Рай)1и бриджит

Элементы своих произведений она рассматривает как природные явления) наряду с деревьями) облаками) холмами. Ранние работы Райли) начала 1960-х годов) были почти исключительно черно-белыми. Однако в дальнейшем в ее творчестве произошел перелом. В настоящее время она предпочитает построения из прямых параллельных линий и сверкающих красок. Олденбург создавал пластические подобия витринных му- южиданных материалах;

ХЭППЕНИНГ - РАЗНОВИДНОСТЬ АКЦИОНИЗМА 1960-Х, 1970-Х годов. Акционизм (англ. асiоп действие) искусства действия (перформанс, хэппининг), когда художник занимается не созданием статичных форм) а организацией событий и процессов. Эта форма рассматривалась как движущееся произведение искусства, для которого характерна «абстрактность», парадоксальность действия. Принцип «жизни наоборот» раскрывает качество абсурда в привычном порядке вещей) в суждениях здравого смысла и общепринятых установках. Акция хэппенинга представляет собой бесфабульное театрализованное действие: - развивающееся без заранее запрограммированного сценария; и - рассчитанное на спонтанные акции исполнителей и на активное соучастие зрительской аудитории. Хэппенинги) по духу своему тесно связанные с театром абсурда) могут быть своеобразными микроспектаклями с элементами сюжетности и сложным реквизитом либо более отвлеченными ритмическими) динамичными или стабильными композициями. В них неизменно акцентируется свободное «пространство игры») которое должен прочувствовать зритель-соучастник. Особую популярность они обрели с периода возникновения поп-арта и концептуального искусства) нередко включая элементы видео-арта) феминизма) примыкая к разного рода социально-политическим и экологическим движениям в качестве наглядной пропаганды, К хэппенингу тесно примыкают часто с ним отождествляемые боди-арт и перформанс. действие, скорее спровоцированное) чем организованное) чаще всего разыгрывается на природе или в городской среде) в него вовлекалась публика. Перформанс короткое представление перед публикой художественной галереи или музея) исполненное одним иди несколькими участниками всегда заранее планировалось или протекало по задуманной программе: в 1965 американец Роберт Моррис стоя на сцене в спецовке и рабочих рукавицах «оживлял» картину Э.Мане Олимпия.

КИНЕТИЧЕСКОЕ искусство Этот термин используется для обозначения произведений) заключающих в себе реальное или видимое движение. Впервые идея подобного творчества была сформулирована в 1920-х годах, но своего последовательного развития она достигла лишь в 1950- 1960-е годы. Кинетическое искусство может быть простым (как) например) движимые воздушными потоками мобили Александра Колдера) или более сложным (приводимые в движение мотором скульптуры Жана Тингели). Термин применяется также по отношению к произведениям) в которых иллюзия движения создается с помощью световых эффектов. (Колдер) Тингели)

ПОСЛЕДУЮЩЕЕ РАЗВИТИЕ АНТИ-ИСКУССТВА И ЕГО РАЗНОВИДНОСТЕЙ МИНИМАЛЬНОЕ ИСКУССТВО, КОНЦЕПТУАЛИЗМ, ЗЕМЛЯНОЕ ИСКУССТВО»(ЛЕНД-АРТ), ГИППЕРРЕАЛИЗМ. КОНЦЕПТУАЛИЗМ Концептуальное искусство - направление в модернизме 1970- х) 1980-х годов) целью которого было создание произведений более или менее свободных от материального воплощения «художественных идей» (концептов). Последователи концептуализма в своих картинах заменяли изображение надписями) диаграммами) схемами и т.п. При этом материальные средства выполняют роль только возбудителя представлений) а предметом созерцания является мысленная форма.

