из электронной библиотеки / 696235884446651.pdf

этого стиля внес Н.Буало («Поэтическое искусство», 1674 г.). Несмотря на несовпадение взглядов авторов теории классицизма, созданная ими концепция явилась целостным учением. В ней нашли отражение основные нормы и принципы классицистского метода художественного творчества, понимание проблемы красоты и правды в искусстве, отношение искусства к природе, определена его социальная роль. Как и Возрождение, классицизм обращается к античной художественной традиции. Образцом и своего рода каноном для художественного творчества он считает античное искусство (отсюда происходит и название этого стиля: классический – значит образцовый). Но в отличие от Ренессанса, французский классицизм интересует не столько демократическая Греция, сколько аристократический Рим. Ориентация классицизма на античность определила содержание решаемых им художественных проблем. Провозгласив в соответствии с античной традицией принцип первенства природы, которой должно подражать искусство.

Клейма – на иконе небольшие композиции с самостоятельным сюжетом, расположенные вокруг центрального изображения.

КОВЧЕГ (старослав. - ящик, коробка) – в иконописи средняя углубленная часть иконы, вокруг которой оставались поля. Обеспечивала лучшую сохранность изображения.

КОКОШНИК – у славянских народов вид женского головного убора в (форме веера (полукружия) вокруг головы, украшенного кружевом, шитьем, бисером или жемчугом. В русской культовой архитектуре – ложная закомара, имеющая не конструктивное, а декоративное значение. Кокошники располагаются на стенах, сводах, у оснований шатров и барабанов. Могут украшаться фресками на библейские темы.

КОЛЛАЖ (фр. – наклеивание) — технический прием в изобразительном искусстве, заключающийся в наклеивании на какую-нибудь основу материалов, отличающихся по цвету и фактуре. Впервые в художественном творчестве стал использоваться кубистами, футуристами и дадаистами (см. Кубизм, Футуризм и Дадаизм). Применяется главным образом в графике ради усиления эмоциональной выразительности произведения посредством неожиданного сочетания разнородных материалов. В коллаже вещи образуют как бы два пласта значений. Первый - это сами вещи, второй - их символическое содержание, которое возникает благодаря их соотнесенности. Последний пласт является выражением субъективных намерений и ассоциаций художника. В музыке XX в. коллаж — введение в сочинение стилистически чуждых фрагментов из произведений других композиторов.

КОЛОКОЛЬНЯ – башня с открытым ярусом для подвешивания церковных колоколов. Включалась в композицию храма или ставилась рядом с ним. Колокольни в русской архитектуре строились различными по форме (круглой, восьмигранной) и имели значение высотных композиционных центров в кремлях, монастырях и даже городах, покрывалась шатром с главной. В итальянском культовом зодчестве колокольня называется кампанилой.

КОЛОННА (фр.) - вертикальная опора любого вида, простейший элемент стоично-балочной конструкции. Простейшей примитивной формой колонны явились дольмены в первобытной культуре. В культуре Древнего Востока колонны изначально были связаны с деревянной конструкцией. Но поскольку в Египте существовал дефицит строительного леса, именно здесь получили развитие колонны из известняка, гранита, песчаника, имитирующие стволы папируса, пальмы, лотоса. Форму колонны египтяне использовали не столько конструктивно, сколько декоративно. В гипостилях толщина колонн и расстояние между ними рассчитывались таким образом, что, откуда бы на них ни смотрели, они производили впечатление сплошной стены, леса колонн. Это ощущение возникало из-за отсутствия просвета между опорами. В древнеегипетских колоннах

впервые появляются капители. Колонны в Древней Греции выражали антропоморфизм, рациональный характер культуры, являлись частью архитектурного ордера, его несущей системой. Они выполняли как конструктивную, так и художественную функцию, поэтому здесь имели значение и пропорции колонны, и соотношение ее высоты и диаметра с размерами всего сооружения, и характер обработки.

КОЛОННАДА – рад колонн. Чаще всего колоннада является переходным звеном от окружающего здание пространства к интерьеру. Снаружи к зданию примыкает ряд портиков или галерей, которые и соединяются с ним посредством ряда колонн. Колоннада иногда связывает в единое целое несколько зданий. Она может также устанавливаться в больших залах для организации парадного интерьера. В садовопарковой архитектуре колоннада используется как самостоятельное сооружение.

КОЛОРИТ (лат. — цвет) — определенный тип цветового единства, в котором различные краски, влияя друг на друга, подчиняются определенному цветовому строю, выражающему художественный смысл и содержание картины. Колорит связан с контрастом, с противопоставлением цветов. Его можно определить как принцип организации контрастов. Например: колорит локальных цветов в иконописи, колорит художественных школ, колорит живописца.

