Билет №7
Иконопись. Русские иконописцы.
Большое распространение на Руси получила как станковая живопись – икона, так и монументальная – фреска, мозаика. Первые живописцы, работавшие на Руси, были греки. Первое упоминание об иконописце относится к 11 веку, это монах Алимпий Киево-Печерской лавры. Икона – образ – видимое изображение невидимого мира или изображение святых. В иконах заложена огромная духовная и нравственная сила. На иконах изображали Богородицу, Иисуса Христа, лики святых. Отличие иконы от картины:
На иконах лики, а не лица
Нарушение пропорций (вытянутость фигур, неземная легкость принадлежность к духовному миру)
Плоскостное изображение – отсутствие светотени.
Отсутствие линейной перспективы (предметы не удаляются и не скрываются от зрителя)
Икона – это не предмет поклонения, это духовная связь, молитвенное состояние, общение с Богом, Богородицей, Святыми. Иконы писали на деревянных досках. Перед написанием иконы монахи выдерживали строгий пост, а затем приступали к работе с чистыми помыслами. История сохранила не так много имён иконописцев, хотя иконопись была очень распространена на Руси: существовала традиция иконы не подписывать. Разные мастера писали разные части икон, главный мастер был духовным наставником. Это так называемое соборное (вместе) творчество. До наших дней дошли иконы византийского мастера Феофана Грека, он расписал более сорока церквей в разных городах страны. Иконописное творчество осваивалось и русскими монахами. История дала нам имя художника, известного всему миру своим творением «Троица» Андрей Рублев. Инок Троице-Сергиевой лавры. Он расписывал Благовещенский собор Московского Кремля, Успенский собор во Владимире, Троицкий храм в Троице-Сергиевой лавре. На иконе «Живоначальная Троица» мы видим трех ангелов Бог-Отец, Бог-Сын и Бог-Святой Дух. Это ветхозаветный сюжет явления Аврааму Триединого Бога. Все на этой иконе символично: на заднем плане дом – творение рук человеческих, горы – небесный мир, дерево – мир нерукотворный природный. На столе жертвенная чаша, символизирует крестную жертву Христа во искупление грехов всего человеческого рода. Цвета иконы: красный – царская власть; мученичество; синий – небесная неземная сфера; зелёный – жизнь, надежда на духовное пробуждение; золотой – божественный свет; белый – чистота и безгреховность. Андрей Рублев похоронен в Спасо-Андронниковом монастыре.
Иконография Богородицы
Западноевропейская культура второй половины 19 века. Реализм в живописи и музыке.
Реализм (латин. realis - действительный) - творческий процесс и метод, характерный для художественной культуры Европейских стран, согласно которому, задачу искусства составляет всеобъемлющая жизненная правда.
Понимание реализма как правды жизни имеет давнюю культурную традицию и проходит ряд исторических этапов. Первой попыткой теоретического осмысления понятия «реализм» можно считать античный мимесис («подражание природе» в трактовке Аристотеля), затем эта проблема стала ключевой в теоретическом наследии мыслителей Возрождения. Особое истолкование реалистическое «свободное подражание» получает в трудах Г. Лессинга и Д. Дидро. Однако целостное понимание и сам термин «реализм» возникает в 20-е годы XIX в. и его значение усиливается к середине столетия.
Западноевропейская культура
Основные философские направления и культурологические концепции ХIХ века
В ХIХ веке европейская культура достигает своей зрелости. В большинстве европейских стран утверждается капиталистическая система хозяйствования, основанная на крупном машинном производстве. Новая техника меняет условия труда, которые постепенно становятся все более комфортными. В культуре отмечается рост цивилизационных процессов. Это существенно меняет внешний облик человека и окружающий его предметный мир. Культура становится важной частью общественной жизни. Развитие капитализма в странах Западной Европы первой половины ХIХ века сопровождалось формированием мощного рабочего движения. Англия стала родиной профсоюзов. В этих условиях возник марксизм - учение К.Маркса (1818-1883) и Ф.Энгельса (1820-1895) об общественном развитии - оказал огромное влияние на социально-политическую жизнь Европы и всего мира. Под руководством К.Маркса и Ф.Энгельса в 1864 г. был образован I Интернационал - Международное товарищество рабочих. В 1871 г. рабочие французской столицы на несколько месяцев установили в Париже свою власть. После поражения Парижской Коммуны и роспуска I Интернационала во всех европейских странах стали возникать социал-демократические партии, руководствовавшиеся идеями марксизма.
В сознании европейцев ХIХ века прослеживается стремление быть полезным обществу, а культура приобретает демократические и светские черты. Доминирующая городская культура способствовала не только интенсивному развитию промышленного производства: машиностроения, энергетики, металлургии и пр., но также стимулировала процессы образования и науки. По всей Европе формируется система школьного и профессионального образования, возрастает количество студентов, обучающихся в университетах. Нормой европейской культуры становится стремление повышать свой образовательный уровень. С начала ХIХ в. наука становится востребованной европейским сообществом в полном объеме, данные одного типа знания широко используются для развития другого. Наиболее фундаментальными научными достижениями века являются:
открытие немецким микробиологом Робертом Кохом (1768-1839) возбудителя туберкулеза (палочка Коха);
описание английским ботаником Робертом Броуном (1773-1858) ядра растительной клетки и открытие беспорядочного движения мельчайших частиц (броуновское движение);
создание английским физиком Майклом Фарадеем (1791-1867) учения об электромагнитном поле;
обоснование английским естествоиспытателем Чарльзом Дарвином (1809-1882) основных факторов эволюции органического мира от обезьяны к человеку;
разработка французским микробиологом и иммунологом Луи Пастером (1822-1895) метода профилактической вакцинации против сибирской язвы и других инфекционных заболеваний;
предсказание английского физика Джеймса Максвелла (1831-1979) существования электромагнитного поля.
