Билет №17

Символизм в русском искусстве. Анализ творчества М.Врубеля

Конец ХIХ — начало ХХ в. — время нового подъема отечественной художественной культуры. Если эпоха Пушкина была ее Золотым веком, то этот период по праву называют Серебряным веком. Это было время ускорения процесса развития всей русской национальной культуры. Оно неразрывно связано с крупными изменениями в социально-экономической, политической и культурно-образовательной сферах жизни российского общества, в котором нарастало брожение, появились различные по характеру политические и художественные течения. В искусстве дискутировались вопросы о путях развития художественного творчества в новом веке. Вобрав себя все лучшее из культурного наследия прошлого, художественная культура России на рубеже двух веков обогатилась новыми направлениями и формами. В культуре серебряного века можно выделить 3 направления: символизм, неоклассицизм, авангард. Символизм на место конкретного художественного образа поставил символ – словесный знак. В литературе символисты – Брюсов, Блок, Бальмонт. Развитие живописи, происходило бурно и неравномерно. В последние два десятилетия ХIХ в зрелые мастера русской живописи еще переживали пору своего расцвета. Создавали свои лучшие произведения И.Е. Репин - «Крестный ход в Курской губернии», «Не ждали», «Иван Грозный и сын его Иван», В.И. Суриков – «Утро стрелецкой казни», «Боярыня Морозова» и др. Однако, именно в эти годы новое поколение художников впервые почувствовало необходимость поисков новых идей, обновления художественного языка, обогащения искусства новыми художественными формами и содержанием. Эти поиски начинают М. Врубель, В. Серов, К. Коровин, М. Нестеров и др. Русская живопись начинает отходить от принципов передвижничества (от критического, аналитического, психологического реализма).

В конце ХIХ в. в Петербурге возникло творческое объединение «Мир искусства», созданное А.Н. Бенуа и С.П. Дягилевым, которое с небольшим перерывом просуществовало с 1898 по 1924 г. В объединение входили художники Л.С. Бакст, А.Я. Головин, Е.Е. Лансере, к которым присоединились А.П. Остроумова-Лебедева, К.А. Сомов, М.В. Добужинский, В.А. Серов и др. «Мирискусники» считали, что у искусства есть свои самоценные качества, оно автономно и главная его проблема — художественный индивидуализм и вечная проблема художественного творчества — красота. Своими, только искусству присущими средствами оно должно преображать жизнь. Художественная программа «Мира Искусства» носила неоромантический характер и была связана с символизмом и стилем модерн. С особым интересом относились художники этого объединения к прошлому, романтизируя и идеализируя. Деятельность «Мира искусства» была достаточно разносторонней. Издавался одноименный журнал, систематически проводились выставки в России и за рубежом. Именно «Мир искусства» по инициативе и при активном участии С.П. Дягилева организовал показ русского театрального искусства, особенно балетов, за рубежом: в Париже и в Лондоне — «Русские сезоны», которые открыли миру высокое искусство России. Велась активная пропаганда искусства, литературная, театральная деятельность и прочее. Характерна творческая судьба выдающегося художника конца ХIХ и начала ХХ в. В.А. Серова. Вначале передвижник, он в конце 90-х гг. примкнул к «Миру искусства». Его ранние произведения «Девочка с персиками», «Девушка, освещенная солнцем» отличает свежесть, богатство пленэрного колорита. Смелым новаторством отмечена живопись М. А. Врубеля. В его творчестве своеобразно пересекались реальность и фантазия, зримый мир с таинственными образами мифологии, с мистически окрашенными мотивами. Врубель — великолепный мастер рисунка и композиции, одаренный колорист. Его работы: «Демон», «Царевна - лебедь» и др.

Программа «Мира искусства» привлекла к нему многих талантливых художников. В объединение вступили художники З.Н. Серебрякова, Ф.А. Малявин, Б.М. Кустодиев, ИХ. Рерих, С.В. Чехонин, К.Ф. Богаевский и другие. Все они вписали яркие страницы в историю русского изобразительного искусства.

Врубель Михаил Александрович [5(17).3.1856, Омск, - 1(14).4.1910, Петербург], русский живописец. Учился в петербургской АХ (1880-84) у П. П. Чистякова.

Неоднократно бывал в Италии и Франции, посетил Германию, Грецию, Швейцарию. Следуя традиции А. А. Иванова и Н. Н. Ге, Врубель в своём творчестве обращался к проблемам бытия человека, к морально-философским вопросам о добре и зле, о месте человека в мире. Но в условиях сложного и противоречивого развития русской художественной культуры конца 19 - начала 20 вв. стремление решить эти вопросы приводило Врубеля, стоявшего в стороне от общественной борьбы своей эпохи и не видевшего реальных путей преодоления острых противоречий буржуазной действительности, к мучительным поискам выхода лишь во внутренней, духовной жизни человека.

Это придаёт творчеству Врубеля, как и творчеству ряда других русских художников конца 19 - начала 20 вв., субъективные, индивидуалистические, а порой и мистически-болезненные черты, что вызывало ожесточённую полемику по поводу его произведений в различных кругах русского общества.

Врубель обращался к романтике средневековья и Возрождения, к античной мифологии и русской сказке; в его произведениях нередки элементы загадочности, таинственности, характерные и для поэзии раннего русского символизма. Разносторонность художественного творчества как выражение мечты соединить искусство с жизнью, поиски высокого монументального стиля и национальной формы в искусстве, приверженность к орнаментальным ритмически усложнённым решениям придают произведениям Врубеля характерные черты стиля "модерн".

Это особенно свойственно некоторым панно (например, триптих "Фауст" для дома А. В. Морозова в Москве, 1856, Третьяковская гал.; "Утро", 1897, Рус. музей, Ленинград). Однако творчество Врубеля гораздо шире и символизма, и стиля "модерн".

Стремление создать сложную картину мира, в котором всё взаимосвязано и одушевлено, а за привычным обликом предметов таится своя особая и напряжённая жизнь, приводит к органическому слиянию в произведениях Врубеля мира человеческих чувств и мира природы ("Пан", 1899, "К ночи", 1900, "Сирень", 1900,- все в Третьяковскбй гал.).

В 1884-89 Врубель жил в Киеве, где создал иконы и ряд стенных росписей (в т. ч. композицию над хорами "Сошествие святого духа", масло, 1884) в Кирилловской церкви, эскизы неосуществлённой росписи Владимирского собора (в т. ч. четыре варианта композиции "Надгробный плач" - все акварель, графитный карандаш, Киевский музей рус. иск-ва), портрет-картину "Девочка на фоне персидского ковра" (1886, там же).

С тягой Врубеля к монументальному искусству связаны декоративные поиски, которые определяют его творчество в 1890-е гг., когда Врубель, переселившись в Москву (в конце 1889), вошёл в абрамцевский художественный кружок мецената С. И. Мамонтова. В эти годы Врубель выполняет панно и станковые произведения ("Венеция", 1893, Рус. музей; "Испания", ок. 1894 и "Гадалка", 1895,- оба в Третьяковской гал.), участвует в оформлении спектаклей (опер Н. А. Римского-Корсакова "Садко", 1897, "Царская невеста", 1899, "Сказка о царе Салтане", 1900,- все в Моск. частной русской опере С. И. Мамонтова), создаёт эскизы архитектурных деталей и майоликовой скульптуры для абрамцевской керамической мастерской ("Египтянка", "Мизгирь", "Купава"- все 1899-1900, Третьяковская гал.), выступает в роли архитектора (проект фасада дома С. И. Мамонтова на Садово-Спасской ул. в Москве, 1891) и мaстepa прикладного искусства. В эти же годы Врубель работает над иллюстрациями к произведениям М. Ю. Лермонтова ("Измаил-бей", акварель, белила, тушь, сепия, Третьяковская гал. и Лит. музей, Москва, и "Герой нашего времени", акварель, белила, Третьяковская гал.,- все 1890-91). Главной темой творчества Врубеля в моcковский период стала тема Демона. В "Демоне" (1890, Третьяковская гал.) и иллюстрациях к одноименной поэме М. Ю. Лермонтова (акварель, белила, 1890-91, Третьяковская гал., Рус. .музей и др. собрания) Врубель в символической форме ставит "вечные" вопросы добра и зла, выдвигает свой идеал своеобразно понятой героической личности, бунтаря, не приемлющего обыденность и несправедливость действительности, трагически ощущающего своё одиночество. Эпоха тяжёлых социальных противоречий и общественного разлада, бунтарские настроения предреволюционной поры - всё это оказывало воздействие на работу Врубеля над темой Демона, которая завершилась "Демоном поверженным" (1902, Третьяковская галерея). В 1900-е гг. творчество Врубеля приобретает характер трагической исповеди, в нём нарастают драматизм мироощущения и экспрессия форм, а порой и черты болезненного надлома (с 1902 Врубель страдал тяжёлой душевной болезнью и в 1906 ослеп).

Знаменитые музеи России.

Государственный Эрмитаж занимает пять величественных зданий вдоль набережной реки Невы в самом центре Петербурга: Зимний дворец, Малый, Большой и Новый Эрмитажи, Эрмитажный театр. Часть экспозиции музея размещается во дворце Меншикова и бывшем здании Главного штаба на Дворцовой площади. Ведущее место в этом великолепном архитектурном ансамбле занимает Зимний дворец, созданный по проекту архитектора Б. Растрелли в 1754-1762 годах и ставший официальной резиденцией российских монархов. Бартоломео Растрелли сказал о своем творении, что оно было создано "…для одной славы Российской". В архитектуре Зимнего дворца, воплотившей дух блестящего 18 века, соединилась мощь и энергия стиля барокко с торжественным величием классических интерьеров. Практически сразу после завершения строительства Зимнего дворца, начатого еще при Елизавете Петровне, хозяйкой дворца стала Екатерина II. Именно она положила начало коллекции Эрмитажа, купив в 1764 году первую коллекцию живописи, принадлежавшую прусскому купцу Ганцовскому. Коллекционирование работ величайших мастеров искусства стало одним из важных дел в жизни императрицы. В создании коллекции ей помогали такие видные личности, как Дидро, Вольтер и другие ценители мирового искусства. К шедеврам, приобретенным Екатериной, имел доступ очень узкий круг приближенных. Императрица назвала свой дворец "Эрмитажем" по аналогии с французским словом, означающим "приют отшельника". За два с половиной столетия в Эрмитаже была собрана одна из крупнейших коллекций мирового искусства, насчитывающая около трех миллионов памятников, представляющих культурное наследие различных народов, начиная с каменного века и до наших дней. Залы первого этажа Нового Эрмитажа отведены для экспонирования коллекций античного искусства. Один из самых богатых разделов музея посвящен искусству Италии. Произведения эпохи Возрождения выставлены в залах Большого Эрмитажа. Жемчужинами этого собрания являются "Мадонна Литта" и "Мадонна Бенуа", принадлежащие кисти Леонардо да Винчи. Здесь же можно увидеть произведения Рафаэля, Тициана, Джоджоне, Микеланджело. В залах испанской живописи экспонируются холсты Веласкеса, Эль Греко, Мурильо. Искусство Голландии и Фландрии представлено картинами Рембрандта, Рубенса, Ван Дейка, Снейдерса, Хальса. Превосходное собрание произведений французских художников включает работы Л. Ленена, Н. Пуссена, Ж. С. Шардена, Э. Делакруа. Большую ценность представляет эрмитажная коллекция картин импрессионистов и постимпрессионистов. В этой экспозиции есть работы таких выдающихся мастеров, как О. Ренуар, П. Пикассо, В. Ван Гог. Важное место в Государственном Эрмитаже занимает коллекция отдела первобытной культуры. Часть экспонатов из этой коллекции находится в "Золотой кладовой" Эрмитажа, где сосредоточены замечательные изделия скифских ювелиров, обнаруженные при раскопках курганов Причерноморья.Несколько залов Зимнего дворца отведены под экспозиции отдела истории русской культуры, где наряду с картинами, рисунками и гравюрами представлены коллекции монет, мебели, костюмов и других произведений русского прикладного искусства.

Билет №18

Романтизм в русской живописи первой половины 19 века. Анализ творчества К. Брюллова, А. Иванова, П. Федотова (по выбору).

Начало XIX столетия по праву называют золотым веком русской живописи. Именно тогда русские художники достигли того уровня мастерства, который поставил их произведения в один ряд с лучшими образцами европейского искусства. В живописи воплотились романтические идеалы эпохи национального подъёма. Отвергнув строгие, не допускающие отступлений принципы классицизма, художники открыли многообразие и неповторимость окружающего мира. Это не только отразилось в привычных уже жанрах — портрете и пейзаже, — но и дало толчок к рождению бытовой картины, которая оказалась в центре внимания мастеров второй половины столетия. Пока же первенство оставалось за историческим жанром. Он был последним прибежищем классицизма, однако и здесь за формально классицистическим «фасадом» скрывались романтические идеи и темы.

П. А. Федотов (1815—1852)

Художественное наследие Павла Александровича Федотова сравнительно невелико по количеству произведений, но оно представляет собой ценнейший вклад в национальную сокровищницу искусства. Творчество Федотова было неразрывно связано с русским освободительным движением 40-х годов прошлого века, отражало растущие антикрепостнические идеи, было первым и чрезвычайно ярким проявлением демократического реализма в русской живописи.

Федотов родился в Москве, в семье отставного суворовского офицера, позднее служившего секретарем Московской управы благочиния. Беспросветная, гнетущая нужда постоянно преследовала семью Федотовых. Как сына военного, мальчика удалось определить на учение в Московский кадетский корпус. Обладая исключительными способностями, Федотов блестяще окончил корпус и благодаря этому получил возможность самому выбрать полк для прохождения дальнейшей службы. Его выбор пал на лейб-гвардии Финляндский полк, который был расквартирован в Петербурге.

Еще в кадетском корпусе Федотов стал известен как портретист и карикатурист. Живя в Петербурге, он начал посещать вечерние классы Академии художеств, пристально изучать художественное собрание Эрмитажа, особенно коллекцию «малых голландцев».

Сначала Федотов рисовал по преимуществу портреты сослуживцев, военные маневры. Случилось, что сам Николай I приметил талант Федотова. Император милостиво соизволил разрешить «рисующему офицеру» оставить службу и посвятить себя живописи, положив ему содержание сто рублей в. месяц ассигнациями. Провожая Федотова в отставку, некоторые его товарищи были уверены, что он изберет себе карьеру придворного живописца и со временем составит порядочное состояние. Сам Федотов поначалу предполагал сделаться баталистом, но потом, по собственному признанию художника, «старая страсть к нравственно-критическим сценам и обыкновенной жизни» увлекла его к иным темам.

В середине 1840-х годов Федотов создает ряд интереснейших рисунков сепией, изображающих быт и нравы людей различных социальных слоев («Старость художника, женившегося без приданого в надежде на свой талант», 1844; «Модный магазин», 1844—1846; «Следствие кончины Фидельки», 1844 и др.). С каждой новой своей работой Федотов добивался все большей типизации образов, глубины в обрисовке характеров. Творчество молодого художника питалось впечатлениями русской действительности. Он сам говорил о себе: «Моего труда в мастерской немного, только десятая доля. Главная моя работа на улицах и в чужих домах, я учусь жизнью. Я тружусь, глядя в оба глаза».

Трудился Федотов, не давая себе ни пощады, ни снисхождения, ни отдыха. Он обрек себя на скудное существование, но нес свою бедность «тихо и просто». Была возможность жениться на состоятельной молодой девушке, он отказался от этого: «Меня не станет на две жизни, на две задачи, на две любви — к женщине и к искусству... Нет, чтобы идти и идти прямо, я должен оставаться одиноким зевакой до конца дней моих».

Путь жанриста Федотову помог найти великий баснописец Крылов. Художник был близок к Некрасову и редакции «Современника», к Тарасу Шевченко и петрашевцам.

В 1846 году Федотов создал композицию «Бедной девушке краса — смертная коса». Эта работа впервые в русской живописи поднимала тему, связанную с положением женщины, и позднее стала источником многих подражаний.

Еще больший успех принесли Федотову произведения, написанные масляными красками, такие, как «Свежий кавалер, или Утро чиновника, получившего первый орден» (1846). Художник представил молодого чиновника после пирушки, на которой праздновалось его награждение. Едва проснувшись, «свежий» кавалер нацепил орден на халат и, приняв горделивую позу, хвастается перед кухаркой. Убогую духовную сущность этого человека Федотов подчеркивал характерными мелочами его пошлого быта. Картина ярко обличала все ничтожество «свежего кавалера», делая его образ глубоко сатирическим. Не менее едкой сатирой явились и другие полотна Федотова — «Разборчивая невеста» (1847), «Завтрак аристократа» (1849), «Сватовство майора» (1848).

Картины Федотова получили самую высокую оценку передовой части русского общества. Сам великий Брюллов увидел в творчестве Федотова предвестие новой эпохи в развитии русского изобразительного искусства. «Поздравляю вас, вы меня обогнали», — сказал он молодому художнику. Даже совет Императорской Академии художеств, где презиралась живопись «домашних и народных сцен», был вынужден признать гений Федотова, ему присвоили звание академика. Необычайно человечны, задушевны и поэтичны были портреты, выполненные Федотовым. К вершинам федотовского искусства относится «Портрет Н. П. Жданович за фортепьяно» (1849—1850), покоряющий красотой чистого девичьего образа. В последние годы жизни в творчестве Федотова преобладали трагические ноты... Безысходной грустью веет от «Вдовушки» (1851). Это полный глубокого драматизма рассказ о горе молодой женщины, похоронившей мужа и оставшейся без средств к существованию. Последняя законченная картина Федотова «Анкор, еще анкор!» (1850—1851) изображала сцену из офицерской жизни. Мрачная комната. Молодой офицер растянулся на низкой скамейке и заставляет прыгать через палку пуделя. «Анкор, еще анкор!»— кричит он собаке, не подозревая, по невежеству своему, что французское слово «анкор» означает именно «еще». Вынужденное безделье, одиночество, тоска опустошили душу этого человека, заброшенного в провинциальную глушь. Свет свечи, слабо борющийся с мраком комнаты, напряженный красноватый колорит, с которым контрастирует синее пятно сумеречного окна, создают атмосферу трагической обреченности.

Жестокая реакция, наступившая в России после европейских революционных событий 1848 года, отразилась на жизни Федотова. Художник подвергся преследованиям. Все его начинания (как, например, попытка издавать иллюстрированный сатирический журнал) пресекались правительством. С каждым днем художника одолевали все более мрачные мысли. В свою записную книжку он заносит: «Я боюсь всего, остерегаюсь всего, никому не доверяю, как врагу...» Нужда, отчаяние, одиночество сводят Федотова с ума. Но и затравленный, больной Федотов не может бросить любимое им искусство. В его мятущемся сознании появляются и исчезают бессвязные образы: молоденькая девушка в трауре; фигурки танцующих маленьких чиновников; жестокий профиль царя, сурово, через лупу, смотрящего на художника.

Умер Федотов тридцати семи лет от роду, в пору наивысшего расцвета своего таланта.

«Федотов умер, — писал Стасов, — произведя на свет едва лишь маленькую крупинку из того богатства, каким одарена была его натура. Но эта крупинка была чистое золото и принесла потом великие плоды».

