6. Скалозуб
Чацкий, Фамусов, Молчалив, София — персонажи "первого уровня". У каждого из них — самостоятельная роль в сюжете, на них сосредоточено внимание зрителя. Есть в комедии и персонажи "второго уровня", не имеющие никакого сюжетного веса и необходимые Грибоедову для создания картины московских нравов. Именно так строится грибоедовская комедия: чем ближе тот или иной её герой к "фамусовской" Москве, .тем традиционнее рисунок его роли; чем дальше от неё — тем резче расходится с привычным амплуа.
Чацкий, наделённый острым критическим умом, выламывается из всех театральных схем с той же энергией, с какой он вырывается из тесных объятий общества. София могла бы душевно перерасти светский круг, подняться над его нравами, разделить с Чацким его высокую скорбь. И потому тоже не совпадает со своей театральной маской, со своим амплуа. Но она словно бы сдалась на милость победителю, сроднилась с царством кумушек, не смогла развить свой природный ум. И за это "наказана" не только жизнью, но и сценической ролью, которая от действия к действию становится всё более привычной, всё менее интересной. А все остальные персонажи настолько тесно связаны с фамусовской Москвой, настолько неотделимы и неотличимы от неё, что было бы странно ждать от них неповторимости...
КОМЕДИЯ Н.В. ГОГОЛЯ «РЕВИЗОР»
1. Сюжет и главный герой
Внимательно прочитав грибоедовскую комедию, мы наконец-то можем вернуться к разговору о комедии — гоголевской. Теперь вы лучше понимаете, почему театральный дебют был для Гоголя одновременно и легче, и труднее, чем дебют в прозе. Ему предстояло соединить, примирить свой неповторимый замысел с давно устоявшейся традицией. А главное — преодолеть стереотип зрительского восприятия. Привычка — вторая натура не только в жизни, но и в персонажах олицетворены страсти, одолевающие человеческое сердце. Хлестаков изображает ветреную светскую совесть, а "настоящий" ревизор, появляющийся в финале, — суд совести, который ждёт человека за гробом... А значит, всё, происходящее в этом "сборном городе" (такова гоголевская формула!), относится и к России, погрязшей во взяточничестве и лихоимстве, и к человечеству в целом...
И тем не менее центральный персонаж комедии, Иван Александрович Хлестаков, по определению автора, — "...молодой человек лет 23-х, тоненький, худенький; несколько приглуповат и, как говорят, без царя в голове... Говорит и действует без всякого соображения. Он не в состоянии остановить постоянного внимания на какой-нибудь мысли. Речь его отрывиста, и слова вылетают из уст его совершенно неожиданно. Чем более исполняющий эту роль покажет чистосердечия и простоты, тем более он выиграет. Одет по моде". Словом, "лицо фантасмагорическое", "лживый олицетворённый обман".
Не странно ли: в центре символического сюжета «Ревизора» стоит совершенно ничтожный, никчёмный герой, зеркальная противоположность Чацкого. Герой, который и в самой простенькой водевильной комедии не мог претендовать на главенство... Более того: Хлестаков самостоятельно не участвует в действии. Это ведь не авантюрист, не ловкий жулик, который хочет обмануть вороватых чиновников, а глуповатый фанфарон, который служит точкой притяжения чужих усилий, чужих интересов. Он просто реагирует на происходящее. Причём реагирует, как правило, глупо и невпопад. И не его вина (и тем более не его заслуга), что все вокруг хотят обмануться и пытаются отыскать в его необдуманных репликах глубокий скрытый смысл. Недаром Хлестаков — главный герой! — выходит на сцену только во 2-м действий.
Но чтобы комедия сохранила цельность, нужен был персонаж-посредник, который был бы I "прописан" сразу в обоих уровнях сюжета и соединял их собою. Нетрудно догадаться, что этот 1 герой — Сергей Сергеич Скалозуб. I Он — "идеальный" московский жених. Грубоватый, богатый, довольный собою. Служит он с 1809 года, стало быть — участвовал в Отечественной войне и в европейской кампании. Однако орден "на шею" он получил не за боевые действия, а по случаю торжеств 3-го августа 1813 года, в честь Плейсвицкого перемирия. Это значит, что Скалозуб умеет не столько служить, сколько "прислуживаться". Его всего два года "поводили за полком"; теперь он "метит в генералы". Книжную премудрость презирает; позже, в действии 4-м, явлении 5-м, в ответ на разглагольствования Репетилова о тайном обществе и о смелости князя Григория насмешливо предлагает:
«Я князь-Григорию и вам
Фельдфебеля в Волтеры дам.»
