из электронной библиотеки / 198586898157373.pdf

40

Удивительно соразмерная гармония и чистота человека и природы. С греческим искусством, как образцом гармоничной красоты, свое искусство сравнивают другие поколения, стремясь к совершенству формы и идеалу красоты.

О важной роли танца в жизни человека говорят и факты его более поздней истории, такие, как появление танцев, связанных с ремеслом определенных цеховых объединений. Танцы, исполняемые трудовым народом – бранли ткачей, булочников, сапожников и т. д. Трудовые танцы были у каждого народа. Танец умело выражает и настроение, и состояние человека. Есть ему место и в грусти: в России – это различные девичьи хороводы, и в радости – плясовые.

Старинные празднества имели уже сложившийся танцевальный уклад. Например, свадьбы. Кому, когда и что танцевать передавалось из поколения в поколение. Новые празднества включают в себя танцы частично традиционные, частично новые, не имеющие строгих нормативов. Такая роль танца народа определена не только его художественным и общеэстетическими качествами, но и бытующим у народа представлением о нормах этикета, моральных устоях

ипринципах. Это нравственное и воспитательное начало – еще одна из характеристик хореографии.

Вывод – танец нужен людям и в этом причина его тысячелетнего существования. В танце отражается жизнь людей: их труд и мысли, настроения

ичувства, умения и познания. Танец нужен людям как вид искусства, создающий красоту своеобразными выразительными средствами: пластическими и музыкальными, динамическими и ритмичными, зримыми и слышимыми. Этими средствами он служит человеку в жизни, помогая в труде, праздниках, в горе и в радости.

Музыкально-пластические образы танца всегда эмоциональны, заразительны, это определяет особую поэтику танца, его связь с природой и народным поэтическим складом любого национального искусства.

Тема 2. «Балетмейстер и его творческая деятельность»

Балетмейстер – идейно-творческий руководитель коллектива. Балетмейстер – это прежде всего профессия, которая сложна и ответственна. Творческая жизнь балетмейстера зависит от его образования, уровня культуры и таланта. Балетмейстер – не только «мастер балета», сочинитель танцев, но и воспитатель, обладающий дарованием, подкрепленным знанием литературы, живописи, музыки, скульптуры и т. д. Он должен обладать фантазией, которая помогает ему раскрыть идею танца, выразить эпоху, создать собственный стиль. В равной степени он должен владеть основами режиссуры и актерского мастерства, обладать зрительной памятью, музыкальностью, чувством ритма, образным и ассоциативным мышлением. «Только ассоциативно мыслящий человек может быть художником, утверждал К. Голейзовский. Балетмейстеру необходимо развивать дар импровизации, без которой он беззащитен и смешон.

41

Шедевры балетмейстера рождаются благодаря импровизации. Импровизация – одна из основ народной пляски, здесь исполнитель – балетмейстер». «Балетмейстер – это поэт танца, мыслящий действие, события, героев, их отношения, чувства, поступки танцевальными образами». (Ф. Лопухов) Балетмейстерский труд требует умственных и физических затрат. Балетмейстер неоднократно протанцовывает сочиненную партию, пока не убеждается, что нашел выразительное движение, рисунок для воплощения замысла. Ж. Ж. Новер писал: «Широко распространено ошибочное мнение, что будто балетмейстер может сочинять балеты сидя, и письменно или устно указывать па, фигуры, группы, действие, выражение и жесты. Нет более утомительной в физическом и умственном отношении профессии, нежели профессия балетмейстера, он должен и ставить, и сочинять па, и показывать их; если артисты их не воспринимают их сразу, он обязан начинать сначала и несколько раз подряд».

Можно определить следующие сферы деятельности балетмейстера: балетмейстер-сочинитель, балетмейстер-постановщик, балетмейстеррепетитор, балетмейстер-реставратор, балетмейстер-педагог. Балетмейстерсочинитель и постановщик условно подразделяются по специфике их деятельности: постановки балетов, танцев в операх, танцев в музыкальных комедиях в драматическом театре и балетмейстеры народного хора, ансамбля песни и пляски, ансамбля танца. Специфика балетмейстерской работы в разных коллективах требует индивидуальных качеств и способностей. Есть балетмейстеры больших и малых форм. Одни талантливо ставят миниатюры, другие – массовые танцевальные действия.

