Неоэкспресионизм
Самым знаменитым произведением неоэкспрессионизма - капелла в г. Роншане Франция , 1950-55 гг. по проекту Ле Корбюзье. Её композиция навеяна образами первых молитвенных домов шатров ранних христиан. Железобетонная прихотливо изогi-iутая плита покрытия перекликается с образом шатрового навеса, а нерегулярная форма наружных стен с кажущимися случайными по форме и расположению световыми проёмами способствует созданию иррационального внешнего облика и внутреннего пространства, отвечающей мистической программе храма. до и после капеллы в Роншане экспрессионистический подход к культовому зодчеству различных конфессий в ХХ в. достаточно распространён. Этому способствует, как назначение храмов, так и возможность свободной компоновки архитектурных форм, объёмов и пространств, достичь которую позволяет очень простая функциональная схема культовых зданий, а также рас- цвет железобетонных конструкций с их исключительным разнообразием и пластичностью форм, железобетон - ведущий материалом культового зодчества. Характерный пример - католический храм в Такарацука Япония , построенный в 1967г. по проекту архитекторов Мурано и Мори. Авторы скомпоновали воедино храм и высокую трехгранную колокольню. Храм венчает железобетонный карниз очень большого выноса и пластичной формы. Криволинейный карниз, изгибаясь перетекает на колокольню. дополнительную экспрессию облику здания придает отклонение от вертикали наружных стен. Внутреннему пространству храма экспрессию придает его сужение к алтарю и скрытые в уступах между пилонами светопроёмы. Объекты, в которых применены новые выразительные средства, полученные за счёт использования и выявления эстетического потенциала, присущего новым
Неоэкспрессионизм
Стремится соотнести белые стены и темные перекрытия. Здание напоминает корабль. Большие, толстые стены с мелкими окнамим. Зазор между стеной и пере крытием — не случаен. Здание имеет 4 фасада и они все разные, на фасаде присутствует живопись. В интерьере эффект световой мазаики. конструкциям. Здесь встречаются два подхода. Первый - своеобразный по терминологии проф. Курта Зигеля “конструктивистский формализм”, второй - тектоническая трактовка новой конструктивной формы. ири первом, подходе новые конструкции используют чисто декоративно, ориентируясь на выразительность непривычной геометрии пространственных конструкций вне связи с существом их статической работы, а иногда и вопреки ей, компоi-iуя ложно тектоническую форму. Наиболее яркий и знаменитый пример первого подхода - Оперный театр в Сиднее арх. Й. Утцон.
ПОСТМОДЕРНИЗМ Направление в архитектуре и искусстве развитых стран 2-й половины 70-х—начала 80-х гг. 20 в. Единого определения постмодернизма нет. Наиболее приемлемо определение постмодернизма как направления, противопоставившего себя модернизму и претендующего на его замену, что отличает постмодернизм от существующего одновременно с ним “неоавангардизма” или “позднего модернизма”, последовательно развивающего модернистские концепции. При всём своём антиэлитаризме постмодернизм в сущности консервативен. Постмодернизм пропагандирует “реалистичность”, т. е. пассивное подчинение существующему социально-эконсмическому и культурному порядку общества. Постмодернизм практикует открытый ретроспективизм, эклектическое обращение к традиционным художественным формам; сопоставляя их необычным способом, он создаёт своеобразную театрализованную эстетическую среду, в которую нередко вводятся элементы иронии и гротеска. Отрицание модернизма (полный контраст). Наблюдается уход к классике, сохраняя современную конструкцию (эклектика). С конца 70-х гг. были построены общественные центры, окружённые ярко раскрашенными аркадами и колоннами, напоминающими древне-римские форумы и римские барочные здания, в которых прежние архитектурные формы обновлены и гротескно переосмыслены, введены новые, нетрадиционные материалы: анодированный алюминий, нержавеющая сталь, неоновые трубки и т. д. (Пьяццад’Италия в Нью-Орлеане, США, архитектор Ч. Мур); города-спугники, распланированные по строго осевой системе, застроенные домами с тяжёлыми карнизами и фронтонами, мощными декоративными колоннами на рустованных стилобатах (новые города-спутники Парижа, испанский архитектор Р. Бофилла); деревянные и каменные особняки с развитыми скатными крышами и свисающими карнизами. слуховыми окнами и дымовыми трубами (проекты американского архитектора Р. Вентури). Интерьеры этих зданий обставляются громоздкой старомодной мебелью, а фасады украшаются произведениями гиперреалистов, суперграфикой. В изобразительном искусстве с постмодернизмом обычно связывают направления, тяготеющие к предметно-натуральному художественному восприятию жизни.
