из электронной библиотеки / 696235884446651.pdf

Модерн коснулся прежде всего архитектуры и прикладного искусства. Для него характерно отрицание классических традиций. Основой стиля было использование пластических возможностей «ковкости» металла и особенностей железобетона, применение стекла и майолики. Все это привело к новому образу зданий, таких как доходные дома, богатые особняки, банки, театры, вокзалы.

Для архитектуры и ДПИ модерна характерны деформация привычных очертаний (изогнутые карнизы, криволинейные формы оконных проемов, подчеркнутая асимметрия и т.д.), введение причудливых орнаментов из ломаных, разорванных и кривых линий.

Крыша выдвигается сильно вперед, стена обрабатывается просто как стена, окна стараются связать при помощи орнамента. Орнамент – важное новообразование стиля. Он имеет текучую, вялую линию. Архитектурные формы и орнаментальные мотивы стиль заимствует у живой природы (изгибы сосудов, кованые решетки). В орнаменте преобладают линии овала, прямоугольника и др. геометрические фигуры. Мотивы пропущены через экзотический вкус (формы аиста, бабочек, цветка лилии, ириса, водоросли, русалки).

Интерьер, где преобладали небольшие комнаты, иногда неправильной формы, создается символическими картинами, стенами, потолками и даже соседними комнатами.

Модерн проявлялся также в скульптуре, живописи, графике, декоративных тканях

– во всем, что окружало человека.

Цветовой гамме модерна присущи приглушенные, блеклые тона с преобладанием фиолетовых, серых, жухло-зеленых, бледно-золотистых оттенков.

Вконце 19 в. сменяли новые материалы в строительстве, возводились новые здания

ипостройки

Провозвестник нового стиля – Эйфелева башня (высота 312 м.).

Галерея машин – сооружена из металлических форм со стеклянным перекрытием пролета в 112,5 м.

Лекция 20. Западноевропейская культура ХХ в.

Цель изучения темы – познакомить с особенностями развития западноевропейской культуры ХХ в.

Задачи: дать общую характеристику западноевропейской культуры ХХ века; рассмотреть особенности развития западноевропейской литературы, изобразительного искусства, архитектуры, музыки, театрального искусства, кинематографии ХХ в.

20.1. Общая характеристика западноевропейской культуры ХХ в.

Вторая научно-техническая революция (конец XIX – начало XX в.) дала миру электрическое освещение, бытовые электроприборы, электро- и автомобильный транспорт, самолет, телефон, телеграф, конвейерную систему производства и другие достижения науки и техники, которые оказали влияние на социально-экономическое развитие человеческого общества и его культуру.

Влияние технического прогресса затронуло и сферу художественной культуры, что выразилось в возникновении новых и «модернизации» уже существовавших ее видов, революционном перевороте в области распространения художественных произведений. Решающую poль здесь сыграли изобретения радио, звуко- и видеозаписи, фотографии, кинопроекции и др. Следует отметить и активное включение художественного творчества непосредственно в процесс создания предметов материальной культуры, ярким выражением чего является дизайн. В целом можно говорить не только об увеличении разнообразия в сфере художественной культуры, но и о расширении границ искусства в рассматриваемый период.

Однако, несколько упрощая образ, на наш взгляд, следует выделить два главных уровня в этой сфере культуры – высокое (элитарное) искусство и массовую культуру,

мощный рост пласта массовой которой был вызван прежде всего техногенными процессами в обществе, стандартизацией условий труда и быта, достаточно быстрым ростом народонаселения и некоторыми другими факторами.

20.2.Развитие западноевропейской литературы ХХ в.

Взападноевропейской литературе начала XX в. не было радикальных новшеств по сравнению с XIX в., но появилась целая плеяда писателей большого таланта. Во Франции это

Клодель, Анатоль, Ромен Роллан. Расцвет переживает французский роман, его язык (М. Пруст, Ф. Мориак).

Но европейская художественная литература XX в. сохраняет верность и классическим традициям – это произведения английского романиста Д. Голсуорси, немецких писателей Т. Манна, французских писателей Р. Роллана, А. Франса и многих других. И это отличает ее от других видов культуры.

Вто же время европейская литература испытала воздействие модернизма, что проявляется в поэзии (французские поэты П. Элюар и Л. Арагон были ведущими фигурами сюрреализма) и прозе (романы М. Пруста, например, «В поисках утраченного времени», Ф. Кафки «Процесс», «Замок», «Америка» – отражают сознание человека перед лицом окружающего его абсурда, они были ответом на события Первой мировой войны, породившей поколение, получившее в литературе название «потерянного»).