КОЛОСС (греч. – большая статуя) - скульптурный памятник гигантских размеров, значительно превосходивший натуральную величину. Впервые возник в Древнем Египте. Как правило, это были статуи фараонов, которые попарно (от двух до шести) ставили у входа в храм. Фигуры вырубались из монолита, (высота их достигала 20 м, вес — 1000 т. В Древней Греции под колоссами сначала понимали статуи и небольших размеров. Затем семантика этого слова изменилась. Колоссом называли знаменитую гигантскую статую бога Гелиоса, созданную скульптором Харетом из Линда в 285 г. до н. э. (Колосс Родосский), Ее высота превышала 30 м. ВОследствии эта статуя была названа одним из семи чудес света. В Древнем Риме в форме колоссов изображали императоров. Самый знаменитый из них колосс Нерона.

КОМПОЗИЦИЯ (лат. — составление, связывание) — один из основных принципов построения художественного произведения, обусловленный его содержанием, назначением, определяющий его идейное единство и смысловую целостность. Главная функция композиции — искусно связать все элементы, создающие единую систему образов. В различных видах искусства ее составляющие различны, а роль - специфична. В визуальных искусствах она объединяет частные моменты построения художественной формы, организует внутреннюю структуру произведения, его соотношение с окружающей средой. Так, в архитектуре композиция обеспечивает соотношение идейнохудожественных принципов, функционального назначения, конструктивных особенностей и градостроительной роли зданий и сооружений. В изобразительном искусстве композиция (наряду с перспективой) образует «систему координат изобразительного поля картины, где перспектива характеризует параметры изображения пространства, а композиция - длительность и время происходящего. В литературе и музыке композиция обеспечивает расположение всех частей произведения во времени и в развитии. Композиция в музыке не только создает структуру произведения, но и означает само сочинение как вид художественного творчества. Структурные элементы композиции сложны и многообразны. Это сюжетное построение, перспектива, ракурс, симметрия, ритм, рисунок, колорит, светотень, построение изобразительных планов, а также группировка действующих лиц, их позы, жесты, мимика, взгляды и т. д.

КОНДО (яп. - золотой зал) — главный храм буддийского монастырского комплекса, где находилось изображение Будды и другие основные объекты поклонения. Возникает в Японии с VI-VII вв. по мере распространения буддийских монастырей.

Наряду с кондо в монастырский комплекс включались кондо (помещение для пришедших послушать проповедь) и пагода. В более позднее время появились другие дополнительные помещения. Центральные ворота монастыря украшались крышей и скульптурами божеств-охранителей.

КОНСТРУКТИВИЗМ (лат. – построение) - одно из главных направлений авангардного искусства, провозгласившее такую организацию («конструкцию») художественного произведения, при которой на первое место выдвигалась бы его функциональная, а не эстетическая значимость. Отсюда другое название конструктивизма - «производственное искусство». Первыми конструктивистами были архитекторы модерна Т.Гарнье и П.Беренс. Эйфелева башня в Париже – самое известное конструктивистское сооружение. В начале XX в. течение сформировалось в изобразительном искусстве. Его родоначальником считается российский художник В.Татлин, который в 1913-1914 гг. создал ряд т. н. «Угловых рельефов», выведя кубофутуристические структуры с плоскости холста в реальное пространство (при этом использовались «реальные» материалы: бумага, дерево, жесть, клей и т. п.). Революция в России стала своеобразным импульсом для дальнейшего развития этого направления. Конструктивисты с энтузиазмом поддержали социальные преобразования в стране, считая коммунистические идеи созвучными своим. Так, А.Ган, один из лидеров движения, заявлял: «Советский строй и его практика – единственная школа конструктивизма... Наш конструктивизм поставил ясные цели: найти коммунистическое выражение материальных сооружений». Центрами организации конструктивизма становятся ВХУТЕМАС (с 1920 г.), ИН-ХУК (с 1921 г.), издававшийся В.Маяковским журнал «ЛЕФ» (с 1922 г.). При этом одно из главных назначений своего искусства художники видели в создании агитационно-пропагандистской продукции (агитплакаты, окна РОСТА, украшение улиц в дни пролетарских праздников и т. п.).

КОНТРКУЛЬТУРА (лат. – против и культура) - особый тип культуры, создателями и носителями которой являются разнородные по идейной и культурной ориентации группы молодежи (хиппи, битники, «новые левые» и др.), противопоставляющие себя традиционному образу жизни и официальным ценностям. Протест таких групп выражается в разнообразных формах: от пассивного неприятия до крайнего экстремизма, порой общедемократические ценности сливаются с анархистскими или леворадикальными идеями. Борьба с «приобретательской» психологией нередко сочетается с отрицанием существующей культуры, ненавистью к техническим достижениям, увлечением нетрадиционными религиями.