ФОРМИРОВАНИЕ ПОСТМОДЕРНИЗМА В архитектуре постмодернизм сформировался в США теоретически во второй половине 60-х гг. - а в практике строительства к концу 70-х, объединив различных по творческим принципам и почерку мастеров Наиболее жёсткой критике постмодернисты подвергли
такие основополагающие принципы модернизма, как функциональное зонирование городов, аскетизм архитектурных форм и серийный подход к проектированию, отказ от творческого наследия и регионализма. Функционализм - формирование здоровой городской среды и гигиенического массового жилища, в его идеологии впервые реальный заказчик был заменён “осреднённым жителем”, потребности которого архитектор заранее исследовал, оценил и учёл в типовом проекте. Формирование внешнего облика здания стало так же рационально детерминированным. Такой подход не учитывал объективную психологическую потребность человека в разнообразии внешних впечатлений и неизбежно порождал эстетически и эмоционально ущербную архитектуру массовой застройки, основной характеристикой которой стала угнетающая монотонность. Архитектурный постмодернизма - единственного из значительных направлений зодчества ХХ в. зародившегося не в Европе, а в Америке. Принцип “декорированного сарая” Впервые общая отрицательная оценка архитектуры модернизма и обоснование новой концепции развития зодчества после модернизма была представлена в монографии профессора истории архитектуры Йельского университета Р. Вентури в 1966 г. “Сложность и противоречия в архитектуре”.
Р. ВЕНТУРИ для Вентури архитектура средство духовной коммуникации. Ему “нравится сложная и противоречивая архитектура, опирающаяся на всё богатство и многозначность современного опыта, включая и опыт, присущий искусству”. Он поэтизирует обыденность, придавая ей многозначность. На объём здания, имеющего чисто функционально-конструктивную основу, он даёт “декоративные накладки” любого архитектурного стиля. Прибегает к парадоксам, как средству обострения эмоционального восприятия: нарочитым нарушениям пропорций, расположения или дерзким сочетаниям канонизированных исторических архитектурных форм. В градостроительстве постмодернизм исповедует отказ от свободной и отдаёт предпочтение регулярной, преимущественно симметричной системе застройки, а также тщательному, учёту особенностей существующей конкретной городской среды (контекста”). В области архитектурных форм постмодернизму присуще возрождение (зачастую эклектическое) исторических архитектурных систем и декора всех видов (декоративная кладка, облицовка, рельеф, орнаментика, росписи и пр.), обращение к выразительности стенового массива с отказом от нарушающих его ленточных окон, возрождение активного силуэта зданий (завершение щипцами, фронтонами, мансардами) с отказом от плоских крыш. Соответственно возрождаемым историческим формам восстанавливаются принципы исторического построения композиции - симметрия, пропорциональность, перспектива. Архитектурная разработка поверхности стен диаметрально противоположна у мастеров функционализма и постмодерна. У первых, например, стена многоэтажного дома с проёмами членится по высоте совершенно одинаково и завершается парапетом плоской крыши, а торцевая стена (обычно глухая) - хранит девственную чистоту и однородность фактуры. У вторых - разнообразие форм и размеров проёмов не только по протяжённости, но и
по высоте стены, завершаемой обычно разнообразными (треугольными, лучковыми, трапециевидными) фронтонами или щипцами. Очень разнообразна разработка поверхности глухих участков стен, на которых сочетают различные фактуры, цвет, рельеф и пр. В трудах теоретиков и практиков постмодернизма (Р. Вентури, М. Кюло, Л. Крие, А. Росси, А. Грюмбако) сформулированы его следующие постулаты: - “подражания” историческим памятникам и “образцам”; - “ссылки” на широко известный памятник архитектуры в общей композиции или ее деталях; - работа в “стилях” (историко-архитектурных); - “обратной археологии” - приведение нового объекта в соответствии со старой строительной техникой; - “повседневности реализма и античности”, осуществляемой путём известного “принижения” или упрощения применяемых классических форм. Ориентация на эти постулаты способствовала углублению архитектурного образования и мастерства (изучение архитектурного наследия, совершенствование архитектурной графики и пр.). Характерно, что терпимость к эклектичному смешению стилевых форм стала типичной в последующей эволюции постмодерна. Возможности плюралистического подхода Одно из крупных сооружений этого стиля - офис фирмы АТТ в Нью- Йорке (1978 г.), сооружённый по проекту экс-модерниста, затем неоклассициста (театр в Линкольновском центре в Нью-Йорке, музей в Небраске), а ныне мастера постмодернизма — ф. к. джонсон Как к антитезе его пошлым модернистским холодноэлегантным сооружениям в виде строго геометричных стеклянных призм (от собственного дома до запроектированного в соавторстве с Мис ван дер Роэ небоскрёба Сигрэм-билдинг) он прибегает в офисе АТТ к изысканной, но эклектичной стилизации исторической тектоники и традиционных архитектурных форм. Офис получил классическое трёхчастное членение по высоте - на “основание”, “тело” и “венчание” здания. В качестве основания фигурирует схематизированная композиция на тему флорентийской