Древнерусская живопись(мозаика, фреска, икона) сделать

Билет№10

ИСКУССТВО ДРЕВНЕГО ЕГИПТА

История Древнего Египта охватывает не­сколько тысячелетий — с конца V тысячелетия до н. э. до IV в. н. э.

За столь значительное время в Древнем Египте было создано огромное количество ве­ликолепных построек, скульптур, произведе­ний живописи, декоративно-прикладного ис­кусства. Многие из них остаются непревзой­денными образцами высочайшего мастерства и творческого вдохновения.

Древние египтяне полагали, что человека после смерти ждет загробная жизнь. Для того чтобы она была благополучной, следовало неукоснительно соблюдать ряд условий. Преж­де всего нужно подумать о «ка»— двойнике человека. Когда человек умирал, «ка» оставал­ся, но при одном условии: для него должно найтись вместилище, например портретная статуя из твердого камня или дерева, обяза­тельно передающая точный облик покойно­го,— иначе «ка» в нее не вселится.

Для «ка» необходимо жилище — гробница. Она неприкосновенна: каждого, кто причинит ей вред, ждет проклятие умершего и кара богов. Чтобы умерший ни в чем не нуждался в Загробной жизни, стены гробницы покрыва­лись многочисленными рельефами и роспися­ми. Их задача — заменить для «ка» то, что окружало человека на земле. Подобные верования обусловили возникно­вение — впервые в истории человечества — портретного жанра, создание множества подлинно реалистических произведений уже в период Древнего царства. Религиозные представления египтян почти не менялись тысячелетиями. Зависимое от религии искусство подчинялось особым кано­нам. Так, согласно «Предписаниям для стен­ной живописи и канону пропорций», человек изображался по такой схеме: голова в про­филь, глаза, плечи и руки в фас, ноги в про­филь. Для скульптур поза и раскраска тоже были раз и навсегда узаконены.

Со временем право быть столицей отвоевал у Мемфиса город Фивы, расположенный в Верхнем Египте. Здесь, пал восточным бере­гом Нила, поднялись два грандиозных храма бога солнца Амона-Ра – Карнакский и Луксорский.. Древнеегипетские скульптора прекрасно учитывали особенности геогра­фической среды. Множество пилонов (башен, оформляющих вход в храм), колонн, высоких стен, обелисков... Отблески неба, песка, известняка, песчаника, смешиваясь, дают всевозможные оттенки – целая симфония бликов и рефлексов! Благодаря им даже многотонные каменные блоки кажутся легки воздушными. Рельеф покоряют красотой очертаний и тончайшей моделировкой, хотя изображение нередко выступает всего на 1—1,5 мм над плоскостью стены. Интересно, что рельефы создавая в расчете не только на солнечное, но и на любое другое концентрическое освещение, например факела: пламя колебалось – фигуры словно оживали. Противоположный от Луксора берег - низкая равнина, над которой возвышаюся две статуи фараона Аменхотепа III. Когдато эти исполинские фигуры, названные греками Мемноновыми колоссами, находил перед пилонами огромного храма.

Недалеко от храма царицы Хатшепсут расположена Долина Царей, где среди прочих усыпальниц находится знаменитая гробница Тутанхамона.

Прежние храмы были закрыты, Фивы поки­нуты ради новой столицы, получившей на­звание Ахетатон - «Небосклон Атона» (те­перь на ее месте находится небольшой посе­лок Эль-Амарна - отсюда название исто­рического периода). Для строящихся храмов и дворцов требовались огромное количество статуй, рельефов, росписей. Поэтому в Ахетатоне появилось множество мастерских скульпторов и живописцев. В творчестве художников усилился инте­рес к пейзажу, животным, растениям, воспроиз­ведению бытовых сиен, созданию реалистиче­ского образа человека. Появилось новое в изображениях фараона и членов его семьи: явственно выраженное портретное сходство с оригиналом, отказ от его приукрашивания. В предшествующие времена это считалось недопустимым. Самые знаменитые произведения того вре­мени связаны с именем начальника скульпто­ров Тутмесом. Ему приписываются знамени­тые портреты Нефертити, жены Эхнатона. Скульптурный портрет Нефертити сделан из кристаллического песчаника, великолепно передающего цвет смуглого, загорелого тела. Искусство Древнего Египта не мыслилось без ярких и чистых красок: празднично рас­цвечивались архитектурные сооружения, рас­крашивались скульптуры и рельефы, звони» расписывались стены. Краски были минераль­ные