Писатели литературы ХХ в. А. Камю и Ж.П. Сартр в художественной форме ставят проблемы человеческого существования, такие, как жизнь, смерть, тоска, беспокойство, грусть, печаль и др. Зачастую способом иносказания они передают свои мировоззренческие позиции.

Влитературе наряду с авангардистским или модернистским направлением сохранялось реалистическое направление, представленное творчеством широко известных литераторов (Б. Шоу, С. Цвейг и др.), а также более молодыми реалистами (Э.М. Ремарк, Р.

Олдингтон и др.).

20.3. Развитие изобразительного искусства и архитектуры Западной Европы ХХ в.

Весьма отчетливо происходила поляризация в области изобразительного искусства и архитектуры. В первой половине XX в. развивались различные направления, такие, как дадаизм, сюрреализм, кубизм, футуризм, экспрессионизм и др.

Дадаизм (от фр. – конек, деревенская лошадка, детский лепет (1916, Швейцария; Париж; просуществовал до 1922 г.) и его последующая форма – сюрреализм, были отражением послевоенного мироощущения абсурдности любой системы и самого человеческого бытия. Искусство рассматривалось как средство высвобождения подсознательного в целях преобразования мира. К дадаизму примкнули художники Дюшан, Миро и поэты Арагон, Бретон. Это было кратковременное, пестрое и хаотичное авангардистское направление, охарактеризованное самими дадаистами как лишенное логики. Его авторы на выставках представляли различные коллажи в виде, например, наклеенных на холст окурков, газет, опилок. При этом демонстрация подобных «произведений» сопровождалась под стать им «музыкой» – ударами в ящики и банки, танцами в мешках. Дадаисты откровенно презирали традиционное искусство. Так, в «Моне Лизе» Дюшана (1919) к знаменитому портрету Леонардо были добавлены усы и борода.

На почве дадаизма в 20-е гг. во Франции возник сюрреализм. Сам термин ввел поэт Г. Аполлинер в 1917 г., принципы направления были сформулированы в «Манифесте сюрреализма», написанном поэтом А. Бретоном и опубликованном в журнале сюрреалистов. Возникнув в литературе, сюрреализм перешел в живопись, театр и кино.

Сюрреализм (от франц. – сверхреализм) – направление, провозгласившее источником художественного творчества сферу подсознательного (инстинкты, сновидения и др.). Сюрреализм основан на интуитивизме Бергсона, психоанализе Фрейда, герменевтических (герменевтика – искусство толкования текстов) принципах Дильтея. Фантазия, интуиция, бессознательное синтезируются в творческий акт, который, в свою очередь, допускает «соединение несоединимого», «правило несоответствия», «свободные ассоциации». Первым сюрреалистом в живописи был Андре Массон (1896-1987).

Заинтересовавшись проблемой бессознательного, Массон занялся рисунками пером, произвольно водя по бумаге, позднее он стал наклеивать на бумагу различные кусочки ткани, песок и т.д. А. Эрнст экспериментировал в технике коллажа, фотомонтажа, прибегая к сюрреалистическим образам. Но самым главным представителем этого течения был Сальвадор Дали. В начале своего творчества Дали под влиянием теории психоанализа 3. Фрейда использовал в своих картинах ошеломляющие фантастические образы, он называл их «рисованными фотографиями снов». Вот название одной из картин Дали: «Остатки автомобиля, дающие рождение слепой лошади, убивающей телефон».

Кубизм – авангардистское направление, в произведениях которого предметный мир разлагают на простейшие геометрические формы, образующие произвольные схемы, созданные «свободным» воображением художника (П. Пикбссо, Ж. Брак)

Футуризм – литературно-художественное направление в Италии и России; отвергало прошлое, традиционную культуру во всех ее проявлениях, воспевали будущее; в живописи преобладают вертящиеся, мелькающие, взрывоподобные зигзаги, спирали, эллипсы, воронки

(Дж. Балла, Л. Руссоло).

Экспрессионизм – течение в литературе и искусстве, в котором прослеживается полный отказ от иллюзорного пространства, плоскостная трактовка предметов, несгармонизированные сочетания (Э.Л. Кирхнер, Э. Нольдė), излюбленные персонажи – преступники, душевнобольные, – такова мрачная поэтика направления; выражает угнетающий пессимизм, свидетельствующий о растерянности и душевном опустошении, болезненное мироощущение, присущее периодам социальных кризисов и беспокойства.