Ничего не поняв в страстном обличительном монологе Чацкого против московской "мундиро-мании", Скалозуб решает, что тот ругает "гвардейских" — и охотно присоединяется к его мнению... При этом Скалозуб - своеобразный армейский щеголь. Помните отзыв Чацкого - "Хрипун, удавленник, фагот"? То есть по военной моде он "перетянут" ремнями, чтобы грудь выдавливалась колесом, а голос напоминал рык. Естественно, такой промежуточный герой не может иметь чересчур резких индивидуальных черт. Его яркая речевая характеристика полностью совпадает с амплуа глуповатого служаки, безвредного и смешного. Его реакции на происходящее, его взгляды — тоже. И тем более "вернеповторимый замысел с давно устоявшейся традицией. А главное — преодолеть стереотип зрительского восприятия. Привычка — вторая натура не только в жизни, но и в искусстве; заставить зрителя плакать там, где он привык смеяться, или задумываться над тем, что он привык воспринимать бездумно, — куда сложнее, чем придумать замечательный сюжет...
Недаром Хлестаков — главный герой! — выходит на сцену только во 2-м действий. Он направляется из Петербурга, где, подобно Акакию Акакиевичу Башмачкину (повесть «Шинель») служит переписчиком бумаг, в Саратовскую губернию, в деревню отца, недовольного карьерными неуспехами сына. (Саратов в начале XIX века — беспросветная глушь; вспомните слова Фамусова: "В деревню... в глушь, в Саратов!") По дороге, в Пензе, он проигрался; теперь не имеет денег ни на дальнейший путь, ни на оплату гостиничного счёта; голодает. Увидев городничего Сквозник-Дмухановского (явление 8-е) поначалу решает, что его, Хлестакова, хотят арестовать за неуплату долга. Затем (успев занять деньги у Сквозник-Дмухановского и перебравшись к нему на квартиру, — действие 3-е, явление 5-е) объясняет гостеприимство и услужливость чиновников "сентиментально" — их человечностью и обычаем привечать приезжих, показывать им "богоугодные заведения", поить их из "бутылки-толстобрюшки". То есть он не в состоянии понять, что вокруг него происходит. И даже в 4-м действии, когда череда "просителей" начинает давать ему взятки, Хлестаков практически до конца верит, что берёт взаймы у добрых гостеприимных людей. Просто постепенно он входит во вкус и повышает "ставки" до тысячи рублей (эти деньги он пытается выудить из Добчинского и Бобчинского, которые не являются чиновниками и не имеют резона "подмазывать" заезжего ревизора!).
И лишь когда поток кредитоспособных просителей иссякает, Хлестаков наконец-то догадывается, что его принимают за кого-то другого (он считает, что за генерал-губернатора). Но и тут объясняет "успех" не случайностью, а своим петербургским костюмом и обхождением. О чём спешит рассказать в письме "душе Тряпичкину", петербургскому приятелю из "сочинителей". И, как бы войдя в роль взяткобрателя (до сих пор он действительно полагал, что берёт "взаймы"), велит гнать взашей жалобщиков из бедного сословия.
ЭВОЛЮЦИЯ ДРАМАТИЧЕСКОГО ГЕРОЯ И.А. ГОНЧАРОВА
Изучая судьбы русских писателей XIX века, начинаешь невольно привыкать к тому, что зачастую их жизнь обрывалась пулей, виселицей, каторгой, безумием… Рылеев и Радищев, Пушкин и Лермонтов, Гоголь и Достоевский – в биографии каждого из этих великих писателей и поэтов отразились мучительные условия русской действительности, сложнейшие жизненные драмы.
Жизнь Ивана Александровича Гончарова лишена этого драматизма. Не помещик, не разночинец, выходец из зажиточной купеческой семьи, он был цензором, дослужившимся до генеральского чина; никогда не имел семьи, сторонился общества. Да и по складу своего характера далеко не походил на людей, которых рождали энергичные и деятельные 60-е годы XIX века.