Типология икон Спасителя

Велико разнообразие сюжетов древнерусской иконописи. Однако можно без труда заметить, что все они делятся на две большие группы:

1) «Портретная» икона: изображающая отдельных святых, ангелов, Богородицу или Самого Господа.

2) «Сюжетная», или «Праздничная», икона: рассказывающая о том или ином событии Священной истории.

Среди всех иконописных образов особое место в жизни православного человека занимают иконы Спасителя. Среди них традиционно выделяют следующие иконографические типы:

1) «Спас Нерукотворный» («Убрус» и «Чрепие»)

2) «Господь Вседержитель» («Пантократор»)

3) «Господь на престоле»

4) «Спас в Силах»

5) «Спас Эммануил»

И з всех образов Спасителя, Нерукотворный — самый древний. Первая подобная икона появилась ещё во времена Земной жизни Спасителя. О том, как это произошло, свидетельствует само название иконы. Священное Предание сохранило для нас память об этом событии

ДОПИСАТЬ из Истоков

Билет №19

Илья Репин – богатырь русской живописи. Анализ творчества.

Родился будущий художник 5 августа 1844 года в маленьком городке Чугуеве на Украине, в семье военного поселенца. Рано обнаружив склонность к рисованию, и получив с помощью местных живописцев первые, но довольно уверенные навыки владения кистью и карандашом. Что, несомненно, поможет ему в дальнейшем.Вся репинская жизнь, и в особенности юность и молодость, представляется в его интерпретации какой-то нескончаемой цепью редких удач и просто неслыханных везений. Удачей стал его приезд - провинциального иконописца - в Петербург, счастьем - сознание того, что он находится в одном городе с Академией и учится в Рисовальной школе на Бирже. Неверие в собственную исключительность и гениальность, в свое законное первенство осталось в нем навсегда. Он любил называть себя «посредственным тружеником» и ежедневным каторжным трудом отрабатывал свое громкое имя. Удачи не сделали его небожителем, а неудачи не озлобляли. Поступив в желанную Академию, он делает стремительные успехи: и уже через месяц после поступления ему ставят за рисунки первые номера. И не удивительно: он приехал в Петербург уже крепким мастером, профессионалом, услугами которого охотно пользовалась вся чугуевская округа.

Живописные и графические произведения, созданные Репиным в годы пребывания в Академии художеств, могут показаться свидетельством раздвоения его творческих усилий. Отчасти так оно и было. Но прежде чем в 1873 году художник уедет из России, он испытает свой первый настоящий успех, связанный с появлением на выставке в марте 1873 года картины «Бурлаки на Волге». Над ней Репин вплотную работал три года, настойчиво отыскивая наиболее выразительную композицию и впечатляющий типаж. Картина построена так, что процессия движется из глубины на зрителя, но одновременно композиция прочитывается как фризообразная, так что фигуры не заслоняют друг друга. Это сделано мастерски. Перед нами - вереница персонажей, каждый из которых - самостоятельная портретная индивидуальность. Репину удалось соединить условность картинной формы с удивительной натурной убедительностью. Художник разбивает ватагу бурлаков на отдельные группы, сопоставляя различные характеры, темпераменты, человеческие типы.

Возглавляет ватагу тройка «коренников»: в центре бурлак Канин, лицом напоминавший Репину античного философа, справа - бородач с несколько обезьяньей пластикой, олицетворение первобытной дремучей силы, справа - «Илька-матрос», озлобленным, ненавидящим взглядом уставившийся прямо на зрителя. Спокойный, мудрый, с несколько лукавым прищуром, Канин являет собой как бы серединный характер между этими двумя противоположностями. Столь же характерны и другие персонажи: высокий флегматичный старик, набивающий трубку, юноша Ларька, непривычный к такому труду и словно пытающийся освободиться от лямки, черноволосый суровый «Грек», обернувшийся, словно для того, чтобы окликнуть товарища - последнего, одинокого бурлака, готового рухнуть на песок. Начало и конец пути, продуманное повествование о жизни людей, годами существующих рядом, вместе - таков «сверхсюжет» репинских «Бурлаков».

В 1882 году начинается самый значительный, самый плодотворный период его творчества. За какие-нибудь десять - двенадцать лет Репин создает большинство своих наиболее известных произведений. Такие как: «Крестный ход в Курской губернии» (1880-1883). Тема крестного хода - одна из популярнейших в русской живописи. Однако Репин не имеет соперников в изображении толпы, шествия. В «Крестном ходе» толпа показана как единый массив. Но когда взгляд начинает выхватывать отдельные фигуры, создается впечатление, что Репин буквально каждое лицо увидел в жизни.

Особое место в творческой биографии художника занимает серия работ посвященных революционной теме. Именно эти замыслы имел в виду мастер, когда, собираясь переезжать из Москвы в Петербург, заявлял о своем желании писать картины «из самой животрепещущей жизни».

В картинах «Отказ от исповеди» (1879-85), «Не ждали» (1884), «Арест пропагандиста», 1880-92; тема эта воплощена с невиданной масштабностью и смелостью. В центре образов — борец с самодержавием, героически непреклонный, но в то же время трагически отчужденный от окружающей его человеческой среды. Этот круг одинокого фанатизма экспрессивно очерчен светотеневыми контрастами и (в особенности в «Не ждали») Самое значительное произведение на революционную тематику. Художник изобразил революционера, возвратившегося в родной дом из ссылки. Его неловкая поза, ожидание, застывшее в глазах, свидетельствующих о неуверенности, даже страхе: узнает ли его семья, примут ли отца, отсутствующего много лет, его дети? Репину удалось мастерски передать всю сложную гамму чувств, отраженных на лицах революционера и членов его семьи. Испуганно смотрит на незнакомого мужчину девочка (когда его забрали, она была слишком мала и потому забыла своего отца), изумлением полны глаза жены, сидящей у рояля. А на лице мальчика - радостная улыбка, говорящая о том, что ребенок догадался, кто стоит перед ним.

Чрезвычайно важную часть репинского наследия составляют и его портреты. Он создает замечательные, острохарактерные типажные композиции («Мужичок из робких»),1877. Живая, трепетная убедительность образа, порой доходящая до натурализма (как в портрете Мусоргского, где великий композитор представлен тяжело больным), достигает особой задушевности в камерных портретах мастера («Графиня Луиза Мерси дАржанто», 1890, Третьяковская галерея) и портретах родных [«Осенний букет» (дочь художника Вера), 1892, там же; ряд портретов жены Репина Н. И. Нордман-Северовой.

Репин так же проявил себя и как высокоодаренный педагог. Был профессором — руководителем мастерской (1894-1907) и ректором (1898-1899) Академии художеств, одновременно преподавал в школе-мастерской Тенишевой; среди его учеников — Б. М. Кустодиев и И. Э. Грабарь. Давал также частные уроки В. А. Серову.

Художник прожил долгую жизнь, жизнь человека, полностью преданного своему делу. Его огромный живописный талант признавали все, но не все могли в полной мере оценить исторический, общественный смысл его искусства.

Умер Репин в преклонном возрасте, в 1930 году, и вплоть до последних лет своих не выпускал из рук кисть.

Библейские сюжеты в творчестве западноевропейских художников. Анализ творчества Рембрандта.

В течение двух тысячелетий весь мир воспитывается на сказках и преданиях, песнях и притчах, взятых из Библии. Библия дошла до нас сквозь толщу веков. Её запрещали, жгли, но она уцелела. Понадобилось 18 столетий, чтобы составить Библию. Над ней работало свыше 30 авторов. Было написано 66 книг Библии на разных языках людьми, жившими в разное время.

Великие художники мира отображали в своих картинах библейские сюжеты.

Рембрандт ван Рейн (Rembrandt van Rijn) - великий голландский живописец и гравер, сын мельника Гармена Герритса и Нелтье Виллемсдохтер ван Рейн, родился 15 июля 1606 г. в Лейдене.

Первым учителем, к которому отец отдал Рембрандта, был Якоб ван Сваненбюрх, весьма посредственный живописец, но, как человек, побывавший и работавший в Италии, пользовавшийся у своих соотечественников большим уважением. Пробыв в мастерской этого художника около трех лет, Рембрандт переехал в Амстердам и поступил там в ученье к Питеру Ластману, ученику Адама Эльсгеймера. Этот наставник оказал на Рембрандта довольно значительное влияние и, по-видимому, научил его также гравировальному искусству.

В 1623 г. Рембрандт возвратился на родину, и, по всей вероятности, в 1628 г., был уже вполне готовым художником; по крайней мере известно, что в это время он уже имел ученика, а именно знаменитого впоследствии Герарда Доу. Первые известные картины Рембрандта относятся к 1627 г. Большое число работ, исполненных им в этот период его жизни, свидетельствует о неустанном труде, с каким старался он совершенствоваться. Все окружающее доставляло ему модели, главным же образом он пользовался для своих эскизов, картин и гравюр лицами своих близких и своим собственным. К этому времени относятся многочисленные портреты его самого, матери, отца, а также изображения подмеченных им уличных типов и сцен. При этом Рембрандт работал также и по заказам посторонних лиц, что доказывает, между прочим, хранящийся в кассельской галерее и помеченный 1630 г. портрет мужчины с двойной золотой цепью на шее.

В 1631 г. Рембрандт переселился в Амстердам, и с тех пор лишь изредка навещал свой родной город. В Амстердаме он очень быстро достиг известности; однако, несмотря на массу заказов, он не переставал работать единственно с целью своего усовершенствования, рисуя с натуры и гравируя интересные типы, которые попадались на каждом шагу в еврейском квартале города.

В эту пору жизни Рембрандта им были написаны: "Урок Анатомии" (1632, нах. в Гааге), портрет Коппеноля (нах. в Касселе) и эрмитажный портрет каллиграфа (1631 г.№ 808). В 1634 г. Рембрандт женился на Саскии ван Юленборх, дочери ученого юриста. Этой женитьбой открывается самая счастливая пора его жизни: он пользуется материальным благосостоянием, избытком заказов и нужной привязанностью своей молодой супруги.

Саския часто фигурирует в рембрандтовских произведениях этого периода, причем черты ее лица встречаются не только в портретах, но и в других картинах и гравюрах. Среди портретов Саскии наибольшей известностью пользуются: - "портрет невесты Pембрандта" (в кассельск. гал.), "Портрет Саскии" (в дрезд. гал.) и "Рембрандт с его женою" (там же). Однако, счастье и довольство выпали на долю гениальному мастеру не надолго. В 1642 г. Саския скончалась; от семилетнего брака у нее было четверо детей, из которых только один сын, Титюс, пережил свою мать. С этой поры обстоятельства Рембрандта изменяются к худшему; хотя он и нашел себе подругу жизни в лице своей служанки Гендрикие Ягерс, по прозвищу Стоффельс, от которой родилась у него дочь, но материальное благосостояние его пошатнулось вследствие овладевшей им страсти к коллекционерству художественных предметов и редкостей. Он тратил на них массу денег до такой степени, что в 1656 г. был объявлен несостоятельным должником, а в 1658 г. должен был оставить свой дом и переселиться в гостиницу.

Чтобы помочь своему сожителю, Гендрикие, вместе с его сыном основала компанию, для торговли картинами, эстампами, гравюрами на дереве и всевозможными редкостями. Несмотря на то, дела Рембрандта шли все хуже и хуже, особенно после кончины Гендрикие, около 1661 г. Через семь лет умер и сын художника, Титюс. Очутившись в тяжелом материальном положении, Рембрандт не терял, однако, энергии, много работал, и все-таки, при всем своем трудолюбии, не мог выйти из стесненных обстоятельств. Причиной тому было то, что вкусы публики в это время изменились, и широкое, сочное письмо Рембрандта, его прием трактовать освещение, сосредоточивать освещение в одном пункте и оставлять остальные части картины в тени и полутени, перестали нравиться любителям искусства, которые стали увлекаться тщательно исполненной, светлой живописью.

Рембрандт умер в крайней бедности, в первых числах октября 1669 г.

Что касается до картин Рембрандта на религиозные темы, то хотя и в них он остается верен реалистическому направлению и одевает фигуры в костюмы своего времени, однако, в этих произведениях ярко выражается теплое и благоговейное чувство, как напр. тогда, когда художник олицетворяет Спасителя, Богоматерь, учеников и последователей Христовых ("Снятие со Креста" в эрмит. гал., 1634; "Христос с учениками на пути в Эммаус", в луврск. муз., 1648: гравюра "Христос исцеляет больных"; "Поклонение волхвов", в букингемск. дв., 1657, и др.).

Как уже было сказано выше, житейские невзгоды, постигшие художника, не могли не отозваться на его творчестве. В некоторых картинах, написанных им вскоре после его банкротства, прежние прозрачные и теплые тона сменяются более тусклыми; свет утрачивает свою интенсивность, кисть делается менее сочной. Однако, такой упадок был только временный, и под конец своей жизни Рембрандт снова стад производить вещи великие, неподражаемые, сообщив своей фактуре еще большие свободу и ширину; так например в 1661 г. им были написаны: знаменитые "Синдики гильдии ткачей" (наход. в Амстердаме) и "Возвращение блудного сына" (имп. Эрмитаж, № 797), а в 1682 - "Еврейская невеста" (в амстердамском музее).

Однако, преимущественною его любовью пользовались темы из Библии и Евангелия, как более соответствовавшие протестантскому мировоззрению великого мастера. С особенным интересом и наиболее часто он обращался к истории страданий Спасителя, которые трактовал в картинах и гравюрах, полных христианского чувства.

Билет №20

Творчество Михаила Глинки. Основные произведения.

Великий русский композитор, родоначальник русской классической музыки М.И. Глинка родился 20 мая (1 июня) 1804 года в селе Новоспасском, близ Ельни Смоленской губернии, в имении отца, капитана в отставке, Ивана Николаевича Глинки. Болезненный и слабый ребенок, он воспитывался своей бабушкой (по отцу), крутой и властной женщиной, грозой крепостных и своих близких. Начальное образование получил дома. Музыкальные занятия с приглашенной из Петербурга гувернанткой, Варварой Федоровной Кламер, игра на скрипке и фортепиано начались довольно поздно (1815-1816) и носили любительский характер. Музыкальные способности в это время выражались "страстью" к колокольному звону, Глинка умел на медных тазах ловко подражать звонарям.

В начале 1817 года Глинка был отвезен в Петербург, где его поместили в только что открытый Благородный пансион при Главном педагогическом институте. Этот пансион был привилегированным учебным заведением для детей дворян. В год открытия Благородного пансиона туда поступил Лев Пушкин - младший брат поэта. Он был на год моложе Глинки, и они, познакомившись, подружились. Тогда же Глинка познакомился и с самим поэтом, который "хаживал к нам в пансион к брату своему". Параллельно с учебой Глинка брал уроки игры на фортепиано. Обучался музыке у лучших петербургских учителей того времени: скрипача Франца Бема, пианиста Джона Фильда, Шарля Майера. У итальянца Тоди М.Глинка начал учиться и пению. В начале лета 1822 года Глинка был выпущен из пансиона, оказавшись одним из лучших учеников. В день выпуска он вместе со своим учителем Майером с успехом публично сыграл фортепианный концерт Гуммеля.

Первый опыт Глинки в сочинении музыки относится к 1822 году - времени окончания пансиона. Это были вариации для арфы или фортепиано на тему из модной в то время оперы австрийского композитора Вейгля "Швейцарское семейство". С этого момента, продолжая совершенствоваться в игре на фортепиано, Глинка всё больше внимания уделяет композиции и вскоре уже сочиняет чрезвычайно много, пробуя свои силы в самых разных жанрах. Долгое время он остается неудовлетворенным своей работой. А ведь именно в этот период были написаны хорошо известные романсы и песни: "Не искушай меня без нужды" на слова Е.А. Баратынского, "Не пой, красавица, при мне" на слова А.С. Пушкина и другие.

В начале марта 1823 года Глинка отправился на Кавказ, на минеральные воды, но это лечение не поправило его слабого здоровья. В сентябре он возвратился в Новоспасское и с новым рвением принялся за музыку. Он занимался музыкой очень много и пробыл в деревне до апреля 1824 года, а потом уехал в Петербург и поступил на службу в Министерство путей сообщения (1824-1828). Но так как служба отрывала его от занятий музыкой, Глинка вскоре вышел в отставку. Постепенно круг знакомств Глинки в Петербурге выходит за рамки светских отношений. Он знакомится с Жуковским, Грибоедовым, Мицкевичем, Дельвигом, Одоевским. В апреле 1830 года ухудшившееся здоровье заставило Глинку выехать для лечения в Германию и Италию.

Проведя несколько месяцев в Ахене и Франкфурте, он прибыл в Милан, где занимался композицией и вокалом, посещал театры, совершал поездки в другие итальянские города. В Италии Глинка изучал бельканто и итальянскую оперу, познакомился с Беллини и Доницетти. Прожив в Италии около 4-х лет, Глинка в июле 1833 года поехал в Германию. Там он познакомился с талантливым немецким теоретиком Зигфридом Деном и в течение нескольких месяцев брал у него уроки. За границей Глинка написал несколько ярких романсов: "Венецианская ночь", "Победитель" и др. Тогда же у него зародилась мысль о создании национальной русской оперы.

В 1834 году он стал работать над оперой "Иван Сусанин", сюжет которой Глинке подсказал Жуковский. Занятия Глинки в Берлине были прерваны известием о смерти его отца. Глинка тотчас же отправляется в Россию. Заграничное путешествие неожиданно окончилось, однако он в основном успел осуществить свои планы. Вернувшись на родину, Глинка принимается за сочинение русской оперы. Ни семейные потери (смерть отца, а позже и брата), ни знакомства и амурные приключения (вроде истории с немкой Луизой), ни сватовство и женитьба не могли помешать этой работе.

(В апреле 1835 года Глинка женился, избранницей оказалась Марья Петровна Иванова, миловидная девушка, его дальняя родственница. Но этот брак оказался крайне неудачным и омрачил жизнь композитора на многие годы).

Опера быстро продвигалась, но добиться постановки её на сцене Петербургского Большого театра оказалось делом нелегким. Директор императорских театров А.М. Гедеонов с большим упорством препятствовал принятию новой оперы к постановке. По-видимому, стремясь оградить себя от любых неожиданностей, он отдал её на суд капельмейстеру Кавосу, который являлся автором оперы на тот же сюжет. Однако Кавос дал произведению Глинки самый лестный отзыв и снял с репертуара свою собственную оперу. Таким образом, "Иван Сусанин" был принят к постановке, но Глинку при этом обязали не требовать за оперу вознаграждения.

Премьера оперы "Жизнь за Царя" (в следующих постановках - "Иван Сусанин") состоялась 27 ноября 1836 года. Успех был огромным. Глинка писал своей матери на следующий день: "Вчерашний вечер совершились наконец желания мои, и долгий труд мой был увенчан самым блистательнейшим успехом. Публика приняла мою оперу с необыкновенным энтузиазмом, актеры выходили из себя от рвения... государь-император... благодарил меня и долго беседовал со мною..."