На архитектурный стиль XX в. прежде всего повлияли следующие факторы: демографические процессы, рост численности населения, в первую очередь В городах, рост числа самих городов в связи с развитием промышленных предприятий, развитие научно-технической революции и появление бетона и железобетона. В связи с этим в строительстве происходят такие изменения, как уплотнение застройки, рост этажности жилых зданий, вытеснение массивов зелени. Принципиально меняется лицо построек, идет отказ от классической архитектуры, появляется стиль модерн. Внешние черты этого стиля – множество кривых линий (изогнутые карнизы, криволинейные формы оконных проемов), подчеркнутая асимметрия и нагромождение декоративных элементов (например, построенный по проекту испанского архитектора А. Гауди кафедральный собор «Ла Саграда Фамилия» в Барселоне (не достроен).

Стиль модерн в архитектуре постепенно сменялся функционализмом (Ле Корбюзье), составными элементами которого были утилитаризм, техницизм и рационализм. И такие материалы, как бетон и железобетон, оказались «королями» этого стиля.

Появляются города-спутники, «ситэ-жарден» (город-сад). Примером такого решения в 1944 г. был проект английского архитектора П. Аберкромби «Большой Лондон», предусматривавший создание в радиусе 3050 км от Лондона восьми таких городов.

Развитие техники во второй половине XX в. предоставило архитекторам широкие возможности: разнообразные кривые, параболы, эллипсы создают в архитектуре новые художественные образы. Свойства бетона позволяют, например, увеличить пролеты перекрытий, что особенно успешно применяется при строительстве мостов, художественный образ которых в наибольшей мере отражает характер архитектуры конца столетия. Транспортные сооружение сегодняшнего дня вообще наиболее адекватно соответствуют современному архитектурному эстетическому идеалу: в многоярусных гаражах, развязках больших городов особенно проявляется сочетание логического и художественного типов мышления.

20.4. Развитие музыки, театрального искусства

икинематографии Западной Европы в ХХ в.

Вмузыке также прогрессирует модернистское направление, представленное экспрессионизмом, конструктивизмом, импрессионизмом.

Европейская музыкальная культура XX столетия характеризуется двумя основными тенденциями: связью с классикой и дальнейшим развитием классической музыкальной культуры, а также стремлением к новым средствам звукового выражение. Первая тенденция проявилась в итальянской опере.

Представителями классической музыки в XX в. являются австрийский композитор Г. Малер и английский композитор В. Бриттен. Бриттен – автор многих опер (например «Сон в летнюю ночь», «Смерть в Венеции» и др.), в которых классика, национальные традиции сочетаются с современными музыкальными средствами. Г. Малер, известный своими симфониями, подготовил почву для возникновения музыкального экспрессионизма. Симфонию «Песнь о Земле» (для солистов и оркестра) Малер создавал 21 год (1888-1909); она – важнейшее явление симфонической музыки XX столетия. Его продолжателем был теоретик экспрессионизма австрийский композитор А. Шѐнберг, глава «новой венской школы», основатель атональной музыки и додекафонии (вид композиторской техники ХХ в., когда музыкальная ткань выводится из 12-ти звучных серий). Известна его вокальносимфоническая композиция «Уцелевшие из Варшавы».

Последние два десятилетия театральная жизнь Франции, как и Европы в целом, стала более разнообразной. В одном Париже в настоящее время свыше 50 театров, в которых зритель может найти постановки на любой вкус: от вечных творений классиков – Шекспира, Расина, Чехова – в «Комеди Франсез» и «Одеоне» до современных драматургов Беккета и Ионеско в авангардистских театрах и остроумных комедий в «театрах бульваров». Ежегодно в Авиньоне, Оранже, Ниме и других городах Франции на древних римских аренах или в средневековых замках проходят театральные фестивали, привлекающие тысячи зрителей из многих стран. Подобные зрелищные мероприятия практикуются в Италии: на развалинах Форума, Колизея, Терм Каракаллы проходят поражающие своей грандиозностью спектакли, постановки классических итальянских опер на античные сюжеты. Так, постановка оперы Верди «Аида» в Термах Каракаллы создает захватывающее ощущение присутствия зрителя в гуще происходящих событий. Все это является поиском новых театральных форм, доступных массе зрителей.