Рассмотрим типы балетмейстерской деятельности.

1. Балетмейстер-сочинитель – человек, создающий новое хореографическое произведение с оригинальной лексикой и рисунком. Его профессию можно сравнить с творчеством поэта или композитора. При создании хореографического произведения балетмейстер может пользоваться условной формулой: А, Б, В.

А – балетмейстер предлагает, исполнитель выполняет.

Б – балетмейстер предлагает, исполнитель предлагает встречное решение, балетмейстер соглашается.

В – балетмейстер предлагает, исполнитель предлагает встречное решение, балетмейстер не соглашается, исполнитель выполняет первое задание балетмейстера. В работе лучше использовать все 3 формы.

Балетмейстер, сочиняющий хореографическое произведение, основывает свою работу на программе, созданной либреттистом и на музыке, написанной композитором. Часто бывает, особенно при создании хореографических миниатюр и концертных номеров, что балетмейстер является автором сюжета. Задумав произведение, балетмейстер излагает его в виде композиционного плана композитору, который создает музыкальное произведение с учетом замысла балетмейстера. Балетмейстеру надо уметь возглавить весь процесс работы над хореографическим произведением больших и малых форм,

42

научиться использовать в своей теоретической и практической деятельности опыт смежных искусств. Выразительными средствами танца раскрывается музыкальное произведение. Необходимо изучать фольклор и другие источники разных видов искусства. Задача балетмейстера-сочинителя найти ключевое «слово» для выражения мысли и чувства героев, развивать фантазию, обогащать палитру выразительных средств (письмо 3).

Хореографическое произведение – это сплав танца и пантомимы. Их соотношение зависит от задач, которые ставит перед собой хореограф, от их художественного решения. Балетмейстер-сочинитель должен владеть искусством сочинения танца, пантомимических эпизодов, мастерством режиссуры построения мизансцены, умением создавать драматургию хореографического произведения, так как иначе не сможет в художественнохореогафических образах раскрыть свой замысел.

Следует назвать имена балетмейстеров-сочинителей: Фокин, Петипа, Лопухов, Григорович, Моисеев, Годенко, Устинова, Надеждина, Настюков, Меркулов, Мурашко и др.

2.Балетмейстерпостановщик ставит как свои собственные произведения, так и балеты, созданные другими балетмейстерами-сочинителями. В его обязанности входит постановка ранее созданных балетов и танцев из репертуара профессиональных коллективов. Он уделяет большое внимание изучению танцевального текста всех участников хореографического произведения по записям, видеозаписям, кинофильмам. Если он присутствует при показе автора, ему легче вникнуть в хореографический замысел, по ходу работы уточнять детали.

3.Балетмейстер-реставратор изучает творчество автора, его индивидуальный стиль и манеру. Он должен отличать подлинное от чужеродного, истину от вымысла, уметь проникать в душу балетмейстера. Балетмейстер-реставратор должен бережно сохранять шедевры русской хореографии, как образцы балетмейстерского и исполнительского мастерства. Это профессия творческая и способствует сохранению шедевров мирового хореографического искусства.

4.Балетмейстер-репетитор должен обладать отличной зрительной памятью и умением видеть весь танец в целом, а также замечать ошибки отдельных исполнителей. Он должен присутствовать на всех репетициях, реализовывать все замечания и требования балетмейстера-постановщика, заниматься шлифовкой хореографического произведения, его отдельных частей, перед концертом повторить сложные фрагменты, ввести новых исполнителей. К репетиторской должности необходимо тщательно готовиться.

5.Балетмейстер-педагог – это балетмейстер-драматург, балетмейстер-режиссер, балетмейстер-музыкант.

Тема 3. «Выразительные средства хореографического искусства»

За многовековую историю танцевальное искусство накопило и отработало определенные приемы, позволяющие посредством присущей этому искусству

43

выразительности передавать богатейшую информацию, составляющую содержание и информационный заряд искусства хореографии.

