Потеряв промышленное значение, литография продолжает применятся для создания художественных эстампов.

ЛИТУРГИЯ – христианское богослужение, сопровождаемое обрядом причащения. Включает чтение отрывков из Библии, молитвы, песнопения. Синонимами литургии являются у католиков — месса, в России – обедня.

ЛОКАЛЬНЫЙ ЦВЕТ — в живописи основной и неизменный цвет изображаемых объектов, условный, лишенный оттенков, который возникает в природе под воздействием освещения, воздушной среды и т. д. Понятие «локальный цвет» впервые введено Леонардо да Винчи в «Трактате о живописи». Применение «локального цвета» характерно для

изобразительного искусства средневековья, Раннего Возрождения и классицизма,

«Локальный цвет» был отвергнут импрессионизмом, но вновь используется многими направлениями живописи XX в. (например, экспрессионизмом, кубизмом и др.).

ЛОХАНЬ (кит., санскр.) — в мифологии стран Дальнего Востока человек, достигший наивысшего духовного развития. Понятие о лохани как высшей ступени на пути превращения в Будду в мифологии и искусстве стран дальневосточного региона сливается с даосскими представлениями о мудром отшельнике, кудеснике, маге, достигшем долголетия и помогающем обрести его людям с помощью эликсира бессмертия. Статуи сидящих на пьедесталах монахов, имеющие ряд атрибутов (посохи, жезлы, чаши для подаяния, мечи, цветы лотоса), хранятся в специальных помещениях в буддийских и буддийско-даосских храмах. Изображения лоханей как целителей недугов, борцов против нечистой силы чрезвычайно популярны в искусстве Китая, Кореи и Японии.

ЛУБОК (дреенерус. – липовая тесина, кора) – одна из разновидностей народного изобразительного искусства. Получила распространение на Руси с XVII в., представляла собой изображение с пояснительными надписями, отличавшимися иносказательностью и юмором. Лубочная картина выполнялась сначала в технике ксилографии (вырезалась на липовых досках), затем гравюры на меди, литографии и дополнялась раскраской от руки. Местами производства и распространения лубочных картинок были старообрядческие монастыри, северные и подмосковные деревни, ремесленные посады, Москва. Из иконописной традиции рисованный лубок впитал одухотворенность и изобразительную культуру, а из книжной миниатюры заимствовал органическое сочетание текстовой и изобразительной частей, способы написания и декорировки инициалов, тщательность проработки рисунка и раскраски фигур и предметов. С середины XVIII в. появляется еще одна его разновидность – рисованный лубок. В отличие от массового печатного лубка рисованный исполнялся мастерами от руки с начала и до конца. Настенные листы исполнялись жидкой темперой, нанесенной по легкому карандашному рисунку. Мастера пользовались красками, разведенными на яичной эмульсии или камеди (клейкие вещества различных растений). Исчезновение искусства лубочных картинок в начале XX в. можно объяснить изменением психологии и образа жизни людей, что было связано с процессом урбанизации, подчинением цензуре, усилением противоречий социального развития и с некоторыми другими факторами.

МАВЗОЛЕЙ (лат.) – в архитектуре монументальная форма погребального сооружения, названного по имени правителя Мавсола. Последний повелел построить ему в г. Галикарнасе

166

в IV в. до н. э. храм-усыпальницу, впоследствии считавшуюся одним из семи чудес света. Для реализации своего замысла Мавсол пригласил лучших архитекторов того времени, а также знаменитых скульпторов . К сожалению, гробница Мавсола не сохранилась до наших дней, в XV в. рыцари, завоевавшие побережье Малой Азии, буквально разнесли мавзолей на куски, использовав их для строительства замка Святого Петра. Позднее на месте мавзолея была воздвигнута турецкая крепость Будрун. Занимаясь реконструкцией мавзолея, ученые предположили, что в действительности он представлял собой сочетание двух пирамид и храма с колоннадой. Для его украшения были использованы все три греческих архитектурных ордера. Нижняя ступенчатая пирамида служила основанием для храма с колоннадой, а верхняя, также ступенчатая, являлась крышей всего сооружения и увенчивалась мраморной квадригой - колесницей, запряженной четверкой лошадей. Колесница была пустой и являлась символом смерти возницы. Идея создания мавзолея оказалась более живучей, чем сама постройка. В первые века н. э. строились христианские усыпальницы-мавзолеи, а позднее и мусульманские. Широко известны мавзолеи древнеримских императоров.