капеллы Пацци. (раннее Возрождение - арх. Ф. Брунеллески). В качестве венчания - колоссальный разорванный фронтон в духе барокко, формы которого были впоследствии заимствованы для завершений шкаф ов и буфетов знаменитой фирмы Чеппендейл (ХIХ в.). “Тело” сооружения в отличие от стеклянных витражей периода интернационального стиля сугубо материально: проёмность ограничена, стены облицованы серо-розовым камнем. Здание республиканского банка в Хьюстоне и комплекс “Плейт-Глас” в Питсбурге. Первый офис представляет собой уступчатый по протяженности призматический объём, причём каждый из разных по высоте уступов завершается ступенчатым готическим щипцом. К высотному объёму офиса примыкает низкий объём помещений входной группы с такими же готиче ским щипцами по торцам. В преднамеренное (в духе демонстративного эклектизма постмодерна) противоречие с готическими формами входит форма высокой полуциркульной входной арки главного фасада. Характерные готические детали и каменная фактура фасадов вызывают ассоциации с городской архитектурой средневековой Европы, даже не в подлинном виде, а иллюстрациях к сказкам братьев Гримм, что определило неформальное наименование
здания - “пряничный домик”. “Плейт-Глас” в Питсбурге запроектирован в виде комплекса сооружений с 44-х этажным центральным объёмом, окружённым существенно более низкими (6-10 этажей) призматическими зданиями. Все здания облицованы бронзированным зеркальным стеклом и имеют завершения выразительного силуэта: пониженные объёмы - зубчатые, центральный - остр оверхими башенками. Если в предшествующем творчестве Ф. джонсон, как мастер функционализма, противопостовлял свои произведения окружению, то комплекс “Плейт-Глас” интересен так же как первая попытка автора в качестве постмодерниста войти в контекст окружающей среды: “В Питсбурге я сделаю сверкающее сооружение с зеркальными стенами, вписывающееся в окружение викторианской готики”. Одной из характерных черт американского постмодернизма является его в известной степени игровой, театрализованный характер, а иногда и явно выраженные черты кича и бутафории.
ЧАРЛЬЗ МУР “дома должны, как длящаяся театральная пьеса, что-то рассказывать”. Постмодернисты работают во всех архитектурных жанрах: проектировании градостроительных ансамблей, многоэтажных офисов и гостиниц, особняков. Среди градостроительных работ наибольшую известность получили Площадь Италии в Новом Орлеане Ч. Мура и Пенсильвания-авеню в Вашингтоне, связывающая здания Капитолия и Белый дом, арх. Р. Вентури и д. Рауха. В Новом Орлеане площадь компоновалась в районе проживания итальянской диаспоры, выступавшей в качестве заказчика проекта. Композиция площади имеет подчёркнуто декоративный празднично-приподнятый карнавальный характер. Замкнутое пространство площади окружено колоннадой, завершено триумфальной аркой и украшено фонтаном. Все элементы композиции выполнены в формах римского барокко. Современный, подчёркнуто игровой характер архитектуре площади придаёт металлическая облицовка колонн, цветные неоновые трубки, подчёркивающие канонические членения ордерных форм. Ордерные формы в композиции фонтана имеют только капитель и базу: канелюры ствола колонн иллюзорно формируют струи фонтана. В композиции при всей её парадности присутствует присущая постмодернизму “игра на понижение” - банальный металл и неон вместо мрамора, триумфальная арка, ведущая всегонавсего в ресторан. При проектировании Пенсильвания-авеню - “главной улицы Америки” - авторы решали противоположную выше рассмотренной задачу: архитектурную организацию обширного открытого пространства в самом центре столицы. Композиция в строго симметричных классических формах была невозможна, так как Белый дом сдвинут с оси Капитолия и расположен под углом к нему. Задача была решена путём членения однородного пространства магистрали: вдоль оси организовали приподнятую платформу для пешеходного движения, на которой по проекту разместили несимметрично две высокие стеллы, ориентирующие на Белый дом. Выше упоминалась ориентация постмодернизма на повествовательность, включение в
Сардинии, а в замощении Пенсильвания-авеню мозаикой изображена историческая схема и план центра Вашингтона, созданного в своё время арх. Ланфаном. Здесь же размещены мраморные модели основных архитектурных памятников города.
ЕВРОПЕЙСКИЙ ПОСТМОДЕРНИЗМ Европейский постмодернизм сохраняет теплоту и человечность стиля. Наиболее яркими примерами европейского постмодернизма могут служить работы по расширению главных художественных музеев Лондона, расширение Национальной галереи По проекту Р. Вентури и д. Рауха в 1983 г. пристроено левое крыло к зданию Национальной галереи. Расположение галереи на главной площади города - Трафальгар-сквер - предъявляло к авторам очень жёсткие. Пристройка увязана с основным викторианским объёмом музея габаритами и высотой, решена почти глухой, а её членения даны в схематизированных классических пропорциях. Интерьеры аскетичны и полностью подчинены экспозиционным целям. Любовь постмодернистов к “знакам и письменам” получила воплощение лишь в новой лестничной клетке, на стенах которой великолепным латинским шрифтом высечены имена мастеров ренессанса. Работая в Европе, американские мастера постмодернизма проявляют сдержанность.