С небывалой активностью в конце века осуществлялись эксперименты по соединению, синтезу самостоятельных видов искусства. Принципиальным основанием этого процесса в искусстве стало всеохватывающее освоение и преобразование мира. На рубеже веков осуществлялись интенсивные эксперименты по соединению музыки и цвета. Цветовая энергетическая динамика в творчестве Александра Скрябина (1871-1915), Микалюса Чюрлениса(1875-1911) становилась новым конструктивным методом музыкальной композиции. На рубеже ХIХ-ХХ вв. мировая философская мысль начинает проявлять повышенный интерес к музыкальному творчеству
Реализм XIX в. принято называть критическим реализмом. Ему свойственно глубинное постижение жизни, широкий охват действительности, художественное осмысление всех ее противоречий. Художник-реалист показывает взаимоотношения и взаимовлияния человека и среды, проявляя подлинно энциклопедические познания. Не случайно многие сочинения приобретают характер социального исследования: («Красное и черное» Стендаля (1783-1842)). В реалистическом искусстве характер человека трактуется как противоречивое и развивающееся единство. Проявление характера обусловлено средой обитания и обстоятельствами жизни. Он может меняться от содержания этих условий, в зависимости от переживаемого момента. Для реализма XIX века характерен обостренный интерес именно к социальному началу в действительности (Оноре де Бальзак (1799-1850).
Билет 8
Западноевропейская культура первой половины 19 века. Романтизм в европейском искусстве.
19 век – век великих научных и технических открытий. Но в то же время, именно тогда начинается разочарование в возможностях разума, в идеологии Просвещения. Романтизм – это стиль в искусстве начала 19 века, когда пристальное внимание уделялось внутреннему духовному миру человека. Романтики отказались от принципов классицизма, который эстетическим идеалом для просветителей. Классическое воспринималось как образцовое, завершённое. Романтическое же, напротив, динамично и открыто для обновления и развития. Важнейшим видом деятельности для романтиков является не социальное переустройство общества и не просвещение, а духовное действие в сфере искусства. Романтики критически относились к буржуазной действительности. Романтики в своём творчестве обращались к жизни народа, к фольклору, природе. Романтизм проявился в творчестве Байрона, Ч. Диккенса, В. Скотта, В. Гюго, Э Гофмана , Г. Гейне, Ф. Шуберта, Ф. Шопена, Р. Шумана. В живописи искусство романтизма обращалось к трагедии, раскрывающей боль человеческой души, его одиночество, или героизму, пафосу действия. Э. Делакруа «Портрет Шопена», Ф. Гойя «Портрет семьи Карла 4», Т. Жерико «Плот Медузы»
Романтизм (фр. romantisme) - широкое идейное и художественное движение в духовной жизни европейского и американского общества, начавшееся на рубеже ХVIII-ХIХ вв. и характеризующееся стремлением к возвышенным идеалам, отрицанием действительности, стремлением создать совершенный мир. Романтизм, зародившись в Германии, распространился по всему миру, был национально многолик, сложен, внутренне противоречив и неоднороден. Просуществовав до 40-х годов XIX в., он затем не раз возрождался в разнообразных неоромантических формах. В начале ХIХ в. в Европе существовали:
- романтическое искусство (Джордж Байрон (1788-1824), Виктор Гюго (1802-1885);
- романтическая философия и эстетика (братья Август и Фридрих Шлеге-ли, Фридрих Шеллинг (1775-1854), Серен Кьеркегор (1813-1855);
Романтизм нашел свое выражение не только в сфере идеологии, но и в области общественной психологии, выступая как определенное мироощущение и мировосприятие эпохи. Он создавал новое представление о богатстве и неисчерпаемости духовного мира человека. Романтизм постулировал неприятие действительности, политическую индифферентность, мистицизм, меланхолию, внимание к внутренней жизни личности. Романтизм - это мощное художественное направление, в основе которого лежал творческий метод, провозглашавший своим главным принципом абсолютную и безграничную свободу личности. Сутью романтического мировосприятия является признание драматически неразрешимого противоречия между низменной действительностью и высоким идеалом, несовместимым с нею, а подчас и вообще нереализуемым. В романтизме главное - не показ индивидуализма, а героико-патетическое прославление одиночества. Для романтизма как художественного стиля характерно противопоставление классицистскому «подражанию природе» творческой активности художника, с его правом на преображение реального мира. Романтизм стимулирует отрицание нормативности в создании произведений искусства и выступает за обновление художественных форм. Художник, с помощью таланта и вдохновения, создает именно свой особый мир, более прекрасный, чем реальный. Понимая искусство как высшую реальность, романтизм стимулирует ассоциативность художественного мышления и взаимопроникновение различных видов и жанров искусства. Произведения романтиков наполнены чувствами восторга и разочарования, воодушевления и отчаяния. Эти душевные колебания создавали ощущение непостижимости действительности, вечной загадки мира, признание невозможности его полного духовного познания. Гетерогенность романтического стиля породила неустойчивость всей художественной системы в целом. Романтическая эпоха - это время небывалого расцвета:
- музыки - Фридерик Шопен (1810-1849), Франц Шуберт (1797-1828), Ференц Лист (1811-1876);
- живописи - Эжен Делакруа (1798-1863) , Теодор Жерико (1791-1824), Осип Кипренский (1782-1836);
- литературы - Вальтер Скотт (1771-1832), Александр Дюма (1802-1870), Эрнст Гофман (1776-1822), Ганс Христиан Андерсен 1805-1875).
