1.

1917-1932. 1917 год – октябрьский переворот  советская власть воспринимала культуру как средство идеологии (+просвещение и пропаганда)  всё национализировано + массовые праздники, концерты, митинги и т.д. С 1917 г. музыка включена в общеобразовательные программы.

20-е г.г. – начало нового периода в музыке – музыкальная неразбериха, переходный этап от старого звучания к новому. Композиторы: Глазунов, Глиер, Ипполитов-Иванов (+УЕХАЛИ Стравинский, Прокофьев, Рахманинов, Метнер). Молодые: Мясковский, Кабалевский, Шостакович и др. КОЛЛЕКТИВИЗМ везде!  творить надо тоже вместе: создали «производственный коллектив проколл»  появляется жанр массовой песни.

Споры том, какой быть музыке  выявились 2 противоборствующих группы:

1) РАПМ (российская ассоциация пролетарных музыкантов) *организована коммунистами с жесткой идеологией (современность, пропаганда, борьба с бурж-й идеологией) *действовали жестко, грубо, всем давали указания *талантливых мало * музыка должна быть понятной (!массовая песня!) классич.муз. – буржуазная; 2) АСМ (ассоциация современной музыки) *считали, что у музыки идеологии нет *музыка выражает чувства и состояния *здесь – творческие талантливые люди *считали, что классич.музыка устарела, не соответствует времени

Муз театр: популярна классическая опера, НО власть не считала оперу и балет нужными  решение о закрытии всех театров. Спасло ЧУДО: представления давали между партийными собраниями в Большом театре. 1926г. – диспут об опере. Решили: стоит создать современную оперу  как? – на музыке классической оперы, НО переписывая либретто (советская тематика). Самая популярная опера: Прокофьев «Любовь к 3 апельсинам» (за границей на либретто итальянца). Опера «Нос» Шостаковича (по Гоголю) изгнана из репертуара. Балет очень не любили, но требовали акробатический профессионализм, ритмичность. Классич. балет на револ-ю тематику – «Красный мак» Глиэра. Новый тип: балет-обозрение (Шостакович «Золотой век», «Болт»).

Симфоническая музыка: главные достижения – 2 ключевые симфонии

1. Мясковский Симфония №6 (es moll) !Мясковскому 22! *передаёт ощущение гибели старого мира, его видение революции.

Симфония №4 (особенно интересна) – сталкиваются 2 области революции. I ч. – песня французской революции, порыв, IIч. – Dies irae – рок-тема, IIIч. – русский духовный стих «О расставании души с телом»

2. Шостакович – Симфония №1 !!комп-ру 19 лет!!дипломная работа. Принесла ему европ.известность.

Итак, 20-е г.г. – время поисков, многое испробовано и найдено, но всё это кончится лишь в начале 30-х.

2. 1932-1941. Эпох социалистического реализма. На рубеже эпох изменение во всём: крушение НЭПа, страшная коллективизация, начало индустриализации, жестоко эксплуатировались люди, НО ради веры в светлое будущее они терпели жестокое время: *диктатура гос-ва *позитивная вера в лучшее.

1932 г. – великий прорыв в культуре и искусстве: появилось партийное постановление, где запрещались группы, объединения, а вместо них сказано создать союзы по каждому виду искусства.  «придумывается» новый способ отражения действительности, новый стиль  СОЦИАЛИСТИЧЕСКИЙ РЕАЛИЗМ: отражение жизни такой, какой она должна быть, какой её хотят показать! НИ ОДНА трагедия времени не нашла отражения в искусстве – !НЕЛЬЗЯ! показывали только идеальную картинку, задача искусства – показать, как жизнь прекрасна и весела. В это время из культуры вычеркнуты многие имена: Достоевский, Есенин, Блок, Булгаков, Платонов, НО внедряли Маяковского.

Т.е. страна и искусство жили в двух разных мирах: *страна – тяжелая, нищая, скудная *искусство – радостное, счастливое, идеальное. Начались репрессии без причин, уничтожались целые поколения людей  искусство стало подпольным. Правдой в это время стали только симфонии Шостаковича.

Утверждался авторитет классики, Пушкин был примером для подражания Утвердилась русская классика, установилась новая исполнительская школа, Т.К. союз хотел показать, что «у нас всё лучше всех» не пожалели денег на искусство и муз.образование. Композиторы: Мясковский, Кабалевский, Прокофьев, Шостакович + молодые Свиридов и Хренников.

30-е г.г. – рождение советской муз.классики. *Дунаевский – песни: воспевал жизни, было у него что-то подлинное, настоящее *симфонии Мясковского и Шостаковича (особенно пятая – реальная действительность). Широко распространен кантатно-ораториальный жанр: *Прокофьев «В 20-летию Октября», «А.Невский» * Шапорин симфония-кантата «На поел Куликовом». Инструментальная музыка – Хачатурян скрипичный концерт. Балет – Прокофьев «Ромео и Джульетта».

Муз.театр. 2 типа опер: 1) песенная (в основе песенные номера, НО ведь через песню нельзя передать сложность жизни) Дзержинский; 2) речитативная (здесь и конфликты, и качественный оркестр, решительная вокальная партия) Прокофьев «Семён Катко» (её сняли), Шостакович «Леди Макбет Мценского уезда» (великая опера, была принята во всём мире, НО уничтожена по приказу Сталина!).

3. 1941-1953. В 41-45-е появляется песня в 2 жанрах: героический и лирический. + произведения: Прокофьев опера «Война и мир», балет «Золушка», Шостакович 6 и 7 симфонии.

Закончилась война  изменила настроение советского народа, проявились лучшие качества людей + ярко проявляется всё исконно русское !!!Люди чувствовали себя свободными, а это неблагоприятное условие для власти  выбивали это чувство из людей, давали им понять, что она рабы!!! + новые репрессии (против народов-изменников – турки, калмыки и мн. др).