КОНЦЕПТУАЛИЗМ (англ. - идея, общий замысел) – течение авангардного искусства

1960-1980 гг., произведения которого представляют композиции из «концептов» — предметов, символизирующих «атрибуты цивилизации». При этом сущность творчества для концептуалистов состояла не в выражении какой-то определенной идеи посредством художественных методов, а в ее непосредственном представлении, прежде всего в виде словесного описания, кино-, видео-, фонозаписи и т. л. Концептуализму была близка идея связи художественного и научного творчества, попытка превратить мир научных понятий, умопостигаемых явлений в предметы художественной деятельности, исследовать и показать сам процесс возникновения творческого замысла, не делая различия между архитектурой, живописью, литературой, театром, музыкой.

Концептуалистов более интересовал процесс созидания, а не готовое произведение как таковое. Они стремились показать формирование художественной идеи, раскрыть состав элементов, структуру замысла. Процесс творчества концептуалистами документировался, и зафиксированная идея приобретала особую ценность, как и любой документ в обществе. Художник становился в этом случае комментатором собственного творчества, зачастую беря на себя роль критика. Так, классическим образцом концептуализма явилась композиция Дж.Кошута «Один и три стула» (1965 г.), которая показала три «сущности»

стула: сам стул, его фотографию и его же словесное описание. Таким образом, концептуальное искусство ориентировалось не столько на эмоциональное воздействие, сколько на интеллектуальное осмысление увиденного. Не случайно концептуализм претендовал на роль феномена современной культуры, объединяющего в себе искусство и науку, его претензии простирались до философского понимания жизни «индустриального общества». Впервые термин «концептуализм» был употреблен Г.Флинтом в 196! г. Адептами направления считаются американцы Р.Берри, Д.Хюблер, Л.Вейнер, Д.Грехэм, Э,Хессе и др. Концептуализм активно использовал в своем творчестве находки дадаизма, конструктивизма, поп-арта, реди-мейд М.Дюшана. Он стал переходным явлением от авангарда к постмодернизму.

Особое место занимал российский концептуализм, который формировался как реакция на «зрелый» социалистический реализм и на искусство периода застоя (конец 1960— середина 1980-х гг.). «Концепт» для российских представителей движения — это прежде всего текст передовицы в газете, лозунг, речевое или визуальное клише. На основе этого материала, при помощи авангардного метаязыка, описывающего советскую реальность, создавались произведения искусства. Среди художников-концептуалистов наибольшую известность получили (сначала на Западе) И.Кабаков, Э.Булатов.

KОPA (греч. - девушка) - обозначение скульптурных изображений девушек в искусстве Древней Греции. Эти художественные памятники найдены в различных культовых центрах и представляют собой задрапированные в одежды фигуры женщин, в облике которых присутствует архаическая обобщенность форм . Отличаются тонкой обработкой мрамора, из которого изготовлены. Отдельные детали (глаза, одежды) часто подцвечивались красками. Скульптурные изваяния иногда использовали как вертикальные опоры в архитектурной конструкции.

КОРИФЕЙ (греч. – вождь, предводитель) - руководитель хора в древнегреческом театре. В ходе спектакля вступал в диалог с персонажами пьесы.

КОСМИЗМ – термин, обозначающий совокупность течений философской и религиозной мысли, ставящих в центр своих исследований проблему космического всеединства всего живого, волю к мистико-интуитивному познанию внеземных пространств (например, в учении Н.Ф.Федорова). Эта философия легла в основу деятельности нескольких художественных направлений, близких к символистам либо работающих в жанре научной фантастики и космонавтики. В России космистами себя считали члены группы «Амаравелла», существовавшей в Москве в 1923-1928 гг. Название общества восходит к санскритскому слову «амаравати» - «обитель бессмертных». Творчество группы развивалось под влиянием Н.К.Рериха и М.Чюрлѐниса. Деятели «Амаравеллы» (А.П.Сардан, Б.А.Смирнов-Русецкий, П.П.Фатеев, В.Т.Черноволенко, С.И.Шигалев) создавали живописные и графические произведения на инопланетно-галактические темы с мотивами оккультизма и восточной мистики. Космизм в художественной культуре непосредственно примыкает к более широкому жанру «фэнтэзи».