В романтическую эпоху люди почувствовали движение времени, общественные перемены, что сопровождалось небывалым интересом к народной культуре, ее истокам и к росту национального самосознания во многих европейских странах. Классическими странами романтизма являлись Германия, Франция, Англия. Классическим воплощением в искусстве идей, тем и сюжетов романтизма стали: поэма Дж. Байрона «Паломничество Чайльда Гарольда», - живописные полотна Т.Жерико «Плот медузы» и Э.Делакруа «Свобода, ведущая народ», полонезы, баллады, ноктюрны, этюды для фортепиано Фридерика Шопена, балет А Адана «Жизель».
Впервые о Жане Луи Андре Теодоре Жерико заговорили в 1812 г., когда двадцатилетний ученик художественной мастерской отважился выставить в Салоне картину «Офицер конных егерей императорской гвардии, идущий в атаку» («Портрет лейтенанта Р. Дьедонне», 1812 г.). Лихой всадник на полотне не позирует, а сражается: стремительная диагональ композиции уносит его вглубь картины, в сизо-багровое пекло боя; даже зрители чувствуют себя солдатами, которых ведёт за собой Дьедонне.
Успех первой картины Жерико был омрачён известием о разгроме армии Наполеона Бонапарта в России. Чувства французов, познавших горечь поражения, отразила новая картина молодого художника — «Раненый кирасир, покидающий поле боя» (1814 г.). Французский историк Жюль Мишле писал, что Теодор Жерико создал «как бы эпитафию солдату 1814 года».
В 1816—1817 гг. Жерико жил в Италии. Знакомство с произведениями мастеров эпохи Возрождения сочеталось с впечатлениями от повседневной жизни. Художника особенно увлекли скачки неосёдланных лошадей, которые он увидел в дни февральского карнавала в Риме. В живописной серии «Бег свободных лошадей» (1817 г.) кисти Жерико доступна и выразительная точность репортажа, и сдержанная героика в неоклассическом духе. В этих произведениях окончательно сформировался его индивидуальный стиль: мощные, грубоватые формы переданы большими подвижными пятнами света.
Вернувшись в Париж, художник задумал картину в память о событии, взволновавшем всю Францию. В июле 1816 г. близ островов Зелёного Мыса (у побережья Западной Африки) корабль «Медуза» под командованием неопытного капитана, получившего должность по протекции, сел на мель. Тогда капитан и его приближённые уплыли в шлюпках, бросив на произвол судьбы плот со ста пятьюдесятью матросами и пассажирами, из которых выжило только пятнадцать человек. Двенадцать дней спустя их спасло судно «Аргус». В картине «Плот „Медузы"» (1818— 1819 гг.) Жерико добивался максимального правдоподобия. Два года он разыскивал людей, переживших трагедию в океане, делал зарисовки в больницах и моргах, писал этюды моря в Гавре, портовом городе на северном побережье Франции. Плот на его картине приподнят волной, зритель сразу видит всех ютящихся на нём людей. На первом плане — фигуры умерших и обезумевших; они написаны в натуральную величину. Взгляды тех, кто ещё не отчаялся, обращены на дальний край плота, где африканец, стоя на шатком бочонке, машет красным платком команде «Аргуса». Но корабль далеко, у самого горизонта, там ещё не заметили терпящих бедствие, а ветер относит их плот в противоположную сторону. То отчаяние, то надежда по прихоти переменчивой судьбы наполняют души пассажиров плота «Медузы». В 1820—1821 гг. Жерико побывал в Англии, где познакомился с пейзажами Джона Констебла.
Под влиянием работ английского мастера он написал «Скачки в Эпсоме» (1821 г.). Картина пронизана движением: кони несутся, едва касаясь земли, их фигуры слились в одну стремительную линию; подвижны низкие облака, подвижны их тени, скользящие по влажному полю. Все контуры в пейзаже размыты, краски смазаны. Жерико, бывалый наездник, показал мир таким, каким его видит жокей на мчащемся галопом коне.
В 1822 г. художника постигло несчастье: он упал с лошади, получив тяжёлую травму позвоночника. Через два года, на тридцать третьем году жизни, он умер. Автор некролога в одной из парижских газет назвал Теодора Жерико «юным романтиком» — так впервые был замечен романтизм во французской живописи.
Библейские сюжеты в творчестве русских художников.