Гончаров считал, что художника должны интересовать в жизни устойчивые формы, не подверженные влияниям капризных общественных ветров. Главный критерий его творчества – объективность. В произведениях этого писателя личные симпатии или антипатии не выставляются в качестве мерила тех или иных жизненных ценностей. Читателю предоставляется возможность самому. Своим собственным умом вершить суд и выносить приговор.
Единая тема, проходящая сквозь все три романа Гончарова – поиск выхода из всероссийского застоя. В своем творчестве писатель последовательно развивает и углубляет один и тот же конфликт между двумя укладами русской жизни – патриархальным и буржуазным.
В статье «Лучше поздно, чем никогда» Гончаров обращает внимание на то, что все три его романа «тесно и последовательно связаны между собою», как связаны отразившиеся в них периоды русской жизни. Сам автор видел в первом романе «Обыкновенная история» «слабое мерцание сознания необходимости труда»; в «Обломове» – сон; в «Обрыве» – пробуждение страны.
Наблюдается явная преемственность и в образах персонажей этих книг. Однако, прежде всего, многие из них напоминают персонажей романа А.С. Пушкина «Евгений Онегин». Пушкинскую Татьяну Гончаров считал «вечным образцом, по которому мы учимся бессознательно писать, как живописцы по античным статуям». И он следовал за этим «вечным» литературным образом, обреченным, но беспокойным, ищущим. Писатель настойчиво подчеркивал типовую однородность своих мятежных героинь.
Так, «Ольга есть превращенная Наденька следующей эпохи», – говорил он. Следом за Ольгой – Вера из «Обрыва». И все они, по мысли Гончарова, формируемы временем разновидности Татьян из «Евгения Онегина».
Между тем гончаровские героини жили уже в иную эпоху. Ольга, требовавшая от Обломова стать выше нее, искала идеал своего времени. Тихое счастье не могло удовлетворить ее. Сильный характер и постоянно ощущавшаяся героиней потребность в деятельности неминуемо должны были привести к разрыву и со Штольцом. Если бы Гончаров продолжил рассказ об их жизни.
В образе бабушки Татьяны Марковны Бережковой Гончарову «рисовался идеал женщины вообще, сложившийся при известных условиях жизни». В своей молодости она пережила драму, стоически твердо перенесла ее и осталась верна старым, патриархальным принципам жизни. Ее внучка Вера – девушка-бунтарка, рвущаяся в небо, к молниям, прочь от сонной Малиновки, от «обломовщины» – переживает «падение», разуверяется в правде «новых людей» и принимает «старую» правду жизни любимой бабушки. Однако это не нравственное падение героини, а единственно правильный выход из сложившейся ситуации.
Романтическая мечтательность Александра Адуева сродни Владимиру Ленскому. Но романтизм Александра, в отличие от Ленского, вывезен не из Германии, а выращен в России. Несмотря на то, что юный Саша является в Петербург таким же с ног до головы одетым в доспехи высоких и благородных душевных порывов, он терпит поражение не физическое, как Владимир, а духовное. Начав с поисков «колоссальной страсти», обанкротившийся романтик скатился к вульгарному фарсу: назначив доверчивой девушке свидание в беседке, Адуев сталкивается там с ее отцом и унизительно выпроваживается им как банальный соблазнитель. Так беспощадно развенчивает художник бессодержательную любовь ленивой души.
Обломов – это Саша Адуев, сохранивший иллюзии ценой отрешения от действительности. Даже жизненные пути их похожи до мелочей. Илье Ильичу так же, как и Александру, детские годы привили сибаритство и пассивность. Он учился в университете, потом служил и даже задумал научный труд, посвященный России. Но «его познания были мертвы… голова его представляла сложный архив мертвых дел, лиц, эпох, цифр, религий…» Он встретил чуткую девушку, полюбившую его.
Любовь вначале захватила и Обломова, но закончилась она в том же обломовском духе. Лень, боязнь ломки привычного для него уклада жизни победили в Обломове чувство любви. Ему не хотелось переживать тревоги, иметь какие-то обязанности перед другим человеком. Мы видим, как романтик Александр Адуев, искавший «вечной любви», заканчивает выгодным браком, а романтик Обломов, мечтавший о страсти, высекающей молнии из глаз, заканчивает пирогами Пшеницыной.
Жизнь слуги Ильи Ильича – Захара завершилась таким же финалом: он стал нищим, подобно тому, как нищим духовно и нравственно стал под конец жизни и сам Обломов.