МАЙОЛИКА (от названия испанского острова Майорка, откуда в Италию поступала испанская керамика) — в узком смысле – вид итальянских художественных керамических изделий XV-XVII вв. Майолика делалась из белой или серой глины, при этом ее пористый черепок покрывался двумя слоями глазури. Первый – белый, непрозрачный, оловянный — позволял расписывать поверхность изделия яркими красками по «сырому» фону еще до обжига, после чего поверх росписи наносился слой блестящей свинцовой глазури и изделие обжигалось. Относительно невысокая температура обжига позволяет сохранить богатую красочную палитру, поэтому итальянскую майолику отличает высокий художественный уровень росписи яркими красками – синей, желтой, зеленой, фиолетовой, которые превращали керамические изделия в произведения искусства.

МАНЬЕРИЗМ (ит. —манера, стиль) — направление в западноевропейском искусстве XVI в.,отразившее определенный кризис культуры Возрождения. Как сложившееся течение маньеризм возникает в Средней Италии в начале 1520-х гг. Вкартинах ощущается разрушение гармонии и жизнерадостности Высокого Возрождения. Эмоциональная напряженность (у Понтормо доходящая до истерии), вытянутые, причудливо изгибающиеся фигуры, пребывающие в беспокойном движении, сверхинтенсивные краски весьма характерны для раннего маньеризма. В это же время Пармиджанино («Мадонна во славе», «Мадонна с розой» (1528 г.), «Мадонна со святыми» (1529 г.), «Мадонна с длинной шеей» (1534 г.), «Мадонна со Св. Захарием») создает утонченный, «рафинированный» идеал красоты, для которого свойственны удлиненная фигура с маленькой головой, изысканность жестов, грациозная отрешенность. В зрелом маньеризме (1540-1590-е гг.) изящество форм, отвлеченная декоративность цвета окончательно побеждают «реализм» Высокого Возрождения. У А.Бронзино («Венера и Амур», 1545 г.) проявляется изломанность тел наряду с резкими контурами фигур. В портретах наблюдается стремление к эффектной передаче внешности изображаемых, в результате чего люди превращаются в красивые оболочки без внутреннего содержания. Вместе с тем Д.Вазари и Б.Челлини выражают типичную для маньеризма «змеевидность» фигур. Таким образом, к концу XVI в. маньеризм теряет жизненные силы, исчерпав себя как искусство «воображаемой реальности», «мечты о

прекрасном».

МАРГИНАЛЬНЫЕ УКРАШЕНИЯ — украшения на полях книги.

МАРИНА (лат. – морской) – картина с изображением морских видов и кораблей. Основной темой марины является морская стихия в том или ином проявлении, а также борьба с ней человека. Как самостоятельный вид пейзажа марина обособилась в европейском искусстве в XVII в. и пережила свой первый расцвет в творчестве голландских живописцев Я.Порселлиса, Х.Сегерса, В. ван де Велде и др. Среди крупнейших художников XVIII—XIX вв., обращавшихся к марине, - К.Ж.Верне во Франции, У .Тернер в

167

Великобритании, Кацусика Хокусай в Японии, И.К.Айвазовский в России. Художников, работающих в жанре марины, называют маринистами.

МАСЛО – вид живописной техники, в которой пигмент замешан на масле. Исполняется главным образом на хосте, дереве, картоне и т. п., покрытых грунтом (станковая живопись), или на известковой штукатурке (монументальная живопись). Техника масляной живописи разработана в начале XV века братьями Ван Эйк. Масляная жидкость делает цвет ярким, сочным, интенсивным, плотным, блестящем, прочным.

МАСТАБА (араб. — каменная скамья) – современное название древнеегипетских гробниц додинастического периода, эпох Раннего и Древнего царств. Наземное прямоугольное сооружение со слегка наклоненными к центру стенами возводилось над подземной погребальной камерой. Архитектура мастабы восходит к форме примитивного дома из сырцового кирпича. Вначале мастабу также строили из кирпича, она была сплошной и массивной, под ней находилась подземная часть с погребальной камерой, попасть в которую можно было через отвесную шахту. После погребения ствол шахты засыпали камнями и песком, следы входа в шахту уничтожали. В более поздние времена в одной из стенных ниш начали ставить стелу, похожую на ложную дверь. На ней писали имя усопшего и его звание. Древние египтяне считали, что через эту дверь входил «Ка» и принимал участие в заупокойных обрядах. Форма мастабы постоянно менялась в сторону увеличения надземной части. В ее интерьерах помещали статуи, настенные рельефы и росписи. В эпоху Древнего царства гробницы данного типа служили местом захоронения египетской знати, входили в архитектурный ансамбль пирамиды. Больше всего подобных гробниц было построено в Саккаре.

МАЭСТА (ит. – величие) – тип изображения Богородицы с младенцем Христом, окруженных ангелами и святыми. Впервые возник в католическом искусстве средневековой Западной Европы. Получил развитие в изобразительном искусстве эпохи Возрождения. В это время образы Богородицы и младенца Иисуса Христа становятся более реалистичными, а ангелы часто заменяются образами святых.