ЧАРЛЬЗ МУР (В ЕВРОПЕ) В 1987-1988г. он построил крупные объекты в районе гавани Гегель в Берлине: многоэтажный дом на набережной и Гумбольтовскую библиотеку на острове. Библиотека представляет собой вытянутый двухэтажный объём с перекрытием читального зала цилиндрическим сводом. По мнению автора проекта, библиотека стала примером “индустриального барокко”: в интерьере выполненном из бетона, стали и анодированного алюминия сформирована нарядная и дружелюбная среда. Последней крупной берлинской работой мастерской Ч. Мура, стало создание нового жилого района Каров-Норд на северо-восточной окраине города. По целям создание района отвечает установкам модернистов 20-х гг. - создание человечной и достойной среды, но принципиально отлично по композиционным приёмам. 3-4 этажная застройка района решена не свободной, а регулярной. Своеобразие застройке придаёт сочетание ортогональной уличной сети с диагональными лучами. Благодаря этому в застройке мало домов элементарной прямоугольной формы: большинство домов имеет угловую, П- образную или криволинейную форму. Сочетание ортогональных и диагональных улиц создаёт интересные глубинные перспективы, а сложная конфигурация домов в плане создаёт уютные полузамкнугые дворовые пространства, со масштабные человеку. Архитектурная выразительность домов обеспечена их нетривиальной объёмной формой, введением угловых акцентов в домах, расположенных на пересечениях улиц, комбинациями различных по форме и размерам проёмов и летних помещений. В отличие от “белой архитектуры” 20-х гг. за- стройка Каров-Норд полихромна. Авторы отказались от плоских крыш, и крутые яркие черепичные крыши - двух- и четырёхскатные, с мансардами и без них - вносят яркий по цвету и силуэту элемент в композицию застройки. В соответствии с заказом использование наследия в произведениях постмодернистов складывается весьма
различно: от ироничного цитирования и фрагментарного применения отдельных деталей до документально точного воспроизведения. Примером последнего может служить здание музея художественной коллекции мультимиллионера П. Гетти в Малибу (Калифорния). Построенный в 1978 г. по проекту арх. Н. Нейербурга, Р. Ленгдона и Э. Уилсона Музей представляет собой воссоздание античной “Виллы папирусов” в Геркулануме, погибшем наряду с Помпеей в 1 в. н. э. при извержении Везувия. Обычно это здание относят к произведениям постмодерна, но по существу оно представляет собой явление документального историзма.
ПЬЯНО И РОДЖЕР
РАЛЬФ ЭСКЕН
Строит новый квартал на принципе портисипации (со- участие). Архитектор долго изучает мнение жителей и опирается на архитектуру прошлого, наблюдается тенденция традиционализма: дома невысокие, используется теплые материалы: кирпич, камень. Наблюддается историзм и возврат к эклектике. (но на другом уровне развития)
ТОМАС СМИТ Жилой дом в Калифорнии Совмещение современных конструкций с античными. Михаил 1рединс. Офис Виланд Портланд, Оригона.
Это отрицание правыа существования искусства. Сооружение стоит в центре города, непосредственная демонстрация конструкции для усиления конфликта с городом. Здание состоит из стекла, позволяющего увидеть, ьто что внутри и отражение внешнегшо пространства. (иллюзия взаимного проникновения).
