Леонардо да винчи (1452—1519)

Национальная школа: Италия

Главные произведения:

-тайная вечеря

-мадонна с младенцем

-Мона Лиза

-поклонение волхвов

-витрувианский человек

-мадонна в гроте

-мадонна в скалах

-Битва при Ангьяри

Характерные черты:

-тщательно выверенные по пропорциям группы и фигуры

-координация движений и эмоций персонажей

-мягко моделированные формы

-атмосферная перспектива

-внимание к деталям( растениям, скалам и воде)

Леонардо стал подлинным основоположником стиля Высокого Возрождения. Выдающийся живописец, скульптор, архитектор и теоретик искусства, он непоколебимо верил в силу и мощь человеческого разума, и искусство для него было средством познания тайн природы и законов красоты. Вся его художественная деятельность неразрывно связана с научными изысканиями.

Самым совершенным творением природы Леонардо считал человека. Его идеал — гармонически развитая личность, живущая земными инте­ресами и далекая от аскетизма сред­невековья. Многие картины Леонардо созданы на религиозные сюжеты, но трактовались эти сюжеты по-новому, В полных жизни и света творе­ниях великого мастера угадываются темные, реальные люди, их сложный духовный мир и переживания.

Уже в своих ранних произведе­ниях, таких, как «Мадонна Бенуа» (ок.1478) и «Мадонна Литта» (коней 1470-х — начало 1490-х гг. обе в ГЭ), в образе мадонны с младен­цем он прославляет земную жен­щину-мать, земные человеческие чувства. Те же черты он развивал в картине «Мадонна в скалах» (1483—1494, Лувр, Париж), а в мону­ментальной фреске «Тайная ве­черя» (1495—1497, монастырь Сан-га-Мария делле Грацие в Мила­не) трактует мифическую сцену последней трапезы Христа с ученика­ми как потрясающую по своей убеди­тельности и силе человеческую трагедию, когда верные своему учите­лю люди узнают, что среди них находится предатель. Он глубоко раскрывает целую гамму человеческих чувств - переживаний и в то же время очень цельно, гармонично, уравновешенно строит всю композицию.

Одно из самых прославленных про­изведений Леонардо — портрет Моны Лизы («Джоконд», ок.1503,Лувр. Париж). Леонардо был великолепным рисовальщиком. В своих рисунках он стре­мился постичь закономерности изо­бражаемого явления. Здесь и многочисленные зарисовки, и проекты машин и неведомых аппаратов, и деревья, и цветы, и отдельные ветки, и текущая или стоячая вода, тучи и облака. В рисунках наиболее полно проявилась разносторонность интересов и дарований Леонардо.

Андре́й Рублёв (около 1375/80^[1]. —1428) — наиболее известный и почитаемый мастер московской школы иконописи, книжной и монументальной живописи XV века. Поместным собором Русской православной церкви в 1988 году канонизирован в лике преподобного.

Национальная школа: Русь

Стиль: поздняя византийская иконография

Главные произведения:

-Рождество Христово, Крещение и преображение

-Святой Лавр и Святой Флор

-Страшный суд

-Владимирская божья матерь

-Троица

Характерные черты:

-плоскостные фигуры

-линии силуэтов обрисованы в общих чертах

-использование плавных линий

-мягкие, туманные, кажущиеся безмятежными образы

-гармоничные краски

1425—27 Рублёв совместно с Даниилом Чёрным и другими мастерами расписал Троицкий собор Троице-Сергиева монастыря и создал иконы его иконостаса. Сохранились иконы; они выполнены в различных манерах и неравноценны по художественным качествам. Время, когда на Руси назревали новые междоусобные войны и гармонический идеал человека, сложившийся в предшествующий период, не находил опоры в действительности, сказалось и на творчестве Рублёва. В ряде произведений Рублёву удалось создать впечатляющие образы, в них чувствуются драматические ноты, ранее ему не свойственные («Апостол Павел»). Колорит икон более сумрачен по сравнению с ранними произведениями; в некоторых иконах усиливается декоративное начало, в других проявляются архаические тенденции. Некоторые источники называют роспись Спасского собора Андроникова монастыря (весной 1428 года; сохранились лишь фрагменты орнаментов) последней работой Рублёва. Ему приписывается также ряд работ, принадлежность которых кисти Рублёва точно не доказана: фрески Успенского собора на «Городке» в Звенигороде (конец XIV — начало XV веков; сохранились фрагменты), иконы — «Владимирская богоматерь», «Спас в силах», часть икон праздничного чина («Благовещение», «Рождество Христово», «Сретение», «Крещение», «Воскрешение Лазаря», «Преображение», «Вход в Иерусалим») Благовещенского собора Московского Кремля (иконостас этого собора, согласно новейшим исследованиям, происходит из Симонова монастыря), часть миниатюр «Евангелия Хитрово».

