Происхождение и развитие прикладной хореографии в России

Хореография родилась на заре человечества. Уже в глубокой древности, в эпоху палеолита, люди выражали различные эмоциональные состояния пластическими движениями. Это было синкретичное искусство, в котором хореография имела прикладное значение. Процесс труда обнаружил значение ритма. Движения, подчинённые ритму, породили пляску – одно из наиболее ранних проявлений человеческой культуры. Пляска же постепенно развивалась и видоизменялась. Точно установить время появления плясок на Руси довольно трудно. Однако можно предположить, что она возникла ещё в Антском государстве (территория Украины).

К 500 годам нашей эры народы, населявшие современную территорию России, уже обладали своим танцевальным искусством. Каждый танец танцевался на определенном празднике, и имел свое сакральное значение, вне событий этого праздника танец терял смысл, а значит, в этот период хореография была также прикладным искусством. Естественно, пляски тех отдалённых времён не дошли до нас в первоначальном виде. С годами, в связи с усовершенствованием приёмов труда, переменами в общественных отношениях они подверглись значительным изменениям, а некоторые и вовсе исчезли.

Древнейшим видом русских народных плясок являются пляски-игры, отображающие трудовые процессы. Сначала они исполнялись в строгом соответствии со временем проведения тех или иных сельскохозяйственных работ, на каждый календарный праздник был соответствующий танец. Параллельно с темой труда в них раскрывалась и любовная тема. Так танцевальное искусство выделялось в самостоятельный вид. В качестве примера танца в театрализованном представлении можно привести пляску-игру «А мы просо сеяли», где исполнители, разделённые на две группы, ведут друг с другом вокально-танцевальный диалог. Построенная в основном на изображении сеяния проса, игра включает мотивы выбора и похищения невесты. Игра исполнялась на весенних праздниках сева. Такой же характер носит и пляска-игра «Яр хмель», посвящённая сбору хмеля, это осенняя пляска, ожиночная. Здесь так же тема труда переплетается с любовной. В этой пляске-игре вокально-танцевальная ведущая роль принадлежит хору, исполняющему песни, а драматически-танцевальная – солистам. Весенняя пляска-игра «Ленок», рассказывающая о том, как сеют лён, собирают его, треплют, выделывают полотно, тоже всецело относится к пляскам, связанным с трудовым процессом. Общепринятая форма изобилует многочисленными местными вариантами и дополнениями, как в отношении текста, так и в отношении действия.

К древнейшим пляскам относятся и охотничьи, являющиеся частью представления, несут ценность как подготовка к охоте или рассказ происшествий во время нее. В Центральной России, где основным занятием населения было хлебопашество, они не имели особого распространения и до наших дней не дошли, зато у Северных народов ещё сохранились. Это пляска моржа у чукчей и ненцев, пляска медведя у ханты, манси, айнов. Пляски эти копировали движения и походку зверей и птиц, танцевались до и после охоты.

В древние времена появились и культовые танцы. Первобытный человек, желая как-то объяснить явления природы, приписывал их божествам. С возникновением религиозного культа возник и культовый танец. Торжества, посвящённые солнцу, например, отличались особой пышностью и сопровождались танцами.

Ежегодно отмечаемые во времена язычества дни равноденствия, зимнего и летнего солнцестояния продолжали справляться и после принятия христианства, накладываясь на церковные праздники: в троицын день девушки водили хороводы вокруг берёзки, украшенной лентами, на святки рядились в традиционные костюмы зверей, на масленицу - прыгали через костры, на Ивана Купалу – бросали венки в воду и водили хороводы. Древнейший русский народный танец – хоровод. На определённых ступенях развития он встречается у всех народов. Хоровод массовый танец, исполнение которого сопровождается песней, изначально посвящавшейся солнцу. Своим рисунком, олицетворяя солнце, хоровод обычно движется слева направо. Как правило, он водится и девушками и парнями, держащимися за руки, и имеет форму кольца. Но иногда он движется вокруг деревни цепочкой, от избы к избе (по пути к нему присоединяются всё новые и новые участники, которые, однако, пройдя круг до своей избы, отстают), и заканчивается хоровод у той избы, у которой начался, то есть замыкает круг. В некоторых деревнях начинался хоровод на вечерней зорьке и оканчивался на восходе солнца.

Борьба племён вызвала появление военных плясок. Участие в них означало согласие идти в поход. На Украине сохранились такие пляски, как «Гопак», а в Грузии «Хоруми». Теперь эти пляски, как игры, они потеряли своё первое предназначение и превратились в обычные бытовые.

Пляска на свадьбе – первое дело. Первое, но не главное, а «прикладное» Во время брачного пира пляшут и поют женщины, пляшут подгулявшие гости, пляшет молодёжь под окнами, выпрашивая угощения, пляшут свахи и в последний раз пляшут молодые в кругу своих друзей и подруг.

Русские народные пляски подразделяются на сольные и массовые. К массовым относятся пляски-игры, хороводы, кадрили. Сольные в основном делятся на три вида: перепляс, парная, импровизационно-избирательная пляски.

Перепляс обычно исполняется мужчинами и является танцевальным соревнованием. После того, как виртуозный танцор, начавший пляску, проделает несколько коленец, его сменяет другой, стремящейся сделать что-нибудь посложнее, затем третий, четвёртый и так далее. Так продолжается до тех пор, пока один из участников не победит. Это действительно поединки исполнители стремятся танцевать серьёзно, а хор в это время поёт весёлые частушки. Желая рассмешить танцующих, и если кто-то рассмеялся, то выходит из игры.