ВОЗНИКНОВЕНИЕ В ИЗОБРАЗИТЕIIЬНОМ ИСКУССТВЕ АБСТРАКЦИОНИЗМА АБСТРАКЦИОНИЗМ (лат. аЫгасiiо удаление) отвлечение) беспредметное, нефигуративное искусство форма изобразительной деятельности) не ставящая своей целью имитацию или отображение визуально воспринимаемой реальности. Абстрактная живопись) графика) скульптура исключают ассоциации с узнаваемыми предметами. Разрабатывая принципы кубизма) Пикассо и Брак не дожили до полной абстракции) сохранив) хотя и слабую) связь между живописным изображением и реальными объектами. Их новации довели до логического завершения другие художники Кандинский) Малевич и Мондриан. Язык их живописи становится совершенно беспредметным. Кандинский первым среди всех он дает теоретическое обоснование нового метода в живописи) утверждая) что главная цель искусства заключается в выражении внутреннего мира художника. Как и Кандинский) К. Малевич отказался от изображения предметного мира) избрав в качестве альтернативы сочетание геометрических форм) которые) по его убеждению) утверждали интеллектуальное превосходство человека над природой. Его супрематические картины зрелое выражение абстракционизма. Благодаря творчеству русских художников в мировой культуре появился новый вид абстрактное искусство. Его называют беспредметным и нефигуративным. Сложилось несколько его вариантов: геометрическая абстракция) абстрактный экспрессионизм) информель) ташизм) постживописная абстракция. Если живопись) так же как другие искусства) это не столько демонстрация мастерства создание произведения) сколько способ самовыражения) тогда абстрактное искусство надо признать наиболее продвинутой ступенью изобразительной деятельности. Это <квосхождение» демонстрирует творческая эволюция пионера абстракционизма Кандинского) которая проходит ряд этапов) включая академический рисунок и реалистическую пейзажную живопись) прежде чем выйти в свободное пространство цвета и линии. Абстрактная композиция это тот последний) молекулярный) уровень) на котором живопись еще остается живописью. дальше распад. Если художники 20 в. моделируют свою картину мира) то абстракционисты пытались показать всю суть бытия (так сказать схему) и всю взаимосвязь предметов и показать всю конструкцию мира (шли от интуитивного подхода).
РОБЕР дЕIIОНЕ (1885 1941)) французский художник) создатель стиля ккорфизм». Изначально шел от кубизма до беспредметного изображения (улица) куски парка) которые видны с высоты птичьего полета). От раннего постимпрессионизма перешел в начале 19 10-х годов к сериям обобщенных и красочных городских пейзажей) ставших свидетельством его творческой зрелости. В них с 1910 доминировал мотив Эйфелевой башни) как бы свободно парящей среди взвихренных осколков пространства. Кристалличность композиционных структур роднит эти полотна с кубизмом, а пространственная динамика с футуризмом. Его картины часто принимали характер декоративных панно (Город Париж) 1910 1912). Свое понимание декоративно-динамических возможностей колорита) систему его оптимальных контрастов художник изложил в эссе О цвете (1912)) которое стало манифестом орфизма (своим же названием новое течение обязано Г.Аполлинеру). В том же году создал беспредметные живописные работы («Одновременно открытые окна»). В 1920-е годы делоне вернулся к фигуративному искусству) продолжив) в частности) серию к<эйфелевых башен» и написав немало выразительных портретов (Ф.Супо) 1922). Затем) на рубеже следующего десятилетия) вновь обратился к абстракции (цикл картин Бесконечные ритмы с 1933 горизонтально-удлиненных композиций) гораздо более сдержанных по цветовой гамме). Совместно с женой создал ряд больших панно для железнодорожного и авиационного павильонов Всемирной выставки в Париже (1937). ПИТ МОНДРИАН (1872 1944)) голландский художник. Его картины) представляющие собой сочетания прямоугольников и линий) являются примером наиболее строгой) бескомпромиссной геометрической абстракции в современной живописи - цель достичь абсолюта в абстрагировании от любых индивидуальных проявлений мира; точная передача ощущения. Склонность к лаконичному гладкому цвету) к простоте) ясности и чистоте построения композиций. Последовательно идет по пути постепенного и все большего абстрагирования, очищения своей живописи от предметных изображений) по пути ее «денатурализации». Мондриан представляет течение абстракционизма, связанное с логикой) разумом («холодная»). Мондриан отказался в своих картинах от малейших намеков на сюжет) атмосферу) моделировку и пространственную глубину и постепенно сознательно ограничивал выразительные средства. В 1912 1916 он строил композиции на основе свободно сконструированной и заполнявшей холст пространственной сетки. В это время Мондриан) подобно Жоржу Бра- ку и Пабло Пикассо в период аналитического кубиама, предпочитал палитру рыжевато-коричневых и серых оттенков. В 1917 Мондриан и Тео ван дусбург основали авангардистский журнал «де Стиль» и группу с таким же названием (в нее также входили и арх-ры Я.П.Ауд и Ритвельд). Объединение их было объединением сил) борющихся за простоту) упорядоченность) чистоту построения) ясность и строгость форм и победу логическогомышления в искусстве. Эстетическая теория) лежавшая в основе этого направления) была названа неопгiастициамом. Теория Мондриана сводилась к чисто формальным посикам равновесия и пропорциональности элементарных геометрических форм. В соответствии с требованиями неопластицизма Мондриан еще больше сократил свои художественные средства) ограничив себя использованием самых простейших изобразительных элементов - прямой линией) прямым углом и тремя первичными цветами: красным) желтым и голубым) используя также черный и белый, К 1920 стиль Мондриана полностью сформировался. Используя прямые линии жестких контуров) он делал композиции асимметричными) достигая динамического равновесия; отказ от частностей и деталей. «Буги-Вуги на Бродвее» (1942-43) Появилась тенденция к отходу от строгих классических принципов авангарда. В этой работе маленькие квадратики расположены пунктиром на сетке линий) что придает всей композиции новую синкопическую сложность и игривость ритма. Целый ряд направлений в современном искусстве) например минимализм и оп-арт) восходят к творчеству Мондриана и кружку «де Стиль». «Мельница» Мондриан в организации цветового пятна в картине идет от ф овизма.