Творчество Рублёва сложилось на почве художественных традиций Московского княжества; он был хорошо знаком также с византийским и южнославянским художественным опытом. Первое упоминание об Андрее в летописи появилось только в 1405 году, свидетельствующее о том что Феофаном Греком, Прохором-старцем и чернецом Андреем Рублёвым был расписан Благовещенский собор в Московском кремле. Видимо, к 1405 году Андрей основательно преуспел в своём мастерстве иконописи, если монаху поручили такую ответственную работу и к тому же с Феофаном Греком. Второй раз в летописи Андрей упоминается в 1408 году, когда он делал росписи с Даниилом Чёрным в Успенском соборе во Владимире. Прошло всего 3 года, а у Андрея уже появились помощники и ученики, к тому времени у Андрея уже полностью сформировался свой индивидуальный, настоящий русский стиль. В 1420-х годах Андрей с Даниилом Чёрным руководил работами в Троицком соборе Троице-Сергиева монастыря. Эти росписи не сохранились. В 1411 или 1425-27 годах он создал свой шедевр — «Троицу».

Творчество Рублёва является одной из вершин русской и мировой культуры. Совершенство его творений рассматривается как результат особой исихастской традиции ^[3].

Билет№8

В том же направлении, что и архитектура, эволюционировала французская живопись(искусство) 18 века: традиция парадного строго академического стиля постепенно утрачивала значение. В Академию проникали новые течения. С конца 17 в. распространялась чисто декоративная нарядная живопись, возник интерес к колориту, в нем заметно влияние венецианцев, Рубенса, а также голландских мастеров. Живопись рококо, тесно связанная с интерьером отеля, получила развитие в декоративных и станковых камерных формах. В росписях плафонов, стен, наддверных панно (дессюдепорт), в гобеленах преобладали пейзажи, мифологические и современные галантные темы, рисовавшие интимный быт аристократии, пасторальный жанр (пастушеские сцены), идеализированный портрет, изображающий модель в образе мифологического героя. Образ человека утрачивал самостоятельное значение, фигура превращалась в деталь орнаментального убранства интерьера. Художникам рококо были присущи тонкая культура цвета, умение строить композицию слитными декоративными пятнами, достижение общей легкости, подчеркнутой светлой палитрой, предпочтение блеклых, серебристо-голубоватых, золотистых и розовых оттенков.

Одновременно с развитием живописи рококо усиливалась роль реалистического направления; достигли расцвета портрет, натюрморт, бытовой жанр, пейзаж.

Жан Антуан Ватто, более известный как Антуан Ватто (1684-1721) — французский живописец и рисовальщик, основоположник и крупнейший мастер стиля рококо.

Национальная школа: Франция

Стиль: рококо

Главные произведения:

-урок музыки

-паломничество на остров Киферу

-Жиль

-Венецианский праздник

-Мецетен

-Италья\нские комедианты

-Вывеска лавки Жерсена

Характерные черты:

-элегантные и изысканные фигуры на фоне живописных пейзажей, часто с классическими скульптурами

-персонажи часто в театральных или праздничных костюмах, иногда играющие на музыкальных инструментах

-использование изящного и выразительного мазка

-использование цвета в стиле венецианской традиции и работ Питера Пауля Рубенса

Ватто родился в 1684 г. во фламандском городе Валансьене. В молодости учился изобразительному искусству у Жака-Альбера Герена.

Около 1702 года художник приехал в Париж, работал как копиист. Обучение у живописцев Клода Жилло (1703—1707/08) и Клода Одрана (1708—1709) способствовало пробуждению интереса Ватто к театру и декоративному искусству. Ватто испытал влияние Питера Пауля Рубенса, произведения которого изучал в Люксембургском дворце в Париже.

В 1717 Ватто стал академиком. В 1719—1720 посетил Великобританию.

Ватто был создателем своеобразного жанра, традиционно называемого «галантными празднествами». Сущность этих сцен раскрывается не столько в их прямом сюжетном значении, сколько в тончайшей поэтичности, которой они проникнуты. «Праздник любви» (1717), как и другие картины Ватто, содержит в себе богатую гамму эмоциональных оттенков, которым вторит лирическое звучание пейзажного фона. Ватто открыл художественную ценность хрупких нюансов чувств, едва уловимо сменяющих друг друга. Его искусство впервые ощутило разлад мечты и реальности, и поэтому оно отмечено печатью меланхолической грусти.

Ватто очень любил театральные сюжеты, хотя вряд ли точно воспроизводил эпизоды определенных спектаклей. В театре его привлекали полет воображения, живое воплощение фантазии, наконец, та искренность игры, которую он не находил в жизни, похожей на лицедейство. Характеру образного мира Ватто соответствуют прихотливость ритмов, плавность маленьких, словно вибрирующих мазков, нежность изысканных красочных созвучий, изменчивость цветовых нюансов.