За "Жизнью за Царя" в 1837 году последовали гениальный "Ночной смотр" и превосходная в музыкальном отношении "Херувимская", написанная для Петербургской Придворной капеллы, где Глинка после блестящего успеха своей первой оперы получил место капельмейстера (1837-1840). Еще в 1837 году Глинка вел беседы с Пушкиным о создании оперы на сюжет "Руслана и Людмилы". В 1838 году началась работа над сочинением, композитор мечтал о том, чтобы сам Пушкин написал для нее либретто, но преждевременная смерть поэта помешала этому. Опера создавалась в нелегкое для Глинки время. Он развелся с женой, а в ноябре 1839 года, измученный домашними неурядицами, сплетнями и утомительной службой в Придворной капелле, Глинка подал директору прошение об отставке; в декабре того же года Глинка был уволен.

В 1838 году Глинка познакомился с Екатериной Керн, дочерью героини известного пушкинского стихотворения, и посвятил ей свои вдохновеннейшие произведения: "Вальс-фантазию" (1839) и романс на стихи Пушкина "Я помню чудное мгновенье" (1840). Весной 1842 года Глинка завершает работу над созданием своей второй оперы - "Руслан и Людмила", которая растянулась более чем на пять лет. Ее первое представление состоялось 27 ноября 1842 года, день в день через 6 лет после премьеры "Ивана Сусанина". Однако новая опера Глинки, в сравнении с "Иваном Сусаниным", вызвала более сильную критику. Царская семья покинула ложу до окончания премьерного спектакля, вскоре оперу совсем сняли со сцены; редко ставился и "Иван Сусанин". Композитор тяжело это переживает. В середине 1844 года он предпринимает новое длительное заграничное путешествие - на этот раз во Францию и Испанию. Вскоре яркие и разнообразные впечатления возвращают Глинке высокий жизненный тонус. В 1845 году он написал концертную увертюру "Арагонская хота", а вернувшись в Россию (1848) Глинка пишет еще одну увертюру "Ночь в Мадриде" (1851), тогда же была сочинена симфоническая фантазия "Камаринская" на тему русских песен.

В мае 1851 года умерла мать композитора, Е.А. Глинка. Полученное известие настолько потрясло композитора, что у него отнялась правая рука. Мать была самым близким человеком, и как оказалось трудно жить без нее. Глинке не было еще и пятидесяти, а физические силы его слабели.

В 1852 году Глинка надеется поправить здоровье в Испании, но добравшись до Парижа задерживается там на два года.

Последние годы жизни Глинка жил то в Петербурге, то в Варшаве, Париже, а с 1856 года - в Берлине. Он был полон творческих планов, но не хватало сил довести до конца задуманные произведения. Глинка все слабел, и 3 (15) февраля 1857 года его не стало.

Он умер в Берлине, на чужбине, вдали от родных и близких. Был похоронен там в скромной могиле на лютеранском кладбище. В мае того же года младшая сестра композитора Людмила Ивановна Шестакова с друзьями перевезла тело в Кронштадт пароходом. 24 мая 1857 года гроб с телом Глинки опустили в русскую землю на Тихвинском кладбище Александро-Невской лавры в Петербурге. В 1859 году на могиле М.И. Глинки был открыт памятник (арх. И.И. Горностаев, ск. Н.А. Лаверецкий), а еще через 46 лет, в январе 1906 года, рядом была похоронена и Л.И. Шестакова.могилы Глинки М.И. и Шестаковой Л.И. Первоначально композитор и его сестра были похоронены недалеко от входа на кладбище, в 1936 году при реконструкции некрополя, прах М.И. Глинки и Л.И. Шестаковой был перенесен вглубь кладбища, на Композиторскую дорожку.

Исторический сюжет в русской реалистической живописи. Анализ творчества В. Сурикова.

Исторический жанр сформировался в 18-19 веках со становлением научного взгляда на историю. Исторический жанр зарождается в стенах Академии художеств. Его признавали наиглавнейшим, на него возлагали большие гражданственные и воспитательные задачи. В нем поставлены проблемы судеб нации, личности и окружающего мира, духовные и нравственные вопросы. Историческую живопись можно рассматривать не только в целом, но и по направлениям: историко-бытовое, портретно- историческое, батальная живопись и исторический пейзаж.

«Историей в лицах» можно считать портреты кисти Кипренского. Он создал немало портретов деятелей русской культуры, и, конечно же, самый известный среди них — пушкинский. Выдающийся портретист Василий Тропинин. По оценкам современников, Тропинин написал около 3000 портретов. Тропинину позировали государственные сановники, вельможи, воины, дельцы, мелкие чиновники, крепостные, интеллигенты, деятели русской культуры. Среди них: историк Карамзин, писатель Загоскин, художественный критик Одоевский, живописцы Брюллов и Айвазовский, скульптор Витали, архитектор Жилярди, композитор Алябьев, актеры Щепкин и Мочалов, драматург Сухово-Кобылин.

Многие художники 19 века обращались к жанрам исторической живописи. Среди них Карл Брюллов, создатель картины «Последний день Помпеи». Три года он собирал материалы, делал эскизы. В Италии картина вызвала бурю восторга. Полотно было выставлено в Академии художеств и встречено с триумфом. Из художников – передвижников мастером исторической живописи был Василий Суриков. Его полотна «Боярыня Морозова», «Утро стрелецкой казни», «Меньшиков в Берёзове», «Покорение Ермаком Сибири» отражают историю России. В батальном жанре прославился Василий Верещагин (картины – «Апофеоз войны», «Скобелев под Шипкой» и др.). Илья Репин создал исторические полотна «Иван Грозный и его сын Иван 16 ноября 1571 года», «Царевна Софья Алексеевна через год после заточения её в Новодевичьем монастыре, во время казни стрельцов и пытки всей её прислуги в 1698 году».

Выдающийся русский художник Василий Иванович Суриков родился в 1848 г. в сибирском городе Красноярске в казачьей семье. С малых лет мальчик был свидетелем своеобразных, а временами и жестоких обычаев сибиряков — кулачных боев, штурмов снежных городков. Будущий художник увлекался суровой природой тайги, гордыми, сильными своими земляками — потомками казаков Ермака. Учась в школе, а со временем в Красноярском уездном училище, Суриков больше всего увлекался рисованием. После окончания училища он пишет пейзажи, портреты знакомых, дает уроки рисования дочери губернатора.

Богатый золотопромышленник Кузнецов за свой счет отправляет способного юношу учиться в Петербург, в Академию художеств. Первый экзамен в Академии закончился провалом, но Суриков не разочаровался. Он поступил в Рисовальную школу и через полгода все-таки стал учеником Академии. Старательный, упорный в учебе, Суриков неоднократно получал премии за успехи в рисунке и живописи. Окончив в 1869 г. Академию художеств, молодой художник приехал в Москву. Там он начал работать над картинами на исторические темы. Особенно Сурикова интересовала казнь Петром I стрельцов, поднявших бунт. Царевна Софья, возглавив реакционные силы, которые были недовольны прогрессивными нововведениями, использовала этот бунт в борьбе против Петра. Бунт стрельцов был жестоко подавлен. Три года напряженной работы, поисков композиции, человеческих типов, цветового решения. И, наконец, картина «Утро стрелецкой казни» (1881) готова.

Осеннее хмурое утро. В голубовато-синем тумане живописной громадой вырисовывается собор Василия Блаженного. В узком проходе между ним и кремлевской стеной — перекладины виселиц. Возле лобного места среди телег, лошадей бушует людской поток. Резкими светлыми пятнами выделяются белые рубашки стрельцов со свечами в руках. Мы словно слышим рыдания родных, глухой шум толпы, сочувствующей осужденным. Однако не все жертвы морально сломлены. Среди толпы выделяется рыжебородый стрелец. Чуть подавшись вперед, он люто смотрит на Петра, гневно осматривающего обреченных. Этот поединок взглядов символизирует противоборство двух сил. Картина помогает лучше осмыслить историческое прошлое нашей Родины.

Следующим большим произведением В. И. Сурикова на историческую тему была картина «Меньшиков в Березове» (1883). А. Д. Меньшиков был любимцем Петра I, его правой рукой. Выходец из народа, он, благодаря своему уму и энергии, поднялся от разносчика пирожков до государственного деятеля. После смерти Петра I Меньшиков взял власть в свои руки, однако в борьбе с другими вельможами терпит поражение. Вместе с семьей он был отправлен на вечную ссылку в .глухое сибирское село Березово. В пути умерла жена Меньшикова. И вот этот энергичный, корыстный и славолюбивый человек обречен на бездеятельность и медленную смерть. Меньшиков углубился в мрачные раздумья, стиснув могучую руку в кулак. В маленькой избушке его фигура кажется огромной. Сломлена сила вершителя человеческих судеб, властелина 3 тысяч сел, 7 больших городов, десятков заводов, мануфактур. Трагедию личности усиливают другие образы’ картины. Кутаясь от холода в шубу, у ног Меньшикова сидит его старшая дочь, невеста одиннадцатилетнего императора Петра II, разделившая судьбу отца. Безучастно снимает воск со свечи сын. Юная красавица младшая дочь читает Библию.

Картину приобрел П. М. Третьяков. На полученные средства Суриков едет за границу, чтобы глубже познакомиться с искусством Запада. Он посетил Дрезден, Венецию, Рим, Париж и другие культурные центры Европы. Возвратившись на родину, художник начал работу над давно задуманной картиной «Боярыня Морозова».

О боярыне Ф. Морозовой Суриков слышал еще в детстве. Она была одним из самых яростных врагов насильно проводимой патриархом Никоном реформы православной религии, правой рукой протопопа Аввакума — духовного руководителя раскольников, которые связывали церковную реформу с социальными притеснениями самодержавия. Несмотря на её знатность и родственные отношения с царем, Морозову схватили и после жестоких истязаний бросили в подземную тюрьму, где она умерла. Художник избрал для картины момент, когда Морозову везут по московским улицам в тюрьму. Она сидит в санях, закованная в кандалы, с бледным, бескровным лицом, и осеняет народ двуперстным крестом — символом старообрядцев, призывая его к борьбе за старую веру. В глазах боярыни пылает фанатическая вера в правоту своей борьбы. Картина «Боярыня Морозова» имела огромный успех. Благодаря ей Суриков достиг вершины своей славы.

В 1888 г. преждевременно умерла жена художника. Суриков тяжело переживал утрату и на некоторое время даже оставил живопись. Вместе с детьми он уезжает в Красноярск к своей матери. Родная природа, теплое отношение земляков постепенно возвращали художнику силы, любовь к жизни. Суриков снова берется за краски и создает жизнерадостную, замечательную по динамике и колориту картину «Взятие снежного городка» (1889), для которой сюжетом послужили праздничные развлечения сибиряков.

В Красноярске Суриков задумал новое историческое полотно «Покорение Сибири Ермаком» (1895). В основу картины был положен легендарный поход Ермака, который со сравнительно небольшим отрядом казаков разгромил войско татарского хана Кучума, грабежами и разбоями терроризировавшего русские земли. В поисках нужного материала Суриков изъездил по путям дружины Ермака почти всю Сибирь, побывал на Дону, откуда в XVI веке вышла казацкая вольница, изучал летописи и другие документы.

Высоким художественным мастерством отличается картина Сурикова «Переход Суворова через Альпы» (1899). Исторической основой этого произведения стал героический переход русских войск во главе с прославленным полководцем А. В. Суворовым через Альпы в 1799 г. В то время Россия воевала против Франции в составе коалиции европейских государств (вместе с Англией и Австрией).

Суриков, чтобы «все увидеть, ощутить самому, ко всему прикоснуться», побывал в Швейцарии.

На картине показан один из моментов, когда армия А. В. Суворова, словно бурный поток, обрушившийся со скал, осуществляет головокружительный спуск с гор. Исключительно удачен образ А. В. Суворова. Художник изобразил полководца отважным, веселым, бодрым, глубоко убежденным в богатырской, всепобеждающей силе русского солдата.

Последняя картина художника на историческую тему — «Степан Разин» (1908).

В глубоко правдивых, вдохновленных картинах Суриков отразил важные вехи в истории нашей Родины. Суриков создал также много замечательных портретов, тонких по колориту и психологической характеристике людей, акварельных пейзажей. Умер Суриков в Москве в 1916 г.

Билет №21

Музыкальная культура России 20 века. Анализ творчества С. Прокофьева или Д. Шостаковича.

Начало ХХ века, это время расцвета русского театрального искусства, связанного с именами К.Станиславского, Ф.Шаляпина, М.Ермоловой. Музыкальное творчество А.Скрябина, и С.Рахманинова определило развитие мировой культуры ХХ века на многие десятилетия. Русское изобразительное искусство «серебряного века» составило целую эпоху.

Одну из важнейших задач в области культуры Советское правительство видело в ликвидации культурной отсталости населения. Руководство всей духовной жизнью общества передавалось в руки Наркома просвещения. Его возглавляли А.В. Луначарский - видный деятель РКП (б), литературный критик и публицист.

На рубеже 20-30-х годов в литературу и искусство пришло новое поколение поэтов, композиторов. Многие из них участвовали в развитии песенного творчества. Авторами песен выступали поэты В.И.Лебедев-Кумач, М.В.Исаковский, А.А.Прокофьев. В песенном жанре работали композиторы И.О.Дунаевский, братья Покрасс, А.В.Александров. В годы Великой Отечественной войны

В русской музыке начала ХХ столетия (10-20-е года) соединились разные стили и направления. В это время работали и композиторы, развивавшие традиции «Могучей кучки» и позднего романтизма, и молодые мастера, стремившиеся к созданию новых форм. В России были знакомы со всеми важнейшими явлениями западного искусства: на гастроли в различные города - Москву и Петербург приезжали известные композиторы, дирижёры и исполнители-виртуозы из разных стран. В свою очередь на Западе также возрос интерес к России, что позволяло русским музыкантам выступать за рубежом с концертами, ставить оперы и балеты в лучших европейских театрах.

После революционных событий 1917 года немало мастеров культуры эмигрировало. Но для тех, кто остался в России, на первых порах открылись новые возможности. До конца 20-х годов сохранялась насыщенная концертная жизнь. Многие композиторы стремились расширить число слушателей классической музыки, работали над произведениями, которые были бы, с одной стороны, доступны любому человеку, с другой - основаны на последних открытиях в музыкальном искусстве.

Сергей Сергеевич Прокофьев родился в с. Сонцовка, ныне с. Красное Донецкой области, в семье агронома. Заниматься музыкой начал с 5 лет. К моменту поступления в Петербургскую консерваторию был автором 4 опер, симфонии, произведений для фортепиано. В 1909 году окончил консерваторию по классу композиции у А.Лядова и Н.Римского-Корсакова, в 1914 году по классу дирижирования у Н.Черепнина, фортепиано у А.Есиповой. Находясь в обстановке интенсивных поисков новых тем и средств выразительности во всех областях искусства, Прокофьев стремился к самостоятельности. В предреволюционном творчестве представлены все жанры :

2 фортепианных концерта, 4 сонаты, циклы "Мимолётности", "Сарказмы", а также 2 оперы, балет, "Классическая симфония". Характерные черты творчества - активное отношение к жизни, оптимизм, энергия и воля.

С 1908 года Сергей Сергеевич ведёт обширную концертную деятельность как пианист и дирижёр в России, а с 1918 года - за рубежом. Длительный отрыв от Родины сказался на творческой активности. "В ушах моих должна звучать русская речь, я должен говорить с людьми моей плоти и крови, чтобы они вернули мне то, что мне здесь недостаёт: свои песни, мои песни". Окончательное возвращение происходит в 1932 году. Прокофьев преподаёт в Московской консерватории. Активно занимается творчеством. Выдающимся достижением мирового искусства стал балет "Ромео и Джульетта" (1935 г.).

Особое место занимают произведения для детей: симфоническая сказка "Петя и волк" (1936 г.), сборник для юных пианистов "Детская музыка", балет "Золушка" (Госпремия, 1946 г.). Важнейшей работой военных лет стала опера "Война и мир" по роману Л.Н.Толстого - одно из центральных произведений в творчестве Прокофьева. Тема войны отражена также в 7-ой фортепианной сонате (Госпремия СССР,1943 г.), 5-ой и 6-ой симфониях, в опере "Повесть о настоящем человеке" (1947 г.). В послевоенные годы творчество С.Прокофьева приобрело черты особой ясности, классической стройности, мудрой простоты. По-прежнему композитора привлекает мир детства, юности: сюита "Зимний костёр" и оратория "На страже мира" (Госпремия,1951 г.), балет "Сказ о каменном цветке", 7-я симфония (Ленинская премия, 1957 г.).

С.С.Прокофьев в мировой музыкальной культуре - композитор-новатор, создавший свой самобытный стиль, свою систему выразительных средств. Ему присущи действенность и активность, эпическое начало. Его лирика - вдохновенная, глубокая, внутренне сдержанная, кристально чистая. Вместе с тем выявляются тесные связи с традициями русской школы - М.Мусоргского, А.Бородина, Н.Римского-Корсакова. В целом его творчество - эпоха в мировой

музыкальной культуре ХХ века, оказавшая мощное воздействие на творчество многих отечественных и зарубежных композиторов.

Творчество Дмитрия Дмитриевича Шостаковича объяло все формы и жанры музыки, соединило традиционные устои с новаторскими открытиями. Проницательный знаток всего, что существовало и появлялось в композиторском творчестве, он проявил мудрость, не подчинившись эффектности формальных новаций.

Шостаковичу выпало счастье при жизни познать мировую славу, услышать о себе определение—гений, стать признанным классиком, в ряду с Моцартом, Бетховеном, Глинкой, Мусоргским, Чайковским. Это незыблемо утвердилось в шестидесятые годы и особенно мощно прозвучало в 1966 году, когда повсеместно и торжественно отмечалось шестидесятилетие композитора. Шостакович был средним из трёх детей в семье. Его старшая сестра, Мария (1903—1973), стала впоследствии пианисткой, младшая, Зоя (1908—1990), — ветеринаром.

В 1915 году Шостакович поступил в Коммерческую гимназию Марии Шидловской, и к этому же времени относятся его первые серьёзные музыкальные впечатления: после посещения представления оперы Н. А. Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане» юный Шостакович заявил о своём желании серьёзно заняться музыкой. Первые уроки игры на фортепиано давала ему мать, и по прошествии нескольких месяцев занятий Шостакович смог начать обучение в частной музыкальной школе известного в то время фортепианного педагога И. А. Гляссера.

Семья придерживалась либеральных политических взглядов. Среди первых сочинений Шостаковича — траурный марш памяти руководителей партии кадетов, А. И. Шингарёва и Ф. Ф. Кокошкина, убитых в январе 1918 года матросами и солдатами.

Обучаясь у Гляссера, Шостакович достиг некоторых успехов в фортепианном исполнительстве, однако тот не разделял интерес своего ученика к композиции, и в 1918 году Шостакович покинул его школу. Летом следующего года юного музыканта слушал А. К. Глазунов, который одобрительно отозвался о его композиторском таланте. Осенью того же года Шостакович поступил в Петроградскую консерваторию, где изучал гармонию и оркестровку под руководством М. О. Штейнберга, контрапункт и фугу — у Н. А. Соколова, параллельно также занимаясь дирижированием. В конце 1919 года Шостакович написал своё первое крупное оркестровое сочинение — Скерцо fis-moll.