Боялись, что люди почувствовали свободу, увидев Европу  стали зажимать искусство (и не только). «Железный зановес»: *«погромы» в науке – СССР отброшен намного назад (например отказ от педологии [объединение биологич., социологич., психология и др. подходов к развитию ребенка], кибернетики, генетики) *литература и искусство – тоже «погромы», изданы указания, показывающие «место» людей искусства *музыка – целью власти было ударить по лучшим композиторам, гениям (ведь они СВОБОДНЫ  неудобны для власти), в советской музыке всё ужасно за исключением некоторых песен + управлял в то время культурой Жданов – выпускник с/х училища. Композиторов заставляли каяться!!! «Я был не прав, больше так не буду». Шостаковича уволили из консы за ПРОФНЕПРИГОДНОСТЬ!!!

Постановление 1948 г. «Идеологический разгром всех видов искусства». Идеи, содержание, требования: *главное – мелодия * ясная, четкая форма *обязательно с текстом или программная *объясняется, что такое полифония и как её использовать * какие есть инстр. и как их использовать.

Гонения на лёгкую музыку, джаз. Из музыки удалили аккордеон и саксофон. Запрещали использовать сложные гармонии, диссонансы.

4.1953-1968. 53г. – смерть вождя. 56г. – съезд партии с докладом о злодеяниях Сталина. Начало реабилитации (паспорта колхозникам, освобождение заключенных, массовое жилищное строительство «хрущевки»). Период ОТТЕПЕЛИ! Долго считалось, то человек никто, теперь каждый человек ценен сам по себе (ЛИЧНОСТЬ).

Приподнялся «железный зановес»  *57г. – всемирный фестиваль молодежи *1-я выставка импрессионистов * выставки зарубежных художников *1-е джазовые вечера *гастролёры Бриттен, Кодай, Стравинский.  живая жизнь  жажда обновления. Новое поколение – «шестидесятники»: слава и гордость советского народа (Евтушенко, Ахмадулина, Окуджава и др.), НО!!! старые силы пытались остановить этот процесс: новая волна против интеллигенции, компания «против Запада» (стиляги). Темы – прежние, но в новом проявлении (революция, Ленин).

МУЗЫКА!!! Вернулись в изучение и «на сцену» ранее запрещенные авторы, отдельные произведения. Композиторы: умерли Прокофьев и Мясковский; старое поколение – Шостакович, Хачатурян, Кабалевский; среднее – Свиридов, Хренников; младшее (шестидесятники) – Щедрин, Шнидке, Слонимский, Тищенко, Петров, Гаврилин, Губайдулина, Э.Денисов.

Соседствуют разные муз.стили. НОВОЕ – «новая фольклорная волна»: *используют западную трактовку фольклора (просто муз.язык без особых «привязок») – новее средства муз.выразительности (из древности – заклинания, плачи, причитания) – Стравинский. Соединение архаичного с очень современным – НЕОФОЛЬКЛОРИЗМ. Решили не использовать старое и уже записанное в XIX веке (Римский-Корсаков, Бородин), а поехать в «глубинку», на русский север – там не тронут фольклор и сохранен исконно. Вернувшись, они не цитировали эти песни, а использовали их материал в своих произведениях: Щедрин опера «Не только любовь», Слонимский оратория «Песни вольницы», Гаврилин вокальный цикл «Русскач тетрадь».

Тематика идеологическая, но по-новому трактованная. Тексты!!! стали открыто выражать свои мысли при помощи текста (раньше – только при помощи звуков): *тексты больших поэтов (Блок, Есенин, Маяковский, Евтушенко) *жанры, связанные со словом на 1-м месте (часто содержание философское, глубокое).

Новые жанры: симфония-оратория, поэтория, вокально-симфоническая повесть. Моден жанр инстр.коцерта. Развивается жанр симфонии – теперь это в основном что-то необычное, в любой форме, свободный жанр в древней трактовке (просто симфоническая музыка).

Муз.театр: оперы «Не только любовь» Щедрина, «Веренея» Слонимского. Балет (расцвет в связи с новой хореографией – Юрий Григорович) обновляется, революция: Хачатурян «Спартак», Меликов «Легенда о любви», Щедрин «Конек-горбунок», «Кармен-сюита», Петров «Сотворение мира».

5 вопрос. Массовая песня        в широком смысле сольная или хор. песня, созданная профессиональным композитором (или любителем) и рассчитанная на массовое распространение в общественной жизни или домашнем быту. М. п. имеет куплетное (строфич.) строение (часто с рефреном-припевом). допускают исполнение без инструментального сопровождения. Простота формы, поэтич. и муз. языка обусловливают ее максимальную доступность для всеобщего исполнения и восприятия.      С сер. 20-х и до конца 50-х гг. 20 в. понятием "М. п." охватывалось все песенное творчество сов. композиторов.

Часто М. п. отличаются героич. характером и выдержаны в ритме марша. Поэтич. тексты обычно включают агитационные обращения - призывы, М. п., как правило, связаны с социальной и нац.-освободительной борьбой народа,

Первыми образцами М. п. были боевые гимны Великой франц. революции ("Марсельеза" и др). напр., "Интернационал", "Варшавянка", "Красное знамя", "Бандьера росса", "Смело, товарищи, в ногу" и др.).

20-30 гг. М. п. стала одной из ведущих жанровых разновидностей песенного творчества: красноармейские и партизанские песни периода Гражданской войны ("Песня коммуны", "По долинам и по взгорьям", "Марш Будённого", "Красная Армия всех сильней" и др.), а также комсомольских песен 20-х гг. ("Молодая гвардия", "Наш паровоз" и др.).

Ряд М. п. создали участники организованного в сер. 20-х гг. творч. объединения молодых композиторов "Проколл". "Проколловцы" Однако их песни из-за узости содержания и относительной сложности муз. формы и языка оказались доступными только хор. самодеятельности и не смогли войти в быт нар. Масс

Новая советская песня по формуле «искусство должно принадлежать народу». Ленин. Источником были народные, в частности старые революционные песни. Новые песни воспевали победу революции и начало строительства советского государства. Работа над массовой песней сыграла большую роль в творческой биографии многих советских композиторов.

С победой Октября рабочая революционная песня покидает «подполье». Звучат полным голосом не только в городах но и в деревне. Наряду с боевой революционной песней частушка имела большое значение. В 1918 в частуш. поётся о полит росте широких нар масс, о патриотизме. ярко отражены истор факты, моменты борьбы с врагом, упоминаются имена полководцев. Народн творч-во хар-ся боевым наступательн хар-ром, агитационной направленностью.