КОСМОГОНИЯ (греч. – мир, Вселенная и рождение, возникновение) – миф,

повествование или учение о возникновении мира. Космогонии существовали еще на Древнем Востоке. В античности космогонические поэмы (Геснод) в мифологической персонифицирующей форме («Теогония» - «Рождение богов») представляли собой первую попытку логического объяснения появления Вселенной, а также орфические учения (рождение мира из яйца и периодические обновления Вселенной).

КОСМОС (греч. – порядок, упорядоченность, мир, мироздание, красота) — мир как структурно организованное и упорядоченное целое, противоположность беспорядочной рассеянности, бесформенности. Во многих традициях слово «космос» служит

обозначением самого закона, управляющего космосом как универсальной формы мироздания. Для древних греков космос актуализировал идею эстетически отмеченного порядка, красоты. Для традиционных обществ было характерно пространственное противопоставление между своим местом обитания и чужим. Свое - это мир, освоенный космос, все остальное - иное, чужое, хаотичное, населенное демонами, привидениями, духами и т. п. «Космичность» Земли заключается в ее священности, т.к. она является творением богов и сообщается с их миром. Хаос — это то, что пребывает в туманных, аморфных условиях, то, что может трансформироваться в космос. Космос всегда вторичен по отношению к хаосу, как во времени, так и по составу элементов. Переход от хаоса к космосу – процесс структуризации мира: отделение неба от земли, земного от подземного, мрака от света. Таким образом, возникает пространство, космическая модель мира, в которой вертикальная структура космоса трехчленна, иногда нижний мир трактуется как хаос. Горизонтальная структура выражается в четных числах элементов (четыре стороны света, правое и левое и т. д.). Образным выражением космоса в мифологиях выступают: древо мировое, гора мировая, человек (тождество макрокосма и микрокосма), боги. Мотив космизации может быть представлен как борьба богов и культурных героев с демонами, чудовищами и злыми духами. Мировые мифологии наполнены подобными сюжетами, которые ВОследствии легли в основу многих памятников мирового искусства. Идея космоса как символа стабильности, упорядоченности и гармонии в различных художественных системах приобрела собственные черты. Так, в античности это скульптурное изображение совершенной человеческой фигуры, соразмерной и симметричной. В средневековье это прежде всего готический храм – образ божественной гармонии. В эпоху Возрождения — образ прекрасной, идеальной творческой личности, цельной по духу и натуре. А в искусстве классицизма - строгая организация композиции, четкое соблюдение планов, ритмов. Все это создает образ возвышенного, свободного, разумного и уверенного в своих целях общества.

КРАКЕЛЮРЫ (фр. - трещать) — трещины в грунте, красочном слое иконы или

картины.

КРАСКИ – жидкие, тестообразные или твердые вещества и составы, обладающие чистым и ровным цветовым тоном, хорошей окрашивающей способностью и устойчивостью к физическим и химическим воздействиям. Цветовая основа красок — порошкообразные сухие пигменты, качество которых зависит от тонкости помола. Связующие вещества определяют отличительные свойства красок в различных видах живописной техники

(масляная живопись, акварель, темпера, гуашь, пастель). По химическому составу краски разделяются на минеральные (неорганические соли или окислы металлов) и органические (сложные соединения, в основном растительного и животного происхождения); те и другие могут быть естественными и искусственными. Кроющими, или корпусными, называют непросвечивающие краски со значительной способностью отражения. Краски, пропускающие свет в сравнительно тонком слое, называются прозрачными и полупрозрачными (см. Лессировка). Водяными красками обычно называют акварель. Известно свыше полутораста красок для живописи, в т. ч. белила цинковые, свинцовые, стронциановая желтая, кадмий, хром, охра, сиена, умбра, киноварь зеленая, изумрудная зелень, кобальт, ультрамарин, жженая слоновая кость.

КРАСОТА – понятие, раскрывающие эстетическое совершенство предметов и явлений, их ценностное (культурное) значение для человека. Первые философские представления о красоте сформировались в древней философии (Аристотель, Гераклит, Платон) и связывались с образом космоса, который воспринимался в то время как воплощение всеобщей гармонии, определенности и порядка. Человек относится к окружающему миру не только утилитарно (например, удовлетворяя свои физиологические потребности), но и созерцает его сквозь призму красоты. Это вызывает у него положительные эмоции,

увлекает и обогащает его духовно. Понятие красоты является одним из основных в теории художественной культуры, оно выражает совершенство формы и глубину содержания произведений искусства, их культурное значение для человека. Представления о гармоничности бытия, о прекрасном воплотились в древнегреческой скульптуре и древнеримской архитектуре. Прекрасное человеческое тело стало основным объектом

изобразительного искусства эпохи Возрождения, которое подчеркивало сотворенность человека «по образу и подобию Божьему». Прекрасна русская художественная культура

— иконопись средневековой Руси, архитектура XVIII в., живопись и музыка XIX столетия. Современное искусство расширяет сферу проявления красоты, находя ее воплощения во всех сферах бытия человека, в жизни общества и в окружающей природе. Красота – это мерило эстетического совершенства предмета, выражение его способности удовлетворять духовные потребности человека.