«Серия дерево» 1912 (связана с ростом) Гармония в соотношении вертикали и горизонтали: ритмичеКомпозици
с желтым) красным и синим» 1921 Постепенно локализует цвет) обобщает до символа) но некая художественность прочитывается (выполнение композиции
Черная решетка энергично рассекает фон) отдельные ее ячейки заполнены яркими основными цветами. Мондриан выработал стилевую систему) исключавшую трехмерное пространство и криволинейные очертания.
КАНДИНСКИЙ Василий Васильевич (1866-1944)) русский живописец и график) один из основоположников и теоретиков абстрактного искусства) автор экспрессивных, динамичных композиций, построенных на сочетании красочных пятен и ломаных линий («Смутное», 1917).
Кандинский считал) что подлинный художник стремится к выражению исключительного внутреннего) сущностного видения. Получив первоначально юридическое образование) Кандинский вскоре осознал) что его настоящее призвание - искусство) и стал одним из выдающихся первооткрывателей «чистой» абстрактной живописи. Он представлял другую линию абстракционизма - интуитивную) близкую ему по духу («горячая»).
Участвовал в организации общества «Синий всадник» и Института художественной культуры (Инхука). В 1910 создал первое абстрактное произведение - акварель и написал трактат) озаглавленный «О духовном в искусстве». Выдвинув в качестве основополагающего фундамента искусства его духовное содержание) Кандинский считал) что со- кровенный внутренний смысл полнее всего может выразиться в композициях, организованных на основе ритма) психофизического воздействия цвета) контрастов динамики и статики. Абстрактные полотна группировались художником по трем циклам: «Импрессии», «Импровизации» и «Композиции». Ритм) эмоциональное звучание цвета) энергичность линий и пятен. Живописные средства:цвет) точка) линия) пятно) плоскость) контрастное столкновение красочных пятен. Большое внимание художник уделял графике) в особенности гравюре на дереве. Экспрессивно-беспредметные графические композиции украсили немецкую книгу стихов Кандинского «Звуки» (1913). Продолжая создавать экспрессивно-абстрактные полотна («Сумеречное», 1917; «Белый овал») 1920)) художник писал и обобщенно-реалистические натурные пейзажи («Москва. Зубовская площадь») «Зимний день. Смоленский бульвар») обе ок. 1916)
а также создавал картины) сочетавшие фигуративные элементы и декоративно-беспредметное начало [«Москва 1 (Красная
«Москва II», обе 1916]. В 1922 Кандинского пригласили преподавать в школу «Баухауз») где ему были поручены занятия по стенной живописи) по теории формы. В 1926 Кандинский опубликовал свой теоретический труд «Точка и линия на плоскости») переизданный во многих странах мира. Спроектировал и выполнил ряд монументальных работ (эскизы живописных панно для фойе «Свободной выставки») 1922; керамическое оформление музыкальной комнаты для Международной выставки в Берлине, 1931). Экспрессивно-органический стиль Кандинского трансформировался в 1920-30-е гг.; композиции с широким использованием правильных геометрических элементов приобрели более упорядоченный характер («В черном квадрате») 1923; «Тринадцать квадратов») 1930). Творчество парижского периода) получившее наименование «синтетического», отмечено отпечатком воздействия сюрреалистической живописи («Разные части») «Вокруг круга») обе 1940) «Разнообразные действия») 1941). В этой абстрактной) необъяснимо притягательной композиции очертания холмов и фигуры казаков с саблями включаются в движение отвлеченных форм, линий и цветовых пятен. Есть особая красота в простоте ее построения и удивительная раскованность в манере наложения мазка. Работы Кандинского были включены нацистами в экспозицию «дегенеративное искусство» (Мюнхен) 1937)) часть его произведений была уничтожена.