Много произвед о Чапаеве, Щорсе, Котовском, Лазо. Также народн песня воспевала героев, павших за социал Родину.

Первые опыты создания советских массовых песен не только ответили на жизненные запросы времени, но и надолго остались жить в быту советск народа и Армии.

1919г.- сборник «Венок песен» ред. Брюсовой, 1923г. Композиторский сборник «Песни революции»(обработки песен Воршавянка, смело товарищи в ногу. Песни Кюи, Глинки) В конце 20-х нач 30 издаётся спец серия «Репертуар клубного хорового кружка» М. Ипполитов-Иванов, Красев.

6. 30-е годы Дунаевский. 30-е годы: Захаров, Дунаевский, Александров, Новиков, Милютин, Блантер. Развивается творчество ряда композиторов-песенников. Песни о Родине, Комунистич партии и руководителях, о колхозах, сов армии,молодёжи. Песни: героические, лирические, шуточные. Добавляется лирика. Ярче выступают национальные черты массовой песни. Успехи песни связаны с успехами в поэзии Лебедева-Кумача, Исаковского, Суркова. Ярко проявляются черты индивидуальности композиторов: Захаров- крестьянская песня, Александров и Новиков- песни гражданск войны и старин солдатск песня, Дунаевский- городск песня, романс, старая студенческ песня. Во второй пол 30-х широко развернулось творчество Дунаевского. Звуковое кино, для кот писал Д. способствовало распостранению его песен по всей стране. Кинофильмы Цирк, Волга-Волга, Искатели счастья, Дети капитана Гранта, Вратарь, Светлый путь. Работа в звуковом кино очень отразилась на его стиле песен. Д. значительно расширил композицию песен, придал им большую мелодич ширину. Широкую известность получила «Песня о родине» на слова Лебедева-Кумача. Основная мысль- любовь к родине и о счастье народа. Песня начинается с припева. Отчётливо в ней проявились рус нац черты. Связь мелодии с народно-крестьянской песней и более всего с бытовой гороской и студ песней. Песни Д близки к песням говорящим о широких просторах Родины. «Широка страна моя родная». Полнее всего дарование проявилось в песнях о радости и счастливой жизне народа, молодёжи. Образ молодого советского человека – центральный в песен творчестве. Д пользуется кругом излюбленных жанров: Ритмованый марш «Физкультурный марш», «Спортивный марш» из фильма Вратарь. «марш Энтузиастов». Среди весёлых, шуточных песен «Песня о ветре», «Молодёжная». Тоже написано в жанре песня-марш, но придана танцевальн лёгкость. В те же годы Д работаает над лирич песнями конофильм «Весёлые ребята»- обращение к рус песенным традициям (народн песня, бытовой рус романс).

Эстрадно-массовая песня также представлена в творч Хренникова, Блантера, Милютина. Широкое развитие в масс песне получила в те годы тема защиты Родины. Обращение к темам песен гражданской войны: Партизанская-дальневосточная в обработке Алексеева, Песня о Каховке Дунаевского, Песня о Чапаеве Новикова. Очень много создаётся песен лирическ, посвящ прощанию: Блантер Катюша, В путь дорогу дальнюю. Контраст к оборонной песне - песни «лирико-героические»: «Тачанка» Листов. «Чапаевская» Леви. Все эти песни просты, массовы как по восприятию так и по исполнению. В песне 30-х видим расширение круга образов. В военную песню проник черты лиризма. Защита мирного труда, светлого будущего-идея всего творчества, посвящение обороне Родины.

7. Массовая песня ВОВ В годы Вов массовая песня стала мощным идейным оружием. Была неотъемлемой частью быта на фронте и в тылу, звала в бой за Родину и получала живой отклик в сердцах сов. людей. В начале Вов преобладали героико-драматич. Песни о доблести и мужестве сов. воинов.(«Заветный камень» Мокроусов Жаров) Характерная черта лучших песен Отечественной войны – сдержанность чувств(лишены надлома). Песни военных лет отличались большой душевной силой, отразившей стойкость характера народа. Характерной чертой лучших песен Отечественной войны является сдержанность чувств: они лишены надлома и аффектации, отличаютсж большой душевной силой. Такова партизанская песня В. Захарова “Ой, туманы мои, растуманы”. Острая потребность бойцов в лирической, задушевной песне нашла свое отражение в песнях В.Соловьева - Седова: “Вечер на рейде”, “Соловьи”, “На солнечной поляночке” и др. Особенно близки композитору были стихи А Фатьянова.

Писали массовые песни в годы Вов: В.Соловьев-Седой лирические, шуточно-лирические(«Вечер на рейде», «Соловьи»), А. Александров героико-патриотические («Священная война»), А. Новиков песни сатирические, шуточные песни( «Вася- Василек», «Самовары- самопалы»), М.Блантер лирические песни(«В лесу прифронтовом», «Моя любимая»)

Песни Вов были созданы в годы, когда решалась судьба не только нашего народа но и всего мирв. Они передают весь патриотизм и отвагу Сов. народа в борьбе с врагом.