В концептуальном искусстве стоящая за произведением идея (концепция) оказывается важнее технического совершенства исполнения. Концептуализм стал ведущим направлением в международном искусстве 1960-х годов и осуществился во множестве разнообразных проявлений. Концепция может передаваться различными способами) в том числе с помощью текстов) карт) видеофильмов) фотографий и перформансов) а произведение может демонстрироваться в галерее или быть созданным специально для определенной местности. В некоторых случаях сам пейзаж становится составной частью произведения - как) например) в лэнд-арте Ричарда ТIонга или скульптурах Кристо. Концептуализм заимствует свои идеи из философии) феминизма) психоанализа) кино и политики. Образ художника как создателя в первую очередь идей подрыва- ет традиционные представления о статусе автора и произведения) делает конечный результат творения несущественным. Аги Роега (ит. «бедное искусство») - одно из направлений концептуализма) возникшее первоначально в Италии) - термин) которым итальянская критика 1960-х гг. обозначила направление) близкое концептуальному искусству и минимализму (наиболее известные его представители в Италии -Я. Кунеллис и М. Мерц). Нарочито скудные) «бедные» предметы и символы лишь намекают на художественную идею) придавая последней таинственную недосказанность. Инсталляции в духе «бедного искусства> часто уподобляются руинам, что сближает его с археологизмом.

Энциклопедическое определение концептуализма: «На первый план в К. выдвигается концепт замысел произведения) выраженный в виде формализованной идеи) его вербализованной концепции; документально зафиксированный проект. Суть арт-деятельности усматривается К. не в выражении или изображении идеи (как в традиционных искусствах)) а в самой «идее», в ее конкретной презентации) прежде всего) в форме словесного текста) а также сопровождающих его документальных материалов типа кино-) видео-) звукозаписей. Сам артефакт в виде картины) объекта) инсталляции) перформанса или любой другой акции является приложением к документальному описанию. Главное в К. документальная фиксация концепта и процесса его материализации; его реализация желательна) но не обязательна».

МИ НИМАЛИЗМ МИНИМАIIИЗМ - (от лат. аiiпiаiп8 -наименьший) термин модернистского и постмодернистского искусства. Используется в различных значениях. Поводом к появлению термина послужило искусство геометрического абстрактивизма: мастеров группы де Стиль Т. Ван дусбурга и П. Мондриана) художников объединений «Абстракция-Созидание», «Золотое сечение». «Круг и квадрат». Символом минимализма является «Черный квадрат» К. Малевича (1915)) как его назвал сам художник - «нагая икона нашего времени». Это произведение в формальном отношении можно расценить как след от трехмерной структуры куба на плоскости) т. е. как минимализм формы. Подобная минимализа-ция неизбежно ведет к абстрактности, к отвлечению от художественного содержания изображения) сводит формообразование к эстетической конструкции - гармонизации простейших элементов. Минимализм в изобразительном искусстве означает отход от образного мышления (базирующегося на взаимодействии абстрактного и конкретного) в сторону оформительской деятельности. В 1960-х гг. тенденции минимализма отчетливо проявились в дизайне и оформлении жилого интерьера. На смену «стилю Макарта») своеобразной пародии на Неоклассицизм с тяжелыми плюшевыми занавесями и золоченым багетом картинных рам) пришел минимализм «оборудования интерьера» - гладкие плоскости стен) стекло) пластик. Направление в живописи и скульптуре) распространившееся в 1960-1970-е годы преимущественно в США. Как явствует уже из названия) искусство минимализма сведено к своей основной сущности; оно чисто абстрактно, объективно и анонимно) лишено внешней декоративности или экспрессивного жеста. Живопись и графика минимализма монохромны и часто воспроизводят математически правильные решетки и линейные структуры. В то же время минимализм способен iiробудиiь возвышенные чувслва и ощущения быiия. Скульпторы-минималисты используют промышленные процессы и материалы) такие как сталь) пенопласт или флуоресцентные трубки) для создания геометрических форм) часто - большими сериями. Подобная скульптура) не прибегает ни к каким иллюзионистическим приемам) зато рассчитана на тактильное восприятие зрителем. Минимализм можно рассматривать как реакцию на эмоциональность абстрактного экспрессионизма) господствовавшего в искусстве на протяжении 1950-х годов. Произведения минималистов напоминают возврат к супрематизму К. Малевича) но отличны отсутствием претензий на «конструирование мира») вселенские масштабы миростроения; их многозначительность абсурдна и) скорее) демонстрирует бессмысленность конструктивизма: пустые ящики) жестяные конструкции) цилиндры) конусы) решетки) чистые планшеты и пустые рамы. (Андре) джадд, Келли) Ле Витт) Мэнголд) Райман. Серра) Стелла) Флавин) Келли Элсворд «Красное, синее, зеленое, желтое»