КРЕМЛЬ – центральная часть древнерусского города, обнесенная крепостной стеной. Кремль (до XIV в. – детинец) являлся местом жительства князя, оборонительным комплексом, вокруг которого располагалось поселение ремесленников и торговцев. Обычно для кремля выбиралось место на высоком берегу реки или озера. Это обеспечивало возвышенное положение кремля по отношению к окружающей местности, позволяло оградить его рвом, наполненным водой. Первоначально кремль укреплялся деревянными, а затем и каменными стенами с башнями. Постепенно складывалась традиционная для древнерусских городов кольцевая планировка. Кремли сохранились в Москве, Нижнем Новгороде, Новгороде, Пскове, Смоленске, Туле и других городах.

КРОМЛЕХ (от бретон. – круг и камень) – культовое сооружение эпохи неолита в виде круговых оград из огромных каменных глыб.

КСИЛОГРАФИЯ (греч. – дерево и пишу) – гравюра на дереве, основная техническая разновидность выпуклой гравюры, древнейшая техника гравюры вообще. Изображение в ксилографии отпечатывается с плоской поверхности деревянной доски, покрытой краской, от которой свободны углубления, вырезанные между элементами изображения. Для ксилографии чаще всего используют доски грушевого или букового дерева, на которых вырезаются те части гравюрного рисунка, которые должны оставаться белыми. В продольной или обрезной гравюре волокна доски параллельны ее поверхности и работа ведется в основном остроконечными ножами. Торцовая гравюра выполняется на доске с перпендикулярными к поверхности волокнами, используемый инструмент - штихель, который допускает очень тонкую и разнообразную технику. Возникновение обрезной гравюры связано с развитием резьбы по дереву, а также с появлением бумаги. Впервые ксилография появилась в Китае (VI в.). В Европе техника ксилографии стала использоваться для изготовления игральных карт и изображений религиозного содержания в XIV—XV вв. Около 1430 г. появились первые книжные иллюстрации- ксилографии. Крупнейшим мастером гравюры на дереве был А.Дюрер. В XVI в. получила развитие цветная ксилография (У.да Капри, Д.Беккауфи, Л.Кранах Старший, Х.Буркмайер и др.). Высокого уровня развития достигла техника ксилографии в Японии, где в XVII в. появились иллюстрированные книги, календари, путеводители и т. п. Крупнейшими мастерами японской ксилографии были Окумира Масанобу, Сундзуки Харунобу, Китагава Утамаро, Тесюсай Сяраку, Кацусика Хокусай, Андо Хиросигэ.

КУБИЗМ (фр. - куб) — авангардистское течение в изобразительном искусстве первой четверти XX в. Зародилось во Франции в результате кризиса фовизма на исходе 1910-х гг. Некоторые художники-экспериментаторы уходят от «драмы красок» фовизма и обращаются к проблемам пространства и системности в передаче цвета. Провозвестницей нового стиля стала картина П.Пикассо «Авиньонские девицы», написанная в 1907 г. Фигуры на картине идолообразны, они пугают, завораживают.