8. песня 50-60 годы. Оптимизм, надежда на лучшую жизнь – характерная черта массового сознания послевоенных лет. Интеллигенции казалось, что теперь наступит время, когда можно будет свободно творить. Фактически эти годы для советской культуры оказались самыми тяжелыми. Сталин пристально следил за новинками литературы. На “обработке” художественной интеллигенции сосредоточился Жданов. Не “чуждался” искусства и Берия. На местах руководящие идеологические работники стремились четко улавливать мнения “верхов”, проводить в жизнь их указаниж. Официальные установки требовали от искусства прежде всего воспевать “пафос восстановления”, подчеркивать исключительно позитивные явления общественного развития. Широким народным массам предназначалась не подлинно народная, а псевдонародная музыка в исполнении хоров и солистов, воспевавших Сталина, счастливую колхозную жизнь и т.п. Любимая миллионами людей исполнительница народных песен Л. Русланова была репрессирована. К темам предыдущих лет в песенном искусстве добавились и другие: прославление подвига народа, сокрушившего фашизм, борьба за мир, возращение к труду. Яркие песни писали композиторы В.И. Соловьев-Седой, М.И.Блантер, А.Г. Новиков, С.С. Туликов, И.О. Дунаевский. Песни “Подмосковные вечера”, “Если бы парни всей земли”, “Лучше нету того цвету”, “В городском саду”. Много песен было написано о Родине, о Москве, о Ленине. Эти песни помогали укреплять веру людей в то, что худшее время позади. Оттепель: Советская песня в этот период обрела новое дыхание. Героем песенного творчества становится “человек беспокойного сердца”, романтик, целинник, рабочий, таежник. Появилась новая плеяда композиторов: А. Бабаев, В. Баснер, А. Пахмутова, Я. Френкель, А. Холминов и др. Развивая традиции заложенные ветеранами советской массовой песни, они обогащали ее различными музыкальными интонациями. Обращаясь к современной тематике, они создали яркие произведения, разнообразные по содержанию и художественной выразительности. Большой успех выпал на долю А.Н. Пахмутовой. Без преувеличения можно сказать, что она является олицетворением этого периода в песенном искусстве. Ее песни отражали все лучшее, что было достигнуто. Многие ее произведения посвящены советской молодежи, ее жизни, трудовым подвигам, героическим делам. А. Пахмутова создала и возглавила направление молодежной песни, обогатила традиции этого жанра. В песнях Пахмутовой поется о любви, дружбе, верности, о разлуках и встречах, душевных страданиях, вызванных разлукой. Композитор Пахмутова живет одной жизнью со своей страной, откликается на все значительные события. Вокальный цикл “Созвездие Гагарина” (стихи Н. Добронравова) прекрасно воссоздает образ нашего замечательного современника.

9 вопрос . «Авторская»(бардовская)песня - поэтическое направление, возникшее в конце 1950-х гг. Барды – это поэты, которые сами пишут и исполняют свои песни (обычно в сопровождении гитары). Бардовская песня возникла, опираясь на фольклорные традиции, походные и студенческие песни. Пик её популярности пришёлся на 1970—80-е гг. Проповедовала патриотизм, любовь к природе, святость дружеских уз и презрение к мещанскому уюту. Лирический герой авторской песни – человек, лёгкий на подъём, любитель путешествий, романтик по натуре, важнее всего чистые и светлые человеческие отношения, лучшая поддержка в жизни – бескорыстно и самоотверженно протянутая по первому зову рука друга. Авторские песни могут быть различных жанров: гимны, элегии, шуточные зарисовки и др. Условно делятся на два типа: 1.требуют непосредственно авторского исполнения и в отрыве от него утрачивают свой шарм, 2. широко исполняются в любой компании, при этом их тексты с течением времени приобретают те или иные варианты. К числу поэтов-бардов относятся Б. Ш. Окуджава, В. С. Высоцкий, А. А. Галич.

Влади́мир Семёнович Высо́цкий— выдающийся советский поэт, бард, актёр. Один из основателей авторской песни. Тематика песен и манера исполнения Высоцкого заметно отличалась от большинства других, бардов, сам Владимир Семёнович достаточно негативно относился к так называемым клубам самодеятельной песни и «бардовскому» движению вообще. Писал:«блатные» песни, баллады, любовная лирика, песни на политические темы: часто сатирические или даже содержащие резкую критику существующего строя и положения дел, юмористические песни и песни-сказки. Многие песни написаны от первого лица - «песни-монологи». В других песнях могло быть по нескольку героев, «роли» которых Высоцкий исполнял, меняя голос Высоцкий пел о повседневной жизни и о ВОв, о жизни рабочих и судьбах народов —> всё это и принесло ему широкую популярность. Песни Высоцкого отличаются повышенным вниманием, в первую очередь, к тексту и содержанию, а не к форме (с противопоставлением себя эстраде и с критикой (возможно, самой первой) попсы, хотя и без использования термина).

Галич Александр Аркадьевич (настоящая фамилия Гинзбург) русский советский поэт, сценарист, драматург, автор и исполнитель собственных песен. Галич — литературный псевдоним, составленный из букв собственных фамилии, имени и отчества..с 50х годов пишет и исполняет песни, подражая манере петь романсы А.Н. Вертинского, Галич стает одним из самых известных представителей авторской песни, достойно занимая место рядом с В.Высоцким и Б. Окуджавой. В жанре бардовского пения Галич и сформировал свое направление в искусстве. Творчество Галича переросло в конфликт с Советской властью, его песни с политической окраской звучали все жестче и острее и, в 1960-е годы ему было запрещено давать публичные концерты, его перестали печатать и выпускать пластинки с его записями.(не мог НЕ петь -> давал «домашние концерты», песни записывались на магнитофон и распространялись в большой скоростью, власти не успевали уничтожать записи с крамольными песнями.) Все произведения Галича были запрещены. Песни Г. ошеломляли неслыханной тогда мерой правды, дерзостной иронией, кричащей болью, вторжением в сферы, наглухо закрытые для подцензурной поэзии. В песнях - пронзительная, гневная печаль.

Булат Шалвович Окуджава

В авторской песне на первое место Булат Окуджава ставит текст. Мелодия приобретает функцию музыкального аккомпанемента, усиливающего лиричность звучания стиха. «Для меня авторская песня — это прежде всего стихи. Поющий поэт», — так сам Булат Окуджава определяет специфику жанра. Булат Окуджава редко пишет песни «от первого лица», но поет их всегда «от себя» По мнению Булата Окуджавы, искусство исполнения произведений этого жанра заключается в умении выразить авторский замысел или хотя бы приблизить к нему, а не в мастерстве интерпретации. Лирический герой Окуджавы тоже стремится будоражить человеческие умы. Его главное желание – сделать души людей более чуткими и отзывчивыми. Вообще любовная тема занимает у Булата Окуджавы совершенно особое место. Любовь воплощается в разнообразных ситуациях, имевших место в самых разных эпохах.

10. Прокофьев Сергей Сергеевич (1891 – 1953) - советский композитор, пианист и дирижёр, новатор, один из создателей современного музыкального языка. Русский национальный гений: сказка, эпос, история – русское во всех проявлениях.

Многообразное содержание: нет любимых тем - русская история, советская жизнь, языческие и библейские образы, средневековье, русские и западные сказки.