лэНд-АРТ ЛЭНд-АРТ - (англ, IапсТ аг «искусство земли») течение западноевропейского авангардного искусства) пародирующее в абсурдистских формах традиционную ландшафтную архитектуру. Разлад творчества художника с окружающей действительностью (в идейном) эстетическом и предметном отношениях) породил в 1960-1970-х гг. своеобразные пейзаж- ные инсталляции искусственные образования. создаваемые представителями лэнд-арта: рвы) спиральные насыпи) борозды) холмы) пирамиды из камней. Подобные инсталляции вводятся в естественный пейзаж) ничем не примечательный) либо) напротив) в экзотический заброшенные каменоломни) шахты) высохшие водоемы) руины зданий. В них помещаются абстрактные конструкции) призванные создать «возмущение» в природной среде и тем самым изменить обыденное восприятие) провоцировать зрителя на необычную реакцию. В одних случаях возникают образы) подобные «агитационному искусству») соотносимые с идеологией социальных движений за охрану окружающей среды от технической цивилизации) в других композиции) близкие дадаизму и поп-арту. Однако в любых вариациях подобные творения не являются художественными образами и не являются предметом изобразительного искусства) а их мастеров нет оснований именовать художниками. Наиболее известные представители лэнд-арта: Ё Смитсон) Р. Лонг, д. Оппенхайм) М. Хейсер. Еапс1аг (траншеи «двойное отрицание» в Неваде и «Гибкие круги» М. Хейзера; новая конфигурация побережья океана в штате Мэн) «Поле, засеянное овсом» и знаменитая «Соленая плоскость» д. Оппенгейма; фигурно организованная с помощью вертолетов пылевая буря в Канзасе как произведение искусства Ё Серры; «Круги на побережье» Ё Лонга; структурирование песчаных дюн в Сахаре В. де Мориа и др.)) $еа%тогI («Белая линия на море» Я. диббета, плавучие выпилы изо льда в океане д. Оппенi ейма и др.) и $IучогI (сме юные, дымовые и лазерные конструкции над Нью-Йорком Ф. Майерса и др.). Оппенгейм «Годовые кольца»

ГИПЕР РЕАЛИЗМ Гиперреализм - (фотореализм) направление в изо-искусстве последней трети 20 в.) сочетающее предельную натуральность образов с эффектами их драматического отчуждения. Живопись и графика тут зачастую уподобляются фотографии (отсюда его второе название)) скульптура представляет собой натуралистические тонированные слепки с живых фигур. Многие мастера гиперреализма (например, живописцы Ч. Клоуз и Ё Эстес) скульпторы дж. де Андреа) д. Хэнсон в США) близки поп-арту с его пародиями на фотодокумент и коммерческую рекламу; другие же непосредственно продолжают линию магического реализма) сохраняя более традиционные структуры станковой композиции. Точное) бесстрастное, внеэмоц. воспроизведение действительности) имитирующее специфику фотографии: принцип автоматизма визуальной фиксации) документализм. Г. акцентирует механич.) к<технологич.» характер изображения) добиваясь впечатления гладкописи при помощи лессировки) аэрографии) эмульсионных покрытий; цвета) объемы) фактурность упрощаются. И хотя излюбленная проблематика Г. реалии повседневной жизни) городская среда) реклама) макрофотографич. портрет «человека с улицы») создается впечатление статичной) холодной) отстраненной) отчужденной от зрителя сверхреальности. Вместе с тем) наряду с тенденциями к<масс-медиатизации» искусства) в Г. присутствует и поисковый) экспериментальный пласт) связанный с усвоением наиболее передовых технологий и приемов фотографии и киноискусства: крупный план) детализация) оптич. эффекты) монтаж) полиэкран) авторская раскадровка) съемка с высокой точки и т.д. Г. возник в США во вт. пол. 60-х гг. Творчество его адептов в области живописи посвящено достаточно опр. тематике: усеченные рекламные щиты (Р. Коттингэм)) брошенные авIомоби)ш (д. Со)!!)) конные беiа (Ё МакЛиэн), ВИ!ИНЬ! отражающейся в них городской жизнью (Р. Эст «Апогiло», Р Г 1 Наиболее известный из скульпторов-гиперреалистов д. де Эндреа) чьи выполненные в натуральную величину работы отмечены иронич. отчуждением. Манекеноподобные обнаженные фигуры («Сидящая брюнетка на пьедестале», «Сидящие мужчина и женщина»)) воспроизводящие роденовские позы своего рода кичевые антигерои) пародирующие идолов коммерч. рекламной красоты. Являясь не только музейными) выставочными экспонатами) но и модными атрибутами совр. деловых интерьеров) натуралистически детализированные «ню» рассчитаны на эстетич. шок.