Как все виды искусства, танец отражает окружающую нас действительность, раскрывает жизнь во всех ее проявлениях. Специфика танца, как вида искусства, заключается в выразительных средствах, пластических движениях человеческого тела, позах и жестах.

Искусство делится на изобразительные и выразительные виды. К выразительным относятся те виды, в которых человеческие чувства выражаются через пение, музыку, стихи и прозу. Изобразительными видами называются те, в которых жизнь, чувства и окружающий мир человека выражается через живопись, графику, скульптуру, архитектуру, прикладное искусство. Но есть такие виды искусства, которые являются синтетическими, т. е. выразительно-изобразительными.

Виды искусства, которые обуславливают время и место действия называются выразительно-изобразительными (опера, театр, кино, пантомима, хореография). На сегодня можно сказать, что как бы разнообразны они ни были, хореографические культуры, сколь собственно национальных черт они ни несли, все они подчинены ритмико-временным и композиционнопространственным изменениям. И только в единстве этих слагаемых они могут определяться как самостоятельные художественные явления. Эта самобытность выразительных средств позволила танцевальному искусству отражать жизнь от поколения к поколению. Углублялась информация о жизни, воспроизводимая художественно-выразительными средствами, обобщавшими прошлое, изображение процессов труда и эмоциональных состояний, что приводило к многообразию приемов и форм художественного обобщения.

Художественным произведением искусства может считаться то, что в любом начинании человек проявляет творческое начало, творческое мастерство, отражает эпоху, экономический строй, имеет эстетическое начало.

Характер хореографического искусства зависит от территориального, географического положения, социально-экономических взаимоотношений. Искусство – это отображение действительности, особая форма общественного сознания и художественная деятельность человека, в которой сочетается образное, художественное познание о жизни с творчеством.

Танец (эхо музыки) – вид художественной деятельности, в которой человеческие чувства, мысли, взаимоотношения выражаются движением, рисунком, пластикой, жестом и позой.

Выразительные средства танца – выражение балетмейстером содержания, мысли танца, развитие образа, все компоненты, без которых танец не получит своего рождения и длительного существования в хореографическом искусстве.

Современные балетмейстеры в своей творческой работе отмечают следующие выразительные средства танца: главные – лексика, рисунок, музыка, костюм, и второстепенные – декорация, освещение, грим, реквизит.

44

Хореографическая лексика – движения, жесты, позы, язык танца (словарный запас одного или другого языка, который находится в постоянном и непрерывном изменении, появляются новые слова, вымирают старые).

Танцевальная лексика – совокупность движений и характерных деталей, с помощью которых создается тот или иной образ танца.

Музыка – неотъемлемая часть хореографии в творчестве балетмейстера является источником, который питает его вдохновение, определяет атмосферу, настроение и характер создаваемого хореографического произведения.

Рисунок, который отражает мысль балетмейстера, - это статичное положение исполнителей на сцене в определенной последовательности по отношению к зрителю.

Костюм является дополнением к успеху номера, составной частью раскрытия образа, характера и содержания танца.

Второстепенные выразительные средства – реквизит, освещение, грим, декорация.

К. Блазис, хореограф и теоретик отмечал: «Музыка должна описывать действующих лиц, их страсти, уточняя и заверяя их портреты, смысл мелодии в музыке всегда должен изменяться в соответствии с содержанием балета. Необходимо, чтобы совершенная аналогия была между тем, что поражает зрение и слух. Мысль композитора всегда должна соответствовать мысли автора, и произведение их должно основываться на совершенном согласии».

Танца без музыки не существует. С древних времен они сопровождались игрой на народных инструментах. При подборе музыкального материала необходимо учитывать следующее: национальность, народность, форму музыкального произведения, музыкальный размер, темп и характер (жанр) произведения. Музыка должна соответствовать задумке балетмейстера, выражать характер танца, раскрывать эмоциональное содержание.

Музыка делится на составные части. Форма «рондо» - это многочастное произведение (АBСВDB и т. д.).