Художественное объединение «Бубновый Валет»

В декабре 1910 года в Москве открылась выставка «Бубновый валет», в которой приняли участие тридцать восемь художников — апологетов «нового искусства» из России, Германии и Франции. Экспонировалось 250 картин, рисунков и скульптур, за месяц работы выставку посетили около двух с половиной тысяч человек. Объединение живописцев-авангардистов, просуществовавшее до 1917-го, - звезда первой величины в созвездии имен, событий и художественных течений начала прошлого века. "Бубновый валет" вырос из заимствованного постимпрессионизма, из сезаннизма, из Ван Гога, Матисса и Гогена, но усвоил он их настолько органично и талантливо, что из эпигонского превратился в оригинальное художественное явление. В состав "Валета" входили, или хотя бы иногда принимали участие в его выставках, крупнейшие художники, чьи имена составляют ныне пантеон русского авангарда, причем эти художники принадлежат, как ни странно, разным течениям - по-разному сложились их пути до и после "Валета". Объединение московских художников (1910-1917), обращавшихся к живописным пластическим приемам в духе творчества П. Сезанна, кубизма, а также к приемам русского лубка и игрушки

Состав:

Пётр Петрович Кончаловский (1876-1956) российский художник, один из основателей "Бубнового валета".

Александр Васильевич Куприн (1880-1960) российский живописец, член "Бубнового валета".

Михаил Фёдорович Ларионов (1881-1964) российский живописец, график, театральный художник, один из основателей лучизма, член объединения "Бубновый валет"; с 1915 года жил в Париже.

Аристарх Васильевич Лентулов (1882-1943) российский художник, один из основателей "Бубнового валета".

Илья Иванович Машков (1881-1944) российский художник, один из основателей "Бубнового валета".

Владимир Евграфович Татлин (1885-1953) российский живописец, график, театральный художник, художник-конструктор, член объединений "Мир искусства", "Бубновый валет", "Союз молодежи".

Роберт Рафаилович Фальк (1886-1958)

художник.

БУБНОВЫЙ ВАЛЕТ, группа русских живописцев-авангардистов, оформившаяся в 1910–1912 на базе одноименной московской выставки 1910; на следующий год преобразовалась в общество с собственным уставом. Первоначальный его состав был достаточно пестр, объединяющим началом служили общая воля к «новому искусству» и неприязнь к консервативным традициям академизма и передвижничества (впрочем, модерн и символизм тоже вызывали у «валетов» реакцию отторжения). Программа группы уточнилась во время ее раннего раскола, когда радикально настроенные художники во главе с М.Ф.Ларионовым (которому «Бубновый валет» обязан своим эпатажным названием) отделились, устроив самостоятельную выставку «Ослиный хвост» (1912). Более умеренные авангардисты составили прочное ядро объединения.

Главным руслом поисков «умеренных» стал «русский сезаннизм» (с Полем Сезанном как верховным вдохновителем) и ранний, «аналитический» кубизм, сохраняющий предметную натурность изображения. Наиболее характерные из «бубнововалетцев» (П.П.Кончаловский, А.В.Куприн, А.В.Лентулов, И.И.Машков, А.А.Осмеркин, В.В.Рождественский, Р.Р.Фальк) стремились выявить первозданную «вещность» мира, подчеркивая пластические, фактурные свойства цвета, момент красочной лепки форм. Отсюда – своеобразная «натюрмортность» их искусства, даже если речь и не шла о натюрмортах как таковых. Материальная и как бы «плотская» стихия их произведений иной раз не исключала, впрочем (в особенности у Фалька), и острого психологизма.

Формально группа распалась в 1917, но в 1925 его «коренные» члены создали объединение «Московские живописцы» (с 1928 – «Общество русских художников»), тем самым закрепив привычку считать фактурную, сочную живописность «сугубо московской» эстетической традицией. Если в 1910-е годы мастера этого круга пребывали в живом диалоге с другими авангардными течениями (как это было, в частности, в случае с футуризмом Лентулова), то позднее они, следуя общей тенденции, приняли программу «тематической картины» в духе соцреализма. Параллельно сохранялся, однако, и их действенный неофициально-«подпольный» творческий потенциал, ярко проявившийся в годы «оттепели».

Билет№11

Искусство Северного Возрождения

В Нидерландах, Франции и Германии XV-XVI века также отмечены подъемом искус­ства, особенно живописи. Это период так на­певаемого Северного Возрождения.