Пикассо хотел добиться образов предельно настораживающих и подавляющих все мысли и чувства. Лица на картине деформированы - на профиле одной из фигур глаз изображен анфас, а на лицах анфас носы прорисованы в профиль (такой прием называется «симультанизм» — одновременное совмещение нескольких плоскостей). Большое влияние на Пикассо и других кубистов оказало неевропейское искусство, в т. ч. ритуальное африканское (отсюда название «негритянский стиль»). Кубизм, начатый «Авиньонскими девицами», в целом был более радикальным, чем картина Пикассо. Становление стиля приходится на 1908—1909 гг. Объяснить его можно как творчество форм, выступающих как пластические эквиваленты реальных объектов и обладающих собственным бытием и символическим значением. Для него характерно стремление геометризировать форму. На первый план выдвинулись формальные эксперименты — конструирование объемной формы на плоскости, выявление простых устойчивых геометрических форм (куб, конус, цилиндр), разложение сложных форм на простые. Кроме П.Пикассо, первые работы в новом стиле создал также Ж. Брак. В истории авангардизма кубизм является одним из наиболее сложных для понимания стилей. Первая его стадия обычно называется «аналитической". Для нее характерны большие, равномерно окрашенные плоскости, тяжелая объемность, граненость пластических форм, кристаллизация. У объектов не было деталировки и индивидуального характера. Изображение выглядело пугающим. Господствовало стихийное, варварское начало, рождались «складные чудовища». Со временем в аналитическом кубизме краски делались светлее, плоскости дробились. Принцип симультанизма становился более распространенным. В 1911—1912 гг. происходит переход от «аналитической» стадии кубизма к «синтетической». В ней объекты на плоскости чередовались и наслаивались один на другой. Часть представлялась отвлеченно, иногда только внешними контурными линиями, которые могли обрываться, переходить в другие. В живопись вводились инородные материалы. Ж.Брак был первым, кто использовал в своих произведениях напечатанный механическим способом текст на бумаге. Такая техника известна под названием «кубистический коллаж». Используются этикетки, вырезки из газет. Коллаж обогащал фактуру живописи и вносил в образ особый смысл. Выбор текстов не был случайным, В произведениях кубистов часто звучала тема военных событий и социальной критики. Поэтому кубизм часто воспринимался как явление ультрареволюционное, своего рода «эстетический шок» для буржуазии. Помимо текстов, часто использовались реальные или детально прорисованные «настоящие» предметы, этим же создавался любопытный контраст с «геометрической» живописью. Это путь постепенно привел к созданию объемных изображений – «контррельефов», включавших природные материалы или бытовые предметы.

КУЛЬТУРА (лат. - возделывание, преобразование) – способ и результат человеческой деятельности, направленный на стабилизацию и развитие общества. Природа культуры сложна, многогранна и универсальна. Она связана с жизнедеятельностью человека и существует не рядом с ней, а пронизывает все сферы. В каждой из них она имеет свои проявления и формы выражения. В межличностных отношениях культура выступает в форме морали, этикета; в межэтнических и межгосударственных – в виде политики и морали, В процессе освоения человеком природы рождаются такие формы культуры, как мифология, религия, искусство, наука, технология. В сферу культуры входят знания и опыт человечества, накопленный им в различных областях — научной, социальной, художественной и технико-технологической. В деятельности человека она проявляется как ее технологическая, качественная сторона и выступает своеобразным критерием ее совершенства (например, производство орудий труда и предметов быта, приготовление пищи в первобытном и современном обществе осуществляется на различном культурном уровне). Культура находит выражение в образе жизни людей и составляет в нем его качественную основу. В целом же культура есть то особое состояние жизнедеятельности человека, которое отличает последнюю от биологической жизни животного. В обществе

культура выполняет ряд функций. Основные из них – преобразовательная, познавательная, коммуникативная, нормативная, воспитательная, а также адаптация и социализация индивида.

КУНСТКАМЕРА (нем, - кабинет редкостей, музей) -первый русский музей, открытый Петром I (1682-1725 гг.) в Петербурге в 1719 г. Основой послужила личная коллекция Петра I, приобретенная им во время путешествия по Западной Европе. Затем музей усиленно пополнялся различными «редкостями» и «монстрами". После смерти Петра I в кунсткамеру были переданы его личные вещи и предметы, сделанные его руками. Посещение музея поначалу было бесплатным, кроме того, посетителям предлагали чай и шоколад. В 1727 г. для кунсткамеры было построено специальное здание, в котором она располагается до сих пор. Ее экспонатами являются предметы культуры и быта различных народов.

КУПОЛ - одна из архитектурных форм покрытия зданий, напоминающая своими очертаниями полушар (правильной или вытянутой формы).

КУРВАТУРА (лат. – изгиб, закругление) – современный термин, применяющийся по отношению к античной архитектуре для обозначения небольшого искривления, едва заметного отклонения от геометрической прямолинейности отдельных частей здания. Целью курватуры является нейтрализация оптического искажения. Поскольку ровная поверхность кажется слегка вогнутой, ей придавали небольшую выпуклость.

КУРОС (греч. – юноша) – канонический тип культовой надгробной посвятительной статуи в древнегреческой архаической скульптуре (VII—VI вв. до н. э.) . Куросов иногда называют «архаическими Аполлонами». Но это вовсе не значит, что они являлись изображениями бога. Большинство из сохранившихся до наших дней статуй этого типа было найдено в святилищах Аполлона, что, очевидно, и предопределило это название. Образ куроса имперсонален, предельно обобщен. Очевидно, куросы являлись воплощением идеала физического совершенства героя-атлета, воина. Так же, как и фигуры кор, куросов отличает монументальность, геометричность, симметрия, замкнутость формы, отсутствие динамики, экспрессии. Глаза миндалевидной формы, волосы змеевидны, на губах характерная, т. н. «архаическая» улыбка. Руки опущены вдоль тела и прижаты к бедрам, левая нога, как правило, выдвинута вперед, что сближает статуи этого типа с древнейшими скульптурными памятниками. Фигуры куросов могли быть полихромны, причем раскраска весьма условной: например, волосы зеленые, борода синяя, а глаза красные.