Многообразные жанры: *7 опер *7 балетов *7 симфоний *9 инстр.концертов (ф-но, скрипка) *9 ф-х сонат *оратории, кантаты * песни *музыка к театру и кино. Вошёл в музыку в предреволюционное десятилетие (серебр-й век). Новое направление, захватившее его до конца жизни – футуризм (постоянное открытие чего-то нового). На фоне других его музыка несколько «диковата» (девиз «Идти новыми путями»).

Особенность мироощущения: умение поражаться, постоянно видеть что-то новое – как ребенок!  черты творчества: *оптимизм (один из самых светлых композиторов ХХ века) *склонность к светлому юмору *своеобразная лирика (хрупкая, прозрачная, застенчивая) *частое обращение к образам детства и юности.

XX век – большая революция в музыке Черты стиля: * очень тонко балансирует на грани традиционного и ультрасовременного *пластический дар – передача в музыке движений, видимых образов *велики мелодист (таких мало, ведь в XX веке преобладает вертикаль) – его мелодии необычные, трудно воспринимаемые, инструментального типа (широкий диапазон, неудобные ходы), НО удивительно поющие, пластичные. *гармония строится на сочетании новшеств и традиции *формы четкие, ясные, устойчивые.

Периоды творчества: *ранний (до 1918г.) учится в консерватории, жадно впитывает новые веяния музыки и скоро находит собственный путь музыканта-новатора. Уже в ранний период выявляются характернейшие черты творческого облика Прокофьева - активное отношение к жизни, оптимизм, энергия и воля (2 концерта для фортепиано с оркестром, циклы ("Сарказмы", "Мимолётности"), опера "Игрок", балет "Сказка про шута, семерых шутов перешутившего" и др.) *заграничный период (до 1932г.) отмечен активным интересом к театральным жанрам. Он создаёт оперы: комическую "Любовь к трём апельсинам" по Гоцци, и экспрессивную драму "Огненный ангел" по Брюсову. Новые балеты для труппы Дягилева: "Стальной скок" (1925) и "Блудный сын" (1928). Инструментальная музыка: 5-я соната для фортепиано, 3-я и 4-я симфонии,3-5й концерты для фортепиано с оркестром. *советский период – расцвет. Творчество богащается новыми значительными темами и идеями высокого гуманистического звучания. Выдающиеся достижения: балет "Ромео и Джульетта", опера "Семен Котко", музыка к кинофильму "Александр Невский", произведения для детей: ф-й сборник «Детская музыка», симфоническая сказка "Петя и волк". *военные годы. Важнейшей работой стала опера "Война и мир" и другие произведения с военной тематикой (5,6 симфонии, 7 соната, опера "Повесть о настоящем человеке"). *послевоенный период – появляются черты особой ясности, классической стройности, мудрой простоты. Всё большее место начинают занимать в нём светлые лирические или фантастические образы, привлекает композитора мир детства, юности (оратория "На страже мира", балет "Сказ о каменном цветке".

11. Муз театр Прокофьева. Опера. Муз.театр – любимый жанр композитора. Обновил жанр. Когда он вошёл в музыку (начало XX века), опера была в кризисе  решил приблизить оперу к драм.театру. Принципы: *все оперы написаны по литературным произведениям *все оперы – в декламационно-вокальном стиле *САМ писал либретто, старался, чтобы текст передавал особенности лит.произведения. Всё либретто – ПРОЗА *композиция сквозная, нет вставных номеров.

Использовал в опере киноприемы – кадрово-монтажный принцип построения. Особое муз.очарование – умел показать не только внешность, но и внутренний мир. Классическое в операх Прокофьева: *показ характеров *показ фона и среды *леймотивы *опора на бытовые жанры  доступность. Большое внимание уделял постановке опер  особые указания в партитуре. Всего 7 опер, в основном с нелегкой судьбой.

1)«Игрок» (1915г.) по роману Достоевского. Присутствуют все принципы Прокофьева: *призаический текст *нет вставных номеров *сатирическая комедия и драма *нет арий и ансамблей *муз.декламация *свободная композиция НЕ ПОСТАВИЛИ

2)«Любовь к 3 апельсинам» (1918г.) написана в Чикаго по пьесе американского драматурга XVIII века Карло Гоцци. Либретто Мейерхольд (не специально, просто было написано раньше, Прокофьев воспользовался). Жанр – народная комедия масок (сюжетная линия + сцены-интермеццо с масками  комедийность). СУДЬБА оперы СЧАСТЛИВАЯ. Вся опера – речитатив (напевный, говорок, гротеск). Большое значение – инструментальные номера (марш бодрости – всемирно известная тема). Есть пародии (например, сцена похищения апельсинов, сцена в аду с игрой в карты). !!!Пролог!!! – взгляд на развитие оперы, комедийный диспут: трагики, лирики, комики и пустоголовые  высмеивание обывательских вкусов + потом они остаются на сцене и по ходу комментируют и высказываются.

3)«Огненный ангел» (1927г.) Мрачная опера по историческому роману В.Брюсова (о средневековье, стилизован под хронику тех времен, написан от имени рыцаря Рубрехта). Написана за границей. СЛОЖНАЯ СУДЬБА (театры отказались ставить). Очень напряженная *всё как на кульминации *сложные оркестровые и вокальные партии *сложные гармонии и интонации. !слишком сложно!  композитор понял, что она не будет поставлена  создал из любимой музыки оперы симфонию №3

4)«Семен Котко» (1940г.) Повесть Катаева (сов.писатель) «Я сын трудового народа»  опера для новой власти, сюжет идеологический. Виртуозно использовал речитатив – у каждого героя своя характерная черта речитатива (очень сложно!). Вызвала СПОРЫ И ОСУЖДЕНИЯ – снята со сцены.

5)«Обручение в монастыре» (1940г.) («Дуэнья») Английский драматург Р.Шеридан. Современный вариант оперы-buffo. Есть отдельные законченные номера – отличие от других опер. Сценическая жизнь – ТОЛЬКО С 60-х.