Уже в ХШ—XIV вв. здесь сложились воль­ные торгово-ремесленные города, развивается торговля. В конце XV в. культурные центры Севера укрепляют свои связи с Италией. Ху­дожники находили здесь образцы для под­ражания. Но и в самой Италии работали и высоко ценились нидерландские мастера. Особенно привлекала итальянцев новая масляная живопись и гравюра на дереве.

Обоюдное влияние не исключает того свое-брат я. которое отличает искусство Северного Возрождения. Здесь прочнее сохранились старые традиции готического искусства. Борьба за гуманистические идеалы носила в этих стра­нах более острый характер. Крестьянская вой­на в Германии начала XVI в., всколыхнувшая всю Западную Европу, способствовала тому, что искусство на Севере приобрело более замет­ный отпечаток народности. Итальянское и Се­верное Возрождение при всех своих различиях составляют как бы два русла одного и того же потока.

Самый крупный нидерландский живописец XV в. — Ян ван Эйк, Подлинно талантливыми мастерами были Рогир ван дер Вейден, Хуго ван дер Гус, Мемлинг, Лука Лейденский. Твор­чество Питера Брейгеля Старшего — это вер­шина искусства Северного Возрождения сере­дины XVI в.

В Германии величайшим представителем немецкого Возрождения был Альбрехт Дюрер. Но не единственным. Здесь творили такие замечательные художники, как Матис Нитхардт, Лукас Кранах Старший, Ханс Хольбейн Младший и другие.

Переворот, произведенный в эпоху Возрождения в области духовной культуры и искусства, имел огромное историческое значение. Никогда еще в Западной Европе искусство занимало такого выдающегося места в обще­стве. На протяжении последующих трех веков европейское искусство развивается на основе усвоенных и узаконенных художниками Воз­рождения принципов. Искусство Возрождения сохраняет притягательную силу и в наши дни.

ЯН ВАН ЭЙК (ОК. 1390-1441)

Национальная школа: Нидерланды

Стиль: ранний голландский

Главные произведения:

-Гентский алтарь

-Мадонна канцлера Ролена

-Человек в красном тюрбане

-Портрет четы Арнольфини

-Мадонна каноника Ван дер Пале

-Триптих с мадонной и младенцем

Характерные черты:

-яркие, насыщенные светом краски

-зрительные иллюзии, подчёркивающие мастерство живописца

-графическое, почти фотографическое воспроизведение деталей поверхности

-неуловимые градации света и тени

С творчеством Яна ван Эйка, ни­дерландского живописца XV в., свя­зано становление принципов Возрождения в Северной Европе. Пре­одолевая традиции искусства средне­вековья, он опирался на живое на­блюдение действительности, стремил­ся к объективному воспроизведению жизни. Далекий от научной разра­ботки проблем перспективы и анато­мии, не зная античного наследия, этот художник в отличие от итальян­ских мастеров больше опирался на собственный опыт. Пристально изучал он структуру предметного ми­ра, улавливай особенности каждого предмета, пейзажной или интерьерной среды. Особое значение придавал художник изображению человека, стремился передать неповторимый облик каждого из персонажей сво­их картин. Произведения Яна ван Эйка отли­чает колористическая насыщенность, тщательная, почти ювелирная выписанность деталей, уверенная органи зация цельной композиции. С именем живописца традиция связывает и усовершенствование техники масляной живописи - многократное на­несение тонких, прозрачных слоев красок, что позволяет добиваться большой интенсивности каждого цве­та.

Ян стре­мится к новому: религиозные сю­жеты он трактует как конкретны образы действительности. В миниатюрах «Туринско-миланского часослова» художник мастерски пишет пейзажи, полные воздуха и света. Реалистические тенденции искусства Яна ван Эйка особенно ярко проявились в области портрета, который в то время оформляется в самостоятельный жанр. Главное для художника— душевный мир человека, индивидуальный характер модели. Один из шедевров портретного творчества Яна Ван Эйка - «Портрет четы Арнольфини». Впервые в истории европейского портрета создается парный портрет. Художник представляет именитого итальянского купца с женой на фоне жилой комнаты. Тщательно передает он всю обстановку бюргерского особняка, каждую деталь. Мягкий свет напол­няет интерьер. В самих фигурах, показанных в рост, много нарочитой представительности, но одновремен­но и живых, реальных примет инди­видуального характера изображенных людей.

Творчество этого выдающегося художника, положившего начало реа­листической традиции нидерландской живописи, — яркая страница в исто­рии мирового искусства.