КЭСЫ (кит. – резаный шелк) – тип многоцветных китайских тканых картин, выполненных из шелка на маленьких ручных станках. На границах цветовых участков существовали небольшие просветы, что дало название ткани. Изготовление тканых картин подобного типа очень трудоемко.

ЛЕССИРОВКА (нем. — покрывать глазурью) — тонкие прозрачные или полупрозрачные слои красок, которые наносятся на просохшие или полупросохшие основные, плотные красочные слои картины, чтобы изменить, ослабить или усилить цветовые тона, обогатить колорит, добиться его единства и гармонии. В XVI-XIX вв. наложение лессировки было, как правило, заключительным этапом работы художника над картиной.

ЛИБРЕТТО (ит. – книжечка) – текст оперы или другого произведения драматического вокального жанра или сценарий балета.

ЛИНОГРАВЮРА – гравюра на линолеуме, разновидность выпуклой гравюры, по технике сходная с ксилографией. К специфическим особенностям линогравюры относятся лаконизм художественного языка, резкие контрасты черного и белого, сочный и

живописный штрих, получаемый благодаря мягкости материала, возможность быстро работать, использовать большой размер листа и цветную печать, высокая тиражность. Техника линогравюры появилась в начале XX века. Благодаря сравнительной простоте исполнения получила широкое распространение.

ЛИТОГРАФИЯ (греч. — камень и пишу) — разновидность графической техники, связанной с работой на камне (плотный известняк) или металлической пластинке (цинковой, алюминиевой), на которые сначала наносится жирным литографским карандашом или специальной тушью рисунок. Затем камень или дощечка обрабатываются кислотой (воздействующей на непокрытую жиром поверхность), рисунок смывается; взамен наносится валиком типографская краска, которая пристает лишь к непротравленным частицам камня, в точности соответствующим рисунку. Литография изобретена в Германии А.Зенефельдером в 1798 г. В XIX в. она широко применялась для воспроизведения картин, черно-белых и цветных эстампов, книжных иллюстраций, географических карт и т. п. В технике литографии, привлекающей простотой и свободой исполнения, работали Ф.Гойя, Э.Делакруа, О.Домье, Т.Жерико и др. В России техника литографии привлекала известных художников О.А.Кипренского, А.Г.Венецианова, К.П.Брюллова, И.И.Шишкина и др. В XX в. к литографии обращались А.Матисс, П.Пикассо, М.Шагал, О.Кокошка и др. В 1930-х гг. литография стала вытесняться из сферы полиграфии более современной офсетной печатью. Потеряв промышленное значение, литография продолжает применятся для создания художественных эстампов.

ЛИТУРГИЯ – христианское богослужение, сопровождаемое обрядом причащения. Включает чтение отрывков из Библии, молитвы, песнопения. Синонимами литургии являются у католиков — месса, в России – обедня.

ЛОКАЛЬНЫЙ ЦВЕТ — в живописи основной и неизменный цвет изображаемых объектов, условный, лишенный оттенков, который возникает в природе под воздействием освещения, воздушной среды и т. д. Понятие «локальный цвет» впервые введено Леонардо да Винчи в «Трактате о живописи». Применение «локального цвета» характерно для изобразительного искусства средневековья, Раннего Возрождения и классицизма, «Локальный цвет» был отвергнут импрессионизмом, но вновь используется многими направлениями живописи XX в. (например, экспрессионизмом, кубизмом и др.).

ЛОХАНЬ (кит., санскр.) — в мифологии стран Дальнего Востока человек, достигший наивысшего духовного развития. Понятие о лохани как высшей ступени на пути превращения в Будду в мифологии и искусстве стран дальневосточного региона сливается с даосскими представлениями о мудром отшельнике, кудеснике, маге, достигшем долголетия и помогающем обрести его людям с помощью эликсира бессмертия. Статуи сидящих на пьедесталах монахов, имеющие ряд атрибутов (посохи, жезлы, чаши для подаяния, мечи, цветы лотоса), хранятся в специальных помещениях в буддийских и буддийско-даосских храмах. Изображения лоханей как целителей недугов, борцов против нечистой силы чрезвычайно популярны в искусстве Китая, Кореи и Японии.