6)«Война и мир» (1941-1952 г.г.) роман Толстого  смело (т.к. к нему особое отношение). Есть несколько вариантов, редакций. В содержании выбраны самые яркие моменты. ПОСТАВИЛИ ПРИ ЖИЗНИ КОМПОЗИТОРА + ДО СИХ ПОР. Как и в романе, в опере 2 пласта  соединение 2 жанров: лирико-психологич. и героико-эпич. Всего 13 картин. 1 часть – лирическая (с соотв-ми средствами муз.выр-ти): *лейтмотивы Наташи, любви, весеннего обновления *бытовые жанры *танцы!!! особенно вальс (он же потом прозвучит в сцене битвы, сцене смерти Балконского). 2 часть – эпическая, скорее напоминает ораторию: *много хоровых сцен *более строго *глава линии – Кутузов.

7)«Повесть о настоящем человеке» (1948г.) повесть Полевого. Необычно: *сюжет современный *1 человек в центре, остальные – мало *очень несценично, неподвижно. В основе музыки – старинные русские песни  опера в национальном характере. НЕ БЫЛА ПРИНЯТА, поставлена через много лет после смерти композитора.

12.Прокофьев «Война и мир». Муз.театр – любимый жанр композитора. Принципы композитора в жанре: *все оперы написаны по литературным произведениям *все оперы – в декламационно-вокальном стиле *САМ писал либретто, старался, чтобы текст передавал особенности лит.произведения. Всё либретто – ПРОЗА *композиция сквозная, нет вставных номеров.

«Война и мир» (1941-1952 г.г.) роман Толстого  смело (т.к. к нему особое отношение). Либретто С. С. Прокофьева и М. А. Мендельсон-Прокофьевой. Есть несколько вариантов, редакций. В содержании выбраны самые яркие моменты. ПОСТАВИЛИ ПРИ ЖИЗНИ КОМПОЗИТОРА + ДО СИХ ПОР.

Своеобразно построение оперы: ее первые семь картин посвящены личным взаимоотношениям основных героев, последние шесть раскрывают преимущественно тему народной борьбы. Стремительное развитие действия, быстрая, динамичная смена контрастных эпизодов подчеркивают драматизм музыки.

Как и в романе, в опере 2 пласта  соединение 2 жанров: лирико-психологич. и героико-эпич. 1 часть – лирическая (с соотв-ми средствами муз.выр-ти): *лейтмотивы Наташи, любви, весеннего обновления *бытовые жанры *танцы!!! особенно вальс (он же потом прозвучит в сцене битвы, сцене смерти Балконского). 2 часть – эпическая, скорее напоминает ораторию: *много хоровых сцен *более строго *глава линии – Кутузов.

13. Прокофьев.Муз.театр.Балеты. Жанр балета самостоятельным видом сценического искусства становится во второй половине 18-начале 19 века во Франции (реформы балетмейстера Жан Жоржа Новера). В русской музыке настоящий переворот в балетной музыке произвёл Пётр Ильич Чайковский, который внёс в неё непрерывное симфоническое развитие, глубокое образное содержание, драматическую выразительность. Далее – Глазунов, Асафьев, Глиэр. В XX веке балет – приоритетный жанр! Сюжет не сквозной. Появляется новая хореография и ср-ва выразит-ти – Стравинский.

Прокофьев долго не обращался к этому жанру. Влияние – «Весна священная» Стравинского. Повлиял Дягилев (русский театральный и художественный деятель, антрепренёр, организатор множества кружков, центров и т.д.)  заказал Прокофьеву балет  композитор писал для его труппы.

Ранние балеты Прокофьева отражают эволюцию его творчества, устремлённого к образам, полным жизнерадостной энергии, юмора, самобытных нац. черт, но испытавшего влияния модернистского примитивизма и футуризма, конструктивизма и урбанизма. После его возвращения в СССР, когда им были созданы произв. большого идейного и гуманистич. содержания, отличающиеся глубокой драматургией, ярким индивидуальным стилем, остротой образных характеристик, мелодико-интонационным и ритмич. своеобразием, богатством гармонии и инструментовки.

***«Сказка о шуте, семерых шутов перешутившем» (1921г.) Поставлен в Париже. Небольшой – 1 акт. Ироничный, озорной, гротескный. Обратился к рус.нар.темам, НО необычно их трактовал.

***«Стальной скок» (1926г.) Напоминает сюиту. Цель – показать как живет Россия. Форма – ироничная. Основа муз.языка – частушка с современной гармонизацией и оркестровкой. Воссоздал музыку машин: индустриальные ритмы и звуки.

***«Блудный сын» (1929г.) не Евангельский сюжет. Последний балет для Дягилева. Далее новый этап – Советский период (лучший!!!)

***«Ромео и Джульетта» (1936г.) по Шекспиру. !Особое место – большой балет, развернутый, со сложной драматургией, на реалистичный сюжет! – всё новое, чего не было раньше. Балет пронизывает стихия жизненной энергии.

Сюжет популярный: Беллини «Монтекки и Капулетти», Гуно «Р.и Дж.» + симфония с хором Берлиоза, увертюра-фантазия Чайковского.

Сюжет сохранен точно. Построен балет на 2х контрастных образах – любовь и вражда. Любовь: *дана в развитии (разные стадии чувства) *много разных тем, хотя и со сходными интонациями. Вражда: статична. Много массовых сцен (например «Улицы просыпаются» №3). Прокофьев – блестящий портретист  очень яркие выходные номера героев. Музыку не стилизовал под время действия, писал своим языком, НО ввёл 2 номера (менуэт и гавот)+использовал ритм тарантеллы и звучание мандалины (ассоциация с Италией). СУДЬБА НЕПРОСТАЯ *большой театр отказался ставить *танцоров напугала необычностью *поставлена в Чехии *через несколько лет – Мариинский театр.

***«Золушка» (1944г.) – самый традиционный балет Прокофьева. Много завершенных номеров. На 1-м плане- танец (около 50 РАЗНЫХ танцев в балете) – гавот, буре, мазурка, вальс и др. Использовал лейтмотивы (несколько у Золушки).

***«Сказ о каменном цветке» (1950г.) по сказу Божова из сборника «Малахитовая шкатулка». Возвращение к русской теме. Яркое лирическое начало.

14. Прокофьев «Ромео и Джульетта». Прокофьев долго не обращался к этому жанру. Влияние – «Весна священная» Стравинского. Повлиял Дягилев (русский театральный и художественный деятель, антрепренёр, организатор множества кружков, центров и т.д.)  заказал Прокофьеву балет  композитор писал для его труппы. Этот балет написан в Советский период (лучший!!!). Это первый балет после смерти Дягилева (писался не для его труппы).