ПИТЕР БРЕЙГЕЛЬ СТАРШИЙ (ОК. 1520-30—1569)

Национальная школа: Нидерланды

Стиль: северное возрождение

Главные произведения:

-Вавилонсая башня

-Падение Икара

-Фламандские пословицы

-Безумная Грета

-Триумф смерти

-Охотники на снегу

-Крестьянский танец

-Слепые

Характерные черты:

-нравственный подтекст

-сельские сюжеты

-гористые пейзажи с широким охватом

В творчестве Брейгеля — одного из оригинальнейших нидерландских ху­дожников сложно сочетаются фанта­стика, опирающаяся на библейские сказания и фольклор, и острая реа­листическая направленность, осно­ванная на глубоком и пристальном изучении народной жизни. Связанное с передовым демократическим направ­лением в искусстве XVI в , оно опре­делялось социальной обстановкой то­го времени:, нача­лом нидерландской революции, ро­стом народного самосознания. Рас­пространение ренессансного гуманиз­ма, вызванное влиянием художествен­ной культуры Италии, способствова­ло развитию нового искусства. Брей­гель создал глубоко националь­ное искусство, необыкновенно богатое по мыслим и чувствам. Он стремился воссоздать в своих произведениях дух эпохи, выразить общественные противоречии и идеи. Нередко ху­дожник прибегал к иносказанию, используя притчи, пословицы и т. д..

В своих первых произведениях Брейгель следовал своему предшест­веннику Хиеронимусу Босху. Это са­тирические и дидактические компози­ции со множеством фантастиче­ских фигур и затейливых деталей Но в дальнейшем художник выра­батывает новый стиль, в котором стремится к укрупнению живо­писных масс, интенсивных по цве­ту, к выразительности силуэтов, к широким пространственным панора­мам.

С добродушным, иногда грубо­ватым юмором, ху­дожник создаёт ряд картин, посвященных жизни крестьян (в Крестьянская свадьба», «Крестьянский танец»).

Примечательны его пейзажи, со­ставляющие цикл «Времена года». В них Брейгель показывает бескрайние просторы земли, людей, ее населяющих. Тонко передает художник состояние природы, наполняя каждый пейзаж глубоким чувством («Возвращение стад», «Жатва», «Охотники на снегу» и др.). Переживая за судьбы своей родины, Брейгель во многих картинах воплощает темы страдания народа, войн, разрушений, голода, зверств испанских захватчиков («Триумф смерти», «Избиение младенцев»).

Картина «Слепые», написанная в 1568 году, является как бы итогом творчества и мастера. Бредущая по тропе прецессия слепых не знает своего пути. Первый из них упал в канаву. Кто может помочь этим людям? Ведь фигуры слепых воспринимаются в более широком, почти символическом смысле. Это – размышление о судьбе своего народа, страдающего и обездоленного, ищущего своего пути в сложное и тревожное время.

Альбрехт Дюрер(1471-1528)

Национальная школа: Германия

Стиль: северное возрождение

Главные произведения:

-Апокалипсис

-Автопортрет

-Христос среди книжников

-Портрет женщины

-Меланхолия

-Святой Иероним

-Четыре апостола

Характерные черты:

-графическое изображение формы и черт

-выдающаяся способность изобразить сложнейшую деталь

Основоположник немецкого Возрож­дения Альбрехт Дюрер жил в тре­вожную и бурную эпоху. Это был период ломки старого общества, религиозных движений и крестьян­ских войн. Восприняв идеи гума­нистов, овладев достижениями итальянского ренессансного искус­ства, Дю­рер выразил сложный мир людей, живущих на грани двух эпох, когда средневековье уходило в прошлое и наступала новая эра. Но никогда художник не терял связи с национальной традицией, творчески развивая ее в новых, сложных условиях.

Тревожное мироощущение людей конца XV в. выразилось в знаменитой работе Дюрера — гравюр на дереве «Апокалипсис» (1498). Рушится старый мир, и жерт­вами божественного гнева худож­ник показывает представителей выс­шего духовенства и знати, папу и им­ператора. Экспрессивны компози­ции каждого лица, полные драма­тизма и активного действия. И в даль­нейшем Дюрер много и охотно рабо­тал в технике гравюры. Он создал око­ло 100 гравюр на меди, которые крас­норечиво рассказывают о разнооб­разных интepecax художника. Дюрер с симпатией изобразил простых крестьян («Три крестьянина». «пляшущие крестьяне»). Философских раздумий полны гравюры «Рыцарь, смерть и дьявол», «Св. Иероним>, «Меланхолии». Красоту человеческо­го тела, лишенную средневекового аскетизма, прославляет Дюрер в «Ада­ме и Еве» (картина и гравюра на меди). Большое значение имело творче­ство Дюрера для развития портрет­ного искусства в Германии. Создает Дюрер и боль­шое число автопортретов. Все эти работы отличаются вниманием к неповторимой индивидуальности. Людьми сильной воли, независимой мысли показывает Дюрер и героев своей монументальной картины «Четыре апостола».