Парная пляска исполняется одновременно девушкой и парнем и состоит в том, что пляшущая завлекает своего партнёра грациозными и кокетливыми движениями, а тот в свою очередь стремится покорить её лихостью и удальством. Эта пляска изобилует импровизацией.

Одиночная импровизационно-изобразительная пляска, обычно исполняемая девушкой, требует богатой творческой фантазии и тонкого художественного вкуса. Пляска сопровождается песней, но не должна её иллюстрировать, а лишь передавать внутренние ощущения исполнительницы.

Народная пляска, сохраняя народные традиции, в то же время находится в состоянии постоянного развития. Разнохарактерность мужской и женской пляски – героика первой и лиричность второй – исключает одностороннее развитие. Народная пляска в России сохранилась до начала XVIII века, отличаясь лишь манерой исполнения в разных регионах. Эстетические установки русской пляски, выработанные веками, являлись фундаментом для создания русского национального танцевального искусства. В эти установки входит:

• все виды плясок имеют драматургическую основу, содержание;

• на первом месте стоят индивидуальные особенности исполнителя;

• каждое движение выразительно, несет определенный, понятный зрителям смысл.

В VIII – IX веках на Руси появилось скоморошество – первое профессиональное искусство. В начале своей профессиональной деятельности скоморох был синкретическим исполнителем, мастером на все руки. Но по мере развития искусства скоморохов на Руси стало делиться на жанры, среди которых выделились плясуны. Такая специализация вызвала образование коллективов скоморохов – “ватаг”, в которые входили представители разнообразных жанров. Эти “ватаги“ и стали давать сценические представления, носившие названия “позорищ” (зрелищ). Это были выступления, в которых танец занимал значительное место.

Раньше плясунами были только мужчины, но в начале XVI века, после отделения женской половины боярских хором от мужской, появились «плясицы». В это же время появилась в танце маска («машкара»), вероятно привезённая в Россию венецианцами.

В середине XVII века начались массовые гонения на скоморохов, причиной которых стала борьба церкви за власть в умах людей. Были наложены строгие запреты на исполнение народных песен и даже на царской свадьбе допускались лишь духовные песнопения. Скоморошество начало изживать себя, так как его основы были подорваны. Оно возродилось только в XVIII веке, приняв новую форму – ярмарочного театра, балагана.

За многовековой период существования скоморохи внесли большой вклад в историю развития русской танцевальной культуры, профессионализируя народную пляску, и этим, способствуя её совершенствованию, а также развивая ее прикладной характер в других видах искусства.

Деление профессиональных танцев на мужской и женский, первый из которых требовал виртуозности и темперамента, а второй – изящества и мягкости, соответствовало традиционному укладу русского быта, исходило из русской ментальности.

Во второй половине XVII века, когда укрепились связи России с Западной Европой, повысился интерес русской знати к жизни за рубежом. Это отразилось на развитии русского танцевального искусства: при дворе царя Алексея Михайловича был создан иноземный балет. Именно этот с этих пор танцевальное искусство в России приобрело полную самостоятельность.

При царствовании Петра Первого театр и балет стали общедоступным зрелищем. Именно при Петре Первом была введена должность танцмейстера в каждом дворянском доме. Танцмейстер тогда именовался учителем «танцев, учтивств и кумплиментов», он должен был воспитывать своих учеников и внушать им правила светского обхождения, «политеса».

В 1718 году был издан знаменитый указ об Ассамблеях, положивший начало публичным балам в России. Обычно бал на Ассамблеях был строго регламентирован: начинался общими церемониальными танцами, после них танцевали зарубежные бальные танцы, заканчивались Ассамблеи обычно массовым прощальным танцем. Однако манерные иноземные танцы не вполне удовлетворяли как исполнителей, так и зрителей, и переходили на более яркие народные танцы - русские деревенские, польские, черкесские… Это было единственным пережитком прошлого, который не только не запрещался, а, напротив, поощрялся Петром Первым.

Благодаря Петровским Ассамблеям было навсегда покончено с разобщением мужской и женской половин дома. Русские исполнительские традиции, которые в те времена ещё крепко жили в сознании людей, помогали приобрести иноземному танцу русскую национальную окраску.

Начиная с XVII и до начала XX века российская хореография развивалась в двух направлениях: в городах существовал придворный балет, а в деревне и на городских улицах продолжал жить русский народный танец, все еще неразрывно связанный с жанром театрализованного представления.В 1917 году наступила новая эпоха в жизни русского народа. Политика большевистской партии в области культуры и искусства с первых дней существования нового государства была направлена на сохранение и восстановление коренной народной культуры для строительства новой. Советская власть создала все условия для развития и расцвета народного творчества. Новой формой проявления творчества стала художественная самодеятельность, обратившаяся в большинстве своем к национальному фольклору. Она приняла необычайно широкий масштаб. Многочисленные хореографические кружки, самодеятельные и профессиональные танцевальные коллективы до сих пор хранят и изучают русский фольклор. На его основе создают новые танцы, развивают народные исполнительские традиции. Художественная самодеятельность впервые вывела русский танец на большую сцену. В советскую эпоху в арифметической прогрессии повышается интерес к народному танцу, он переживает свою вторую молодость.