XX в. узнал поразительное развитие «седьмого искусства» – кинематографа,

который, став звуковым в 1927 г., с приходом таких личностей, как М. Корне («Набережная туманов», «Дети райка»), Ж. Ренуар («Великая иллюзия», «Правило игры») и др., пытается завоевать независимость.

Синтетический вид искусства – стремительное и всепроникающее кино, вобравшее в себя элементы других направлений культуры (музыки, литературы, театра), продемонстрировало миллионам зрителей высокий профессионализм режиссуры и блистательное мастерство таких выдающихся актеров, как Д. Мазина, С. Лорен (Италия),

Л. Оливье, В. Ли (Англия), М. Дитрих, Ц. Леандр (Германия), (Швеция), А. Жирардо, Ж. Трентиньян, Ж. Депардье (Франция) и др..

Характерная тенденция последних двух десятилетий – театральные работы многих киноактеров под руководством таких выдающихся театральных режиссеров, как Р. Планшон, А. Витез, А. Мнушкина, Д. Месгиш. «Лишь в театре можно чувствовать себя служителями высокого искусства», – говорят киноактеры.

Вопросы для самоконтроля

1.Дайте общую характеристику культуры Западной Европы ХХ в.

2.Какие изменения произошли в изобразительном искусстве и архитектуре Западной Европы ХХ в.

3.Как развивалась западноевропейская музыка, театр, кинематография в ХХ в., что нового они привнесли в культуру?

Лекция 21. Модернизм в изобразительном искусстве ХХ в.

Цель изучения темы – познакомить с основными модернистскими направлениями

ХХв.

Задачи: дать понятие модернизму; познакомиться с модернистскими направлениями, выявить их основные черты и отличия.

21.1.Общее понятие модернизма

Визобразительном искусстве XX века существуют, переплетаются и борются разные художественные направления, в которых отчетливо прослеживаются две основные тенденции: поиск новых форм реализма и искания, отрицающие принципы той реалистической системы, которая была присуща европейскому искусству еще с эпохи Возрождения. Эти многочисленные течения обычно объединяются понятием «модернизма», «модернистских направлений».

Модернизм (от фр. moderne – современный) – термин, которым обозначаются многие явления литературы и искусства ХХ в., именно этим веком рожденные (отсюда происхождение термина), новые по сравнению с искусством, возникшим ранее, прежде всего с реализмом XIX в.

Модернистские направления каждый раз выступают с позиций открытия новых путей и потому объявляющие себя авангардом. Все авангардистские течения отличает субъективизм, порой появление формалистических (формальных) экспериментов, разрыв

страдицией, обращение к архаическому искусству Древнего Востока, Азии или Америки, к наивности детского творчества. Они отрицают сами формы, иногда заменяют картины или статуи реальными предметами (отсюда закономерный приход, например, к искусству поп-арта) и пр.

Творчество модернистов зачастую выглядит обедненным по сравнению с реалистическим, в котором всегда преобладает стремление к содержательности.

Впоисках своих особенных путей в искусстве многие художники отдавали дань поочередно разным направлениям модернизма, а творчество таких больших мастеров, как, например, Матисс, Пикбссо, Марке и другие выходило за пределы программы этих направлений. Элементы реализма то в скрытом, то в более явном виде пробивались в их творчестве сквозь условные приемы передачи действительности.

Так, часто поиски чистой формы вновь обращают художника к человеку, к жизни, к ее реальным, неисчерпаемо многообразным проблемам. Многие художники, пройдя увлечение авангардом, приходят к поискам реалистических форм искусства, а, бывает, и наоборот.

Сложности развития художественной культуры XX века ярко прослеживаются на искусстве Франции. Французская живопись прошла почти через все этапы и варианты модернистских направлений. Франция явилась родиной фовизма, кубизма и его разновидности – пуризма, она дала своих дадаистов, сюрреалистов, абстракционистов. Менее всего во Франции получили развитие футуризм и экспрессионизм.

21.2.Модернистские направления

визобразительном искусстве ХХ в.

21.2.1. Фовизм (1905-1908; родина Франция)

На Парижской выставке 1905 года художники Анри Матисс, Андре Дерен, Морис де Вламинк, Альбер Марке, Жорж Руо, Ван Донген и несколько других представили свои произведения, которыми они пытались протестовать против живописных методов и приемов импрессионизма, против ограниченности мещанских вкусов и натуралистического правдоподобия салонного искусства.