ТРАНСАВАНГАРД. ПРОБЛЕМА ВОЗРОЖДЕНИЯ МОНУМЕНТАЛЬНОГО ИСКУССТВА. ТРАНСАВАНГАРд (от лат. гап - сквозь, через и фр. ауаЫцагсТе - авангард) - течение в европейской живописи постмодернизма) возникшее в Италии в кон. 1970-х гг. Трансавангард обращается к традиции европейского авангардизма) по-разному преломляя ее в творчестве основных представителей течения (в Италии С. Киа. Ф. Клементе. Э. Кукки и др.). Главный теоретик трансавангарда - А. Бонито Олива) представивший работы трансавангардистов на биеннале 1980 и 1982 гг. в Венеции. Трансавангард возродил интерес к живописной изобразительности. Термин «Трансавангард» переносится и на другие течения европейской живописи) сходные по целям (в т. ч. «новые дикие» в Германии - Георг Базелиц и др.)) свободно черпающие мотивы и методы своего творчества в искусстве прошлого. Нередко неправомерно отождествляется с постмодернизмом) понятием гораздо более масштабным. Ему присущи гипернатуралтизм и жизнеподобность. Трансавангард обращается к традиции европейского авангардизма.

БРАНКУЗИ КОНСТАНТИН (1876-1957) Румынский скульптор. В произведениях Бранкузи в гораздо меньшей степени чувствуется влияние кубизма и других сти- лей живописной абстракции) чем в работах других скульпторов. Бранкузи исключал из своих работ все реалистические детали) сокращая формы до простейшей геометрической сущности) какую только мог себе представить. Стремление к обобщению доведено в его работах почти до полной абстракции. Уже в «Спящей музе» 1909 г. скульптор) стремясь убрать все «лишнее») превратил человеческую голову в отполированный предмет яйцевидной формы - человеческий образ подменяется геометрической фигурой.

Его интересовали ритмические повторения. Это чувствуется в таких работах) как «Бесконечная колонна» и статуи Адам и Ева. Бранкузи акцентировал фактуру использованных им скульптурных материалов) отдавая предпочтение гладко отполированным поверхностям камня и металла или шероховатости грубо отесанного) потрескавшегося дерева. Он часто усиливал фактурные эффекты контрастными противопоставлениями) например выставлял гладкую мраморную голову яйцевидной формы на подушке темного бархата или помещал отполированную до блеска металлическую или алебастровую рыбу на овальном зеркальном постаменте. Любовники сливаются в страстном поцелуе, превращаясь в единое целое. Первозданной мощью дышит этот образ. Максимально упрощая форму) Бранкузи выявляет в ней стихийную природу материала) что сообщает его произведениям необыкновенную пластическую выразительность.