На следующий год Шостакович поступил в класс фортепиано Л. В. Николаева, где среди его однокурсников были М. В. Юдина и В. В. Софроницкий. В 1923 году Шостакович окончил консерваторию по классу фортепиано (у Л. В. Николаева), а в 1925 году — по классу композиции (у М. О. Штейнберга). Его дипломной работой была Первая симфония. По традиции, восходящей к Рубинштейну, Рахманинову и Прокофьеву, Шостакович собирался продолжить карьеру и как концертирующий пианист, и как композитор. Однако по свидетельству Константина Игумнова, его игре не хватало «чувства и силы». В 1927 году на Первом Международном конкурсе пианистов имени Шопена в Варшаве, где Шостакович исполнил также сонату собственного сочинения, он получил почётный диплом. К счастью, необычный талант музыканта ещё раньше, во время своих гастролей в СССР, заметил знаменитый немецкий дирижёр Бруно Вальтер; услышав Первую симфонию, Вальтер немедленно попросил Шостаковича прислать партитуру ему в Берлин; зарубежная премьера симфонии состоялась 22 ноября 1927 года в Берлине. Вслед за Бруно Вальтером Симфонию исполняли в Германии — Отто Клемперер, в США — Леопольд Стоковский (американская премьера 2 ноября 1928 г. в Филадельфии) и Артуро Тосканини, тем самым сделав русского композитора знаменитым.

В 1927 году произошли ещё два значительных события в жизни Шостаковича. В январе в Ленинграде побывал австрийский композитор Нововенской школы Альбан Берг. Приезд Берга был обусловлен российской премьерой его оперы «Воццек», что стало огромным событием в культурной жизни страны, а также вдохновило Шостаковича приняться за написание оперы «Нос», по повести Н. В. Гоголя. Другим важным событием явилось знакомство Шостаковича с И. И. Соллертинским, который во время своей многолетней дружбы с композитором обогащал Шостаковича знакомством с творчеством великих композиторов прошлого и настоящего. Так, после изучения партитуры Kammermusik No.2 (op.36) Хиндемита, Шостакович создал знаменитый в наши дни свой Первый фортепианный концерт. Его опера «Леди Макбет Мценского уезда» по повести Н. С. Лескова (написана в 1930—1932, поставлена в Ленинграде в 1934), первоначально принятая с восторгом и уже просуществовав на сцене полтора сезона, неожиданно подверглась разгрому в официальной советской печати (знаменитая редакционная статья «Сумбур вместо музыки» в газете «Правда» от 28 января 1936 года), и была снята с репертуара.[источник не указан 161 день]

С 1937 года Шостакович вёл класс композиции в ЛГК имени Н. А. Римского-Корсакова. В 1939 году он становится профессором. Находясь в первые месяцы Великой отечественной войны в Ленинграде (вплоть до эвакуации в Куйбышев в октябре), Шостакович начинает работать над 7-й симфонией — «Ленинградской». Симфония была впервые исполнена на сцене Куйбышевского театра оперы и балета 5 марта 1942 года, а 29 марта 1942 года — в Колонном зале московского Дома Союзов. 9 августа 1942 произведение прозвучало в блокадном Ленинграде. Организатором и дирижером выступил дирижёр Большого симфонического оркестра Ленинградского радиокомитета Карл Элиасберг. Исполнение симфонии стало важным событием в жизни сражающегося города и его жителей.

Через год Шостакович пишет 8-ю Симфонию, в которой словно следуя завету Малера о том, что «в симфонии должен быть отображён весь мир», рисует монументальную фреску происходящего вокруг.

В 1943 году композитор переезжает в Москву и до 1948 года преподает в Московской консерватории. У него обучались Г. В. Свиридов (в Ленинградской консерватории), К. С. Хачатурян.

Для выражения своих сокровенных идей, мыслей и чувств Шостакович использует жанры камерной музыки. В этой области им созданы такие шедевры как Фортепианный квинтет (1940), Фортепианное трио (1944), Струнные квартеты № 2 (1944), № 3 (1946) и № 4 (1949).

В 1945 году, после завершения войны, Шостакович пишет 9-ю Симфонию, полную иронии и сатирического гротеска по отношению к окружающей жизни. В этой «лёгкой» на первый взгляд симфонии композитор возвращается к одной из главных тем своего творчества — обличению пошлости. В советской прессе появились статьи недоумённых рецензентов, ожидавших от главного музыкального «соцреалиста» страны громоподобного гимна победе, а вместо этого получивших малогабаритную симфонию «сомнительного» содержания.

После грома, прогремевшего сначала в 1946-м над целым рядом известных писателей (печально известное «разоблачение» журналов «Звезда» и «Ленинград», за которым последовало преследование М. М. Зощенко и А. А. Ахматовой), в 1948-м сталинские власти принялись «наводить порядок» и в Союзе Композиторов, обвинив многих мастеров — Д. Д. Шостаковича, С. С. Прокофьева, А. И. Хачатуряна, Н. Я. Мясковского и др. — в "формализме, «буржуазном декадентстве» и «пресмыкательстве перед Западом». Шостакович был обвинён в профнепригодности и изгнан из Московской консерватории. Главным обвинителем был секретарь ЦК КПСС, близкий соратник Сталина, А. А. Жданов. Несмотря на скорую кончину А. А. Жданова, репрессии в стране продолжали разгораться, что сильно отражалось на творчестве Шостаковича. Снова «невовремя», в 1948 году, он создаёт вокальный цикл «Из еврейской народной поэзии», и вновь оказывается под ударом — на сей раз как «потворник безродных космополитов и врагов народа», но благоразумно оставляет его в столе. Написанный в 1948 году Первый скрипичный концерт в связи с этими событиями был скрыт композитором, и первое его исполнение состоялось лишь в 1955 году.

Как и прежде в 1936-37 годах, положение вновь спасает вовремя выпущенное в свет «правильное» музыкальное произведение. В 1949 году Шостакович пишет кантату «Песнь о лесах» — образец патетического «большого стиля» официального искусства тех времён (на стихи Е. А. Долматовского, в которых повествуется о триумфальном послевоенном восстановлении Советского Союза). Премьера кантаты проходит с небывалым успехом и приносит Шостаковичу новое поощрение в виде очередной по счёту Сталинской премии.

Пятидесятые годы начались для Шостаковича очень важной работой. Участвуя в качестве члена жюри на Конкурсе имени Баха в Лейпциге осенью 1950 года, композитор был настолько вдохновлён атмосферой города и музыкой его великого жителя — И. С. Баха, — что по приезде в Москву приступил к сочинению 24 Прелюдий и Фуг для фортепиано, произведения, отдающего дань уважения великому композитору и его «Хорошо темперированному клавиру». В 1954 году пишет «Праздничную увертюру» к открытию ВСХВ и получает звание Народного артиста СССР.

Совсем иную задачу он ставит перед собой годом позже, когда обращается к поэзии Е. А. Евтушенко — сначала написав поэму «Бабий Яр» (для солиста-баса, хора басов и оркестра), а затем дописав к ней ещё четыре части из жизни современной России и её недавней истории, создав тем самым «кантатную» симфонию, Тринадцатую — которая была исполнена в ноябре 1962 года.

В эти годы композитором созданы вокальные циклы на стихи М. И. Цветаевой и Микеланджело, 13-й (1969—1970), 14-й (1973) и 15-й (1974) струнные квартеты и Симфония № 15, сочинение, отличающееся настроением задумчивости, ностальгии, воспоминаний. Шостакович использует в музыке симфонии цитаты из увертюры Дж. Россини к опере «Вильгельм Телль» и тему судьбы из оперной тетралогии Р. Вагнера «Кольцо Нибелунга», а также музыкальные аллюзии на музыку М. И. Глинки, Г. Малера и свою собственную. Симфония была создана летом 1971 года, премьера состоялась 8 января 1972 года. Последним сочинением Шостаковича стала Соната для альта и фортепиано. В последние несколько лет своей жизни композитор сильно болел, страдая от рака лёгких. Дмитрий Шостакович умер в Москве 9 августа 1975 года и был похоронен на столичном Новодевичьем кладбище.

Реализм в русской живописи. Творчество Василия Перова.

30-40-е годы XIX века в русском изобразительном искусстве, так же как и в литературе, появляются и развиваются ростки нового художественного направления — реализма. Демократизация общественного движения и мысли способствовала обращению художников слова и кисти к окружающей их жизни. Соприкосновение с действительностью ставит перед художниками ряд новых сюжетов, усиливает желание писать жизнь без прикрас, привлекать общественное внимание к ее трудностям и противоречиям. Одним из основоположников реалистического направления в русской живописи стал Павел Андреевич Федотов, творческий путь которого, исполненный драматизма и борьбы, был недолгим.

Перов Василий Григорьевич - русский живописец, мастер бытовой живописи, портретист, исторический живописец.

Родился в Тобольске 21 или 23 декабря 1833 (2 или 4 января 1834). Был незаконнорожденным (т. к. родители были повенчаны после его рождения) сыном местного прокурора, барона Г. К. Криденера, фамилию же «Перов» дал будущему художнику в виде прозвища его учитель грамоты, заштатный дьячок. Детские годы частично провел в Арзамасе, где занимался в школе А.В.Ступина (1846-1849, с перерывами.

В 1853 году поступил в московское Училище живописи и ваяния. Учителями Перова были Скотти М. И., Мокрицкий А. Н., Зарянко С. К., однокашником и другом - Прянишников И. М..

В 1858 году Большой серебряной медалью отмечена его картина "Приезд станового на следствие" (1857), затем Малую золотую медаль он получил за картину "Первый чин. Сын дьячка, произведенный в коллежские регистраторы" (1860, местонахождение неизвестно). Первые произведения Перова имели большой успех на выставках. К выпускному конкурсу Перов В. Г. подготовил картину "Проповедь в селе" (1861, ГТГ). Автор удостоился Большой золотой медали и права на заграничную командировку.

Выехав за границу, художник обосновался в Париже. Однако, " не зная ни народа, ни его образа жизни, ни характера", Перов не видел для себя пользы работать во Франции и просил позволения досрочно вернуться на родину. Он получил разрешение продолжить пенсионерский срок в России и в 1864 году приехал в Москву.

Перов В. Г. вошел в историю искусства как лидер критического направления в русской бытовой живописи 1860-х, сочетавший в своем творчестве сочувствие "униженным и оскорбленным" и гневный пафос сатирического обличия власть имущих. Творчество художника оказало значительное влияние на развитие русского, прежде всего московского искусства второй половины XIX в.

Был одним из членов-учредителей «Товарищества передвижников» (1870).

В 1871–1882 Перов В. Г. преподавал в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, где среди его учеников были Касаткин Н. А., Коровин С. А., Нестеров М. В., Рябушкин А. П..

В 1864 году художник Перов досрочно возвращается из пенсионерской поездки на родину. С этого момента в лучших своих картинах мастер переходит к выражению драматичных эпизодов из жизни простого человека. "Истинный поэт скорби" так назвал Перова его ученик Михаил Нестеров.

В картине Тройка главенствует драматическая тема. На фоне монастырской стены, по занесенной снегом дороге трое бедно одетых детей, напрягая свои последние силенки, тащат огромную обледенелую бочку с водой. Сердобольный прохожий помогает им преодолеть неровность дороги, подталкивая бочку сзади. Мрачный городской пейзаж, вихри снежной метели вызывают ощущение холода и беспросветной тоски. Дальний план картины растворяется в сгущающихся сумерках, из которых зловеще появляются очертания птиц. Динамизм всей сцене сообщает диагональная композиция.

Известно, что Перов изначально хотел подчеркнуть в героях признаки уродства и крайнего истощения, тем самым, вызвать у зрителей чувство жалости к детям низших сословий, чей удел был холод, голод и непосильный труд. Об этом свидетельствуют его этюды и зарисовки к картине. Позже художник отказался от своего замысла и придал детским лицам выражение миловидности и безысходности, что сделало их образы одухотворенными.

За картину Тройка. Ученики мастеровые везут воду Василий Григорьевич Перов был удостоен высокого звания академика живописи.

Умер Перов В. Г. в селе Кузьминки (в те годы – под Москвой) 29 мая (10 июня) 1882.

Билет №22

Романтизм в музыке Ф. Шопена и Ф. Шуберта. Сравнительный анализ творчества

Романтизм явился своеобразной реакцией на Просвещение с его культом разума. Его возникновение было обусловлено разными причинами. Важнейшая из них – разочарование в итогах Великой французской революции, не оправдавшей возлагавшихся на нее надежд.

Для романтического мировоззрения характерен резкий конфликт между реальной действительностью и мечтой. Действительность низка и бездуховна, она пронизана духом мещанства, филистерства идостойна только отрицания. Мечта – это нечто прекрасное, совершенное, но недостижимое и непостижимое разумом.

Прозе жизни романтизм противопоставил прекрасное царство духа, «жизнь сердца». Романтики верили в то, что чувства составляют более глубокий пласт души, чем разум. По словам Вагнера, «художник обращается к чувству, а не к разуму». А Шуман говорил: «разум заблуждается, чувства – никогда». Не случайно идеальным видом искусства была объявлена музыка, которая в силу своей специфики наиболее полно выражает движения души. Именно музыка в эпоху романтизма заняла ведущее место в системе искусств.

Если в литературе и живописи романтическое направление в основном завершает свое развитие к середине XIX столетия, то жизнь музыкального романтизма в Европе гораздо продолжительнее. Музыкальный романтизм как направление сложился в начале XIX века и развивался в тесной связи с различными течениями в литературе, живописи и театре. Начальный этап музыкального романтизма представлен творчеством Ф. Шуберта, Э. Т. А. Гофмана, Н. Паганини; последующий этап (1830—50-е гг.) – творчеством Ф. Шопена, Р. Шумана, Ф. Мендельсона, Ф. Листа, Р. Вагнера, Дж. Верди. Поздний этап романтизма простирается до конца XIX века.

В качестве основной проблемы романтической музыки выдвигается проблема личности, причем в новом освещении – в ее конфликте с окружающим миром. Романтический герой всегда одинок. Тема одиночества – едва ли не самая популярная во всем романтическом искусстве. Очень часто с ней связана мысль о творческой личности: человек одинок, когда он является именно незаурядной, одаренной личностью. Артист, поэт, музыкант – излюбленные герои в произведениях романтиков («Любовь поэта» Шумана).

Внимание к чувствам приводит к смене жанров – господствующее положение приобретает лирика, в которой преобладают образы любви.

С темой «лирической исповеди» очень часто переплетается тема природы. Резонируя с душевным состоянием человека, она обычно окрашивается чувством дисгармонии. С образами природы тесно связано развитие жанрового и лирико-эпического симфонизма (одно из первых сочинений – «большая» симфония C-dur Шуберта).

Настоящим открытием композиторов-романтиков стала тема фантастики. Музыка впервые научилась воплощать сказочно-фантастические образы чисто музыкальными средствами. Композиторы-романтики научились передавать фантастический мир как нечто совершенно специфическое (при помощи необычных оркестровых и гармонических красок). В высшей степени характерен для музыкального романтизма интерес к народному творчеству. Подобно поэтам-романтикам, которые за счет фольклора обогащали и обновляли литературный язык, музыканты широко обращались к национальному фольклору – народным песням, балладам, эпосу (Ф. Шуберт, Р. Шуман, Ф. Шопен, И. Брамс, Б. Сметана, Э. Григ и др.). Воплощая образы национальной литературы, истории, родной природы, они опирались на интонации и ритмы национального фольклора, возрождали старинные диатонические лады. Под влиянием фольклора содержание европейской музыки ярко преобразилось.

«Смерть похоронила здесь богатое сокровище, но еще более прекрасные надежды», — эта эпитафия поэта Грильпарцера высечена на скромном памятнике Францу Шуберту на венском кладбище.

Действительно, до обидного малый срок жизни был отпущен судьбой уникальному в своей гениальной одаренности музыканту — всего тридцать один год. Но интенсивность его творчества была поистине поразительной. «Я сочиняю каждое утро; когда я кончаю одну пьесу, я начинаю другую», — признавался композитор. Он словно торопится, предчувствуя, как мало времени в его распоряжении, он даже ночью не расстается с очками, чтобы, проснувшись от очередной озарившей его музыкальной идеи, тут же записать ее. Свою первую симфонию Шуберт пишет в 16 лет, а затем две — в 18, две — в 19 лет... Гениальная си-минорная симфония, получившая название «Неоконченной», написана им в 25 лет! Для кого-то еще молодость, начало пути, а для него — вершина творческой зрелости. Песни — жанр, в котором композитору в наибольшей степени удалось сказать свое, новое слово, слово композитора-романтика, — рождались порой до десятка в день, а всего их у Шуберта свыше 600!

Именно песня, с ее чисто шубертовской чистотой, проникновенной задушевностью, возвышенной простотой, определила своеобразие его творчества в целом, проникла и напитала мир его фортепианных пьес, камерных ансамблей, симфоний и произведений других жанров.

Родился Ф. Шуберт в 1797 г. в предместье Вены — Лихтенталь. Его отец, школьный учитель, был родом из крестьянской семьи, в которой очень любили музыку и постоянно устраивали музыкальные вечера. В них принимал участие и маленький Франц, исполняя партию альта в струнных квартетах. Природа одарила Франца прекрасным голосом, поэтому, когда мальчику исполнилось одиннадцать лет, его поместили в конвикт — школу подготовки церковных певчих.

Учась в конвикте, играя в ученическом оркестре, а иногда и исполняя обязанности дирижера, Шуберт много и с большим увлечением сочинял и сам. Его выдающиеся способности обращают на себя внимание знаменитого придворного композитора Сальери, с которым Шуберт занимался в течение года.

Желание отца Шуберта сделать из сына своего преемника потерпело неудачу. Прослужив три года помощником учителя начальных классов, молодой музыкант бросил это поприще, скромный, но надежный заработок и всецело посвятил себя творчеству. Полная материальная неустроенность, нужда и лишения — ничто не могло остановить его.

Вокруг Шуберта формируется кружок одаренных молодых людей, художников, поэтов, музыкантов, горячо интересующихся искусством, политикой. Иногда эти встречи полностью посвящались музыке Шуберта и потому получили название «шубертиад».

Однако широкого общественного резонанса музыка Шуберта при его жизни не получала, в то время как блестящая и развлекательная музыка И. Штрауса, Ланнера имела огромный успех, ни одна опера Шуберта не была принята к постановке, ни одна из его симфоний не была исполнена оркестром.

И все же в Вене узнали и полюбили музыку Шуберта. Большую роль в этом сыграл выдающийся певец Иоганн Михаэль Фогль, который прекрасно исполнял песни Шуберта под аккомпанемент самого композитора. Трижды совершили они концертные поездки по городам Австрии, и их выступлениям неизменно сопутствовал большой интерес слушателей.

В 1828 г. незадолго до смерти Шуберта состоялся единственный при его жизни концерт, в программу которого вошли произведения различных жанров. Концерт был организован стараниями друзей Шуберта и имел огромный успех, который окрылил композитора, наполнил его радужными надеждами. Но этим прекрасным надеждам не суждено было сбыться.

Произведения Ф.Шуберта:

• Песни, симфонии;

• «Ave Maria»;

• «Серенада»;

• «Бурный поток»;

• Песни на стихи Гейне из «Книги песен»;

• «Двойник»;

• Симфония си минор («Неоконченная»).