МАIIЕВИЧ Казимир Северинович (1878-1935)) российский художник, осноиоположник супрематизма, искусства геометрической абстракции. Вариант русского неопримитивизма - картины на темы крестьянской жизни (полотна так называемого первого крестьян- ского цикла) и ряд работ с сюжетами из «провинциальной Работа над декорациями и костюмами к постановке в конце 1913 футуристической оперы «Победа над Солнцем» (текст А. Крученых, музыкаМ. Матюшина, пролог В. Хлебникова) впоследствии была осмыслена Малевичем как становление супрематизма. Весной 1915 возникли первые полотна абстрактного геометрического стиля) вскоре получившего наименование к<супрематизм». Изобретенному направлению - регулярным геометрическим фигурам) написанным чистыми локальными цветами и погруженным в некую «белую бездну», где господствовали законы динамики и статики) - Малевич дал наименование «супрематизм». Сочиненный им термин восходил к латинскому корню «супрем», образовавшему в родном языке художника) польском) слово «супрематия», что в переводе означало «превосходство», «главенство», «доминирование». На первом этапе существования новой художественной системы Малевич этим словом стремился зафиксировать главенство) доминирование цвета надо всеми остальными компонентами живописи. На выставке «0)10» в конце 1915 впервые показал 39 полотен под общим названием «Супрематизм живописи») в том числе самое знаменитое свое произведение - «Черный квадрат». В 1919 г. в Москве состоялась первая персональная выставка Малевича; представляя концепцию художника) она разворачивалась от ранних импрессионистических работ через неопримитивизм) кубофутуризм и алогические полотна к супрематизму) делившемуся на три периода: черный) цветной) белый; завершалась экспозиция подрамниками с чистыми холстами) наглядной манифестацией отказа от живописи как таковой. Рисунки «планитов», ставших проектной стадией в возникновени
пространственно-объемного супрематизма. В 1920-е гг. возглавлял Государственный институт художественной культуры (Гинхук). Руководил также в Гинхуке формально-теоретическим отделом) впоследствии переименованным в отдел живописной культуры. В рамках экспериментальной работы института проводил аналитические исследования) занимался разработкой собственной теории прибавочного элемента в живописи) а также приступил к изготовлению объемных супрематических построений) <архитектонов>, служивших) по мысли автора) моделями новой архитектуры) «супрематического ордера») который должен был лечь в основу нового) всеобъемлющего универсального стиля. Творчество Малевича последнего периода жизни тяготело к реалистической школе русской живописи.
Геометрические элементы) написанные основными цветами) как будто плавают) подвешенные на холсте. Малевич создал сложную композицию из перекрывающих друг друга форм) чтобы передать ощущение глубины и перспективы. Супрематическая работа изгоняет всякий след предмета) опираясь исключительно на взаимодействие формы и цвета. для Малевича супрематизм означал воплощение чистого художественного чувства) того что он называл «чувством беспредметного». В 1918 г. он довел развитие нефигуративного искусства до логического вывода в серии композиций «Белое на белом») сост. из белых геометр. форм на белом фоне - своего рода абстракция абстракций. Осознав) что дальше развивать концепцию некуда Малевич вернулся к фигуративной живописи.
ВОЗНИКНОВЕНИЕ «ПОП АРТА», «ОП-АРТА», КИНЕТИЗМА, ХЕППИНИНГА. поп-АРТ (англ. рор аг, сокращение от рорпiаг аг популярное, обще- доступное искусство) направление в искусстве конца 1950-х начала 1970-х; возникает как оппозиция беспредметному абстракционизму; знаменует переход к концепции нового авангардизма. Представители поп-арта провозгласили своей целью «возвращение к реальности») но реальности) уже опосредованной масс-медиа: источником их вдохновения стали глянцевые журналы) реклама) упаковка) телевидение) фотография. Поп-арт вернул предмет в искусство) но это был предмет) не опоэтизированный художественным видением) а предмет нарочито бытовой) связанный с современной индустриальной культурой и) в особенности) с современными формами информации (печать) телевидение) кинематограф). Новые технические приемы) позаимствованные из промышленного дизайна и рекламы: фотопечать) использование диапроектора) включение реальных предметов) способствовали как «обезличиванию» индивидуальной творческой манеры художника) так и «раскрытию эстетической ценности» образцов массовой продукции. Поп-арт зародился в Англии; наибольшей известности достигли американские и французские художники. Зарождение поп-арта. В 1952 при Институте современного искусства в Лондоне несколько критиков) художников и архитекторов образовали «Независимую группу») изучавшую современные технологии и городскую народную культуру. Художники Ричард Гамильтон, Эдуард Паолоцци начали заниматься изучением «имиджей» (обликов) массового искусства. Ричард Гамильтон и Пдуард Паолоцци соадавали компоаиции-коллажи из наиболее популярных тем печати и рекламы новых промышленных изделий (Р ич ард Гам ильто н Так что же делает наши сегодняшние дома такими екательными? (1956) Поп-арт в Америке. Товарный фетишизм и идеология равных возможностей в США приводят к тому) что с конца 1950-х поп-арт (здесь его вначале называют неодада) получает широкое распространение в американском искусстве. Международную известность поп-арту в его американском варианте принесли такие художники как Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн, джэспер джонс, джеймс Розенквист) Том Весселман) Клаас Олденбург, Энди Уорхол. Эти художники реабилитируют мир красоты банального, в их произведениях сквозит гордость тем) что американская торговля изобрела такие товары) которые всегда хороши) дешевы и равнодоступны. Их искусство в определенном смысле памятник таким товарам и социальному равенству. Поп-арт использовал то) что уже есть) и) более того) что набило оскомину) стало привычным: готовое изделие (геасТу аiасТе термин введенный в 1912 Марселем дюшаном, означал изделие массового производства) выставленное в качестве произведения искусства) настоящие консервные банки) бутылки) ящики) флаги) которые вовлекались в комбинации или подборки (ассамблажи) с другими настоящими предметами) рисованными или живописными элементами; фотографии; газетные или журнальные иллюстрации; кинокадры. Раушенберг, Уорхол вводили предметы «массовой культуры» в картину как прямую цитату: в виде коллажа или фотовоспроизведения. Энли Уорхолл «Зеленые бутылки кока-колы» 1962
Раушенберг разработал жанр комбинированных картин) в которых живопись в духе абстрактного экспрессионизма соединялась с реальными предметами (Кровать).