В течение двух тысячелетий весь мир воспитывается на сказках и преданиях, песнях и притчах, взятых из Библии. Библия дошла до нас сквозь толщу веков. Её запрещали, жгли, но она уцелела. Понадобилось 18 столетий, чтобы составить Библию. Над ней работало свыше 30 авторов. Было написано 66 книг Библии на разных языках людьми, жившими в разное время.
Великие художники мира отображали в своих картинах библейские сюжеты. В творчестве русских художников тоже присутствуют библейские мотивы.
Великий русский художник Александр Иванов посвятил работе над этой картиной около 20 лет. Картина «Явление Христа народу» была делом всей жизни Александра Иванова. Еще в молодости он обратился к евангельским сюжетам, его интересовала личность Спасителя, Его земная жизнь. В Италии, в 1837 году, художник начинает картину на канонический сюжет Евангелия - Крещение Христа в водах Иордана. Пришедшего из пустыни Спасителя не узнал никто, кроме Иоанна Крестителя, признавшего в Нем Мессию, о котором было пророчено в Ветхом Завете. Одного из купающихся Иванов рисовал со своего друга Николая Гоголя. Работа над полотном длилась ровно 20 лет. Иванов жил почти в нищете. Все деньги, которые доставали родители и друзья шли на краски. С чем сравнить этот подвиг? Разве что с подвигом Серафима Саровского, который столько же лет прожил в келье посреди глухой тайги, ночами стоя в молитве на камне, а днем лаская рукой дикого зверя, медведя, который выходил к святому из чащи.
Только вместо чащи Иванова окружал блистательный Рим, то есть искушение было сильней, чем в Сибири. В 1857 году Иванов, наконец, впервые показал свой законченный труд. К картине было написано около 600 этюдов. Первым полотно «Явление Христа народу» увидела вдовствующая императрица Александра Федоровна. Огромное полотно размером 540х750, сияя красотой, стояло у стены в окружении сотни эскизов. Почти сто лет ни в Европе, ни в мире равной по силе картины не было вплоть до появления «Герники» Пикассо и «Тайной вечери» Сальвадора Дали. Весной 1858 года Иванов привозит полотно в Санкт-Петербург.
Император Николай Первый решил встретить картину по-царски и распорядился выставить ее для обозрения публики прямо в Зимнем дворце. Длинный ящик с завернутым холстом бережно внесли в Белый зал, где картину ждала рама, покрытая золотом. На следующий день во дворец прибыл сам император. Николай и его свита ликовали: русская кисть снова принесла славу Отечеству. За считанные дни картину увидело больше 30 тысяч петербуржцев. 30 июня у художника началась «холера», врачи оказались бессильны, и 3 июля 1858 года художник скончался. Через два часа после смерти на квартиру доставили щедрое решение императора о покупке картины за 15 000 рублей и назначении художнику пожизненной пенсии в 2000 рублей, а также награждение орденом Святого Владимира. Репин называл эту картину «самой гениальной и самой народной русской картиной».
Примеры картин на библейские сюжеты: И.Н, Крамской «Христос в пустыне», В. Поленов «Христос и грешница» из серии «Из жизни Христа», Н. Ге
Билет №9. Знаменитые музеи мира.
Сокровища Дрезденской галереи собирались и накапливались долго - в течение трех столетий, с середины XVII века. Первоначально галерея была дворцовым собранием, видеть которое допускались лишь немногие, избранные гости. В конце XVIII и в XIX веке слава Дрезденской галереи разошлась по всему миру. Ученые и художники, знаменитые писатели или просто любознательные путешественники, среди которых было много самых разнообразных деятелей русской культуры, считали долгом посетить Дрезден по пути из Петербурга в Италию или из Парижа на восток Европы, разнося повсюду свое восхищение великими художественными творениями, хранящимися в Дрезденской галерее.
В 1866 году Дрезденская галерея раскрыла свои двери всем желающим. Архитектор Готфрид Земпер выстроил для нее специальное здание, вошедшее в состав прекраснейшего дрезденского архитектурного ансамбля XVIII века Цвингера. В годы Великой Отечественной войны части Советской армии, освобождая Германию от фашистского варварства, дошли и до Дрездена; они нашли коллекции галереи, спрятанные в рудниках и шахтах, вовремя спасли их от уничтожения и вывезли в Советский Союз. Картины Дрезденской галереи, показанные на выставке в Музее изобразительных искусств имени ж. С. Пушкина в Москве, доставили высокое художественное наслаждение более чем миллионной массе посетителей. В 19ыы году по решению Советского правительства дрезденские картины были возвращены Германской Демократической Республике.
Драгоценное наследие прошлого, заключенное в шедеврах таких музеев, как Дрезденская галерея, - не только музейная ценность. В нем - огромный творческий многовековой опыт народов, помогающий созданию нового, современного нашей эпохе искусства, опирающегося на прошлое для бесконечного движения вперед. Как и все крупнейшие музеи мира, Дрезденская галерея имеет свое неповторимое, особое обаяние, свою резко выраженную индивидуальность.