ЦАДКИН осип (1890-1967) русский художник) один из выдающихся ваятелей 20 в.) самобытно соединивший традиции модерна и авангарда. Сделал себе имя работами) пластически воспроизводящими типичные мотивы и приемы кубизма («Женщина с Веером») бронза, 1920). В наиболее характерных своих вещах соединял деструктивный) аналитико-кубистский подход к натуре с органической ритмикой и символическими обобщениями (на тему Жизни) Смерти) Искусства и т.д.) в духе модерна. Тем самым примкнул к тенденциям прочного синтеза модерна и авангарда в межвоенном «ар деко» однако) выбирая между собственно декоративностью и напряженной драмой) постоянно отдавал предпочтение последней. Охотно обращался к антично-мифологическим символам и фигурам) особенно часто к образу Орфея. Придавал важное значение принципу углубленного) «обратного» рельефа (рельеф для дома А.Бломма в Брюсселе) камень) 1929)) равно как и принципу «полой формы») выражающему (по его словам) «гармонию массы и пустоты) реальных и ирреальных ценностей». Лучшие из станковых вещей Цадкина (к примеру) «Менады», брон- за) 1934) или «В честь Баха», дерево) 1936)) закономерно воспринимаются как проекты памятников. Некоторые из наиболее масштабных вещей скульптора как бы «сами по себе» перекочевали из мастерской в пространство города или природы подобно Большому Орфею (бронза, 1956). Поэтому активный переход его к монументальному искусству как таковому явился делом вполне естественным. Цадкин создал один из лучших военных монументов 20 в. агонизирующую фигуру «Раарушенн ый гор од»(19- 45 1953) с дырой вместо сердца) установленную в Роттердаме в память о жертвах и разрушениях 1940) когда весь центр

огя фигура, деформированные, изломанные формы которой олицетворяют рушащийся город) в отчаянии про- стирает к небу подобие рук) в груди статуи зяет пустота - это должно символизировать смертельно раненный город - город без сердца. Верхняя часть статуи развернута в анфас) нижняя развернута в обратном направлении) все формы резко сдвинуты) нарушены основные законы равновесия) архитектоники; кажется) статуя вот-вот рухнет. деформация должна символизировать здесь идею разрушения и гибели. Им были исполнены также памятники В. Ван Гогу в Овер-сюр-Уаз близ Парижа (1961) и братьям Ван Гог в Зюндерте (Нидерланды; 1964).

«Поцелуй»

города был уничтожен немецкой авиацией.

МАНЦУ ДЖАКОМО (1908-199 1) итальянский художник) представитель символизма) сумевший стать одним из лидеров скульптуры 20 в.) несмотря на подчеркнутую традиционность своей стилистики. Работал в камне и бронзе; наиболее характерные его произведения представляют собой бронзовые отливки) как правило уникальные. Уже в ранних работах («Д авид», 1938; фигуры сидящих и стоящих натурщиц) тяготел к символической обобщенности форм) стремясь извлечь максимум экспрессивных возможностей из телесной натуры, подчеркнуто-угловатой) но в то же время полной внутреннего одухотворения. Обращался к антивоенной теме (рельеф «Распятие с генералом») 1939 1941; «Снятие с креста»). Очень простые по ком- позиции) они за традиционной сюжетикой скрывали вполне определенные указания на действительность: человек в немецкой каске с саблей в руке) стоящий около распятого) явный намек на фашистские преступления. Неровная) «мятая» поверхность и лишенные детализации) обобщенные объемы создавали богатое светотеневое решение. Поэтому Манцу всегда очень внимателен к живописности фактуры. Свет дробится на ней) переходя от одной детали к другой) затухает в более или менее плотных тенях) чтобы вновь вспыхнуть рядом. Постоянное движение в сочетании со статикой форм (так как чаще всего его скульптуры статичны) наполняет произведение жизнью и энергией) делает его необычайно выразительным. С 1938 создавал цикл величавых и скорбных «кардиналов» («Большой сидящий кардинал») 1955)) ставший одним из самых ярких образных суждений о роли Католической церкви в современном мире. Фигура в остроконечной тиаре и тяжелых церковных одеждах кажется единым неразделенным объемом, и только свет) скользящий по беспокойной неровной поверхности, оживляет маленькое, тонкое лицо кардинала. Прославился своими композициями для дверей римского собора св. Петра (т.н. По существу) они явились логическим развитием серии его рельефов конца 30-х гг. (таких) как «Распятие», «Снятие с креста» и т. д.). «Врата смерти» состоят из шести рельефов) между которыми размещены символические изображения животных и растений. Скульптор обращается к плоскому рельефу так) что порой изображение сводится почти к контуру (только изредка ткань или драпировка выступает угловатыми формами из плоскости).