Мелодия делится на части: фраза, предложение, период. Танцевальная фраза должна сочетаться с музыкальной, точки препинания должны совпадать (лейтмотив, реприза, завершающая точка). Каждая танцевальная часть, как и музыкальная, имеет свое начало, знаки препинания и завершение. Это помогает зрителю воспринимать хореографическое произведение

Тема 4. «Рисунок танца – составная часть композиции»

Рисунок танца – это расположение и перемещение исполнителей по сценической площадке в определенной последовательности и композиционной завершенности. Пространственное расположение рисунка и его изменение можно создать, глядя на сцену «из зрительного зала».

Рисунок танца организует движение танцующих, систематизируя их различные построения и перестроения, оказывает на зрителя определенное психическое воздействие, и задача балетмейстера добиться, чтобы рисунок танца наиболее

45

полно выражал ту мысль, то направление и тот характер, которые заложены в номере. При сочинении рисунка танца надо использовать все возможности для того, чтобы добиться большей выразительности, полнее раскрыть образ, характер, настроение героя. Рисунок танца должен развиваться логично, быть тесно связан с танцевальной лексикой, способствовать наиболее яркому выявлению на сцене танцевального текста. Еще со времен Пифагора было доказано воздействие на зрителя различных построений, перестроений. Различались спокойно-статичные горизонтальные, возвышенно-вертикальные, возбуждающе-динамичные диагональные построения.

Логика развития рисунка развивается от простого к сложному и предусматривает не только связь предыдущего рисунка с последующим, но и то, что каждый последующий рисунок должен быть развитием предыдущего.

Рисунок должен длиться ровно столько времени, сколько необходимо для его восприятия зрителем, но он не должен «надоесть». Это в полной мере относится и к каждому движению, и к комбинации.

Рисунок, составленный из различных расположений фигур исполнителей, переплетения рук, различных ракурсов, называется (основным) композиционным рисунком.

Основных композиционных рисунков в хореографии существует три вида: круг, шеренга, колонна. Круг – это расположение исполнителей по кругу в затылок друг другу, лицом друг к другу, лицом или спиной в центр круга и т. д. В народной хореографии, например, в хороводе, чаще использовалось круговое построение. Круг – основа славянских, грузинских, армянских и других народных танцев, которые исполнялись издавна «посолонь». Он возникал как связка, переход и своего рода зрительский отдых в линейных кадрилях. Пространство, многократно прочерченное линейными фигурами, переходами, неожиданно сглаживалось кружением пар, движением танцоров «посолонь».

Круг имеет ряд разновидностей.

Расположение исполнителей по кругу с соединенными руками в центре называется «Звездочкой».

Расположение исполнителей по кругу лицом или спиной друг к другу в круг с соединенными руками накрест называется «Корзиночкой».

Круг имеет и ряд образных мотивов, связанных с природой и бытом. Круг – крепость, цветочная клумба. Завихрение осенних листьев, снежинок – «Улитка».

Широкое распространение получили линейные рисунки. Линейное построение в рисунке составляет сочетание шеренги и колонны.

Шеренга – расположение исполнителей боком друг к другу. Колонна – расположение исполнителей в затылок друг к другу.

Различные перестроения и переходы, сочетание шеренги и колонны создают множество рисунков, многие из которых имеют ассоциативные названия. «Крест», «Прочес» (вправо, влево), «Прочес» (вверх, вниз), «Уголки», «Стрелки» (движение по кругу), «Крест» в продвижении, «Книжечка», «Дощечка» в повороте, «Ручеек», «Воротца», «Челнок».

46

Композиционный переход – это соединительное звено, которое помогает плавному переходу из одного рисунка в другой Окраску рисункам, их развитию дают повороты головы, движения рук,

повороты корпуса. Для развития рисунка и его окраски могут быть применены различные предметы: рушники, венки, ленты, косынки, шали и т. д.

«Предмет, - писал Вайнонен, - должен участвовать в действии почти как живое лицо (прием Мейерхольда)».

С помощью рисунка танца можно управлять вниманием зрителя, если распределить рисунок так, чтобы второстепенное не отвлекало внимание, а помогало выделить и подчеркнуть главное.