Протест этих художников выразился в нарочитой остроте композиционных решений, в примитивизме форм, в отрицании линейной перспективы и иллюзорности, в цветовой экспрессии. После выставки появилось название. За резкое противопоставление цветов и упрощенность форм произведений критика назвала этих художников «дикими»

– les fauves, а все направление получило название «фовизм».

А. Матисс о фовизме писал: «Исходный пункт фовизма – решительное возвращение к красивым синим, красивым красным, красивым желтым – первичным элементам, которые будоражат наши чувства до самых глубин».

У фовистов с их пониманием соотношения пятен чистого цвета, сведенным к контуру лаконичным рисунком, простым, «по-детски» линейным ритмом, оказались огромные возможности для решения декоративных задач.

Фовисты поставили перед искусством задачу «изобретать реальность», «заново создавать мир», следуя внутренним желаниям. Фовисты не имели единой эстетической программы, но их объединяли утверждение права художника на чисто субъективное видение мира, декоративные живописные поиски.

Их творчество разнилось и эмоциональной окрашенностью:

1)жизнерадостность у Матисса,

2)холодный рационализм у Дерена,

3)повышенная экспрессивность в восприятии мира у Вламинка,

4)реализм у Марке,

5)глубокая трагичность и склонность к религиозной мистике у Руо.

Фовизм лишь на короткое время объединил этих художников – группа быстро распалась, и каждый из ее участников пошел собственным путем. У фовистов были общие корни – увлечение Гогеном, Ван Гогом, восточным и примитивным искусством.

Самым талантливым из фовистов несомненно был Анри Матисс (1869–1954), живописец яркого декоративного дарования. Он изображает самые простые мотивы: пестрые ткани и кресла, цветы, обнаженное или полуобнаженное тело, при этом не стремясь точно передать освещение. В его полотнах почти нет объема, пространство лишь намечено. Композицию он строит на контрасте цветов («Севильский натюрморт» - плоскость пола и стены нарочито слиты вместе и только само расположение предметов сохраняет намек на пространственность), линии его рисунков всегда очень лаконичны, изысканны и ритмичны («Марокканец Амидо»). Матисс отказался от сюжетной повествовательности. Упрощенность формы не исключает передачи метко подмеченных характерных поз, жестов, даже состояний («Семейный портрет»).

Вместе с тем Матисс – не символист, он не навязывает цвету символикоаллегорический смысл. Цвет – лишь основное выразительное средство в его полотнах. Ценным в творчестве Матисса было то, что оно сохранило свежесть и жизнерадостность восприятия мира, оптимизм. Но увлечение чисто формальными сторонами живописи придает его искусству отвлеченный характер. Матисс – график (Капелла четок), архитектор, художник, витражист, мастер по металлу, керамист.

Картины не надо разгадывать как ребус. Это образы, полные спокойствия, созерцательности, ясности, утонченно-живописные или бурно оптимистические по колориту. Его оптимизм – результат нарочитого ухода от трагических коллизий эпохи. Повышенная звучность цвета, крупные красочные плоскости, не раздробленные полутонами, условность формы и пространства с их схематизированными линиями – все эти качества в полной мере проявились в декоративных работах Матисса.

Андре Дерен (1880-1954) – приверженец старых мастеров, изучал произведения в Лувре. Характерны глубоко продуманные композиции и колорит, внимание к форме.

Морис де Вламинк (1876-1958) имел с Матиссом мало общего, для него была характерна повышенная экспрессивность в воспроизведении мира. Напряженным цветом, резкими цветовыми аккордами создает он образ хмурой, мрачной природы, передает ощущение тоски и одиночества («Наводнение в Иври», 1910).

Прослеживаются Ван-гоговские крутые завитки; геометрически правильные, широкие раздельные мазки.

Близок Матиссу и Альбер Марке (1875-1947), воспевший, как и импрессионисты, современный Париж с его Сеной, баржами, церквами, Лувром, небом, людьми – это взгляд на город человека ХХ столетия. Поражает поэтическая простота пейзажей художника.

Еще более экспрессивно, нервозно искусство Жоржа Руо (1871-1958), тяготеющего к гротеску (серия «Клоуны») (гротеск – разновидность комического, сочетающая в фантастической форме ужасное и смешное, безобразное и возвышенное). Ж. Руо, учившийся в мастерской Г. Моро, быстро отошел от фовистов. Понимание цвета резко отлично от Матисса или Марке. Мерцающие сине - фиолетовые и вишнево-красные цвета его композиций, в которых фигуры резко оконтурены черным, чем-то напоминают позднеготические витражи (художник работал и витражистом). По настроению же они близки экспрессионистам («Мы сошли с ума»), полотна поражают трагизмом.