Живописный импрессионизм пластики) включающий целый ряд жанрово-исторических мотивов (в том числе портрет папы Иоанна ХХIII на предсмертной молитве)) сочетается здесь с иллюзией бесконечности, открывающейся в пустотах фона) нарочито «шершавого», хранящего живые следы творческого процесса. Среди других монументальных работ мастера двери собора в Зальцбурге (1955—1958) и церкви св. IIаврентия в Роттердаме (1966—1969), рельеф Мать и дитя в нью-йоркском Рокфеллеровском центре (1965)) памятник героям Сопротивления в Бергамо (1978). Обращался также к своеобразному жанру скульптурного натюрморта (орнаменты церковных дверей; «Стул с виноградной ловой и грушей», 1966). Большую известность получили работы Манцу на тему «Танцовщица». В их пластическом решении появляется особая упругость напряженного сильного тела. Контур приобретает мелодическую плавность. Манну большой мастер скульптурного портрета. Его «Голова Инге» отличается глубиной психологического решения. Энергичная пластика нервного лица определяет большую эмоциональную насыщенность произведения.

МУР ГЕНРИ (1898-1986) Английский скульптор. Продолжил традицию монументальной фигуративной пластики и обогатил ее новыми художественными методами формообразования. В творчестве Мура прослеживается тенденция) направленная на освоение «открытой формы»; его целью была передача взаимодействия пластической массы и пространства) как окружающего скульптуру. так и заключенного внутри нее. Создание подчеркнуто материальных форм) символизирующих природное) земное начало. На их основе строятся его скульптуры) среди которых преобладают женские фигуры и композиции на тему семьи и материнства. Сначала его работы были достаточно близки к реальным объектам) позже приобрели абстрактный характер. Творчество Мура крайне сложно и противоречиво: его путь это путь от натурных зарисовок и репортажей военных лет к поискам новых скульптурных форм) завершающимся чисто формалистическими трюками) самолюбованием, настойчивым применением приема ради приема. Наиболее реалистичны рисунки 40-х гг. Острый взгляд художника надолго запомнил) а рука зарисовала утомленных) лежащих вповалку людей) прячущихся от бомбежек в метро. 191и Как апофеоз людям) выдержавшим трудное военное время) воспринимается его «Мемориальная фигура» (1945 1946)) внушительно возвышающаяся в долине девоншира. При безусловной схематичности образа монументальность) внутренняя величественность этой скульптуры несомненны. Мур тонко и остро чувствует объемность и пластичность формы) плотность материала) композиционную завершен- ность а Поразительная художественная цельность его произведений не имеет аналогов в истории скульптуры. Формы плавно и органично перетекают друг в друга) иногда образуя углубления и зняющие IIу(ЛОIЫ, «дыры». Однако Мур никоiдане занимался проблемами чистой формы) его интересовали образы) напоминавшие природные формы: древние камни) обтесанные стихиями за много веков; горные пещеры) вымытые подземными потоками; эмбрионы в материнском чреве; человеческое тело как целостная органическая система. Художественный образ представлялся мастеру как бы изначально существующим в самом материале и лишь ожидающим) пока его освободит резец ваятеля. Мур создавал свои композиции из дерева) камня) бронзы, железобетона и терракоты) а также выполнил ряд произведений из дерева и свинца) части которых были скреплены туго натянутыми струнами или медной проволокой фигуры. Интересна реалистически выполненная им группа «Мать и дитя» (1943 1944) статически-уравновешенная) массивная и лиричная.