В начале 1960-х в этом жанре начал работать Том Вессельман) сочетавший плоскостное изображение натурщиц с реальным антуражем ванных комнат (Великая американская обнаженная).
Эдуард Паолоцци Я была игрушкой богача (1947)
ТIихтенштейн увеличивал картинку комикса полумеханическими способами до размеров большого полотна. Рой IIихтенштейн «Как я открыл огонь»
джонс муляжи флагов) географических карт) мишеней в технике энкаустики (краски на восковой основе). При столь различном подходе общим являлось то) что заимствованный к<имидж» массовой культуры помещался в иной контекст) изменялся масштаб) материал) обнажался прием или технический метод) выявлялись информационные помехи (дефекты фотоснимка или оттиска). В связи с этим первоначальный образ парадоксально преобразовывался и иронически перетолковывался. Тиражная техника шелкографии. Соед-ние фрагментов различной печатной продукции в одном произведении стало одним из главных приемов поп-арта. Новый реалиам во Франции. В Европе получила развитие своя разновидность поп-арта Новый реализм. Группа художников во Франции) организованная критиком Пьером Рестани (1960 начало 1970-х) объявила о возвращении в изобразительное искусство предмета) вещи) употребляемой согласно случайному побуждению художника) по воле его «жеста». Отсюда произвольное использование предмета в качестве объекта так нааываемых ассамблажей, аккумуляций, компрессий) динамических конструкций. Наиболее известные художники этого направления Арман А. Фернандес) И.Клейн) Ж.Тенгли. Арман помещал скрипки) смычки в корпус из плексигласа. Лссамблаж (фр. ЛстЬ1аЁс соединение, набор) пред ставляет собой различные типы комбинаций предметов (как живописных) так и геасТу аiасТе готовых форм) на плоскости или в пространстве) род коллажа. Сюда же относятся т.н. па- дающие картины) когда предметы монтируются на вертикальной плоскости. Энвайронмент (англ. епуiгопаiеп окружение) среда) обширная пространственная композиция) имитирующая реальное окружение. Может быть натуралистического типа (имитация интерьера с фигурами людей)) иногда с привнесением элементов фантастических. другой тип энвайронмента представляет собой игровое пространство) предполагающее определенные действия зрителя.
оп-АРТ Направление абстрактного искусства) получившее развитие в 1960-е годы. Оп-арт (сокращение от английского Орiса1 Аг - оптическое искусство) построен на эффектах обмана зрения. Художник как бы играет со зрителем) заставляя свои образы мерцать и пульсировать. Хотя само произведение остается статичным) формы и цвета подобраны так) чтобы создать оптическую иллюзию движения. (Вазарели) Райли) Художники оп-арта использовали различные зрительные иллюзии) опираясь на особенности восприятия плоских и пространственных фигур. Эффекты пространственного перемещения) слияния) парения форм достигались введением ритмических повторов) резких цветовых и тональных контрастов) пересечения спиралевидных и решетчатых конфигураций) извивающихся линий. В оп-арте часто применялись установки меняющегося света) динамические конструкции (см. кинетическое искусство). Иллюзии струящегося движения) последовательной смены образов) неустойчивой) непрерывно перестраивающейся формы возникают в оп-арте только в ощущении зрителя. Направление продолжает техницистскую линию модернизма. Оп-арт - это искусство) оперирующее только цветом и простой геометрической неизобразительной формой. Оп-арт чист и нерукотворен. Это искусство цвета и света в чистом виде) без сюжетности и изобразительности. Композиция очень проста и четка) техника выполнения - при помощи инструментов - линейки) циркуля. Есть несколько разновидностей оп-арта - цветовой) световой) графический и пространственный. Опыты оп-арта повлияли на развитие световой рекламы) на световой дизайн.
ВАЗАРЕЛIIИ ВИКТОР Система сегментов > вывод в иллюзорную оптику) оптическая иллюзия. Выполняет в технике шелкографии. Создает З-х мер- ность (концепция Мондриана). «Пел-ке т»