Вокальные циклы: «Прекрасная мельничиха», «Зимний путь»

Пожалуй, нет другого композитора, заслуженно получившего титул великого, гениального и создавшего при этом произведения почти исключительно для одного инструмента — для фортепиано. Соединив в лице Фредерика Шопена дар композитора и пианиста-исполнителя, судьба словно предназначила ему раскрыть душу этого инструмента, его неисчерпаемые выразительные возможности, вызвать к жизни новые, неведомые прежде, истинно романтические жанры фортепианной музыки: баллады, ноктюрны, скерцо, экспромты.

Питая свое творчество из истоков народной польской музыки, Шопен возвышает простые незатейливые народные танцы (мазурки, полонезы) до масштаба романтических поэм, насыщает их драматизмом, высокой трагедийностью.

Творчество Шопена — это гениальное, совершенное воплощение в музыке драматической судьбы его родины — Польши, ее трагической борьбы за свою независимость, и трагедии собственной, личной жизни, прожитой в разлуке с родиной, с родными и близкими.

Фридерик Шопен родился в 1810 г. недалеко от Варшавы, в местечке Желязова Воля, где отец его служил домашним учителем в имении графа Скарбека. Мальчик рос в окружении музыки: отец играл на скрипке и флейте, мать хорошо пела и играла на фортепиано.

Музыкальные способности Фридерика проявились очень рано. Первое выступление маленького пианиста состоялось в Варшаве, когда ему исполнилось семь лет. В это же время было издано одно из первых его сочинений — полонез для фортепиано соль минор. Исполнительский талант мальчика развивался настолько быстро, что к двенадцати годам Шопен не уступал лучшим польским пианистам.

Окончив лицей, Шопен поступил в Высшую школу музыки. Его занятиями руководил известный педагог и композитор Иосиф Эльснер. Сохранилась его краткая характеристика, данная юному музыканты: «Изумительные способности. Музыкальный гений».

В 1830 г. двадцатилетний музыкант отправляется в зарубежную концертную поездку. Однако временное расставание с родиной обернулось разлукой на всю жизнь. Разгром польского восстания и последовавшие за этим преследования и репрессии отрезали Шопену путь к возвращению. Свое горе, гнев, возмущение он излил в музыке. Так родилось одно из величайших его творений — этюд до минор, получивший название «Революционного».

С 1831 г. и до конца своей жизни Шопен прожил в Париже. Но Франция не стала второй родиной композитора. И в своих привязанностях, и в своем творчестве Шопен оставался поляком.

Умирая, Шопен завещал родине свое сердце. Это завещание было выполнено его близкими. Но замурованное в костеле с. Креста в Варшаве сердце Шопена, вечно живое, трепетное и гордое, бьется в его музыке, в его Прелюдиях, Этюдах, Вальсах, Концертах.

Произведения Ф. Шопена:

• Мазурки, полонезы;

• Сочинения № 24, № 2, № 53;

• Ноктюрны, фантазии, экспромты;

• Этюд № 12 «Революционный»;

• Сочинение № 10, ноктюрн № 6.

Архитектура Карла Росси - выразителя идей русского ампира

Карл Иванович Росси родился 18 декабря 1775 года. С юных лет он был связан с миром искусств. О его матери, знаменитой балерине, приглашенной на петербургскую сцену в екатерининское время, сослуживец Росси по Комитету для строения и гидравлических работ Ф.Ф. Вигель писал в своих воспоминаниях «Всякий знал родительницу его, некогда первую танцовщицу на Петербургском театре».

Нет сомнения в том, что основы классического художественного воззрения были восприняты Карлом в первые же годы его архитектурного воспитания. Слишком впечатляющи были многочисленные сооружения Петербурга, с величественными портиками в строгом стиле русского классицизма, одно за другим освобождавшиеся от лесов.

Обширное строительство в столице было хорошей школой для одаренного юноши. Его учитель В.Ф. Бренна, в мастерской которого он получил архитектурно-художественное образование, пробудил в молодом Росси восторг перед величественностью античной планировки Рима - города больших общественных площадей, театров, терм и набережных. Бренна увлек своего ученика в далекое прошлое, познакомил с историей архитектуры и раскрыл пред ним красоту монументальной, величественной классики.

Они были в течение всей своей жизни не только учителем и учеником, но и друзьями-товарищами долгие годы вместе жили в Павловске, вместе работали на постройке Михайловского замка в Петербурге, вместе путешествовали за границей.

Детство и юность Росси протекали безмятежно и счастливо, ничто не омрачало их. Жизнь в Павловске была совершенно изолирована от больших тревожных событий России. Здесь семейные праздники хозяев Павловска сменялись военными парадами, иллюминациями и театральными постановками в парке. Здесь живали и запросто бывали Жуковский, Крылов, Кюхельбекер и другие просвещенные люди того времени.

Для творчества Росси и его художественного роста пребывание в Павловске и архитектурное образование под руководством Бренна имело огромное значение. То и другое ярко запечатлелось во всех его произведениях. В одних его постройках, особенно в таких небольших, как парковые павильоны, беседки, мосты, можно видеть следы детских увлечений и того окружения, которое было в Павловске; в других - Карл Росси властный, с широким кругозором, с открытыми смелыми взглядами и планами архитектор городских ансамблей и больших планировочных замыслов.

В начале 1802 года Росси получил заграничную командировку для завершения образования и уехал в Италию. Тщательно изучал он руины памятников архитектуры Древнего Рима, их величественные композиции, постигая закономерности, благодаря которым римские зодчие в своих постройках добивались совершенной гармонии частей и целого.

Пробыв два года в Риме, Флоренции и других городах Италии, Росси вернулся на родину. Увидев набережную у Адмиралтейства в Петербурге, которая своими каналами, верфью и мастерскими прерывала проезжую береговую часть города, тотчас же составил проект ее переустройства. Находясь под впечатлением римских построек, он предложил перекинуть мосты над каналами и верфями, под которыми могли бы свободно проходить корабли, а наверху бы шла проезжая береговая дорога. Это был смелый, фантастический проект.

Ответ был самый жестокий. Многие архитекторы, да и высшие чиновники того времени сочли план легкомысленным, а может быть, увидели в лице Росси соперника, свежую, молодую силу. И Росси был направлен на фарфоровый завод рисовать вазочки. Не удовлетворенный этим занятием, Карл продолжал работать как архитектор, и в 1806 году ему удалось добиться официального признания своих способностей он был утвержден архитектором Кабинета. Через несколько лет он получил назначение в Москву, в так называемую Кремлевскую экспедицию, которая занималась строительством и ремонтом правительственных зданий в Кремле, по всей Москве и в ее окрестностях. Зодчий прибыл в распоряжение начальника «экспедиции» П.С. Валуева весной 1809 года. С этого времени, по существу, и началась его самостоятельная архитектурно-творческая деятельность.

Одной из первых работ Росси в Кремлевской экспедиции были проектирование и строительство новой Екатерининской церкви в Вознесенском монастыре, закладка которой состоялась 4 июля 1809 года.

Но главной его работой с начала апреля 1810 года были планировка и застройка Твери. Назначенный руководителем комитета по благоустройству города, он создал ряд архитектурных ансамблей и крупных общественных зданий гостиный двор, несколько жилых домов и другие.

Ликвидация комитета по благоустройству города прервала плодотворную работу Карла Ивановича Росси в Твери. В 1815 году он возвратился в Петербург.

В Петербурге задачи, поставленные перед Росси, решались совершенно по-новому. До него никто из современных ему архитекторов так не планировал. Создавая проекты, он представлял себе не отдельное здание, а сразу целый квартал города с широким и смелым раскрытием новых городских перспектив.

Острова вокруг Петербурга тогда были мало застроены. Они принадлежали не городскому населению, а богатым и владетельным придворным лицам и императорской фамилии. На Петровском острове стоял небольшой деревянный дворец Петра I. На Каменном острове - дворец дочери Павла I. На Елагином острове долгое время после основания Петербурга сохранялся дикий лес и остров назывался «Мишин», потому что на нем водились когда-то медведи. Сам остров был очень красив, но еще более красивы были виды, которые открывались на море, со «стрелки». Это место было одним из самых любимых у тогдашней петербургской знати. Поэтому здесь было решено построить дворец. Постройка была поручена Росси.

К концу десятых годов 19 века Росси поручают строительство больших зданий. Так, с 1819 года Карл Иванович работал над проектом дворца, в котором сейчас находится Государственный Русский музей. В этой работе выявилась многогранность таланта Росси. Он создал прекрасный по архитектуре дворец и нашел смелое решение городского ансамбля. Уже с Невского проспекта в перспективе улицы было видно, как высился над аркадой первого этажа прекрасный по пропорциям портик с коринфскими колоннами, с богато украшенным скульптурой фронтоном. Во всю ширь фасада расположена колоннада в двадцать стволов, упирающаяся в боковые выступы. Это главный фасад. Со стороны сада, в том же коринфском ордере в двенадцать колонн, дана лоджия, поставленная между двумя массивами, увенчанными небольшими фронтонами. Перед садовым фасадом находится большая терраса, шириною во всю лоджию. К центральному трехэтажному корпусу по бокам примыкают служебные двухэтажные флигеля. В одном из них размещались кухни, в другом - манеж и конюшни. Оба фасада, со стороны города и со стороны сада, совершенно различные по массам, тем не менее решены в едином стиле русской классики, названной в то время «ампир». В саду, кроме того, был построен павильон-пристань с открытой ротондой посредине и двумя комнатами по бокам. С террасы этого павильона открывался вид на Марсово поле, и можно было любоваться на все военные парады.

Карл Иванович создал проекты домов, обрамляющих новую площадь, проекты фасадов по новой улице. Все в целом было объединено в мощный ансамбль ряда зданий. Проект был утвержден. Росси поручили составить проект архитектурного оформления Дворцовой площади.

Его увлекла грандиозность поставленной задачи. Он подошел к ее разрешению с определенным требованием - упорядочить планировку города в этом районе, именно города, а не дворца. Зодчий задумал очертить площадь по полукругу и в центре - против ворот Зимнего дворца - раскрыть проезд на Невский проспект. Здание решено очень просто, но удивительно красиво. Широкая лента фасада опоясывает площадь от угла Невского проспекта до угла набережной реки Мойки - и дальше, вдоль набережной. Эта простота фасада красиво прерывается в боковых крыльях и в центральной части коринфскими колоннадами, поставленными на уровне второго этажа. Они видны во весь рост с любой точки площади.

Строительство велось с 1819 по 1829 год. Еще до завершения здания Главного штаба Карлу Ивановичу Росси было поручено составить проект Александринского театра. Главная задача состояла не столько в проекте театра - здесь уже стоял театр Бренна, - сколько в том, чтобы по-новому распланировать весь этот городской район.

Росси наметил грандиозный план строительных работ, охватывая им площадь перед театром, усадьбу Аничкова дворца, Публичную библиотеку и дорогу на Чернышеву площадь с проложением новой улицы. Более широкий размах трудно себе представить. Город получал классически распланированный район от Невского проспекта до Чернышева моста на Фонтанке. Не многие архитекторы в мире имели смелость даже мечтать о таком строительстве.

Вот здание Публичной библиотеки (1828-1830), с красивой ионической колоннадой, с широкими простенками, украшенными статуями философов и писателей, с барельефами, изображающими науки и искусства. Над всем этим убранством летящие фигуры венчают венками славы герб государства.

Вот Александринский театр - с шестиколонной лоджией коринфского ордера, со статуями в нишах, с театральными масками по всему фризу, со Славой на аттике и мощной, вздыбленной «квадригой» - четырьмя конями бога искусства Аполлона (1827-1832).

Вот за театром Театральная улица, названная теперь улицей Росси, с построенными по обе стороны ее одинаковыми домами. Они украшены аркадами по первому этажу и дорическими колоннадами по второму.

Все просто, ритмично и торжественно. Улица Росси выводит на площадь Ломоносова, которая является как бы архитектурным завершением всего замысла. Центральный фасад на площади решен в виде трехпролетной аркады, украшенной на втором этаже сдвоенными дорическими колоннами. Два пролета в первом этаже оставлены сквозными, открытыми для проезда на Садовую улицу (1824-1832).

Строительство ансамбля Александриинского театра было своего рода торжеством творчества Росси. В это же время он участвовал в конкурсе по проекту здания Сената. Карл Иванович был занят сверх меры, ему было трудно и некогда сосредоточиться на новой задаче. Он долго не приступал к работе. Наконец, был представлен и его проект. И опять, в отличие от всех остальных архитекторов, Росси решал задачу не узко, а широко, как архитектурное оформление Петровской площади с памятником Петру Первому Фальконэ и Адмиралтейством Захарова.

Был принят проект Росси. Он создал фасад Сената и Синода с сильно выступающими пилонами. Этим приемом он рассчитывал дать богатство света и теней на фасаде. Все здание, украшенное такими пилонами, особенно в центральной части по сторонам арки и на закругленном углу по набережной, получило торжественность и строгость, отвечающие назначению высших правительственных учреждений (1829).

На своем творческом пути Росси не раз приходилось преодолевать серьезные препятствия и трудности, связанные с косностью и предубеждением против него правящих кругов и основного «заказчика» - императорского двора. Положение зодчего особенно усложнилось в годы николаевской реакции. Глубоко убежденный в своей правоте, последовательно осуществлявший свою творческую линию, зодчий не шел на уступки, не поступался своими принципами. В ответ царские чиновники и их державный шеф пускали в ход мелкие придирки и интриги, всячески ущемляли самолюбие Росси и его права. Подлаживаться и льстить Росси не умел и не хотел, «превыше всего дорожа честью художника и незапятнанной своей репутацией», как писал он в 1828 году князю В.А. Долгорукову. «Никогда интерес, - продолжает зодчий в том же письме, - не был побудительной для меня причиной в выполнении каковых-либо поручений, но единственно долг службы». Царь и его окружение не могли примириться с таким независимым образом мыслей.

Постройку Александринского театра зодчий в основном закончил, но после этого он, будучи в расцвете творческих сил, уже не привлекался к значительным работам. Ему пришлось уйти в отставку, он подал прошение, мотивируя его своей болезнью. 25 октября 1832 года просьба была удовлетворена. Лицемерная резолюция гласила «уволить его от всех занятий по строениям, дабы мог воспользоваться свободою для облегчения расстроенного его здоровья».

Даже после пожара Зимнего дворца в 1837 году Росси не был приглашен участвовать в восстановлении созданных по его проектам знаменитой галереи 1812 года и других дворцовых помещений. У него лишь затребовали прежние чертежи.

Талантливый зодчий оказался не у дел. В 1843 году ему, правда, сообщили решение министра двора о назначении его «членом по искусственной части в существующих при Кабинете строительных комиссиях». Но это решение, объявленное, кстати, более чем с годовым опозданием, было лишь номинальным. Фактически Росси привлекли только к перестройке зрительного зала Александринского театра в 1849 году. Это был последний «заказ», выполнить который ему целиком уже не удалось.

Помимо морального ущемления, Росси, очевидно, не без ведома Николая I, был ущемлен и материально. Несмотря на грандиозность проделанной им работы, способствовавшей превращению Петербурга в красивейший по архитектуре город мира, несмотря на официальное признание его архитектором «со столь отменными талантами по его части», он не был обеспечен соответствующей его заслугам пенсией. Характерен и еще один штрих. В 1830-х годах семья зодчего жила в Ревеле. Несмотря на то, что Росси был в отставке, ему всякий раз приходилось испрашивать письменное разрешение на поездку для свидания с семьей.

В дополнение к служебным неприятностям Росси постигают семейные горести. В 1842 году умер его старший сын, успешно окончивший архитектурный факультет Академии художеств. В 1846 году зодчий потерял жену. После ее смерти на него легли хозяйственные заботы, хлопоты по устройству младших детей.

Все это необычайно тяготило Росси. Незадолго до смерти он направил на имя министра царского двора ходатайство, в котором писал «В течение 53-летней добросовестно проведенной мною службы под моими распоряжением и надзором построено каменных зданий более, нежели на 60 миллионов рублей... Проживая на свете 71 год, я с горестью вижу приближение минуты, которая разлучит меня с семейством навсегда. По чувству родительскому, я желал бы оставить моим детям, долженствующим остаться без руководителя и подпоры, дела мои незапутанными, и потому с упованием на доброту сердца вашего сиятельства я обращаюсь к Вам с покорнейшей просьбой об исходатайствовании мне у государя императора весьма на короткий срок заимообразно из кабинета 4000 рублей».

6 апреля 1849 года Росси умер. Его похоронили на Волковом кладбище. В наши дни его прах перенесен в некрополь Александро-Невской лавры, где захоронены также Старов, Воронихин, Захаров и Стасов.

Билет №23.

Скульптурная школа России. Творчество Ивана Мартоса или Марка Антокольского (по выбору)

В первой половине XVIII в. скульптура, не имевшая в России давних традиций, развивалась медленнее других видов изобразительного искусства. Все крупнейшие скульпторы того времени были иностранцами. В 1716 г. в Россию из Парижа приехал итальянец Бартоломео Карло Растрелли (1675—1744) — архитектор и скульптор. В 1723—1729 гг. он создал замечательный бюст Петра I, передающий волевой и страстный характер императора-преобразователя. Известны и другие скульптурные портреты Петра и его приближённых работы Растрелли. Конный памятник императору (1720— 1724 гг.), отлитый в бронзе после его смерти, по указу Павла I был установлен в 1800 г. у ворот Михайловского замка в Петербурге.

Позже, в 1732—1741 гг., Б. К Растрелли создал скульптурную группу, изображающую императрицу Анну Иоанновну с арапчонком в натуральную величину. Автор противопоставил монументальную фигуру императрицы и изящную, лёгкую, переданную в движении фигурку мальчика-пажа. Современному зрителю такое сопоставление кажется карикатурным, но оно не было направлено на осмеяние царствующей особы. Напротив, оно подчёркивало в духе барокко идею величия монарха.

Во второй половине XVIII в. в России появились свои мастера, получившие образование в Академии художеств и за границей.

Федот Иванович Шубин (1740— 1805), очень популярный скульптор, выполнял множество заказов. В 1773 г. он был избран в члены Академии художеств. Среди его работ особенно привлекательны женские образы. В портрете М. Р. Паниной (середина 70-х гг.) уже стареющая, но ещё красивая женщина, гордая и независимая, представлена в простом домашнем платье, украшенном бантом и кружевами. Гладкая кожа, мягкие, свободные складки одежды, мастерски выполненные локоны и цветы на голове необыкновенно естественны. Шубинские портретные бюсты рассчитаны на круговой осмотр. Игра теней и световых бликов на поверхности мрамора или бронзы придаёт скульптуре особую живость и выразительность.

Антокольский Марк Матвеевич (1843-1902)

Творчество Марка Матвеевича Антокольского, крупнейшего скульптора второй половины XIX века - яркая страница в истории отечественного искусства. Созданные им произведения вошли в сокровищницу мировой художественной культуры.

Марк (Мордух) Матвеевич Антокольский родился 2 ноября (21 октября ст. ст.) 1843 года в городе Вильне в бедной еврейской семье, в которой, кроме младшего сына Марка, было еще шестеро детей. С раннего детства у него проявилась неистребимая страсть к рисованию. Вскоре мальчик начал лепить фигурки людей и животных из глины, вырезать из дерева.