Как 6ы ни были порой случайны пути создания и роста большого музея, в результате неизбежно возникает единый, целостный организм, где отдельные художественные произведения многих веков и народов живут сложной, взаимно друг друга дополняющей Жизнью. В каждом большом музее непременно сталкиваются лицом к лицу художники разных времен и разных направлений; под заботливым наблюдением музейных работников идет, по существу, неизменно Живая и напряженная художественная Жизнь, в которой соревнуются или борются самые различные взгляды на мироздание и на человека, нередко прямо противоположные художественные идеалы и художественные вкусы. Великие прогрессивные мастера прошлых веков продолжают неустанно одерживать свои победы над художественной реакцией и косностью, утверждать подлинно глубокое, подлинно гуманистическое содержание своего творчества, выраженное в прекрасной художественной форме.
Лицо каждого большого музея всегда несет печать времени, к которому относится наибольший размах собирательской деятельности этого музея. Так создался и облик Дрезденской галереи, принадлежащей вместе с Лувром, Эрмитажем, мадридским Прадо, галереей Уффици во Флоренции к числу самых старых музеев мира. Ее замечательная коллекция картин старых мастеров сложилась в основном в XVIII веке, когда еще не было разработанной науки об искусстве и господствовали иные, чем сейчас, представления о ходе развития мирового искусства и вместе с тем совершенно определенные вкусы и оценки произведений художественных школ разных веков и стран. Этим объясняются многие особенности собрания Дрезденской галереи, как достоинства, так и недостатки этой в целом превосходной коллекции. Совершенно справедливо тогда высоко ценили и усердно собирали великих художников Высокого Возрождения в Италии; голландских Жанристов и пейзажистов периода расцвета голландской Живописи в середине XVII века и вместе с ними великого Рембрандта; фламандских и испанских мастеров первой половины XVII века. Все это и сейчас занимает первое место в залах Дрезденской галереи и определяет ее художественный облик и ее выдающееся значение. Но те же вкусы любителей искусства XVIII века отвели незаслуженно большое место художникам совсем другого порядка: живописцам конца Возрождения в Италии, начиная с Корреджо, скучным и безжизненным холстам болонских и римских академистов XVII века, мелочным и поверхностным фламандцам круга Тенирса и таким же поздним голландцам, пересказывавшим мастеров эпохи расцвета старой Голландии. Шедевры большого реалистического искусства только еще больше выигрывают в столь наглядном сопоставлении с произведениями, рожденными эпохами упадка и измельчания искусства. Действительно, "Сикстинская мадонна" Рафаэля кажется еще более человечной, простой и трогательной рядом с чопорной и холодной "Мадонной па троне" Гвидо Рени; вся глубочайшая, жизнеутверждающая сила и подлинно реалистическая гармония "Спящей Венеры" Джорджоне или "Спящей Венеры" Пуссена становятся лишь еще живее и глубже рядом с жеманными, условными "красавицами" болонских живописцев; сверкающее мастерство Яна Вермеера Дельфтского, поражающее своей жизненной правдой, кажется поистине монументальным рядом с равнодушным перечислением подробностей в картинах Герарда Доу и его потомков. И лицо музея определяют именно смелые, свободные и правдивые реалистические творения, воплотившие в своем бесконечно многообразном художественном строе лучшие мысли, чувства и мечты народов мира в разные времена их сложного исторического пути.
Нельзя представить себе Лувр без картин Леонардо или без "Свободы на баррикадах" Делакруа. Нельзя представить себе Эрмитажа без "Блудного сына" и "Данаи" Рембрандта или без прекрасных созданий французских мастеров: Пуссена, Ватто, Фрагонара. Точно так же главный стержень Дрезденской галереи образуют "Сикстинская мадонна" Рафаэля и "Динарий кесаря" Тициана, "Спящая Венера" Джорджоне и большие праздничные полотна Веронезе, "Святая Инесса" Риберы и "Вирсавия" Рубенса, "Спящая Венера" Пуссена и картины Вермеера и Якоба Рейсдаля и ряд других подобных же произведений, входящих в единую цепь большой реалистической традиции мирового искусства. Одним из самых основных и самых богатых разделов Дрезденской галереи является собрание картин эпохи Возрождения, особенно итальянских. За пределами Италии не часто можно встретить такую большую и, главное, высококачественную коллекцию, дающую столь сильное ощущение всей новизны и значительности этой блестящей эпохи реалистического искусства.
Монастыри, как очаги средневековой культуры.
Монастырь – община монахов, имеющих единый устав. Монахи живут натуральным хозяйством. Главный подвиг монахов – молитва за весь мир и труд. Монашеские подвиги: затворничество, молчальничество, юродство. В средние века монашество рассматривалось как верный путь в Царствие Небесное, путь аскета, полный трудов и лишений. Из Греции, со святого Афона, центра православного монашества, пришел на Русь другой вид подвижничества – пещерничество. В 11 веке на берегу Днепра монах Антоний вырыл пещеру наподобие римских катакомб, заложив основу вместе с Феодосием, Киево-Печерской лавры. Монашеская община называется братия. В средние века монастыри были важными очагами культуры – письменности, иконописания, храмостроения, прикладного искусства. На фоне почти поголовной неграмотности монахи отличались образованностью и начитанностью. Первое высшее учебное заведение в России – Славяно-Греко-Латинская академия – открылось при Заиконоспасском монастыре в Москве. Первые библиотеки на Руси также были монастырские.