«Ромео и Джульетта» (1936г.) по Шекспиру. !Особое место – большой балет, развернутый, со сложной драматургией, на реалистичный сюжет! – всё новое, чего не было раньше. Балет пронизывает стихия жизненной энергии.

Сюжет популярный: Беллини «Монтекки и Капулетти», Гуно «Р.и Дж.» + симфония с хором Берлиоза, увертюра-фантазия Чайковского.

Сюжет сохранен точно. Много массовых сцен (например «Улицы просыпаются» №3). Прокофьев – блестящий портретист  очень яркие выходные номера героев. Музыку не стилизовал под время действия, писал своим языком, НО ввёл 2 номера (менуэт и гавот)+использовал ритм тарантеллы и звучание мандалины (ассоциация с Италией). СУДЬБА НЕПРОСТАЯ *большой театр отказался ставить *танцоров напугала необычностью *поставлена в Чехии *через несколько лет – Мариинский театр.

Построен балет на 2х контрастных образах – любовь и вражда. Центральное место занимает в музыке лирическая струя – тема любви, побеждающая смерть. С необычайной щедростью обрисовал композитор мир душевных состояний Ромео и Джульетты (более 10 тем) особенно многогранно охарактеризована Джульетта, превращающаяся из беззаботной девочки в сильную любящую женщину. В соответствии с замыслом Шекспира дан образ Ромео: вначале он охватывает романтические томления, затем проявляет пламенную пылкость влюблённого и отвагу бойца. Музыкальные темы, намечающие зарождение чувства любви, прозрачны, нежны; характеризующие зрелое чувство влюбленных наполнены сочными, гармоничными красками, остро хроматированы.

Резкий контраст к миру любви и юношеских шалостей представляет вторая линия – “линия вражды” – стихия слепой ненависти – причина гибели Ромео и Джульетты. Тема распрей в резком лейтмотиве вражды – грозный унисон басов в “Танце рыцарей” и в сценическом портрете Тибальда – олицетворение злобы, надменности и сословной спеси, в эпизодах боевых схваток в грозном звучании темы герцога. Тонко раскрыт образ Патера Лоренцо – ученого-гуманиста, покровителя влюблённых, надеющегося, что их любовь и брачный союз примирит враждующие семьи. В его музыке нет церковной святости, отрешённости. Она подчёркивает мудрость, величие духа, доброту, любовь к людям.

15. Прокофьев Фортепианное творчество. Большое место в творческом наследии Прокофьева. Своеобразный стиль фортепианных произведений композитора отразил:*характер творческого мышления *черты самобытного пианизма. !Прокофьев – выд-ся пианист-виртуоз (исполнял в осн.свои произведения)

Жанровый спектр фортепианной музыки разнообразен: от небольших миниатюр, циклов миниатюр до масштабных сонат и концертов, приближающихся к симфониям.

Новизна фп-й музыки Прокофьева неотделима от претворенных в ней разнообразных стилей - классицизма, романтизма и конструктивизма. В умении взять элементы из багажа предшествующих эпох, переплавить их и создать новое кроется своеобразие музыки Прокофьева - стиля, в котором соединились черты класс. конструктивизма, пылкость, лиризм романтиков и дикие «варваризмы» нового века.

Прокофьев по праву считается представителем антиромантичнской традиции первой половины XX века наряду со Стравинским, Бартоком, Хиндемитом. Преодоление романтической трактовки фортепиано происходит из-за нескольких факторов: *отказ от чувственной трактовки звучания (сухое, жесткое, стеклянное) *неперегруженность звучания: минимум фактурных пластов, её линеарность. Частое использование крайних регистров. Нет ощущения полноты; *ударная трактовка фортепиано. НО!!! несмотря на преобладание антиромантических традиций, в фортепианном стиле Прокофьева есть черты и романтической фортепианной музыки. Это справедливо особенно в отношении моментов кантиленных тем. Обычно фортепианное творчество Прокофьева делят на три периода:

1) Ранний (1908 - 1918 гг.): 4 сонаты, 2 концерта, этюды, Токката, Сарказмы, Мимолётности;

2) Зарубежный (1918 - 1933 гг.) углубление лирической сферы: 3 – 5 концерты, 5-я соната, «Сказки»

3) Советский (середина 1930-х гг.) Прокофьев сам говорит: «переход к новой простоте»: Написано «Детская музыка», транскрипции, сонаты 6-9.

Игру Прокофьева: мужественность, уверенность, несокрушимая воля, железный ритм, огромная сила звука, особенная «эпичность».НЕТ слишком утонченного или интимного. НО умел донести лирику, грусть, раздумье, теплоту, чувство природы-все то, чем так богаты его произведения!!!Музыка Прокофьева живет. И не одно поколение пианистов воспитывается на ней, завоевывает вершины мастерства.

16 Вопрос

Концерт №1 Des dur для фо-но с орк. относится к числу ранних произведений композитора. Уже ранние пьесы – фортепианные пьесы (1906-1909) поражают яркостью образов, неожиданными гармоническими, мелодическими, ритмическими поворотами. Концерт явился первой значительной работой, написан в 1911. Впервые исполнен автором в сопровождении оркестра в 1912 г. Концерт является самым коротким из пяти полных фортепианных концертов автора и длится всего около четверти часа. Прокофьев выиграл премию Антона Рубинштейна за достижения в области исполнения в 1914. Концерт ошеломил не только слушателей, но и многих профессоров консерватории дерзким, волевым напором, энергией стального ритма, новизной музыкального языка и фортепианной техники. Концерт можно разделить на три части: 1ч.Allegro brioso; 2ч. Andante Assai;3ч. Allegro Scherzando. Концерт начинается смело и ярко с повелительной темы, троекратно повторенной в произведении. Звучание ее чрезвычайно целеустремленно. Динамизм, взрывчатая сила музыки на первых порах далеко не всеми были оценены по достоинству. Враждебные критики презрительно называли концерт «футбольным», «варварским», предлагали надеть на автора «смирительную рубашку». Но чуткие, проницательные слушатели, среди которых был Асафьев, Мясковский, восхищались произведением. Сам же Прокофьев был уверен в правильности избранного пути. Отрицательные отзывы не пугали его. Аккуратно коллекционируя их, композитор со свойственным ему юмором в письмах к друзьям едко высмеивает злопыхательские, по его словам, «выверты». В то же время он внимательно прислушивался к дельной, доброжелательной критике.