РОМАНТИЗМ в русском искусстве 19 века

Романтизм — это идейное и художественное движение в европейской и американской культуре конца XVIII- первой половины XIX в. Одна из характерных черт этого перио­да — разочарование самых широких кругов в итогах Великой французской революции, в идеологии Просвещения и в буржуазном про­грессе. Эти настроения отразились в новом художественном движении. В основе романти­ческого идеала — духовно-творческая сво­бода, культ сильных страстей и порывов, ин­терес к национальной культуре и фольклору, тяга к прошлому, к дальним странам, к наро­дам, чуждым буржуазной цивилизации. Ха­рактерная черта романтического мировос­приятия— мучительный разлад идеала и действительности.

В пластических искусствах романтизм наиболее ярко проявился в живописи и графи­ке. Наиболее последовательная школа роман­тического искусства сложилась во Франции (живописец Т. Жерико). Обра­щаясь к необычным, драматически острым ситуациям, в том числе к темам революционной борьбы, к историческому прошлому и герои­ческим легендам, к экзотике Востока, к обра­зам Данте, Шекспира, Сервантеса, Гёте, французские романтики находили образы для своих произведений в людях с сильным, страстным характером, изображали их в мо­менты напряжения духовных сил. Характерный мотив их творчества — близость человека к природным стихиям и к народной жизни.

В России черты романтической страстно­сти, обостренный интерес к личности, ее ду­ховной жизни проявились в произведениях О. А. Кипренского, А. О. Орловского, К. П. Брюллова; романтизм повлиял на пейзажную живопись С. Ф. Щедрина, М. Н. Воробьева, И. К. Айвазовского, на творчество А. А. Ива­нова, П.А. Федотова, Н. Н. Ге.

ОРЕСТ АДАМОВИЧ КИПРЕНСКИЙ (1782—1836)

Выдающийся русский живописец и график О. А. Кипренский окончил Пе­тербургскую Академию художеств по классу исторической живописи, но портрет с самого начала становится ведущим в его творчестве. В 1816— 1822 гг. Кипренский работал в Ита­лии. Вернувшись на родину, он через 6 лет — в 1828 г. снова и навсег­да уезжает в Италию. Кипренский — первый представитель романтизма в русской живописи. Великая француз­ская революция, наполеоновские вой­ны в Европе, Отечественная война 1812 г., восстание декабристов, ока­завшие огромное влияние на разви­тие искусства.

О. А. Кипренский первым из рус­ских художников находит этому миро­ощущению соответствующую форму. Прежде всего, эта форма столь же изменчива, как и тот мир, к которому обращено искусство художника. На­писанные почти одновременно порт­реты мальчика А. А. Челищева (ок.1809), Е. П. Ростопчиной (1809), Е.В.Давыдова (1809) демонстрируют изумительную способ­ность к видоизменению в каждой дан­ном случае живописной манеры, ком­позиционных, колористических, свето­вых эффектов и всего эмоционального строя портрета. Но постоянным оста­ется одно — герои ранних портретов Кипренского как бы пребывают в красоте силуэта, (портреты Н. В Кочубей, генерала Е. И. Чаплица. оба — 1813).

Безусловный шедевр и последняя удача художника — порт­рет А. С. Пушкина (1S27, ГТГ). Эмоциональный строй портрета отличается сдержанной, благородной строгостью, исполнение — мудрой простатой, экономностью художественных средств. Создатель обширнейшей портретной галереи, Кипренский доносит до нас не только внешний облик человека, но и возвышенный, благородный строй его мыслей и чувств. Важное место в творчестве Кипренского занимает автопортрет. Незнакомый предшествующему искусству XVIII века повышенный интерес к автопортретным изображениям у Кепренского отражает свойственное романтической эпохе представление о духовной независимости творчества. Близкий к передовым кругам русской интеллигенции, Кипренский уехав в Италию, лишился той живительной умственной среды, которая питала его творчество в России.

Билет№12