Троице-Сергиева лавра основана преподобным Сергием Радонежским в 1337 году на горе Маковец, в 70 км от Москвы. Настоятелем лавры является Патриарх Московский Всея Руси. В стенах монастыря проживает 150 человек братии и 150 человек по монастырским скитам (уединенные поселения). Троице-Сергиеву лавру называют духовным сердцем России. Её уникальный ансамбль создавался на протяжении 5 веков. Сегодня архитектурный ансамбль лавры включает в себя более 50 построек московских, псковских, ярославских мастеров. В этом монастыре в средние века хранилось уникальное собрание древних рукописей и книг. Многие из них подарены царями – Иваном Грозным, Василием Шуйским, Федором Алексеевичем. К середине 17 века в монастырском книгохранилище насчитывалось около 700 книг. В монастыре есть иконописная мастерская. В ризнице собрана богатая коллекция старинных ювелирных изделий, драгоценная утварь, оклады, иконы и книги. Троицкий собор украшает иконостас работы Андрея Рублёва.
Мир русского монастыря был многогранен. Он сочетал в себе религиозную духовность, многообразие искусства и книжную ученость. Монастыри играли роль крепости, например Троице-Сергиева лавра выдерживала осаду около 2-х лет во времена Смуты на Руси.
Спасо-Преображенский Соловецкий монастырь основан преподобными Зосимой, Савватием и Германом в 1429 году. Молитва, труд и пост стали основными правилами жизни монастыря. Расцвет монастыря приходится на 16 век при игумене Филиппе, будущем Патриархе московском.
Архитектурный ансамбль монастыря: крепостные стены с башнями, трапезная с Успенским собором, Преображенский собор (все - XVI в.), церковь Благовещения (конец XVI - начало XVII в.), каменные палаты (XVII в.). Не случайно монастырь назван Преображенским. Монахи преобразили не только мир вокруг себя, но и молитвой преображали человеческую душу. Для одних Соловки – общерусская святыня, для других – мир преображенной природы, для третьих – памятник культуры. Основная идея жизни монастыря - ЕВАНГЕЛЬСКАЯ ИДЕЯ ПРЕОБРАЖЕНИЯ. Величайший духовный подвиг - это подвиг молитвы за мир, когда человек оставляет личную жизнь, свои привязанности, отказывается от личного наслаждения и счастья и все свои силы концентрирует в молитве. Преображенная душа способна преображать и окружающий мир к лучшему. Так, Соловецкий монастырь явился примером дивной гармонии между преображенной душой и преображенным миром. Монахи создали неповторимые архитектурные памятники. Для многих русских людей было почетно принять участие в строительстве монастыря. Не нарушая природы, монахи проложили тропы, зная как скудна здесь почва (травяной покров растет очень медленно). Чтобы сохранить запасы питьевой воды, создали искусственные каналы, объединявшие озёра. На самой высокой горе Секирной построили маяк-колокольню, свет которого виден поморам в открытом море на 50 км. Изобретение Соловецких монахов – сухой док – чудо инженерной мысли, используется и поныне. И наконец, в условиях севера, когда Белое море полгода покрыто льдами, разбили Ботанический сад и построили теплицы с подземным подогревом почвы, выращивали, арбузы, яблоки, дыни, сирень, иргу, персики и т.д. Ни одно соловецкое изобретение монахов не губило природу, а сотрудничало с нею. Соловецкий монастырь был также крепостью на северных рубежах Отечества.
Билет №10
Импрессионизм в европейской культуре.
Импрессионизм (впечатление) – направление в искусстве конца 19 начала 20 века, представители которого стремились передать мимолётные впечатления и запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости. Творчество Эдуарда Мане предваряло новое направление в живописи. Картины некоторых художников выставлялись в частном салоне «Салоне отверженных». На одной из выставок была представлена картина Мане «Впечатление. Восход солнца». Отталкиваясь от этого названия один их критиков обозвал участников выставки импрессионистами. Так из ироничного прозвища родилось название художественного направления. К импрессионистам относятся Камиль Писсаро, Пьер Огюст Ренуар, Клод Моне, Эдгар Дега. Импрессионизм нашел отражение в скульптуре, музыке и литературе. За 12 лет импрессионисты организовали восемь выставок. Темами их картин стали городской и сельский пейзаж, портрет, бытовые сцены. В конце 19 века 4 французских художника Поль Сезанн, Винсент Ван Гог, Поль Гоген и Анри Тулуз-Лотрек составили новое направление живописи – постимпрессионизм. В отличии от импрессионистов, они стремились передать не мгновенные мимолетные состояния природы, а познать подлинную сущность вещей, скрытую под их внешностью. В музыке импрессионизм проявился в творчестве Клода Дебюсси и Мориса Равеля. В музыке Дебюсси особая взволнованность и поэтичность, она как бы размыта, как краски на картинах импрессионистов. Для музыки Равеля характерно оригинальное восприятие мира, любовь не только к французской, но и испанской музыке. В музыку этих композиторов входят настроения и чувства, рожденные впечатлениями, как у художников. Импрессионизм (от франц. impression - впечатление) - художественное направление, возникшее во Франции в 60-70-х годах XIX века и воспроизводившее действительность в соответствии со своим видением мира.