Но каковы же плоды победы Петра Ивановича, столичного жителя, владельца стекольного и фарфорового заводов, чиновника особых поручений, человека трезвого ума и практической направленности? Как это ни странно, эти плоды один другого горше. Этот человек сначала духовно убил своего племянника, хотя по-своему хотел сделать ему добро, и чуть не довел до чахотки любимую жену Лизавету Александровну. В конце романа Петр Иванович собирается продать свои заводы, бросить службу, отказаться от звания тайного советника и мечтает об одно – уехать в Италию, где, возможно, ему удастся продлить жизнь своей жены. Однако у него остаются последователи, достойные продолжатели дела. В «Обломове» это Штольц, а в «Обыкновенной истории» – племянник героя. О прожитой Сашей Адуевым жизни литературный критик В. Розов верно сказал: «Сначала он разбивает свой идеальный лоб о реальные острые углы жизни, потом этот лоб твердеет и на нем, этом лбу, вырастает твердый нарост; человек становится носорогом».
Адуев-младший в течение жизни растрачивает лучшие свойства своей души. Потом он вдруг спохватывается и начинает догонять потерянные в «пустых мечтаниях» годы, не брезгуя уже никакими средствами в достижении своих запоздалых целей, может быть, куда более скверных, нежели те, за которые недавно упрекал людей. Круг замкнут…
Если бы продолжить повествование, то, возможно, из деревни появился бы очередной восторженный искатель, Александр Адуев уж наверняка встретил бы его так, как некогда сам был встречен Петром Ивановичем. В этом и заключает обыкновенная история.
Таким образом, герои своеобразной трилогии Гончарова терпят крах решительно по всем статьям: в любви, в дружбе, в работе, в порывах к творчеству. Все, чему учили педагоги и книги, оказывается для них вздором и с легким хрустом разлетается под «железной поступью» трезвого рассудка и практического дела. Доведенному этим до отчаяния Александру в «Обыкновенной истории» дядя говорит: «Чего я требовал от тебя – не я все это выдумал. – Кто же? – спросила Лизавета Александровна. – Век».
Итак, все каноны поведения Петра Ивановича Адуева вырабатывает век. Веление века! Век требовал… «Так непременно и надо следовать всему, что выдумал век?.. Так все и свято, все и правда?» – «Все и свято!» – категорически отрезает Петр Иванович. Таков век!
ДРАМАТУРГИЯ ОСТРОВСКОГО
Комедия Островского, под измененным заглавием: "Свои люди - сочтемся", после долгих хлопот с цензурой, доходивших до обращения к самым высшим инстанциям, была напечатана во 2-й мартовской книге "Москвитянина" 1850, но не разрешена к представлению; цензура не позволяла даже и говорить об этой пьесе в печати. На сцене она явилась только в 1861 г., с переделанным против напечатанного окончанием. Вслед за этой первой комедией Островского в "Москвитянине" и других журналах ежегодно стали появляться и другие его пьесы: в 1850 г. - "Утро молодого человека", в 1851 г. - "Неожиданный случай", в 1852 г. - "Бедная невеста", в 1853 г. - "Не в свои сани не садись" (первая из пьес Островского, попавшая на сцену Московского Малого театра, 14 января 1853 г.), в 1854 г. - "Бедность не порок", в 1855 г. - "Не так живи, как хочется", в 1856 г. - "В чужом пиру похмелье".
Во всех этих пьесах Островский явился изобразителем таких сторон русской жизни, которые до него почти вовсе не затрагивались литературой и совершенно не воспроизводились на сцене. Глубокое знание быта изображаемой среды, яркая жизненность и правда изображения, своеобразный, живой и красочный язык, отчетливо отражающий в себе ту настоящую русскую речь "московских просвирен", учиться которой Пушкин советовал русским писателям - весь этот художественный реализм со всей простотой и искренностью, до которых не поднимался даже Гоголь , был встречен в нашей критике одними с бурным восторгом, другими - с недоумением, отрицанием и насмешками.