17 Вопрос

Сергей Прокофьев начал работу над Концертом № 3 До-мажор для фортепиано с оркестром 3 частях в 1913 году, закончен в 1921 году во Франции. Но боль­шинство его тем сочинено еще в России. Это произведение завершает первый – дозаграничный период творчества. Юношеская свежесть в нем сочетается со зрелым мастерством. Концерт захватывает тем ощущением стремительного потока жизни, буйного весеннего ливня. Впервые в своем творчестве Прокофьев создал инструмен­тальное произведение, так органически сплавляющее мощный динамизм (присущий и многим более ранним' его сочинеиям)— с русскими национальными чертами. В Третьем концерте некоторые образы, традиционные для русской музыки, не раз служившие основой симфонии и концертов (например, распевность темы вступления из 1 части или же богатырски е ритмы финала), как бы подчинены новому, более стремительному жизнен­ному темпу, вовлечены в небывалую стихию движения. Концерт отличается редкой стройностью формы и поистине классической уравновешенностью различных его элементов: динамики и ли­рики, виртуозных токкатных и мелодических певучих эпизодов, в которых предвосхищаются темы позднего Прокофьева. Равноценны здесь и обе партии - фортепианная и opкecтровая в отличие от Первого концерта, где сольная "партия, по признанию самого автора, «не так интересна», и от Второго, где наоборот, фортепиано решительно преобладает над оркестром.

*

1 часть концерта основана на очень своеобразном контрасте: задумчивый русский мотив вступления (кларнет соло, затем флейта, струнные)-сменяется пассажами подчеркнуто моторно - «экзерсисного» характера (альты, скрипки); в традиционную неторопливую распевность вторгается энергичное «деловое» на­чало. В дальнейшем это движение приобретает все большую содержательность, образность — неисчерпаема фантазия Прокофьева превращающего сухие пассажи в поэзию всеохватного движения. Так, в главной партии (она начинается со вступления фортепиано) бег шестнадцатых мелодически индивидуализируется: начальная попевка — квинта с секундой внутри — представляет собой обращение мотива вступления.

В связующей партии эта же попевка варьируется в оркест­ре в духе плясовых наигрышей, напоминающих некоторые эпизоды из «Весны священной» Стравинского.

Важнейшим фактором, определяющим логику движения в является ритм, в котором властная просто­рность сочетаются с причудливым разнообразием акцентов. В 1 части происходит неуклонное нагнетание активных ритмов. Интересно, что такие крепкие наступательные линии аккор­дов есть и во II части и в финале (тема у фортепиано). Это своего рода лейтдвижение концерта.Побочная партия – новая ступень концентрации энергии. Чеканный шаг аккордов – у ф-но, в оркестре вступает тема в духе острых Причудливых маршей, часто встречающихся у Прокофьева как характеристика дерзкой молодости.

Типичная особенность оркестровки — сочетание деревянных духовых, струнных pizzicato, с кастаньетами — предвосхищает стучащую стеклянную звучность последующего фортепианного изложения той же темы. Piu mosso - формально начало разра­ботки. Но тематической «разработки» в собственном смысле сло­ва здесь нет. Следует еще один динамический эпизод: у солиста «этюд» триолями, в оркестре остинатные фигуры, нагнетающие напряжение. И наконец весь этот стремительный поток музыки приводит к лирической кульминации — широкому насыщенному звучанию темы вступления у всего оркестра, а затем и у форте­пиано.

II часть (ми минор)написана в форме вариаций. Тема изящная, в духе гавота. Утонченные хроматические изгибы в мелодии сочетаются с прозрачной диатонической гармонизацией. Казалось бы, ничто, здесь не напоминает динамизме I части. Однако в процессе варьирования гавот перевоплощается в дикую «скифскую» пляску (вторая вариация) а затем в сокрушительную токкату- марш (пятая вариация). В обнаружении внутренних связей резко различных, на первый взгляд, явлений (неоклассические и «скифские» образы) Проявляется чисто современная острота и напряженность музыки Прокофьева. Если во второй и в пятой вариациях тема сильно динамизируется, то в первой она стано­вится, наоборот, более лиричной, мягкой, а в четвертой как бы «впадает в оцепенение», застывает в зыбких фантастических гармониях.

В перевоплощениях темы Прокофьев виртуозно использует самые разнообразные средства варьирования, выработанные в классической и современной музыке. Здесь и орнаментальное варьирование и характерные интонационные и ритмические преобразования мотивов с богатейшим использова­нием различных средств гармонии и оркестра.

В конце II части, на высшей точке подъема звучности, в ор­кестре начинается звонкое стаккатное аккордовое движение. Постепенно затухая, оно передается в партию солиста уже pianissimo, темп замедляется, и тогда вновь флейты и кларнеты вступают с темой гавота, которая звучит теперь под аккомпанемент тихих стеклянных, «капающих» аккордов фортепиано.

Финал. Главная тема его основана на попевке, близкой началу вступления к I части. Русская интонация, размашистый ритм, тяжеловатые унисоны - типичные признаки эпичен» «богатырский» темы, знакомой со времен симфоний Бородина и Глазунова.

Но сразу же с развитием музыки эта тема вовлекается в характерную прокофьевскую токкатно-динамическую стихию. Обостряются наиболее настойчивые ритмы, тема сплетается с другими стремительными напористыми темами. В целом характер финала перекликается с I частью, но он все же более торжественен, монументален. В центре финала так же, как в 1 части, возникает яркая лирическая кульминация, рождается новая плавная певучая мелодия, звучащая в богато хроматизированном ладу ре бемоль мажор — ре-бемоль минор. Последние страницы финала отличаются особым блеском, остроумием, виртуозностью. Концерт заканчивается ослепительно светлой, многократно повторяющейся каденцией (как в класси­ческих симфониях), утверждающей основную тональность до мажор.