В 1859 году его отдали в мастерскую резчика по дереву. Случайно увидев репродукцию картины Ван Дейка "Христос и Богоматерь", Марк повторил ее, вырезав фигуры из дерева. Его работа стала известна в городе. В судьбе молодого скульптора приняла участие жена виленского генерал-губернатора А.А.Назимова, и ей удалось добиться согласия родителей Антокольского на переезд сына в Петербург. Свои работы из дерева и кости юноша показал профессору Академии художеств Н.С.Пименову. Они понравились, и с 1862 года Антокольскому было дозволено посещать вольнослушателем скульптурный класс. При этом его обязали заниматься рисунком, так как художественная подготовка провинциала была крайне слабой. Пименов постоянно интересовался судьбой вольнослушателя, отмечая его быстрые успехи в лепке, и вскоре в Академии заговорили о способностях и трудолюбии Антокольского. Формированию мировоззрения молодого скульптора, его художественных взглядов способствовали встречи с талантливыми и образованными людьми: И.Е.Репиным, К.А.Савицким, В.М.Васнецовым. Он близко сошелся с членами Артели художников, возглавляемой И.Н.Крамским.

В 1864 году Антокольскому была присвоена серебряная медаль за горельеф "Еврей-портной", а в 1865 году - за горельеф "Скупой". Историческая заслуга Марка Матвеевича - борьба с академизмом, наутрализмом и салонным искусством. Создавая реалистическую скульптуру, он опирался на мощные традиции отечественной пластики, наделяя свои персонажи тонкостью, одухотворенностью, которые были свойственны русской скульптуре конца XVIII - первой трети XIX века.Чрезвычайно важным стало для Антокольского личное знакомство с В.В.Стасовым в 1869 году. В течение всей своей творческой жизни скульптор ощущал его доброту, чуткость и неизменную поддержку. Первые самостоятельные опыты увлекли молодого ваятеля на путь тематического и образного обновления искусства скульптуры, поиска ее специфических возможностей. Попыткой решения этих задач стало создание статуи "Иван Грозный", начавшей собой новый этап творчества Антокольского - работу над образами отечественной истории.

Значительную роль в судьбе скульптора сыграла великая княгиня Мария Николаевна, которая, одобрив "Ивана Грозного", рекомендовала своему брату, императору Александру II, посетить мастерскую Антокольского. Статуя произвела на царя огромное впечатление, и он приобрел ее для Эрмитажа. В конце марта 1871 года Марк Матвеевич покинул Петербург и, по совету врачей, переехал в Рим. Здесь он встречался с В.Д.Поленовым, совершил вместе с ним увлекательное путешествие по итальянским городам. Подружился скульптор и с семьей известного мецената С.И.Мамонтова, став активным участником "мамонтовского кружка". В 1870-е годы произошло углубление и окончательное формирование творческих взглядов Антокольского. Он находит своих исторических героев среди людей, которых объединяло бескорыстное служение истине, добру, неприятие зла и насилия. В это период он воплотил в пластике силу и высоту духа философа Сократа (1874), мыслителя Спинозы, работал над созданием образа Иисуса Христа.

Вместе с семьей Антокольский переехал в Париж, и уже в 1878 году принял участие в Международной выставке, на которой был удостоен высшей награды - большой золотой медали, награжден орденом Почетного легиона и избран членом-корреспондентом Парижской Академии художеств. После многолетнего перерыва в конце 1880-х годов Марк Матвеевич вновь обратился к отечественной истории и создал образы Нестора-летописца, Ярослава Мудрого, Василия Тимофеевича Ермака, потребовавших от скульптора огромных затрат духовных и физических сил.

В Париже Антокольский вел исключительно замкнутый образ жизни. Он был исключительно скромен, не стремился привлечь внимание к своему творчеству. За годы пребывания во Франции Антокольский не организовал ни одной персональной выставки.

Умер скульптор 9 июля 1902 года. Двадцать семь лет прожил он вдали от родины, но остался для нас истинно русским художником, до конца своих дней сохранившим преданность отечеству.

Скульптура Петра I М.М.Антокольского

Решение создать статую Петра Великого возникло у скульптора почти одновременно с замыслом "Ивана Грозного". Работа проходила за границей, в Риме, но основное содержание образа и идейная трактовка определились еще в России. Антокольский писал, что беспристрастных суждений о Петре пока нет (имея в виду различие взглядов на петровское время у западников и славянофилов). Марк Матвеевич не мыслил раскрытия образа своего героя вне конкретного содержания его личности, психики и эстетического склада. О создании статуи Петра подробных сведений не сохранилось. Из переписки Антокольского со Стасовым известно, что эскизы не удавались, и вскоре скульптор перешел к лепке сразу в большом размере. Итальянская глина была хуже русской, плохо держала форму, быстрее рассыхалась, трескалась и отваливалась кусками. Марк Матвеевич испытывал затруднение, изображая Петра в преображенском мундире, дробном и непластичном по форме.

Как обычно, начав работать, Антокольский забывал о болезни, отдыхе, перестал встречаться с друзьями. Один эскиз сменялся другим, но все они не удовлетворяли взыскательного автора. Понадобились фотографии гравюр с изображениями императора, подробности его костюма, и в северную столицу к Стасову полетели письма с просьбами, вопросами: "Пожалуйста, узнайте хорошенько, носил ли Петр плащ? ... Пришлите мне эстампы, которые сделаны с петровских монет...". И, конечно, Стасов откликался на каждую просьбу друга, тотчас послал ему фотографии с портретов царя в профиль и фас. Скорее всего, это были прижизненные портреты Петра Алексеевича. Скульптор трудился, превозмогая усталость и болезнь. Несколько раз он ломал и заново лепил голову статуи. И все же после всех неудач и огорчений произведение было закончено и переведено в гипс в июне 1872 года, к Всероссийской политехнической выставке, устроенной в Москве к 200-летию со дня рождения Петра I. К удивлению и огорчению Антокольского, уже получившего похвальные отзывы за границей, в России статуя ожидаемого успеха не имела. Возможно, это было вызвано неудачной экспозицией в архитектурном отделе выставки, или, как признавал сам автор, свою роль сыграли недостатки "технического характера".

Неопределенную позицию по отношению к этой работе занял обычно прямолинейный Стасов. Положительно оценив ее в печати, отметив жизненность и правдивость Петра Алексеевича, в частном разговоре критик упрекал Антокольского в официальной идеализации и традиционности решения образа императора. Впрочем, были и другие мнения. Обычно скупой на похвалы Павел Михайлович Третьяков, глядя на работу скульптора, воскликнул, что она прекрасна. "Просто и выразительно, и грандиозно. Молодец Антокольский". В противоположность Ивану Грозному с его мятущейся душой Петр Алексеевич в представлении скульптора, прежде всего, цельная и могучая личность. Создавая Петра I, автор хотел представить его героем, олицетворяющим собой один из знаменательных периодов отечественной истории. Отсюда торжественная приподнятость образа, далекая, однако, от внешней парадности академических статуй.

Наряду с монументализацией, Антокольский стремился сохранить историческую конкретность, которая, по его мнению, должна была проявляться не только в наружности и характере, но и в мелочах облачения императора. Пожалуй, здесь в большей степени, чем в Иване Грозном, выявилась противоречивость пластического замысла. Монументальность и целостность статуи требовали лаконизма, обобщения формы, скупого и точного отбора деталей. Марк Матвеевич скрупулезно разрабатывал незначительные подробности: швы и петли на обуви, пуговицы мундира, шпоры на сапогах. Несмотря на то, что скульптор следовал традициям современной ему школы, эта статуя представляла собой одну из первых попыток решения новых для всей русской пластики задач монументального искусства.

Антокольский создавал образ Петра Великого особыми методами. Все было построено на целеустремленности, уверенном движении. Выпрямлен стан, мощно развернуты плечи и властно поднята голова, тверд и зорок взгляд, обращенный вдаль. Преодолевая напор ветра, царь идет вперед, как воплощение всепобеждающей силы разума. Его движениям, при всей их стремительности, присущи неторопливость и величавая внутренняя сдержанность.

Рассчитывая на восприятие статуи в разных ракурсах, Антокольский обогатил характеристику героя, сделав ее более многообразной и сложной. Выразительностью моделировки отличается лицо Петра, с плотно сжатыми, напряженными губами, нахмуренными бровями и резко очерченным профилем.

Не замкнутый в себе, а полный сознания своей правоты и ясности великой цели - таков царь М.М.Антокольского. Статуе было тесно в музейных залах, для ее восприятия требовалось удаление на расстояние, возможность осмотра с разных сторон. Впоследствии памятники Петру I по модели Антокольского были установлены в Петергофе, Архангельске, Таганроге и Петербурге.

В 1909 году, в связи с 200-летием Полтавской победы, в Санкт-Петербурге были установлены две бронзовые скульптуры императора Петра I.

Никола Пуссен – основоположник классицизма в живописи

Настоящим классиком французской живописи XVII столетия был Никола Пуссен (1593-1665), великий нормандец, самый решительный представитель галло-римского направления французского искусства, с явной склонностью к антику и ренессансу Рафаэля. Он всегда подчиняет индивидуальность отдельных типов усвоенному римскому чувству красоты и тем не менее сообщает всем своим произведениям свой собственный французский отпечаток. Стремление к внутреннему единству, вразумительной ясности и полной убедительности изображаемых эпизодов ведет его не только к чрезвычайно точному исполнению каждого жеста и мины, но и к выражению сущности каждого действия, сначала пережитого мысленно, а затем ясно выраженного в наглядных формах. Он ненавидит побочные фигуры и лишние добавления. Каждая из его фигур играет необходимую, рассчитанную и продуманную роль в ритме линий и в выражении смысла его картины. Сам характер своих ландшафтов, большей частью заимствованных из римской горной природы и играющих важную роль, иногда даже составляющих главное в его картинах с мелкими фигурами, он приспособляет к характеру изображаемых эпизодов. "Я ничем не пренебрегал", - говорил он сам. Его искусство прежде всего искусство линий и рисунка. Его краски, непостоянные, в первое время пестрые, затем приведены к более общему тону, иногда же сухие и мутные. В лучших картинах, однако, царит правдивая, играющая теплыми световыми пятнами светотень, а в ландшафтах благородные очертания гор, роскошные лиственные деревья удачно распределены, а великолепные здания в большинстве случаев окутаны полным настроения идеальным светом. Как пейзажист Пуссен сочетал всю мощь своих нидерландских и итальянских предшественников с более ясным чувством единства и создал направление, влияние которого сказывалось в течение веков. Если мы не можем восхищаться строгим классицизмом Пуссена, то все же должны признать, что он умел убедительно и с настроением выразить все, что хотел сказать.

История пуссеновской живописи, очерк которой дали сначала Беллори и Фелибьен, потом Бушите, Джон Смит и Мария Грегем и, наконец, Денио и Адвиель, начинается в Риме, где он появился в 1624 г. Чему он научился на своей родине у Кантен Варена, в Париже, у нидерландцев Фердинанда Элле и Жоржа Лалемана, мы не знаем. Гравюры школы Рафаэля, без сомнения, повлияли на его направление уже в Париже. Одно то, что он копировал в Риме античную стенную картину "Альдобрандинская свадьба", характеризует все его римское развитие. Первые известные картины, написанные им около 1630 г. в Риме для кардинала Барберини, "Смерть Германика" в галерее Барберини и "Разрушение Иерусалима", копии с которых находятся в венской галерее, скомпонованы более сжато и более совершенно, чем поздние произведения, но уже обнаруживают все его самые сокровенные качества.

Обширная на первый взгляд область сюжетов Пуссена ограничивается почти исключительно античной мифологией и историей, Ветхим Заветом и христианскими темами, написанными им с таким же внутренним воодушевлением, как и языческие. Сцены мученичества были ему не по душе. Конечно, главное произведение его первого римского периода (1624-1640) для церкви св. Петра, замененная здесь мозаичной копией большая картина Ватиканской галереи довольно выразительно изображает мученическую смерть св. Эразма. Пуссен, однако, и здесь старается, насколько возможно, смягчить ужасный эпизод нежным чувством красоты. Наиболее известны картины его этого периода: "Похищение Сабинянок", "Сбор манны" и более позднее "Нахождение Моисея" в Лувре, раннее изображение "Семи святых даров" в Белвуар Кестл, "Парнас", выполненный в рафаэлевском духе, в Мадриде и по-александрийски прочувствованное "Преследование Сиринги Паном" в Дрездене.

Из картин, написанных Пуссеном в течение его двухлетнего пребывания в Париже уже в качестве "первого мастера короля" (1640-1642), "Чудо св. Ксаверия" в Лувре обнаруживает его лучшие стороны как церковного живописца. Эскизы для украшения Луврской галереи сохранились только в гравюрах Пеня.

Из многочисленных картин последнего римского периода Пуссена (1642-1665) вторая серия "Св. Даров" (Бриджватерская галерея, Лондон) наделала шуму изображением Тайной Вечери в виде римского триклиниума с возлежащими гостями. Самый поздний ландшафт с Диогеном, бросающим чашу, в Лувре, написан в 1648 г. Пастушеская идиллия "Et in Arcadia ego" в Лувре и "Завещание Эвдамида" в галерее Мольтке в Копенгагене принадлежат к самым стильным его произведениям. Мы не можем перечислять здесь его многочисленные картины в Лувре, Лондоне, Дульвиче, Мадриде, Петербурге, Дрездене и т. д. Произведения, создавшие ему славу творца "исторического" или "героического" ландшафта, великолепная и вместе с тем искренняя картина с Орфеем и Эвридикой 1659 г. в Лувре и четыре мощных ландшафта того же собрания (1660-1664), с четырьмя временами года, оживленными эпизодами из Ветхого Завета, относятся к последнему десятилетию его жизни.

Пуссен лично образовал только одного ученика, своего шурина, родившегося от французских родителей в Риме и там же умершего, Гаспара Дюге (1613-1675), называемого также Гаспаром Пуссеном. Он разрабатывал мотивы албанских и сабинских гор в большие, резко стилизованные, идеальные ландшафты, типичные уже схемой своей "древесной листвы", иногда с грозовыми тучами и облаками, с фигурами вроде добавлений, в которых он скорее пренебрегал эпизодом, чем античным костюмом или героической наготой. Он вдохнул новую жизнь преимущественно в ландшафтную стенопись, давно уже известную в Италии. Он украшал дворцы римских магнатов (Дориа, Колонна) обширными сериями ландшафтов. В ландшафтных фресках с эпизодами из истории пророка Илии в Сан Мартино аи Монти он довел до художественного совершенства особенный, исследованный автором этой книги, род церковной живописи, распространенный в Риме бельгийцем Паулем Брилем. Отдельными картинами Дюге обладают все более или менее значительные галереи. Типичны его ландшафты с бурей и "Надгробный памятник Цецилии Метеллы" Венской галереи. Он ценится также как гравер.

Билет №24

Типология святости. Особо почитаемые на Руси святые и храмы, освященные в их честь. Николай Чудотворец или Георгий Победоносец (по выбору).

Почитание святых – важная составная часть православного вероучения. Святые – земные люди, достигшие обожения, состояния причастности Богу через пронизанность божественными энергиями, которое дается им как награда за праведность. Разделяя в земной жизни с людьми все тяготы бренного существования, они становились реальными, телесными носителями качеств, присущих иному миру. Святой, праведник – это земной ангел и небесный человек. Он соединяет церковь земную и Церковь Небесную, ясно свидетельствуя о действенности божественного начала в мире. Вступая после смерти в Небесную Церковь, он становится молитвенником и покровителем христиан, прибегающих к его помощи. С точки зрения осмысления истории человечества, святые – это исторические лица, открывавшие для своего времени пути национального религиозного призвания, которые ярко характеризуют ту или иную историческую эпоху Русский историк Г.П.Федотов писал, что именно национальное понятие святости содержит в себе ключ для понимания наиболее сложных и противоречивых явлений русской культуры.

Народное, стихийно складывающееся почитание святого, как правило, предшествует признанию его святым официальной церковью. Церковное признание выражается актом канонизации, призывающим паству к почитанию праведника в формах общественного богослужения. Святые прославляются через написание икон, создание житий, церковных служб и молитвословий. Основанием для церковной канонизации являются жизнь и подвиг святого, чудеса, совершенные им при жизни или после смерти, и в некоторых случаях нетление мощей. Кроме общецерковной канонизации, существует понятие местной, епархиальной канонизации, когда почитание святого имеет узко местные формы и совершается в границах города, монастыря, храма.Святые - это люди, причисленные к лики святых РПЦ.

Чины святости: равноапостольные, преподобные, мученики, чудотворцы, юродивые. Например: первая русская святая Благоверная княгиня Ольга. Она первая на Руси приняла христианство. Народ называл её богомудрой.

Князья.

Показательно, что первыми русскими святыми стали князья Борис и Глеб. Однако они прославлялись не как «самовластцы», а как «страстотерпцы». Их слава состояла в добровольном отречении от власти и принесении себя в жертву, на которой было утверждено русское государство эпохи Ярослава Мудрого. Данному образцу поведения христианского князя, религиозный долг которого – жертвовать собой ради спасения своего народа, были отныне призваны следовать все русские князья. Весь сонм святых князей в зависимости от понесенного ими жизненного подвига подразделяется на несколько групп.

Первую группу составляют князья равноапостольные, суть подвига которых состоит в распространении христианства. Это прежде всего – святой князь Владимир, креститель Руси, и его бабка – святая княгиня Ольга. К чину равноапостольных князей причислен также Константин, просветитель глухой языческой муромской земли. Вторую группу составляют князья-иноки. Смиренным трудником Киево-Печерского монастыря был князь Никола Святоша (12 в.), в далеком северном Спасо-Каменном монастыре подвизался заозерский князь Андрей, в ранней юности принявший монашеский постриг (15 в.). Наиболее многочисленной является группа князей-страстотерпцев. Здесь прославляются и князья, ставшие жертвами политических убийств (Андрей Боголюбский, Игорь Киевский – 12 в.), и князья, погибшие на поле брани (Георгий Всеволодович – 13 в.), и князья, претерпевшие мученическую смерть, отстаивая христианскую веру (Михаил Черниговский, Василько Константинович, Роман Ольгович – 13 в.).

Преподобные.

Не меньшее значение, чем княжеская святость, в русской истории имел чин преподобных, тех, кто избрал иноческий путь и в своей жизни стремился уподобиться Самому Христу. Преподобный Феодосий Печерский, отец русского монашества, был вторым (после Бориса и Глеба) святым, торжественно канонизированным Русской церковью. В нем Русь нашла свой идеал святого, которому оставалась верна на протяжении многих столетий. Основные черты характера Феодосия и его подвига, отраженные в житии, стали мерилом праведности для его учеников и последователей. Благодаря святому Феодосию представление о русском иноке навсегда связано с особым книголюбием как проявлением любви к духовному просвещению, со смирением, основанным на живом созерцании уничижения самого Христа, отвергающим богатые одежды и довольствующимся «худыми ризами». Русский инок – это тот, кто, как преподобный Феодосий, скрывает свои аскетические подвиги и чья жизнь, кроме молитвы, заполнена тяжелым, «рабьим» физическим трудом; кто, уйдя из мира, не потерял связь с мирским обществом, взяв на себя бремя служить духовным отцом для мирян. Вторая важнейшая фигура чина преподобных – Антоний Печерский, основатель Киево-Печерского монастыря и учитель Феодосия.