21.2.2. Экспрессионизм

(1905-1920-30-е гг., Германия, меньшее распространение получил во Франции)

Организацией в 1905 году в Дрездене объединения «Мост» студентами архитектурного факультета Высшего технического училища Э.Л. Кирхнером, Э. Хеккелем и К. Шмидт-Ротлуфом было положено начало экспрессионизму как художественному направлению. Позже к этой группе художников примкнули Эмиль Нульде, М. Пехштейн, Ван Донген и другие. Это, возможно, самое сложное и противоречивое направление авангардизма XX века.

Его идеолог Кирхнер считал экспрессионизм направлением, специфически свойственным германской нации (само латинское слово expressio – выражение – толковалось как внутреннее выражение торжества духа над материей). Возникший в 1905–1909 годах в Германии экспрессионизм наибольшее распространение получил на рубеже 20–30-х годов в Германии, Австрии и Бельгии – странах, опустошенных Первой мировой войной, и вновь возродился во время Второй мировой войны.

Для направления характерен полный отказ от иллюзорного пространства, плоскостная трактовка предметов, несгармонированные сочетания. Излюбленные персонажи – преступники, душевнобольные и пр. – такова мрачная поэтика экспрессионизма. Для членов «Моста» характерна исступленная мистика, угнетающий пессимизм, свойственный растерянности и душевному опустошению.

Экспрессионисты своими предшественниками считали: бельгийского художника (англичанина по рождению) Джеймса Энсора с его основным мотивом творчества – масками и скелетами, выражением ужаса перед действительностью; бельгийского художника Эдварда Мунка, чьи картины критика назвала «криками

После объединения «Мост» в 1910 году В. Кандинский и Ф. Марк организовали альманах под названием «Синий всадник», а в следующем году – выставку под тем же названием, которая положила начало второму объединению экспрессионистов «Синий всадник» (1911– 1914). К «Синему всаднику», главными фигурами которого были Василий Кандинский и Франц Марк, примкнули Макке, Кампендонг, Клее (стилизатор детского рисунка), Альфред Кубин (1877-1955), Оскар Кокошка (1886-1980). К началу мировой войны оба направления распались.

Наиболее верные позиции экспрессионизма оставил австриец А. Кубин с произведениями, полными галлюцинаций, пронизанными мистицизмом, в которых призрачность, ирреальность образов уживается с натуралисти ческими

деталями (иллюстратор Достоевского, Гофмана, Стринберга, Э. По) и Кокошка с его драматичными композициями – «портретами городов», образами, навеянными философией Фрейда, в которых человек рассматривается как нечто зыбкое, неуловимое, расплывчатое (портрет доктора-психиатра Фореля, 1908).

Экспрессионисты, испытывая отчаяние перед трагическими противоречиями действительности, стремились средствами художественного творчества отразить свое личное восприятие и понимание тех или иных жизненных явлений, свои личные впечатления от этих явлений. Но поскольку экспрессионисты не принимали окружающего их буржуазного мира, антигуманистической буржуазной действительности, то впечатления от этой действительности были негативными и отнюдь не гармоничными. Бунт против негармоничного мира как бы «прорывался» в их произведениях, ломая принципы художественной гармонии. В произведениях экспрессионистов излому и деформации подвергались любые произвольно избранные художником предметы и все человеческие образы, так как образы внешнего мира – предметы и явления действительности – являлись лишь формальными средствами выражения субъективных эмоций художника.

Творчество художников, полное ужаса перед действительностью и будущим, ощущений собственной неполноценности, безнадежности и беззащитности в этом мире, построенное на деформации, остром рисунке, внешней эмоциональности – в итоге холодно и проникнуто рационалистическим расчетом.

Используя геометрически упрощенные грубые формы, полностью отказываясь от передачи пространства в живописи, оперирующей несгармонированными тонами, экспрессионисты стремились выразить драматическую подавленность человека в мире, его беззащитность. Следствием этих приемов была в их произведениях известная примитивность.

Выразители в скульптуре – Энрст Барлах «Памятник павшим» (1931).