Но слишком часто мастер ставит перед собой формальные задачи: его интересует объемность выпуклой фигуры) напряженность вогнутой формы. Превращенные в самоцель) подобные поиски приводят к тому) что ряд произведений Мура теряет свою изобразительную, смысловую и в конечном счете образную ценность. Наиболее известны его группа «Король и королеВа» (1952 1953)) поставленная на одном из шотландских плоскогорий) где скульптор в присущей ему аллегорической манере стремится передать чувство достоинства и величия) а также «Три стоящие фигуры» (1947 1948; Лондон) и «IIежащая фигура» (1957 1958; Париж) для здания ЮНЕСКО. Многочисленные рисунки Мура имеют не только подготовительное значение к скульптурным работам во многих листах художник решает самостоятельные графические задачи. Работы в области монументального искусства и синтеза искусств

«Семейная группа»

РАБОТЫ В ОБЛАСТИ МОНУМЕНТАЛЬНОГО ИСКУССТВА И СИНТЕЗА ИСКУССТВ П. ПИКАССО, А. МАТИССА, Ф. ЛЕЖЕ, М. ШАГАЛА. ПАБЛО ПИКАССО «Герника» (1937) — это первое произведение уже немолодого мастера, в годы гражданской войны в Испании выступившего как художник-борец, художник— обличитель фашизма. Общественный резонанс этой работы был огромен. Фрагментарная раздробленность элементов композиции, по существу, символическое сопоставление отдельных изобразительных моментов, злоупотребление ассоциативным методом, чудовищная деформация отдельных реальных мотивов — все это лишает композицию ясной цельности, художественной доступности.

Принято ссылаться на то, что художник, отказавшись от изображения частного эпизода бомбардировки Герники, якобы сумел в синтетически-обобщенном образе выразить саму трагическую суть события. Разрушение основного принципа изобразительного искусства — органической жизненности и цельности восприятия зримого мира — лишило художника возможности убедительно, в образах самой жизни раскрыть жизненное событие. При всем том картина не лишена острой эмоциональности воздействия, достигаемой самим беспокойным ритмом композиции, кошмарным уродством деформации (оскаленная морда ржущей в предсмертной агонии лошади), драматической выразительностью полных отчаяния и ужаса человеческих лиц и самой хаотической фрагментарностью целого. Ощущение крушения мира, ощущение безумия происходящего в какой-то мере передано в этой композиции. По существу, лишь ужас и кошмар бессмысленной гибели, без- надежность отчаяния, и то отчасти, удалось выразить здесь Пикассо. Это немало по сравнению с тем, что дает буржуазное формалистическое или поверхностное натуралистически-салонное искусство. Но этого мало по сравнению с теми возможностями, которые содержит в себе искусство, проникнутое принципами большого реализма и гуманизма. В первые послевоенные годы почти все итальянские художники находились под сильным впечатлением «Герники» Пикассо, которая вызывала тогда много горячих споров. Одних в ней привлекало яркое социальное звучание, других — только формальная сторона. И те и другие так или иначе стали использовать элементы художественного языка кубизма и посткубизма. Художникам казалось, что сам процесс воспроизведения действительности в простейших пластических формах даст им возможность выразить твердость и устойчивость позитивных элементов нового в современной жизни.