Святители.

Из Византии Русь переняла обычай избрания епископов из монашествующего духовенства. Однако святые епископы – святители – третий по значимости чин русской святости, прославляются Церковью не за аскетические подвиги, хотя иноческие черты так или иначе присутствуют в образе любого епископа. Подвиг святителя соединяет в себе и иноческое, и мирское, и церковное служение. Его смысл в учительстве, защите чистоты веры, в служении спасению своей паствы. В отличие от Византии, Русская церковь никогда не знала традиции канонизации всех своих иерархов в силу их святого сана. Святитель прославлялся тогда, когда своей жизнью и служением церкви достигал личной святости. Типические черты русского святителя – это щедрая милостыня, забота об основании и украшении храмов и монастырей, тайная аскеза, неукоснительное проведение в жизнь принципа гражданской справедливости, суровость в борьбе за правду. Первым святителем, получившим общерусское признание, стал Нифонт Новгородский (11 в.), который соединял в себе талант политика и миротворца, позволявший ему добиваться мира, замиряя враждующих между собой князей. Политическая деятельность в сильной степени окрашивает и церковное служение митрополитов Московских: Петра, Алексия и Ионы. Однако в отличие от новгородских владык, отстаивавших местные интересы Новгородской республики, митрополиты Московские проводили политику, имевшую общенациональное значение. Самый цельный образ епископа-правителя создан в житии митрополита Алексия, трудившегося в качестве регента в дни малолетства князя Дмитрия Донского над созданием московского государства. Деспотический режим правления первого русского царя Ивана Грозного потребовал от святителей этой эпохи подвига в исповедничестве правды перед тираном. Отстаивание истины благочестия, требование прекратить проливать кровь христианскую стоило жизни митрополиту Филиппу (Колычеву). Особым временем, потребовавшим от епископов подвигов исповедничества, стали 1920–1930-е годы. Новое советское правительство, пришедшее к власти в результате Октябрьской революции 1917, фактически предприняло попытку путем физического устранения верующих уничтожить Русскую православную церковь. С этой точки зрения особую «опасность» для власти представляли церковные иерархи. Огромное число священников, митрополитов, епископов, иноков было оторвано от паствы, сослано и расстреляно. Первым, кто принял на себя всю тяжесть организованного советами давления на церковь, был патриарх Тихон (Белавин). Канонизированный в 1989, он стал первым святым русским патриархом.

Юродивые

– так называется новый чин святости, который входит в Русскую церковь с начала 14 в. «Христа ради юродивый», или «блаженный» – человек, принявший на себя облик безумия ради отвержения ценностей мирской жизни. Своим подвигом притворного безумия или безнравственности они выявляли несовместимость таких понятий, как христианская правда и здравый смысл. Почти всем юродивым приписывается дар пророчества, который дается им в качестве награды за презрение к человеческому разуму. По свидетельству современников, древнерусские юродивые ходили нагими, с распущенными волосами и железной цепью на шее. Родиной русского юродства стал Новгород. Именно из Новгорода происходят Прокопий Устюжский (14 в.), Никола Кочанов (14 в.), Михаил Клопский (15 в.). Ряд московских юродивых начинается со св. Максима (15 в.), а наиболее прославленным среди них был Василий Блаженный (16 в.). Последними святыми этого чина святости стали блаженная Ксения Петербургская (18–19 вв.) и блаженный Николай Рынин (19 в.), канонизированные в 20 в.

Святые миряне и жены.

Их имена не столь многочисленны в русских святцах, однако осмысление содержания их подвига, за который они были причислены к лику святости, существенно дополняет представление о русской религиозности и ясно показывает, что святость не ограничивалась стенами монастырей, но пронизывала всю толщу народной жизни. С особенным благоговением народное благочестие относится к младенцам, погибшим насильственной смертью. В младенцах видели чистую жертву, принесенную на заклание (см. также СВЯТЫЕ МЛАДЕНЦЫ). Именно как невинноубиенный младенец был канонизирован в 17 в. царевич Димитрий Угличский. Житие Юлиании Лазаревской (17 в.) дает пример того, как глубоко могло войти Евангелие в жизнь мирянина. Юлиания Лазаревская являет собой образец верности материнскому и супружескому долгу, пример кроткой, совершенной любви, позволявшей ей, забывая собственные немощи, заботиться не только о своей семье, но и кормить нищих в голодные годы, хоронить умерших, мыть в бане больных во время эпидемии. Милостыня в разнообразных формах проявления стала основой ее мирского христианского подвига. Юлиания Лазаревская была канонизирована в начале 20 в. Житие святой много популяризировалось русскими писателями, которые видели в ней воплощение свойственного православной интеллигенции народолюбия.

Особо почитаемые святые и храмы в их честь

Святой Георгий Победоносец

Георгий, великомученик и победоносец - один из наиболее популярных христианских святых, герой многочисленных сказаний и песен у всех христианских народов и мусульман. Наука принимает только факт существования мученика Георгия, так как иначе трудно объяснить раннее, еще до V в., и широкое распространение его культа. Исходным пунктом его была, по-видимому, Сирия и Палестина, где в Лидде-Диосполисе показывалась гробница Георгия. Древнейшие письменные данные о нем мы имеем в вьеннском палимпсесте (IV - V в.), где в отрывках сохранился "апокрифический" рассказ о страданиях Георгия. К тому же времени относится упоминание Георгия папой Геласием, который, отвергая акты мученичества Георгия как еретическую фальсификацию, причисляет Георгия к святым, которые известны более Богу, чем людям. Позднейшая письменная традиция о Георгии - мучение по ватиканской и афонской рукописям, похвальное слово Андрея Критского (VIII в.), житие Метафраста (X в.) - несколько смягчила фантастичность первоначальной легенды. С давних же пор святой Георгий сделался "народным", и имя его переделывалось: Иорге у средневековых немцев, Жорж у французов, Егорий или Юрий у русских, Гёрги у болгар, Джерджис у арабов и т. д. Праздник его пользуется высоким уважением во всех славянских землях и сопровождается множеством обрядов, в которых Георгий является покровителем земледелия и скотоводства; о том же свидетельствуют легенды, загадки, заговоры, приметы и т. п. Кроме весеннего Юрьева дня (23 апреля), на Руси имеет значение и осенний его праздник (26 ноября), к которому приурочено чудо Георгия о змее и девице. Эти два Юрьева дня теперь служат только пределами земледельческих работ, а до известного указа Годунова о прикреплении крестьян к земле имели важное юридическое значение. Высокое почитание Георгия объясняется многими причинами - его именем (георгос значит "земледелец"), иконописным изображением (в виде прекрасного юноши в полном вооружении, чаще всего на коне, в битве со змеем), содержанием его житий и сказаний о чудесах его, временем празднования и перенесением на него многих черт разных языческих божеств и т. д. Житие святого Георгия получило литературную обработку первоначально на греческом Востоке, потом (до XII в.) перешло на Запад. Святой Георгий убивает дракона, который опустошал землю одного языческого царя; царь и граждане принуждены были отдавать ему на съедение детей. Когда на жертву змею была выведена царская дочь, является Георгий в образе молодого воина и усмиряет змея, которого, по его повелению, царевна приводит на своем поясе в город; после этого царь и тысячи подданных принимают крещение.

Святой Георгий – один из самых почитаемых на Руси святых. Храмы, освященные в его честь:

Георгиевский собор Юрьева монастыря — православный храм в Юрьеве монастыре (Великий Новгород). Построен в 1119 году, относится к памятникам древнерусской архитектуры домонгольского периода.

Строительство собора, ставшего главным храмом Юрьева монастыря было начато в 1119 году. Инициатором строительства был великий князь Мстислав I Владимирович. Поскольку в это время он находился в Киеве, то строительство собора было поручено игумену Юрьева монастыря Кириаку и сыну Мстислава новгородскому князю Всеволоду. Из Новгородской летописи известно имя строителя собора — мастер Пётр, предположительно построивший также Николо-Дворищенский собор и церковь Благовещения на Городище. Это первое из известных имён древнерусских мастеров-строителей.

Строительство собора продолжалось 11 лет, перед окончанием его стены были покрыты фресками, уничтоженными в XIX веке. 12 июля 1130 года он был освящён во имя Геогрия Победоносца Новгородским епископе Иоанном при юрьевском игумене Исайе (Кириак, начавший строительство, умер за два года до освящения храма).

Собор стал усыпальницей настоятелей монастыря, ряда русских князей и новгородских посадников. В 1198 году в нём погребли Изяслава и Ростислава, сыновей новгородского князя Ярослава Владимировича; в 1203 году — принявший в монастыре постриг новгородский посадник Мирошка Несдинич; в 1233 году — князь Фёдор Ярославич, старший брат Александра Невского, а в 1224 году и его мать Феодосия Мстиславна (в монашестве Ефросиния); в 1453 году — Дмитрий Шемяка.

В середине XVI века из собора в Москву, по указанию Ивана Грозного, была перенесена икона Устюжского Благовещения.

В 1807 году при ремонте Георгиевского собора по указанию епископа Старорусского и викария Новгородского Евгения были проведены раскопки, позволившие обнаружить там ряд каменных саркофагов. В 1830-е годы при архимандрите Фотии была проведена реставрация собора в ходе которой практически полностью были уничтожены фрески XII века: их сбили со стен, использовали для подсыпки при планировке территории монастыря, частично выбросили. Оригинальная фресковая живопись (фрагменты святительского чина) сохранилась только на откосах окон и в верхней части лестничной башни, где располагалась небольшая церковь. Собор был полностью расписан заново. В этот же период в нём был установлен новый семиярусный иконостас, в котором среди прочих установили древнейшие иконы собора, на которые надели богато украшенные драгоценные ризы. В 1898 году новые фрески были сбиты в ходе очередных ремонтных работ. Для создания нового фрескового цикла пригласили иконописца М. Н. Сафонова. В 1902 году отреставрированный собор был освящён архиепископом Новгородским и Старорусским Гурием.

В 1920 году Юрьев монастырь был закрыт, богослужения в Георгиевском соборе были прекращены. В 1930-х гг. в ходе реставрации были уничтожены : ризничная, паперть (1706 года), придел и рака святителя Феоктиста, архиепископа Новгородского, галерея, семиярусный иконостас XVIII века с древними иконами (исчезли бесследно), вскрыты и уничтожены полы, крытые чугунной плиткой, и древние захоронения под ними.

Собор и монастырь были возвращены Русской православной церкви в 1991 году, в летний период в Георгиевском соборе проходят богослужения.

Архитектурные особенности

Георгиевский собор имеет размеры: длина 26,8 метров, ширина 18,3 метра, высота 32 метра и является самым большим из храмов Юрьева монастыря (в Новгороде собор по своим размерам уступает только Новгородской Софии). В отличие от внутреннего убранства изначальный внешний облик собора практически полностью сохранился (в ходе реставраций 1931—1935 годы были убраны все его многочисленные пристройки, построенные в различное время).

Георгиевский собор имеет смешанную кладку стен (сочетает каменные блоки и кирпич). Оригинальная кровля была позакомарной и покрыта свинцовыми листами, позднее её заменили четырёхскатной, сохранившейся до настоящего времени. Собор увенчан тремя асимметрично расположенными главами: главный купол венчает средокрестие, второй купол (внутри него располагался особый придел для уединённой монашеской службы) поставлен над квадратной лестничной башней, пристроенной к северо-западному углу собора сбоку от нартекса, а третья малая глава уравновешивает вторую.

Собор крестово-купольный, шестистолпный, трёхнефный, имеет три алтарных апсиды. В соборе устроены хоры для присутствия на богослужении князя и его семьи. На хорах располагались два придела: Благовещения и святых Бориса и Глеба.

Георгиевский крест и лента связаны с именем Георгия (рассказ).

Исаакиевский и Казанский соборы Санкт-Петербурга.

Возведенный архитектором Огюстом Монферраном, Исаакиевский собор – выдающийся памятник позднего русского классицизма середины XIX века. Замечательно внутренне убранство собора, в котором представлены все виды монументально-декоративного искусства – живопись, скульптура, мозаика, цветной облицовочный камень. Главный иконостас собора украшают малахитовые и лазуритовые колонны, в главном алтаре находится нетрадиционный для убранства православного храма витраж «Воскресший Христос».

Первый Исаакиевский храм был создан в 1707 году по указу Петра I во имя небесного покровителя царя – преподобного Исаакия Далматского. Его переделали из чертежного амбара, находившегося рядом с Адмиралтейством. В этом храме венчались император Петр I и императрица Екатерина Алексеевна. Второй каменный собор был возведен архитектором Г.И. Маттарнови рядом с набережной Невы.

Третий храм начал строиться в царствование императрицы Екатерины II по проекту Антонио Ринальди, и в упрощенном виде достроен архитектором В.Бренной при Павле I. Собор не соответствовал парадному облику северной столицы, и император Александр I объявил о его перестройке. В конкурсе приняли участие многие известные зодчие, но они не выполнили главного требования царя – в память о великих предках сохранить в новом соборе алтарную часть старого. Государь поручил это молодому французскому архитектору Огюсту Монферрану, его проект перестройки храма получил Высочайшее одобрение.

Четвертый Исаакиевский собор

Для грандиозного сооружения, задуманного Монферраном, требовался надежный сплошной фундамент. В дно котлована были забиты просмоленные сосновые сваи, на них уложили гранитные плиты и бутовый камень.

Четыре фасада собора были украшены портиками с монолитными гранитными колоннами, которые вырубались на каменоломне Пютерлакс и по воде доставлялись на баржах к месту строительства. Установка этих колонн вызвала восхищение современников – их поднимали вручную, при помощи деревянных лесов. Так же на высоту 43 метров подняли колонны барабана купола. Строительство Исаакиевского храма продолжалось четыре десятилетия и стало школой новых технологий, многие из которых использовались впервые, в том числе рельсовый путь, легкий металлический купол и широкое применение в декоративном убранстве гальванопластики.

Церемония освящения и открытия храма состоялась 30 мая 1858 года, в присутствии императора Александра II, членов царской фамилии и хора из 1200 певчих.

Исаакиевский собор стал главным кафедральным храмом России. Созданный архитектором Огюстом Монферраном храм Преподобного Исаакия Далматского в Санкт-Петербурге – выдающийся памятник русской архитектуры XIX века. Грандиозность храма определяют его размеры: высота 101,5 метра; длина 111,2 метра; ширина 97,6 метра.

Собор – одна из архитектурных доминант Санкт-Петербурга и второе по высоте здание после Петропавловского собора. Его монументальный и величественный образ создает неповторимый акцент в городском силуэте и служит такой же визитной карточкой северной столицы, как шпиль собора Петропавловской крепости, Медный всадник и золотой кораблик Адмиралтейства.

Прообразом собора послужил разработанный еще в конце XVIII века тип центричного, квадратного в плане пятикупольного храма с украшенными портиками фасадами.

Само здание Исаакиевского собора решено цельным, компактным кубическим объемом, над которым поднимается высокий цилиндрический барабан, прорезанный арочными окнами и окруженный изящной колоннадой. Барабан увенчан золоченым куполом с легким восьмигранным световым фонариком. По углам выступающего основного объема здания находятся четыре небольшие звонницы, удачно дополняющие силуэт храма. Их завершают легкие позолоченные главки, размер которых продиктован масштабом самих звонниц, поэтому они оказались намного меньше главного купола. Гладкие плоскости стен собора прорезаны большими арочными окнами с массивными наличниками и волютами наверху. Вверху треть фасада занимает колоссальный по размерам аттик, который излишне преобладает над основным ордером.

Исаакиевский собор – единственный из памятников русского классицизма (за исключением Мраморного дворца А.Ринальди), в наружной отделке которого использованы полированные гранитные колонны и мрамор. Эффектное сочетание темно-красных колонн портиков, колоннады главного купола, цоколя здания с серой мраморной облицовкой стен и золочеными куполами придает всему сооружению парадный вид. Исаакиевский собор – высокий образец единства монументального и декоративного искусства.

Казанский собор. Военно-мемориальный комплекс. История собора

В этом огромном, полукругом распластанном соборе с могучей коринфской колоннадой и величественным куполом хранилась самая чтимая в столице икона — Казанской Божией Матери, перед которой преклоняли колени и царь, и гордый вельможа, и скромный простолюдин. Из многих списков чудотворного образа только петербургский и московский пользовались известностью во всей Империи.

Датируемая концом XVI века икона появилась в Петербурге в 1710 году; ее, вероятно, привезла из Москвы царица Параскева Феодоровна. Вначале икона была помещена в «небольшой светличке» — деревянной часовне у Невки, на Посадской улице Городового острова (позже Петроградская сторона), где тогда находился центр новой столицы. Через два года в часовне была установлена полотняная церковь во имя Рождества Пресвятой Богородицы, которую по иконе часто называли Казанской. Со временем часовня обветшала, и в 1727 ее закрыли, перенеся утварь и образа в Троицкий собор близ Петропавловской крепости. Местная икона уже в те годы считалась чудотворной.

По проекту М. Г. Земцова 6.IХ.1733 на Невском была заложена каменная придворная церковь Рождества Богородицы с деревянным куполом и стройной колокольней над входом. Ее освятили З.VII.1737 в присутствии Императрицы Анны Иоанновны, которая днем раньше сопровождала пешком чудотворный образ, переносимый в храм. Живописное убранство в храме исполнили художники Канцелярии от строений, скульптурное — мастер И. Геринг, иконы написали И. П. Горскин и Г. И. Мелентьев.

Уже в конце XVIII века церковь на главной улице Петербурга, выдержанная в скромном барочном стиле и наименованная при Императрице Елизавете собором, стала казаться чересчур невзрачной для растущей и все более украшаемой столицы. В конце XVIII века Д. Кваренги и Н. А. Львов работали над проектом нового собора, но он, однако, остался на бумаге.

В 1799 Император Павел I провел конкурс на проект Казанского собора, потребовав, чтобы новый храм напоминал римский собор св. Петра. В конкурсе приняли участие П. Гонзаго, Ч. Камерон, Ж. Тома де Томон, однако результатов он так и не дал. Год спустя строительство было поручено сорокалетнему архитектору А. Н. Воронихину, который происходил из крепостных графа А. С. Строганова, известного мецената и президента Академии художеств.

27.VIII.1801 Александр I заложил трехпридельный храм, который возводился целое десятилетие и обошелся казне в 4,7 млн. руб. Его освящение в высочайшем присутствии совершил 15.IХ.1811 митрополит Амвросий.

Законченный перед началом Отечественной войны с Наполеоном, собор стал своеобразным ей памятником, особенно после того как в 1813 в его левом приделе был погребен фельдмаршал кн. М. И. Кутузов-Смоленский. Внутри храма были развешены захваченные у французов знамена, штандарты и ключи от взятых городов, а в 1837 у Невского проспекта торжественно открыты памятники Кутузову и Барклаю, отлитые по модели Б. И. Орловского.