После Первой мировой войны экспрессионисты резко размежевываются. Одни ушли в абстракционизм, Пехштейн и Нольде уехали на острова в Океанию, соблазнившись творчеством Гогена, Кирхнер увлекся африканским скульптурн ым примитивизмом.

Экспрессионизм оказал влияние на мастеров, которые хотят выразить свое неприятие уродливого современного мира, вопль боли, по -своему понимая возможности искусства.

21.2.3. Кубизм

(1908-1930, Франция)

Почти одновременно с фовизмом и экспрессионизмом появляется еще одно направление авангардизма – кубизм. Схематизация форм, которую увидели будущие кубисты в Сезанне, и геометризация, привлекшая их внимание к только что открытой европейцами африканской скульптуре, были толчком для создания этого направления.

Основоположниками кубизма стали Пабло Пикассо (и появление картины «Авиньонские девушки», 1907-1908) и Жорж Брак.

Где-то в 1908 г. появились странные пейзажи, выполненные молодым художником Жоржом Браком (один из «отцов-основоположников» кубизма), они были составлены из упрощенных геометрических форм. Именно тогда к экспозиции Ж. Брака (несколько лет Ж. Брак и П.П. Пикассо трудились бок о бок, хотя изначально Брак не разделял идей Пикассо) прозвучало слово «кубизм», произнесенное критиком Луи Вокселем.

В своих произведениях кубисты разлагают предметный мир на простейшие геометрические формы, образующие произвольные схемы, созданные «свободным» воображением художника. В поисках объемно-пластических, так называемых «первоэлементов вещей» кубисты отказываются, по существу, от образа человека, от

передачи иллюзорного пространства, от всякого намека на воздушную перспективу. Они фетишизируют конструкцию картины, ставя во главу угла строгую построенность предмета, представленного на плоскости с разных точек зрения, открытых для обзора со всех сторон. Портрет, пейзаж, натюрморт превращаются в их картинах в монотонные конструкции геометрического объема. Подмечено, что они пишут не как видят, а как знают, причем в соответствии с современным развитием естественных наук.

По теории кубистов, картина – «самостоятельный организм, и она воздействует не образом, а формальными средствами, своим ритмом». Красота картины не имеет ничего общего с красотой реального мира, она строится только на пластическом чувстве. Человеческая фигура – это сочетание вогнутых и выгнутых частей. Изображение статично. Кубизм как четко выраженное течение просуществовал недолго. После Первой мировой войны многие кубисты ушли в декоративное искусство.

В своем развитии кубизм прошел три основных стадии:

-на первоначальном этапе художниками владело стремление вернуть плотность, осязаемость миру предметов, «развеществленному импрессионистами»;

-поддались детскому желанию «посмотреть, как это устроено» и п ринялись увлеченно разлагать объекты материального мира на составные части (эта стадия получила название «аналитического кубизма»);

-пришли к синтезу образа при помощи разнородного «мусора» (так в кубизм вошел коллаж). Последнюю стадию обыкновенно называют «синтетическим кубизмом».

Неоднозначным было творчество Пабло Пикассо (1881-1973), ставшего во главе кубизма, ярко выразившего своим творчеством общую эволюцию искусства столетия. Жизнь этого большого художника проникнута беспокойными исканиями, драматически страстным и саркастически острым отношением к миру, метаниями от формалистических решений к выразительным реалистическим образам. Универсально одаренный, работавший в области живописи, графики, скульптуры, прикладного искусства, Пикассо как великий изобретатель ломал традиционные представления. Искусство Пикассо проявилось и в нарочито обобщенных примитивных формах, позаимствованных у негритянской скульптуры, и в античном понимании красоты человеческого тела, реалистической изобретательности, и в создании предметов как «конструкций», лишенных всякой связи с жизнью природы. Пленило творчество Веласкеса, Гойя, но особенно Эль Греко.

Исследователи поделили его творчество на определенные периоды. Так, период с 1901 по 1904 год принято называть «голубым». Своеобразным толчком для появления 1- ых картин «голубого периода» – сумрачных, написанных почти в монохромной гамме с преобладанием синих и зеленых тонов (холодная сине-зеленая гамма) – послужила смерть тов. Карлоса Касагемаса (покончил с собой из-за несчастной любви), вместе с которым он приехал из Барселоны. «Кто грустен, тот искренен», – считал Пикассо в это время и беспрестанно вводил в свои композиции образы нищеты, беззащитности, неизбывной любви. Очень часто в персонажах картин данного периода сквозят черты ушедшего из жизни Касагемаса. В картинах острый рисунок, контуры изломаны, тела нарочито удлинены. Картины «голубого периода» – «Жизнь», «Девочка с голубем».