После безраздельного господства исторического жанра и аллегорических сцен Ватто открыл разнообразие реальных типов французского общества того времени — солдат и нищих савояров, дворян и актёров ярмарочного театра.

Ватто предпочитал маленькие картины, но он был и мастером декоративного искусства, делал орнаментальное панно для интерьеров особняков, расписывал дверцы карет, клавесины и веера, что оказало влияние на архитектурный декор рококо. И декоративные работы, и крупные полотна — «Паломничество на остров Киферу» (1717), и прославленную «Вывеску Жерсена» (1720) отличают типичные для Ватто черты: изумительная живопись, трепетная и нежная; тончайшая гамма мимолетных настроений; виртуозное композиционное мастерство.

Художник скончался 18 июля 1721 года в городе Ножан-сюр-Марн.

Франсуа́ Буше́ (фр. François Boucher, 29 сентября 1703, Париж — 30 мая 1770) — французский живописец, гравёр, декоратор^[1]. Яркий представитель художественной культуры рококо.

Национальная школа: Франция

Стиль: рококо

Главные произведения:

-триумф Венеры

-купание Дианы

-Похижение Европы

-обнажённая

-Восход солнца и Закат солнца

-Мадам де Помпадур

-Пан и Сирита

Характерные черты:

-сцены с богами и богинями, пастухами и пастушками

-создание композиций для гобеленов, фарфора, театральные декорации, картины и гравюры

-насыщенные цвета и свободный стиль

-Причудливость и динамика в композиции

Создал многочисленные серии гравюр, иллюстрировал книги Мольера, Боккаччо, Овидия. Работал во многих видах декоративного и прикладного искусства: создавал декорации для опер и спектаклей, картоны для королевских шпалерных мануфактур; выполнял орнаментальные росписи изделий севрского фарфора, расписывал веера, исполнял миниатюры и т. п.^[2]

Творчество Буше-живописца исключительно многогранно, он обращался к аллегорическим и мифологическим сюжетам, изображал деревенские ярмарки и фешенебельную парижскую жизнь, писал жанровые сцены, пасторали, пейзажи, портреты.

Буше был удостоен множества почестей, включая звание придворного художника (1765 год). Активно привлекался к украшению резиденций короля и мадам де Помпадур, частных особняков Парижа. Фаворитка Людовика XV маркиза де Помпадур, которую он запечатлел на нескольких портретах, была его поклонницей. В последние годы жизни был директором Королевской академии живописи и скульптуры и «первым живописцем короля»^[2]. Лучшие работы Буше отличаются необыкновенным очарованием и совершенным исполнением^[3].

Жан-Батист Шарден

Национальная школа: Франция

Стиль: натюрморт и жанровая живопись

Главные произведения:

-скат

-натюрморт со скатом и корзиной лука

-карточный домик

-гувернантка

-музыкальная шкатулка

-атрибуты искусств и атрибуты музыки

-автопортрет в очках

Характерные черты:

-натюрморт с изображением основной кухонной посуды и обычных продуктов питания

-домашние сцены с участием детей и слуг, занятых работой и игрой

-естественный стиль, основанный на непосредственном наблюдении

Жан Бати́ст Симео́н Шарде́н (1699—1779) — французский живописец, который сознательно избегал торжественных и пасторально-мифологических сюжетов, свойственных искусству XVIII века. Основным предметом его натюрмортов и жанровых сцен является повседневная домашняя жизнь парижских обывателей, переданная в спокойной, задушевной, реалистической манере. Большой интерес представляют пастельные портреты, исполненные Шарденом на склоне лет.

Шарден родился в Париже. Помогая Куапелю исполнять аксессуары в его картинах, приобрёл необычайное искусство изображать неодушевленные предметы всякого рода и решился посвятить себя исключительно их воспроизведению. В начале своей самостоятельной деятельности писал плоды, овощи, цветы,хозяйственные принадлежности, охотничьи атрибуты, и только с 1739 года расширил круг своих сюжетов сценами домашнего быта небогатых людей и портретами.

Бытовой жанр и натюрморт органически связаны в его искусстве как аспекты целостного и поэтически глубокого восприятия реальности. Вслед за голландцами французский жанрист умел выразить очарование интерьера и тех предметов домашнего обихода, которые окружают человека. Для своих композиций Шарден выбирал самые обычные предметы, лишь изредка в его натюрмортах можно увидеть величественные атрибуты наук и искусств.

В 1730-х гг. Шарден обратился к жанровой живописи, к повседневным семейным и домашним сценам, полным любви и покоя(«Молитва перед обедом», 1744). В жанровых сценах Шарден воссоздал спокойный, размеренный уклад повседневной жизни.