В годы, наступившие после второй мировой войны, то есть в годы общего подъема во Франции культуры, связанной с прогрессивными силами общества, Пикассо создает два больших панно «Война» и «Мир» для «Храма мира» в Валлорисе. Стремление противопоставить силы мира и созидания силам войны и разрушения— новая и важная черта в творчестве Пикассо, отражающая в какой-то мере тот новый этап, на который поднялось прогрессивное искусство Франции после разгрома германского фашизма. «Мир»

Этой композиции нельзя отказать в эмоциональной экспрессивности, в выразительном сопоставлении мрачно-беспокойного колорита части фрески, воплощающей силы воины, и более светло-радостной части фрески, воплощающей силы мира. «Война»

Иное отношение вызывает трактовка самих образовперсонажей, в которых раскрывается и конкретизируется общая идея. Так, уродливая схематичность и деформированность образа борца за мир вызывают протест человека, видящего свой идеал в красоте самой жизни, в красоте человека, утверждающего победу жизни над смертью. Схематичность же и деформированность демона войны придают его образу оттенок нарочитой кар

Никакие ссылки на использование наивной неосознанной выразительности детского рисунка или экспрессивной схематичности искусства народов, стоящих на ранней, примитивной стадии своего общественного развития, не могут оправдать отказ от накопленных человечеством богатых традиций полноценного реалистического изображения человека и мира. Создание этих больших композиций есть одно из проявлений того факта, что Пикассо, как многие честные представители искусства, стоит на позициях гуманизма 118 и защиты мира. Одновременно эти работы показывают, что антиреалистический, субъективно-произвольный творческий метод, сложившийся в рамках культуры умирающего капиталистического общества, не дает возможности жизненно убедительно решить художественную задачу создания большого, подлинно народного искусства. И все же, если брать творчество Пикассо в целом, то оно при всей своей подчас трагической противоречивости есть яркий пример трудного пути искреннего и страстного художника, стремящегося в условиях культуры умирающего мира связать свое искусство с большими проблемами эпохи, с делом революции и прогресса.

АНРИ МАТИСС (1869-1954) В отличие от современного ему кубизма, творчество Матисса не было умозрительным, а основывалось на скрупулезном изучении натуры и законов живописи. Его полотна, изображающие женские фигуры, натюрморты и пейзажи, могут показаться незначительными по теме, однако являются результатом долгого изучения природных форм и их смелого упрощения. Матиссу удавалось гармонично выражать непосредственное эмоциональное ощущение действительности в самой строгой художественной форме. Прекрасный рисовальщик, Матисс был по преимуществу колористом, добивавшимся эффекта согласованного звучания в композиции многих интенсивных цветов. Наряду с живописными произведениями известны его блистательные рисунки, гравюры, скульптуры, рисунки для тканей. Для всей Европы Матисс - глава фовистов. И как к ф овисту, обращается к художнику русский коллекционер С.И.Щукин, заказывая панно <Танец и <Музылса (1910-1911), которые снискали Матиссу славу «знаменитого живописца ХХ века», поставив в один ряд с другими гениями.

Одной из крупных работ художника стали оформление и витражи доминиканской Капеллы Четок в Вансе (1951). В конце 40-х Матисс создавал витражи для часовни Розового Венца, которая была спроектирована и построена на его деньги.

ФЕРНАН ЛЕЖЕ (1881-1955) Французский живописец, скульптор, график, керамист и декоратор, поборник т.н. «эстетики машинных форм» и «механического искусства». После Первой мировой войны IIеже заинтересовался современными теориями движения и механики. В картинах элементы человеческого тела напоминают формы труб, моторов, стержней и шестеренок. IIеже осуществил крупные декоративные проекты на Выставке декоративных искусств в Париже (1925), на Брюссельской международной выставке (1935) и в здании ООН в Нью-Йорке (1952). Серия крупных композиций Прощай, (1946), Развлечения (1949), Конструкторы (1950), (Огромный масштаб проиведения мастерски передан в картине: изображение срезано в верхней и нижней части, поэтому кажется, что здание бесконечно продолжается в обоих направлениях. Мощньтми горизонталями и вертикалями, написанными яркими интенсивными красками, силуэт здания отпечатывается на фоне неба. А тяжеловесные, похожие на роботов фигуры рабочих, карабкающихся по балкам, и проплывающие облака своей формой и цветом создают драматический контраст с железным каркасом сооружения.) «Конструкторы»

Деревенская компания (1953), Большой парад (1954). «Женщина держащая вазу»