Новое художественное осмысление мира получило наиболее яркое воплощение в живописи, литературе, музыке, скульптуре. Впервые сюжетами художественных произведений становятся непосредственные впечатления от окружающего человека мира, который он видит интуитивно, опираясь на возможности образного, а не понятийного мышления. Импрессионизм предстает как последнее цельное художественное течение во Франции ХIХ века, отмеченное общими стойкими стилистическими признаками. Среди художников следующего поколения такого единства уже не было. Признаками импрессионистического стиля являются:
отказ от замкнутости и стабильности изображения объектов;
фрагментарность композиций, фиксирующих мгновенные, как бы случайные ситуации;
неожиданные ракурсы, срезы фигур и предметов.
Импрессионизм особенно ярко заявил о себе в живописи. Художники-импрессионисты (Огюст Ренуар (1841-1919), Эдуар Мане (1832-1883), Эдгар Дега (1834-1917), Клод Моне (1840-1926), Камиль Писсаро (1830-1903) с помощью новых живописных приемов стремились передать красоту мимолетных состояний природы, подвижность и изменчивость человеческой жизни. Свои пейзажные работы (а пейзаж - воспроизводящий динамичную и красочную жизнь природы - стал ведущим жанром импрессионизма) художники писали на открытом воздухе (пленэре), передавая с помощью чистой, светлой живописи ощущение сверкающего солнечного света. Следует отметить, что работа на пленэре, творческий контакт с природой вызвали к жизни и новую живописную технику, которая особенно проявилась в цветовом решении полотен. Пленэр развил у импрессионистов не только обостренное восприятие локального цвета, но и тончайшее ощущение цветовой гаммы, которая видоизменялась в зависимости от освещения и состояния воздушной среды. Французский писатель Э. Золя очень тонко заметил о сути искусства импрессионизма, что это «кусочек природы, рассмотренный сквозь тот или иной темперамент». В своем творчестве импрессионисты исходили из доверия к природе как объективной данности. Они были убеждены, что мир природы невозможно отделись от его восприятия. А себя они осознавали как своеобразных посредников между миром природы и людьми, которые призваны раскрывать людям красоту этого мира.
Импрессионистические приемы использовались и в других видах искусства. На рубеже ХIХ-ХХ веков принцип живописности выступает одним из определяющих и в литературе, и в скульптуре, и в музыке импрессионизма. В поэзии он прозвучал в творчестве Поля Верлена (1844-1896), достигнув апогея в его знаменитом сборнике «Романсы без слов» (1874), в музыке - в блистательных миниатюрах Мориса Равеля (1875-1957) и Клод Дебюсси (1862-1918). Использовали этот стиль в своем творчестве - скульпторы Огюст Роден (1840-1917) и Петр Трубецкой (1866-1938), писатели Марсель Пруст (1871-1922), Кнут Гамсун (1859-1952) и Иннокентий Анненский (1855-1909).
Конец ХIХ в. ознаменован развитием в русле импрессионизма нового художественно-образного явления западноевропейского искусства. Постимпрессионизм - таково условное обозначение группы художественных течений во французской живописи рубежа ХIХ-ХХ веков. Художники, которых в истории искусства называют постимпрессионистами - Поль Сезанн (1839-1906), Винсент Ван Гог (1853-1890), Поль Гоген (1848-1903), Анри де Тулуз-Лотрек (1864-1901) - представляли собой подлинную творческую индивидуальность. Они не были объединены ни общей программой, ни единым методом и каждый оставил в искусстве свой заметный след. Их живописные полотна отличали продуманная композиция, синтез цвета, форма и вещественность предметов. Причем, цвет для постимпрессионистов - не конечная цель (как у импрессионистов), а исходная точка - элемент, необходимый для того, чтобы овладеть глубочайшей правдой жизни. Постимпрессионизм проявил повышенный интерес к философским и символическим началам бытия, жадно «вживался» в природу, стремился выразить само существо ее внутренней жизни, создать монументальные образы человека и природы.
Творчество П.И. Чайковского
Вершиной расцвета русской музыки стало творчество Петра Ильича Чайковского.
Пётр Ильи́ч Чайко́вский (25 апреля [7 мая] 1840, Воткинск, Вятская губерния, Российская империя — 25 октября [6 ноября] 1893, Санкт-Петербург) — русский композитор, дирижёр, педагог, музыкально-общественный деятель, музыкальный журналист.
Считается одним из величайших композиторов в истории музыки. Автор более 80 произведений, в том числе десяти опер и трёх балетов. Его концерты и другие произведения для фортепиано, семь симфоний (шесть пронумерованных и симфония «Манфред»), четыре сюиты, программная симфоническая музыка, балеты «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик» представляют чрезвычайно ценный вклад в мировую музыкальную культуру. Родился 25 апреля 1840 года Вятской губернии (ныне город Воткинск, Удмуртия). Его отец — Илья Петрович Чайковский (1795—1880) — выдающийся русский инженер. Пётр был вторым ребёнком в семье: в 1838 году родился его старший брат Николай, в 1842 году — сестра Александра (в замужестве Давыдова) и Ипполит. Братья-близнецы Анатолий и Модест появились на свет в 1850 году.