МЕГАЛИТЫ (греч. — большой и камень) — культовые сооружения из больших камней, необработанных или полуобработанных. К ним относятся дольмены, менгиры, кромлехи и различные типы каменных гробниц. Термин «мегалитическая гробница» используется в более широком смысле для обозначения любого подземного склепа, независимо от размеров камней, используемых при его постройке.

МЕДРЕСЕ (араб. – изучать) – среднее и высшее мусульманское учебное заведение, известное с IX в., предназначенное для подготовки служителей культа, учителей начальных мусульманских школ, а также служащих государственного аппарата. Чаще всего это одноили двухэтажные здания с примыкающими мечетью, аудиториями, кельями для студентов, которые образует четырехугольный в плане двор.

МЕНГИР (бретон. — камень и длинный) – один из видов мегалитических памятников. Вертикально стоящие камни (4-5 м), образующие иногда параллельные ряды. Имеет культовое значение.

МЕНЕСТРЕЛЬ (от позднелат. — состоящий на службе) – в средневековой Европе профессиональный странствующий музыкант и певец, находящийся в услужении у трубадура, В обязанности менестреля входило исполнение песен своего патрона, сопровождение пения трубадура на виеле – струнном смычковом инструменте. С ХШ в. – часто собирательное название большинства категорий странствующих музыкантов и певцов (вт. ч. и собственно трубадуров, а также жонглеров). С конца XIV в. – профессиональный музыкант, сочинявший музыку для танца и сопровождавший ее игрой на музыкальных инструментах.

МЕНТАЛИТЕТ (лат. – ум, образ мыслей, умонастроение, склад ума) — как термин появился в европейской научной традиции в середине XIX в. Одним из первых обратил серьезное внимание на проблему менталитета французский ученый Л.Леви-Брюль, который исследовал «коллективные представления» в «низших обществах». Выступая против

168

концепции эволюционистов, согласно которой первобытный человек есть «философствующий дикарь» и способ его мышления ничем не отличается от мышления современного человека, французский исследователь утверждал, что для первобытной культуры характерно «дологическое» мышление. Необычную с современной точки зрения форму отношений человека к миру в «низших обществах» ученый именует первобытным менталитетом, при этом не отрицает существование подобных мыслительных структур в развитой культуре. К такому типу мышления он относил, например, религию. С конца XIX в. этот термин встречается не только во французском, но и в других европейских языках.

Висследованиях на правах достаточно строгого научного понятия слово менталитет применяется лишь с конца 1920-х гг. Обретение им устойчивого научного положения связано прежде всего с французской школой «Анналов» - школой историков, получившей наименование по названию издаваемого ею журнала. В современной науке менталитет понимается как присущая индивиду или определенной социальной общности совокупность специфического склада мышления и чувств, ценностных ориентации и установок. Менталитет, с одной стороны, является своеобразной призмой, через которую человек смотрит на мир, а с другой стороны, играет активную роль в его жизни. Он пронизывает все сферы духовной жизни общества и в немалой степени обусловливает его социальную ориентацию, определяет отношение индивида к труду, праву, политической системе и другим социальным институтам. Менталитет формирует соответствующую художественную культурную картину мира и в значительной мере определяет образ жизни, поведение человека и форму отношений между людьми. Менталитет как специфическая форма коллективного чувства, мышления и сознания влияет на оценку событий, и в этом проявляется его связь с системой ценностной ориентации. Как и мировоззрение, он является специфической формой отношений человека к миру. Однако менталитет отличается и от мировоззрения, и от ценностной ориентации своим синкретическим характером (см. Синкретизм). Он шире по объему, и основу его, в отличие от последних, составляют преимущественно подсознательные структуры. Как и идеология, менталитет выражает интересы определенной социальной общности и влияет на поведение людей. Но если в идеологии социум осознает цели и смысл своего существования, свои интересы и потребности и формулирует их в виде теорий, то в менталитете интересы, цели и мотивы поведения восходят к бессознательному слою психики и не могут быть выражены в рациональных формах.

Впоследнее время наряду с понятием «менталитет» стал применяться производный от него термин «ментальность». Эти понятия соотносятся между собой как общее и особенное. Если под менталитетом понимается некое специфическое явление, характерное для человека вообще (в том смысле, в каком применяются понятия «сознание», «мышление»), то под ментальностью — форма его конкретного проявления. В этой связи говорят о ментальности (но не о менталитете) определенных социальных общностей или групп (русская, немецкая, английская ментальность, ментальность дворянства, купечества, крестьянства, студенчества и т. д.), о ментальности определенного культурно-исторического периода (ментальность первобытного общества, ментальность эпохи Ренессанса, ментальность советского периода русской истории), а также о ментальности отдельного человека. Каждый народ обладает своей ментальностью, уникальной способностью воспринимать реальность и создавать свою неповторимую картину мира, что находит выражение в его искусстве. Поэтому постижение специфики ментальности определенного этноса ведет к пониманию особенностей его художественной культуры. Основу ментальности может составлять поэтическое, романтическое начало или, напротив, трезвый реализм, практицизм, прагматизм, образное мышление или аналитический склад ума, надежда на общественные институты (государство, партии) или преимущественно на себя. Так, в основе русской ментальности усматривается эмоциональное начало, и по этому признаку она противопоставляется, например, ментальности немцев. Характер менталитета определяется той средой, в которой живет социальная общность. Окружающая человека природная среда – лес или тундра, пустыня