Рисунки должны строиться с учетом сценической площадки. Они должны распределяться по всей площадке, не должно быть смещения в одну из сторон. Чем сложнее рисунок, тем он интенсивнее и дольше воспринимается зрителем, и наоборот. Обратно пропорциональная зависимость в восприятии рисунка существует в сочетании рисунка и лексики. Чем сложнее рисунок, тем проще должна быть лексика и наоборот.

На восприятие рисунка влияет:

-костюм, его покрой, цветовое решение;

-контрастность, сочетание горизонтального и вертикального, «собирание» в «коробочку», к центру круга, и расход по всей площадке, сочетание музыки и движения;

-соответствие рисунка музыкальному материалу, длительность музыкальной фразы.

Под восприятием также подразумевается место (точка) активного действия. Она возникает между рисунками при композиционном переходе. Необходимо знать, как и в какой момент менять точку восприятия, чтобы правильно использовать рисунки. Каждый рисунок и его построение отличается один от другого определенной группой приемов, к которым относятся:

1. Прием дробления (рисунок возрастающей интенсивности). Основной рисунок делится на более мелкие, и из одного рисунка образуются два, три и более.

2. Прием укрупнения (рисунок убывающей интенсивности). Из двух и более рисунков образуется один.

3. Прием наращивания – встречается чаще всего в начале танца (экспозиции). Например, выходит одна девушка, затем еще две, затем еще и т. д. (хоровод «Березка» Н. Надеждиной).

4. Прием усложнения – основной рисунок усложняется. Например, «шен», «воротца», различные «восьмерки» и т. д. Этот прием проявляется также тогда, когда внутри одного рисунка и во вне его есть еще какие-то перестроения.

Вторая группа приемов – приемы подачи рисунков:

«Точка восприятия» (правильно найденный центр рисунка) – цель ее привлечь внимание зрителя к главному.

Прием контраста – одновременное сочетание контрастных рисунков (например, «улитка», диагональ, шеренга).

47

Прием построения от частного к общему. Каждый участник исполняет свое движение или рисунок, создавая тем самым общий композиционный рисунок.

По сложности рисунки могут быть следующими:

Простой или одноплановый.

Двухплановый – когда один рисунок является основным, а другой – второстепенным.

Трехплановый – когда один рисунок главный, наиболее интенсивный, второй рисунок дополняет первый (аккомпанемент), подчеркивает главный, третий рисунок является второстепенным планом.

Многоплановый – то же, что и трехплановый, только по заднику может располагаться еще один рисунок, который является фоном. Фон может создавать атмосферу времени и места действия.

По расположению на сценической площадке рисунки могут быть

симметричными и ассиметричными (по отношению к мизансценической оси).

Симметричный рисунок. Симметрия – это одинаковое расположение равных частей танца по отношению к плоскости сцены. Она относится к числу наиболее сильных средств организации танца и является одной из причин активного воздействия на восприятие. Простейшим видом является зеркальная симметрия, симметрия левого и правого. Наивысшей ступенью зеркальной симметрии является круг.

Ассиметричный рисунок. Ассиметрия, с точки зрения математики лишь отсутствие симметрии. Отличительной чертой ассиметричного рисунка является соподчинение различных рисунков друг другу, расположение которых не совпадает с геометрическим центром.

По характеру восприятия рисунки могут быть следующими:

Образный рисунок – несет в себе какой-то конкретный образ. Например, стая летящих журавлей – клин. Для образного рисунка необходимо найти наиболее эффективную пластику движений и поступков, наиболее характерные перестроения.

Трюковый рисунок – отличается оригинальностью построения, выражает наиболее эффектное зрелище, вытекает из данной сценической ситуации, имеет элемент неожиданности. Например, движение круга по полукругу, переход из круга в две линии.

Исходя из вышесказанного, можно сделать следующее заключение: что на рисунок, его развитие и восприятие влияют:

Тема и идея хореографического произведения.

Характеристика действующих лиц.

Музыкальный материал.

Продолжительность музыкальной фразы.

Логика развития рисунка от простого к сложному.

Контрастность движения и музыки.

48

Единство музыки, рисунка, костюма.

Темп, ритм.