Фасады собора облицованы серым пудожским камнем и обильно украшены рельефами и статуями. Их исполнили ведущие мастера ампира: рельефы — И. П. Мартос, И. П. Прокофьев, Ф. Г. Гордеев, статуи — С. С. Пименов, Мартос, В. И. Демуг-Малиновский, но не все из задуманного удалось осуществить. Огромные северные врата собора отлиты из бронзы по образцу знаменитых «райских дверей» XV века во флорентийском баптистерии. Из барельефов в интерьере уже в прошлом веке уцелели всего два: «Несение креста» Ф. Ф. Щедрина и «Взятие под стражу» Ж. Рашетта.

Сейчас от богатейшей внутренней отделки храма осталось не так много, хота по-прежнему великолепные 56 колонн из розового финского гранита с золочеными коринфскими капителями и базами эффектно оформляют интерьер, создавая ощущение величия и простора. Все лепное убранство исполнили Ф. Торичелли и Б. Медичи; резчики А. Леблон и Ф. Кретьен вырезали иконостасы, алебастровые фигуры в которых сделали Мартос, Щедрин и Прокофьев. Образа были поручены видным академикам: В. К. Шебуеву, А. Е. Егорову, А. И. Иванову, Ф. П. Брюлло, С. С. Пекину, О. А. Кипренскому и др. (большинство ныне хранится в Русском музее).>

Царские врата отлил из серебра П. Теннер, иконы в них принадлежали кисти В.Л. Боровиковского, который написал также образ свв. Константина и Елены. Известный бронзовщик П. Ажи изготовил символы Веры, Надежды и Любви, укрепленные под куполом, а Ж. Герен — огромное, в 180 свечей, паникадило. Ко дню освящения чудотворный образ Казанской Божией Матери был украшен богатейшей ризой из чистого золота с драгоценными камнями и жемчугом.После изгнания французов из России донской атаман гр. М.И. Платов прислал собору 40 пудов отнятого у них трофейного серебра. Архитектор К. А. Тон использовал это серебро в 1834 для облицовки главного иконостаса (через сорок лет то же сделали в приделах). В том же году Император Николай I заказал академикам Ф. А. Бруни, П. В. Басину и К. П. Брюллову большие запрестольные образа в резных золоченых рамах. В 1884 по эскизу арх. Н. В. Набокова ювелир О. Я. Соколов из 11 пудов серебра сделал для соборной плащаницы великолепную гробницу, а шесть лет спустя — чеканные серебряные хоругви.

В 1903 прихожане задумали воздвигнуть у собора огромную колокольню, но осуществить этот проект не удалось из-за возражений Академии художеств. К столетию храма был проведен большой реставрационный ремонт.

Кроме чудотворного образа, стоявшего в особом киоте слева от царских врат, почитанием у верующих пользовались и некоторые старинные иконы: Спасителя в иконостасе, свт. Николая и Ченстоховской Божией Матери, подаренной Кутузовым. По проему Н. Н. Никонова в 1891 в соборе была устроена, по примеру других храмов, Голгофа с частицей Живоносного Гроба. Другая частица находилась в иконе Воскресения, которую прислал в 1906 иерусалимский патриарх Дамиан.

В соборе было много превосходных изделий из серебра: ризы на иконах, предалтарная балюстрада, кадило 1644 года, подаренная Анной Иоанновной дарохранительница, венцы, в которых венчался с супругой вел. кн. Павел Петрович, священные сосуды, сделанные в Париже по заказу Александра I, оклад напрестольного Евангелия, изготовленный в 1787 по рисунку И. и А. И. Вольских, а также старинный крест XVII века с частицами св. мощей. К освящению председатель строительной комиссии гр. А. А. Строганов поднес замечательную дарохранительницу из уральских и сибирских самоцветов, украшенную бронзовыми фигурами и иконами, написанными на финифти Д. И. Евреиновым. Тогда же от Императрицы Марии Феодоровны поступил золотой потир со вставками из алмазов и рубинов.

Рядом с царским местом, сделанным из финского гранита, под стеклом висело послание Синода об убийстве Александра II, а на соседней колонне— манифест 1815 года о Священном союзе. У входа находились памятные каменные доски об освящении собора и барельефы Павла I и Александра I. Снаружи, на алтарной стене, помещался образ Казанской Божией Матери, написанный в 1865 акад. И. А. Тюриным.

Начиная с 1743 ежегодно, 30 августа, из Казанского собора по Невскому к Александро-Невской лавре шел самый торжественный в столице крестный ход, в котором поначалу участвовали Государи и кавалеры ордена св. Александра Невского (позднее он начинался от Исаакиевского собора). Этот день в Петербурге считался выходным. 4 апреля крестный ход направлялся к часовне у Летнего сада в память о том, что Александр II после покушения Каракозова прибыл помолиться в собор перед образом Заступницы Небесной. С ее иконой 4 июля верующие шли к Успенскому храму на Сенной площади, чтобы отметить избавление города от холеры в 1849 году.

Престольный праздник 8 июля собирал огромное количество народа, и поэтому молебен перед чудотворным образом служили на площади у собора, на особом помосте. Столь же торжественно отмечались «царские дни», когда на богослужении присутствовали члены императорской фамилии, министры и видные сановники. При пении «Тебe, Бога, хвалим» с Петропавловской крепости гремел пушечный салют. 11 мая, в день свв. Кирилла и Мефодия, на молебен сходились тысячи учащихся церковно-приходских школ, а 14 января — на свой национальный праздник св. Саввы — столичные сербы. 25 декабря, день победы над Наполеоном, отмечался особым благодарственным молебном.

28.Х.1893 в переполненном соборе отпевали П. И. Чайковского. В Пасху 1916 впервые в столице пасхальную за утреню служили у храма, на площади перед ним.

Ограбленный при изъятии церковных ценностей собор был в апреле 1932 закрыт для верующих (решение Леноблисполкома от 26.ХII.1931 и Президиума ВЦИК от 10.III.1932), а 15 ноября того же года открыт как Музей истории религии и атеизма.

Чудотворная икона была перенесена во Владимирский собор, где помещена у правого клироса. В Троицу 1991 в левом приделе возвращенного епархии Казанского собора возобновились богослужения, через год — в главном; предусматривается переезд музея в другие здания и полная передача собора верующим.

29 марта 1998 года торжественно, согласно уставу, архиерейским чином освящён престол и весь Казанский собор в Санкт-Петербурге. Этим освящением собор очищен от атеистического осквернения и возвращён в прежнее каноническое достоинство.

Билет №25

Типология православных храмов. Виды куполов, значение цвета.

Первый тип - большие многокупольные многообъёмные, 5 - 7- нефные соборы пирамидальной композции. Основу этого типа составляют соборы XI- начала XII

веков: Софийские соборы в Киеве, Новгороде, Полоцке, Спасо-Преображенский собор в Чернигове, Успенский собор Киево-Печерского монастыря и др. Это первые каменные и кирпичные православные постройки на Руси, в их возведении принимали участие византийские мастера, использовавшие традиционные технические и конструктивные приёмы крестово-купольного храма. Однако, уже эти первые храмы отличает некоторая самобытность, они не стали точными копиями византийских. Русские храмы, используя византийскую крестово- купольную конструкцию, трансформируют её образ. В Византии крестово-купольные храмы были в основном небольшими монастырскими и городскими постройками. На Руси они становятся крупными митрополичьими соборами, воплотив собственные идеи соборности, эпического демократизма, которым отмечено в былинах время Владимира, единения русских земель, торжественного приобщения молодого государства к христианскому миру. «Не в худе бо и не в неведоме земле владычествоваша, но в Русской, яже ведома и слышима есть всеми концы земля».

Характерной особенностью храмов этого типа является их монументальность.

Второй тип – храмы с геометрически правильным кубообразным туловом и венчающими его пятью куполами. Этот тип сформировался несколько позже, ранние его экземпляры относятся к середине XII века. Они возникают в разных княжествах как кафедральные земельные соборы, выдавая исторические претензии князей на общерусское значение. Не случайно сложение этого типа происходит в эпоху феодальной раздробленности Руси, когда князья занялись «устроением своих земель». Одним из знаков этого «устроения» было возведение величественного собора, который должен был соперником столичного, но не быть его копией. Исчезает былое многоглавие. Сначала число куполов колеблется от одного до пяти, со временем устанавливается традиция строительства пятикупольных храмов, которой была суждена долгая жизнь. Именно в таких формах строились кафедральные соборы в разных русских городах, как в средние века, так и сегодня. Пять куполов станут настолько семантически значимой деталью, что даже поздние, совершенно иные по конструкции и планировке храмы как храм Христа Спасителя в Москве и Исаакиевский собор в Петербурге, будут украшены пятью куполами. Одним из ранних памятников этого типа стали Успенский собор во Владимире (XII в.), Рождественский собор в Суздале (XII в.). Этот тип станет активно использоваться в Московском государстве: Успенский собор Московского Кремля (XV в.), Архангельский собор Московского Кремля (XVI в.), Успенские соборы в Троице-Сергиевой лавре (XVI в.). Он сохранит свои позиции и в архитектуре более позднего времени – XVIII и даже XIX века.

Третий тип - небольшие однокупольные постройки. Они известны с середины XII века, наибольшее их количество было построено во второй половине XII - начале XIII века, а также в конце XIV – первой половине XV века. Сооружения этого типа отличаются большим разнообразием, имеют собственную индивидуальность. Однако их общие композиционные особенности, функциональное назначение и специфика символического воплощения Образа Мира позволяют выделить их в один тип. Небольшие однокупольные четырёхстолпные храмы начинают появляться в начале XII века в городах, княжеских усадьбах и монастырях наряду с большими соборами, как некая антитеза им. Они были рассчитаны не на общую многолюдную службу, а на камерное уединённое действо. Это были крещальни, усыпальницы, княжеские и епископские молельни. Первые такие «малые храмы» были построены Владимиром Мономахом во Владимире и Минске. Образ Мира, представленный в этих храмах был выражен более личностным способом, чем в храмах первого и второго типов. Храмы этого типа известны во всех русских княжествах. Среди наиболее известных церкви Спаса-Преображения в Переяславле-Залесском (1152 г.), Покрова на Нерли под Владимиром (1165 г.), Дмитриевская церковь во Владимире (1194 г.), и др.

Четвёртый тип - башнеобразные высотные храмы. По композиционно-смысловым характеристикам они продолжают линию развития столпообразных храмов третьего типа. Однако их вертикальная направленность настолько сильна, что становится главной характеристикой образа. К тому же в башнеобразных храмах используется не крестово-купольная, а иные конструкции. Этот тип может быть представлен в виде двух вариантов.

1. Шатровые храмы XVI - XVII веков. Шатровое навершие храмов – явление совершенно новое, не встречавшееся до XVI века в каменной православной архитектуре. Оно использовалось в русской архитектуре недолго с середины XVI века, до середины XVII века, когда было запрещено из-за несоответствия византийскому строительному канону. Появление новой архитектурной формы – шатра с луковкой наверху - до сих пор представляет загадку для исследователей. Первой постройкой данного типа стала церковь Вознесения в великокняжеской подмосковной усадьбе - Коломенском под Москвой. Храм был построен Василием III в ознаменование рождения наследника – будущего Ивана Грозного. Вслед за этим храмом появилось много новых, и почти все они носили мемориальный характер: Борисоглебский храм под Можайском (1603 г.) – в честь торжества новой царской династии Годуновых, и др.

2. Башнеобразные ярусные центрические композиции, часто соединяющие храм и колокольню в одном объёме. Идея центрического высотного храма уже была знакома русскому зодчеству в мемориальных храмах с шатровым покрытием. Развитие этой архитектурной линии было насильственно прервано, но эта идея вновь найдёт своё воплощение в церковном зодчестве конца XVII – начала XVIII века в башнеобразных высотных храмах. Почти все они были построены в боярских и княжеских усадьбах, что и дало основание Г.К.Вагнеру отнести их к “боярско-княжескому вотчинному жанру” церковной архитектуры. Среди самых известных произведений этого типа: церковь в Петровском-Дурневе (1684 г.), церковь Знамения в Дубровицах у Подольска (1690-1705 гг.), храмы Покрова в Филях (1693 г.) и Спаса в Уборах (1693-1696 гг.).

Характерной особенностью этих храмов является их строгая центральная симметрия, вертикальная устремлённость и ярусность. Нижний ярус имеет, как правило, скруглённый объём (четырёхлепестковым цветком в плане), выше – “четверик” (кубический объём), на нём – два или три последовательно уменьшающихся “восьмерика” и барабан с куполом. Иногда последний “восьмерик” делался открытым и там размещался колокол. Обычно эти храмы возводили на подиуме или на подклете, что вместе с нижним ярусом создавало устойчивое основание для устремлённой вверх башни.

Пятый тип – «живописные храмы». Таким условным термином назовём многосоставные композиции. Речь идёт о храмовых ансамблях, состоящих из нескольких разновеликих объёмов и составляющих при этом живописную многоцветную композицию. В этом типе также можно выделить два варианта.

1. Многопридельные храмы с центральной симметрией. Это сооружения, состоящие из нескольких храмов, объединённых в одной композиционной структуре. Традиция пристраивать приделы, посвящённые отдельным святым и христианским праздникам, была на Руси всегда. Иногда большие храмы обрастали пристроенными в течение многих веков приделами, которые выглядели как пристройки и, зачастую нарушали целостность первоначального облика. В середине XVI веке появились храмы, в которых многопридельность становится основой композиционного замысла. Это был принципиально новый тип храма, который отличался как от крестово-купольных, так и от столпообразных, шатровых. Самым известным примером такого храма является собор Покрова на Рву (так называемый храм Василия Блаженного) на Красной площади в Москве. Он состоит из девяти отдельно стоящих столпов, каждый из которых сохранял значение самостоятельного храма, но вместе с тем был частью единого организма. Храм был построен по обету Ивана Грозного, каждый придел посвящался одному из церковных праздников и святых, чествование которых приходилось на дни осады Казани. Казань пала на следующий день после праздника Покрова, и обетный храм, поставленный в благодарность за покровительство небесных сил, получил наименование Покровского. Так назывался главный шатровый храм, находившийся в центре композиции. У каждого малого храма также было своё название. Современное сознание склонно воспринимать памятник как один храм, но средневековый зритель, более сведущий в обрядовых делах, воспринимал придел отдельным храмом, даже если он и не был выделен в композиционной структуре. Поэтому Покровский храм осознавался средневековыми людьми как содружество храмов, как образ Небесного Града, Горнего Иерусалима, воплощённый в формах «райской» архитектуры. Если учесть затеснённость внутреннего пространства храмов-колодцев, в которых с трудом могла поместиться даже княжеская семья, становится понятным особая значимость именно экстерьера храма, его роль в городской среде.

2. Многообъёмные ансамбли приходских посадских храмов. Возросшая политическая и экономическая сила посада в XVII веке сказалась на увеличении количества каменных приходских церквей, строившихся на «сборные» деньги и воплощавшие художественные идеалы посадского люда. Это было достаточно массовое строительство, однако до нашего времени сохранились лишь немногие постройки. Бурное развитие в Москве и провинции получили обильно и пёстро декорированные многосоставные живописные ансамбли приходских посадских церквей. Они были настолько необычны, что стали визитной карточкой XVII века. Приходские храмы рассчитаны на небольшой круг верующих, связанный общностью интересов.

Виды куполов. Значение цвета

Шлемовидный (в честь святых -воинов) и луковичный (свеча в честь Господа и Богородицы)

Основные сюжеты живописи Михаила Нестерова

Михаил Васильевич Нестеров (1862-1942) родился в Уфе в купеческой семье; получил образование в Московском училище живописи, ваяния и зодчества и в Петербургской академии художеств.

Ранние произведения Нестерова, считавшего себя учеником В. Г. Перова и В. Е. Маковского, выполнены на исторические сюжеты в реалистической манере передвижников. Но вскоре в его творчестве наступил резкий перелом. Отныне художник стремился передать тоску по утраченному, несбыточному, воплотить тему мятущейся души, готовой скрыться от мирских треволнений за стенами монастыря, и, наконец, тему уединения, душевного покоя, раскрыть которую мастеру помогал лирический русский пейзаж. Сам Нестеров называл направление, в котором работал, «опоэтизированным реализмом». Уходя в мир чувств, он искал свой идеал в глубоко и искренне верующих людях прошлого.

«Видение отроку Варфоломею» (1889—1890 гг.) — центральное произведение Нестерова. В его основу лёг эпизод из жития преподобного Сергия Радонежского — одного из самых почитаемых святых на Руси, основателя Троице-Сергиевой лавры. Мальчик-пастушок Варфоломей (будущий Сергий) потерял жеребят в лесу. Отправившись на поиски, он забрёл в пустынное место и встретил незнакомого старца-священника. Тот дал отроку кусочек просфоры и вместе с ним — тягу к учению и просветлению.

В стилистике картины отчётливо проступают признаки национального варианта модерна. Местом действия служит реальный среднерусский пейзаж в окрестностях Абрамцева. Через природу художник пытался донести настроение созерцательности и умиротворения.

Это полотно открывало так называемый «Сергиевский цикл», в который ещё вошли «Юность преподобного Сергия» (1892—1897 гг.), «Труды Сергия Радонежского» (1896—1897 гг.), «Преподобный Сергий Радонежский» (1899 г.).

Одновременно мастер запечатлел образы монахов и пустынников, старцев-отшельников, мечтателей и печальных девушек. Все они предстают на фоне неброских русских пейзажей. Природа на картинах Нестерова всегда тиха и спокойна. Здесь никогда не бушуют бури, не льют дожди, не грохочет гром и ветер не качает деревьев. Голубизна неба безмятежно чиста, прозрачна. Одинокие скиты, главки деревянных церквей на фоне неба — всё это поддерживает ощущение прочной связи прошлого с настоящим. В работах «Под благовест» (1895 г.), «Великий постриг» (1898 г.) и других художник не описывает конкретных событий. Это — события православной духовной жизни.

Программными произведениями мастера стали «Святая Русь» (1905 г.) и «На Руси» («Душа народа», 1916 г.). На первой картине художник представил Христа в окружении русских святых и народа, на фоне русской природы. Полотно «На Руси» изображает крестный ход. Здесь Нестеров создаёт обобщённый образ русского народа, показывая все сословия и типы, не только современные, но и исторические. На картине запечатлены и реальные персонажи — Л. Н. Толстой, Ф. М. Достоевский и др.

Художника всегда притягивал портретный жанр. Правда, в начале творческого пути он писал портреты лишь как этюды к будущим картинам. К 1905—1906 гг. относится собственно портретный цикл Нестерова, куда вошли портреты жены, дочери, княгини Н. Г. Яшвиль, художника Яна Станиславского.

Второй портретный цикл Нестеров посвятил философии и религии. В 1917 г. мастер написал портрет выдающихся русских религиозных мыслителей — П. А. Флоренского и С. Н. Булгакова, прогуливающихся у Троице-Сергиевой лавры. Эта картина, в которой Святая Русь как бы соединилась с реальной Россией, получила название «Философы».

После революции художник находился в растерянности перед шквалом событий, унёсшим привычный жизненный уклад. Вплоть до 1922 г. он не создал сколько-нибудь значительных произведений, это было время молчания. Не желая участвовать в реализации ленинского плана монументальной пропаганды, Нестеров уехал из Москвы, и его мастерская оказалась разгромленной. Но всё же в советские годы он стал автором замечательной галереи портретов известных московских учёных, художников.

90