ЛУБОК (дреенерус. – липовая тесина, кора) – одна из разновидностей народного изобразительного искусства. Получила распространение на Руси с XVII в., представляла собой изображение с пояснительными надписями, отличавшимися иносказательностью и юмором. Лубочная картина выполнялась сначала в технике ксилографии (вырезалась на липовых досках), затем гравюры на меди, литографии и дополнялась раскраской от руки. Местами производства и распространения лубочных картинок были старообрядческие монастыри, северные и подмосковные деревни, ремесленные посады, Москва. Из иконописной традиции рисованный лубок впитал одухотворенность и изобразительную

культуру, а из книжной миниатюры заимствовал органическое сочетание текстовой и изобразительной частей, способы написания и декорировки инициалов, тщательность проработки рисунка и раскраски фигур и предметов. С середины XVIII в. появляется еще одна его разновидность – рисованный лубок. В отличие от массового печатного лубка рисованный исполнялся мастерами от руки с начала и до конца. Настенные листы исполнялись жидкой темперой, нанесенной по легкому карандашному рисунку. Мастера пользовались красками, разведенными на яичной эмульсии или камеди (клейкие вещества различных растений). Исчезновение искусства лубочных картинок в начале XX в. можно объяснить изменением психологии и образа жизни людей, что было связано с процессом урбанизации, подчинением цензуре, усилением противоречий социального развития и с некоторыми другими факторами.

МАВЗОЛЕЙ (лат.) – в архитектуре монументальная форма погребального сооружения, названного по имени правителя Мавсола. Последний повелел построить ему в г. Галикарнасе в IV в. до н. э. храм-усыпальницу, ВОследствии считавшуюся одним из семи чудес света. Для реализации своего замысла Мавсол пригласил лучших архитекторов того времени, а также знаменитых скульпторов . К сожалению, гробница Мавсола не сохранилась до наших дней, в XV в. рыцари, завоевавшие побережье Малой Азии, буквально разнесли мавзолей на куски, использовав их для строительства замка Святого Петра. Позднее на месте мавзолея была воздвигнута турецкая крепость Будрун. Занимаясь реконструкцией мавзолея, ученые предположили, что в действительности он представлял собой сочетание двух пирамид и храма с колоннадой. Для его украшения были использованы все три греческих архитектурных ордера. Нижняя ступенчатая пирамида служила основанием для храма с колоннадой, а верхняя, также ступенчатая, являлась крышей всего сооружения и увенчивалась мраморной квадригой - колесницей, запряженной четверкой лошадей. Колесница была пустой и являлась символом смерти возницы. Идея создания мавзолея оказалась более живучей, чем сама постройка. В первые века н. э. строились христианские усыпальницы-мавзолеи, а позднее и мусульманские. Широко известны мавзолеи древнеримских императоров.

МАЙОЛИКА (от названия испанского острова Майорка, откуда в Италию поступала испанская керамика) — в узком смысле – вид итальянских художественных керамических изделий XV-XVII вв. Майолика делалась из белой или серой глины, при этом ее пористый черепок покрывался двумя слоями глазури. Первый – белый, непрозрачный, оловянный — позволял расписывать поверхность изделия яркими красками по «сырому» фону еще до обжига, после чего поверх росписи наносился слой блестящей свинцовой глазури и изделие обжигалось. Относительно невысокая температура обжига позволяет сохранить богатую красочную палитру, поэтому итальянскую майолику отличает высокий художественный уровень росписи яркими красками – синей, желтой, зеленой, фиолетовой, которые превращали керамические изделия в произведения искусства.

МАНЬЕРИЗМ (ит. —манера, стиль) — направление в западноевропейском искусстве XVI в.,отразившее определенный кризис культуры Возрождения. Как сложившееся течение маньеризм возникает в Средней Италии в начале 1520-х гг. Вкартинах ощущается разрушение гармонии и жизнерадостности Высокого Возрождения. Эмоциональная напряженность (у Понтормо доходящая до истерии), вытянутые, причудливо изгибающиеся фигуры, пребывающие в беспокойном движении, сверхинтенсивные краски весьма характерны для раннего маньеризма. В это же время Пармиджанино («Мадонна во славе», «Мадонна с розой» (1528 г.), «Мадонна со святыми» (1529 г.), «Мадонна с длинной шеей» (1534 г.), «Мадонна со Св. Захарием») создает утонченный, «рафинированный» идеал красоты, для которого свойственны удлиненная фигура с маленькой головой, изысканность жестов, грациозная отрешенность. В зрелом маньеризме (1540-1590-е гг.) изящество форм, отвлеченная декоративность цвета