169

или джунгли, устойчивый или изменчивый климат – определяет условия жизни людей, род их занятий (охота, земледелие, ремесло или скотоводство), их материальные и духовные интересы, а все это вместе взятое в конечном счете опосредованно оказывает влияние на процесс формирования менталитета.

MECCA (лат. — посылаю, отпускаю) — главное богослужение католической церкви (см. Литургия). Вокальное или вокально-инструментальное произведение на латинском языке на текст определенных разделов одноименного католического богослужения.

МЕТАФИЗИЧЕСКОЕ ИСКУССТВО (греч. – после природы, иррациональное, алогичное,

таинственное) – художественное течение авангардной живописи), сформировавшееся в Италии в 1914-1918 гг. в г. Ферраре и соединяющее определенную пространственно-пласти- ческую упорядоченность изображения с идеей о сверхчувственности и непостижимости мира. Он открывается человеку загадочным сочетаниями реальных предметов, фигур, ирреальных объектов, потусторонний духовный смысл которых остается тайной. Символом этой живописи стали изображения манекенов в картинах основателей движения Дж. де Кирико, а также К.Карра, М.Сирони, Д.Моранди. Впоследствии единственным лидером остался де Кирико, в картинах которого геометризация и застылость форм символизировали «вечность, метафизику времени и пространства», иррациональные связи между внешне не связанными предметами. Метафизическое искусство было близко символизму, явилось предтечей сюрреализма. Так, в 1924 г. Дж. де Кирико с большим успехом выставлял свои «метафизические» картины на первой выставке французских сюрреалистов.

МЕЦЕНАТ — так звали приближенного императора Августа в Древнем Риме, известного своим покровительством поэтам и художникам. Имя приобрело нарицательный смысл, т. е. покровитель науки и искусства. В России меценатство было широко распространено в Х1Хначале XX вв. Русские предприниматели сумели развить широкую деятельность и поддержать русской культуру. Многие сделали свои коллекции произведений искусства основой доступных народу музейных собраний: Третьяковская галерея, Щукинский и Морозовский музеи современной французской живописи, Бахрушинский театральный музей, собрание русского фарфора А.В. Морозова, собрание икон С.П.Рябушинского, собрание картин В.О.Гиршмана, М.П.Рябушинского и т. д. Меценаты из числа предпринимателей субсидировали частную оперу С.М.Мамонтова, оперу С.И.Зимина.

МЕЧЕТЬ (араб. «маеджид» — место, где совершаются земные поклоны) — культовое здание в исламе, в котором совершаются богослужения и произносятся проповеди. Вместе с тем это не только молитвенное, но и общественное здание . В мечети хранилась казна, объявлялись указы, правители и наместники обращались к народу с политическими речами. Здесь принимали жалобщиков и вели судебное разбирательство. До появления медресе в мечети еще и обучали. Кроме того, в ней мог переночевать приезжий. Первая мечеть была построена вскоре после прибытия Мухаммеда в Йасриб (Медина) в селении Куба и представляла собой квадратный двор с навесом вдоль стен. Единственный вход был с запада, следовательно, молящиеся, как и в церкви, обращались лицом на восток. В середине 623 г. мечеть такого же типа была построена в самой Медине рядом с домом Мухаммеда, но уже ориентированная с севера на юг, в сторону ал-Кабы. После завоевания Мекки Мухаммедом (630 г.) ал-Каба с окружающим ее двором также была превращена в мечеть. Были лишь выброшены идолы и замазаны росписи. Только эта постройка была в полном смысле слова храмом, а остальные считались общественными зданиями, в которых совершались моления.

МИНЕРАЛЬНАЯ ЖИВОПИСЬ — техника монументально-декоративной живописи, в которой связующим веществом служит растворимое жидкое стекло. Минеральная живопись близка фреске, в конце работы она закрепляется силикатным связующим. Техника минеральной живописи не ограничивает художника во времени, допускает поправки и перерывы в работе, не нуждается в исполнении по частям. Прочностью красочного слоя минеральная живопись превосходит фреску и пригодна также для наружных росписей. Минеральная живопись была разработана в XIX в. А.Кеймом.

170