Перебравшись окончательно в Париж в 1904 г. (до этого жил как бы между Парижем и Испанией), поселился в ветхом деревянном доме на площади Равиньян, который его обитатели окрестили «Плавучей прачечной», «Бато-Лавуар», где Пикассо познакомился с Фернандой Оливье («Прекрасной Фернандой»), которая зарабатывала на жизнь, позируя художникам. С ее появлением в жизни мастера искусствоведы связывают начало «розового периода». Картины этого времени характеризуются новыми для художника мотивами любования обнаженной натурой, теплым колоритом.

С 1905 по 1906 – «розовый период». В «розовый» период колорит становится теплым, прозрачнее, пространство заполняется розовато-голубой, розовато-серой или золотистой дымкой, контуры рисунка делаются мягче, общее настроение – лиричнее.

Уже в эти два периода в творчестве Пикассо появляется повышенная выразительность форм, их деформация, а с 1907 года «Авиньонскими девушками (девицами)» открывается кубистический период его творчества, который продлился до

1920 года.

Виюне 1907 г. Пикассо познакомился с африканским искусством, которое произвело на него впечатление и сказалось на творчестве. Так появились «Авиньонские девицы», чьи персонажи напоминают грубо и выразительно высеченных из дерева африканских идолов.

Втворчестве Пикассо 1907 г. еще есть сюжетность, но нет воздушной перспективы и фигуры деформируются. Форма правой части моделируется не светотенью, а направлением штриха, левой - с помощью теней и растушевки композиции строится не нарочито разной моделировке разных частей. Видимая форма разлагается на составляющие элементы для создания новой изобразительной формы.

Вконце 1910-х – нач. 1920-х гг. – Пикассо отошел от кубизма.

1-я пол. 1920-х гг. – Средиземноморский период в творчестве Пикассо. Колорит работ этого периода отчетливо напоминает о южном освещении, благодаря которому цвета становятся более плоскими, резкими, контрастными.

Вкартине «Три женщины у источника» (1921) Пикассо вновь обращается к реалистическим формам, воспроизводя образы сильных и здоровых людей, образы светлые, идиллические, как бы навеянные античной скульптурой и вазописью. Недаром этот этап его творчества называют «неоклассицизмом».

Вгоды нарастающей угрозы фашизма и Второй мировой войны Пикассо ставит себе целью найти художественное воплощение больших проблем эпохи, ведя поиски новых средств выражения и обращаясь к разным изобразительным формам. В это время он отдает дань и сюрреализму, создав ряд произведений, основанных на чудовищной деформации, искажении реального образа человека, на усилении резких цветовых контрастов.

Смысл этих поисков дал себя знать в знаменитом панно «Герника» (1937), символическом, трагическом по характеру произведении, написанном под впечатлением зверского разрушения маленького испанского города Герники фашистскими бомбардировщиками (многочасовая ночная бомбардировка авиацией; погибли более трети мирных жителей, 1937). Здесь деформация имела глубокое обоснование – никакими другими средствами невозможно было выразить весь ужас, безумие, отчаяние, трагедию падающего в небытие мира. По огромному холсту, темному, где-то 3 м. в высоту и 8 м. в ширину, освещенному как бы вспышкой молнии, мечутся «тени людей и животных» (2 месяца работы). «Герника» - страшное обвинение фашизму.

Откликаясь на все актуальные события времени, Пикассо каждый раз находил яркое индивидуальное образное решение, вызванное его уникальной способностью к постоянному самообновлению.

Жорж Брак (1882-1963) – в свои композиции всегда изысканной гаммы серых, желтых, зеленых, коричневых тонов вводит аппликации, подлинные куски бумаги или дерева, внося в абстрактную в общем форму элемент реального мира. В другой работе, например, в «Арии Баха», плоскостно трактованные черные и коричневые геометрические формы лишь отдаленно напоминающие скрипку, клавиши рояля, ноты, должны передать в зрительных образах образы музыкальные.

Работы Леже (1881-1955) строятся прежде всего на сопоставлении цветовых плоскостей чистых тонов («Курильщики», 1911; «Дама в голубом», 1912). ВОследствии его творчество, посвященное воспеванию машины как единственно достойного предмета изображения в искусстве, расходится с кубизмом («Город», 1919). После Второй мировой