В произведениях разных лет и разных жанров, таких, как «Прачка» (1737), «Банка с оливками» (1760) или «Атрибуты искусств» (1765) В последние годы жизни Шарден обратился к пастели и создал несколько великолепных портретов (автопортрет, 1775), в которых проявил присущую ему эмоциональную тонкость, но также способность к психологическому анализу.

Икона “Троица” Андрея Рублёва

«Троица» — икона Святой Троицы, написанная Андреем Рублёвым в XV веке, самое знаменитое^[1] из его произведений

Икона представляет собой доску вертикального формата. На ней изображены три ангела, сидящие за столом, на котором стоит чаша с головой тельца. На фоне представлены дом (палаты Авраама), дерево (дуб Мамврийский) и гора (гора Мориа). Фигуры ангелов расположены так, что линии их фигур образуют как бы замкнутый круг. Композиционным центром иконы является чаша. Руки среднего и левого ангелов благословляют чашу^[3]. В иконе нет активного действия и движения — фигуры полны неподвижного созерцания, а их взгляды устремлены в вечность. По фону, на полях, нимбах и вокруг чаши заделанные следы от гвоздей оклада.

В основу иконы положен ветхозаветный сюжет «Гостеприимство Авраама». Он повествует о том, как праотец Авраам, родоначальник избранного народа, встретил у дубравы Мамбре трех таинственных странников (в следующей главе они были названы ангелами). Во время трапезы в доме Авраама ему было дано обетование о грядущем чудесном рождении сына Исаака. По воле Бога, от Авраама должен был произойти «народ великий и сильный», в котором «благословятся… все народы земли». Затем двое ангелов отправились на погубление Содома — города, прогневившего Бога многочисленными злодеяниями его жителей, а один остался с Авраамом и беседовал с ним.

Рублёвская Троица – икона, написанная в честь святого Сергия Радонежского, основателя Троице-Сергиева монастыря. Считается, что ангел слева символизирует Бога Отца, справа – Бога сына, в середине – Святого Духа.

Билет№9

См билет№4

Микеланджело Буонарроти

Национальная школа: Италия

Стиль: высокое возрождение

Главные произведения:

-пьета

-Давид

-потолок Сикстинской капеллы

Скульптура в гробнице Медичи

-страшный суд

-проект купола соборо Святого Петра

Характерные черты:

-героический облик и размеры фигур и росписей

-изображение смятенных и яростных чувств

-завораживающий, насыщенный фигурами стиль

Микеланджело Буонарроти (1475-1564)- великий художник итальянского Возрождения, скульптор, живописец, архитектор и поэт. Родился в Капрезе, близ Флоренции. В 1488 году пришел в мастерскую Д.Гирландайо, через год стал работать в художественной школе герцога Лоренцо Медичи, которой руководил Бертольдо ди Джованни, ученик Донателло. Однако у Микеланджело не было настоящих учителей среди художников, его творчество - яркий пример индивидуального художественного стиля гениально одаренной личности. Он первым в истории искусства попытался в одиночку перевернуть привычные представления о возможностях изобразительного искусства.

        Вернувшись из Рима,в 1501году во Флоренцию, Микеланджело взялся исполнить колоссальную мраморную статую Давида (1501-1504), высота которой 5,5 м. Она олицетворяет безграничную мощь человека. Давид только готовится нанести противнику удар камнем, пущенным из пращи, но очевидно, что он - победитель. Оставаясь по сути скульптором, Микеланджело был и великим живописцем. В 1508- 1512 годах по заказу Папы Юлия он расписал плафон Сикстинской капеллы Ватиканского дворца в Риме. Это был творческий и человеческий подвиг. Площадь росписи- более 600 кв.м. Роспись Сикстинской капелла грандиозна не только размерами, но и замыслом, и его воплощением. Она захватывает титаническим характером образов, неистовых страстей, величием деяний. На ней предстает вся история человечества начиная от первых дней творения. Это торжественный гимн творческой мощи и красоте свободного человека. Потолок разделен на части, каждая из которых представляет собой самостоятельное изображение, не нарушая в то же время единства целого.

"Сотворение Адама" - один из сюжетов  первых дней Творения, в котором Адам - олицетворение молодости , телесной красоты и еще скрытого в нем богатства сил - пробуждается к жизни от прикосновения руки летящего Саваофа. В последние годы, пережив своих друзей, врагов, соперников в искусстве, Микеланджело занимался архитектурой и поэзией. Микеланджело похоронен в церкви Санта-Кроче во Флоренции, причем соотечественникам пришлось буквально выкрасть его тело из Рима. Влияние Микеланджело на последующее развитие искусства столь же грандиозно, как и его гений.