Существует ряд приемов, увеличивающих зрительское восприятие рисунка. К ним можно отнести следующие:

Увеличение или уменьшение количества исполнителей.

Ускорение или замедление темпа.

Смена рисунка.

Смена движений в рисунке.

Смена музыкального сопровождения.

Рисунок танца зависит прежде всего от замысла номера, его идеи, музыкального материала, музыкальной формы всего произведения (его внутреннего характера, образа, ритмической стороны, темпа, строения музыкальных фраз). Он зависит также от национальной принадлежности танца (характерные черты рисунка, присущие танцам данного народа). При постановке танца балетмейстер обязан учитывать логику развития рисунка, стремиться к разнообразию рисунков, использовать принцип контраста в их построении. Необходимо выделять основной рисунок, равномерно размещать его по сценической площадке. Балетмейстер с помощью рисунка должен умело сосредоточить внимание зрителя на том эпизоде, который является для него наиболее важным. Однако разнообразие и богатство рисунка танца не должны быть самоцелью. Важно, чтобы рисунок не отвлекал зрителя своей оригинальностью, а всей своей выразительностью способствовал пониманию замысла балетмейстера.

Второй семестр.

Тема 1. «Музыка в хореографическом произведении»

Хореография и музыка имеют глубокое внутреннее родство. Образная природа этих искусств во многом аналогична. Музыка опирается на выразительность интонации человеческой речи, хореография – на выразительность движений человеческого тела. Музыка усиливает выразительность танцевальной ластики, дает ей эмоциональную и ритмическую основу.

При постановке хореографических номеров возникает вопрос о соотношении хореографии и музыки. Их единство, соответствие, выражение одного в другом

– один из общепризнанных критериев танцевального искусства.

Танец не воспроизводит музыку досконально. Он существует на ее основе, исполняется в синтезе с нею, выражает ее. Это относится не только к общему характеру настроения (веселое, грустное) и к выражению элементарных чувств, но и к сложным образам, которые в равной мере могут быть присущи и музыке, и танцу.

В этой связи необходимо рассматривать музыкальную драматургию, которая наряду с драматургией сценарной служит основой для создания хореографического произведения. В основе музыкальной драматургии лежат

49

эмоционально-выразительные темы. В их соотношении, контрасте, развитии, разработке воплощаются драматические конфликты. Для этого в музыке существует ряд приемов:

Членение.

Дробление.

Варьирование.

Разработка темы.

Тематический контраст.

Реприза.

Постепенное вызревание темы в развитии другой темы или в разработке. Благодаря логике музыкального развития образно значимая эмоция переходит в идею – рождается эмоциональный образ, который в танце является эмоционально-пластическим.

Танец, выражающий музыку, соответствует ей и по своему образному характеру, и по динамической структуре, то есть как по содержанию, так и по форме.

Прежде всего, это соответствие начинается с совпадения характера движения танца и музыки (ее темпа и метроритма).

Темп музыки имеет для танца определяющее значение: он задает общий темп танца, его изменения. Тем не менее в современной хореографии используются приемы контрастного построения танцевального темпа по отношению к музыкальному (активное использование пауз остановок в танцевальном действии, (прием «рапида»). Однако эти приемы используются в отдельных фрагментах танца как дополнительное выразительное средство.

Ритм в музыке – организованная последовательность звуковых длительностей.

Ритм в хореографии – это строго закономерное чередование движений человеческого тела.

Соотношение музыкального и танцевального ритма может быть различным. Они могут:

Идти в унисон.

Образовывать гетерофонию или подголосочную полифонию (совпадая в одних моментах и расходясь в других).

Сочетаться по принципу полифонии и контрапункта (совпадая лишь в

основных опорных точках при относительно независимом течении мелодии и танца).

Среди выразительных средств музыки основное значение имеют мелодия гармония и ритм.

Мелодия, то есть выраженная одноголосно музыкальная мысль, является важнейшим выразительным средством музыки. В мелодии ярче всего обычно проявляются характерные черты той ли иной мысли.

Рассмотрим строение формы музыкального произведения.

Простая двухчастная форма применяется для небольших произведений – прелюдий, танцев, песен. Простая двухчастная форма может служить также