Родители Петра Ильича любили музыку. Его мать играла на фортепиано и пела, в доме стоял механический орган — оркестрина, в исполнении которого маленький Пётр впервые услышал «Дон Жуана» Моцарта. Пока семья жила в Воткинске, им часто доводилось слышать по вечерам мелодичные народные песни рабочих завода и крестьян. Из письма гувернантки Фанни Дюрбах Петру Ильичу: «Я особенно любила тихие мягкие вечера в конце лета… с балкона мы слушали нежные и грустные песни, только они одни нарушали тишину этих чудных ночей. Вы должны помнить их, никто из вас тогда не ложился спать. Если Вы запомнили эти мелодии, положите их на музыку. Вы очаруете тех, кто не сможет слышать их в вашей стране».
В 1849 году семья переехала в город Алапаевск (об этом этапе жизни композитора можно узнать из книги «12 путешествий по Среднему Уралу»), а в 1850 году — в Санкт-Петербург. Чувствуя себя низшими по статусу из-за скромного происхождения, в 1850 году родители отправляют Чайковского в Императорское училище правоведения, находившееся вблизи от улицы, ныне носящей имя композитора. Чайковский провёл 2 года за границей, в 1300 км от родного дома, так как возраст поступления в училище составлял 12 лет. Для Чайковского разлука с матерью была очень сильной душевной травмой. В 1852 году, поступив в училище, он начал серьёзно заниматься музыкой, которую преподавали факультативно. Чайковский был известен как неплохой пианист и хорошо импровизировал.
Окончив училище в 1859 году, Чайковский получил чин титулярного советника и начал работать в Министерстве юстиции. В свободное от службы время посещал оперный театр, где на него сильное впечатление оказывали постановки опер Моцарта и Глинки.
В 1861 году поступил в Музыкальные классы Русского музыкального общества (РМО), а после преобразования их в 1862 году в Петербургскую консерваторию стал одним из первых её студентов по классу композиции. Его учителями в консерватории были Николай Иванович Заремба (теория музыки) и Антон Григорьевич Рубинштейн (оркестровка). По настоянию последнего он бросил службу и целиком отдался музыке. В 1865 году окончил курс консерватории с большой серебряной медалью, написав кантату на оду Шиллера «К радости»; другие его консерваторские работы — увертюра к пьесе Островского «Гроза» и танцы сенных девушек, включённые впоследствии в оперу «Воевода».
По окончании консерватории, по приглашению Николая Рубинштейна, переехал в Москву, где получил место профессора классов свободного сочинения, гармонии, теории и инструментовки в только что основанной консерватории.
В 1868 году впервые выступил в печати как музыкальный критик и познакомился с группой петербургских композиторов ― членов «Могучей кучки». Несмотря на разность творческих взглядов, между ним и «кучкистами» сложились дружеские отношения. У Чайковского проявляется интерес к программной музыке, и по совету главы «Могучей кучки» Милия Балакирева он пишет увертюру-фантазию «Ромео и Джульетта» по одноимённой трагедии Шекспира (1869), а критик В. В. Стасов подсказал ему замысел симфонической фантазии «Буря» (1873).
1870-е годы в творчестве Чайковского ― период творческих исканий; его привлекают историческое прошлое России, русский народный быт, тема человеческой судьбы. В это время он пишет такие сочинения, как оперы «Опричник» и «Кузнец Вакула», музыка к драме Островского «Снегурочка», балет «Лебединое озеро», Вторая и Третья симфонии, фантазия «Франческа да Римини», Первый фортепианный концерт, Вариации на тему рококо для виолончели с оркестром, три струнных квартета и другие.
Написал по заказу организационного комитета к открытию Политехнической выставки кантату «В память 200-летия рождения Петра Великого» на слова Я. П. Полонского. Кантата впервые была исполнена 31 мая 1872 года на Троицком мосту в Кремле под специально построенным навесом (дирижёр К. Ю. Давыдов, солист А. М. Додонов).
В июле 1877 года, увлёкшись сочинением оперы «Евгений Онегин», а также чтобы покончить с различными слухами и сплетнями по поводу своей личной жизни, импульсивно женился на бывшей консерваторской студентке Антонине Милюковой, которая была младше его на 8 лет.
В 1878 году оставил пост в Московской консерватории и уехал за границу.
В середине 1880-х Чайковский возвращается к активной музыкально-общественной деятельности. В 1885 году его избирают директором Московского отделения РМО. Музыка Чайковского получает известность в России и за границей. Последние годы своей жизни композитор провёл в Клину, Московской области, где сейчас находится его мемориальный музей.
С конца 1880-х годов выступал как дирижёр в России и за рубежом. Концертные поездки укрепили творческие и дружеские связи Чайковского с западноевропейскими музыкантами, среди которых ― Ганс фон Бюлов, Эдвард Григ, Антонин Дворжак, Густав Малер, Артур Никиш, Камиль Сен-Санс и др.
Весной 1891 года П. И. Чайковский совершает поездку в США. В качестве дирижёра своих произведений с сенсационным успехом он выступил в Нью-Йорке, Балтиморе и Филадельфии (подробное описание этого путешествия сохранилось в дневниках композитора). В Нью-Йорке он выступал в только что открытом Карнеги-холл, где дирижировал Нью-йоркским симфоническим оркестром.
В последний раз в жизни Чайковский встал за дирижёрский пульт в Петербурге за девять дней до своей кончины ― 16 октября (28 октября по новому стилю) 1893 года. Во втором отделении этого концерта впервые прозвучала его Шестая, «Патетическая» симфония.
Произведения: оперы «Евгений Онегин», «Пиковая дама», и др.