Островский вводит в круг действующих лиц мир крупного и мелкого чиновничества, а затем и помещиков. В 1857 г. написаны "Доходное место" и "Праздничный сон до обеда" (первая часть "трилогии" о Бальзаминове; две дальнейшие части - "Свои собаки грызутся, чужая не приставай" и "За чем пойдешь, то и найдешь", - появились в 1861 г.), в 1858 г. - "Не сошлись характерами" (первоначально написано в виде повести), в 1859 г. - "Воспитанница". В том же году появились два тома сочинений Островского, в издании графа Г.А.Кушелева-Безбородко. Это издание и послужило поводом для той блестящей оценки, которую дал Островскому Добролюбов и которая закрепила за ним славу изобразителя "темного царства".
Сам Островский по своей природе был вовсе не сатирик, даже почти не юморист; с истинно эпической объективностью, заботясь только о правде и жизненности изображения, он "спокойно зрел на правых и виновных, не ведая ни жалости, ни гнева" и нимало не скрывая своей любви к простому "русачку", в котором даже среди уродливых проявлений быта всегда умел находить те или иные привлекательные черты. Островский и сам был таким "русачком", и все русское находило в его сердце сочувственный отзвук. По собственным его словам, он заботился прежде всего о том, чтобы показать на сцене русского человека: "пусть видит себя и радуется. Исправители найдутся и без нас. Чтобы иметь право исправлять народ, надо ему показать, что знаешь за ним и хорошее".
Его роль в истории развития русской драматургии, сценического искусства и всей отечественной культуры трудно переоценить. Для развития русской драматургии он сделал столь же много, как Шекспир в Англии, Лопе де Вега в Испании, Мольер во Франции, Гольдони в Италии и Шиллер в Германии.
Островский выступил в литературе в весьма сложных условиях литературного процесса, ему препятствовавших и благоприятствовавших, как смелый новатор и выдающейся мастер драматического искусства. Островский один из немногих драматургов 19 века, которого можно считать подлинным классиком драмы. Особенность того положения в котором находился Островский по сравнению с другими мировыми драматургами, заключается в том, что он писал в то время, когда на западе, в частности во Франции, уже началось опошление и выражение драмы. Народилась драма буржуазно-развлекательная.
"Не так живи как хочется" - "писал эту драму о событии конца прошлого века, под влиянием настроения кружка…" - отмечает в своих воспоминаниях об Островском С.В.Максимов.
Вот назидательная схема пьесы. Даша вышла замуж за Петра без благословения родителей и без их согласия. За этот "грех" она была наказана. Муж пустился в разгул и завёл любовницу. Даша бежит из дома мужа. Но бог помог ей. Она встречает на пути родителей, и отец уговаривает её быть покорной и вернуться домой. В своём буйстве и беспутстве Пётр дошёл до крайности. Однако бог остановил его на краю пропасти и вернул на праведный путь. Пётр покаялся и примирился с Дашей. Даша обрела своё семейное счастье. Это воздояние ей за покорность. Патриархальный уклад русской жизни выступает в этой схеме как разумный и справедливый, а православная вера - как главное проявление духовной жизни народа.
Русская жизнь старых времён выступила не в свете славянофильских мечтаний, а в своей реальной сложности. Пьеса построена очень тонко и точно и раскрывает разные грани и повороты этой жизни.
Островский изображает не современность, а старину, отодвигает действия на 60 - 70 лет назад. Это создаёт дистанцию между зрителем и тем, что изображено. Ответственность за происходящее в драме события Островский переносил на безвестных представителей народа. Он скрывался за ними. Всё изображённое в пьесе приобретало характер придания. Это предание о дьявольском наваждении и нечистой силе, предание о том, как бог вмешался в судьбу человека и спас его. Сюжет содержит фантастический элемент и выходит за пределы бытовой реальности. Тема пьесы - распад патриархальных отношений и патриархальной марали, попытка личности отстоять свободу и жить по своему.
Феодально-крепостнический строй не мог до конца подавить народную самодеятельность, тягу народа к творчеству, не мог убить душу народа. Это запечатлелось в художественных памятниках старой культуры. Запечатлелось это и в "Грозе".
Как не значительна личность Катерины, Островский не случайно не назвал её именем пьесу. Это связано с иной и особой трактовкой личности, её положения в обществе и отношений с другими людьми. "Гроза" - необычное название для трагедии. Наконец важно и следующее, трагедия чуждается быта. Она тяготеет к легенде и преданию, обращается к прошлому.
Создатели трагедии заставляют героев говорить стихами и этим возвышают их над бытом. Это прекрасно понимал Александр Николаевич Островский. В разговоре со Львом Толстым он сказал ему, что написал своего "Минина" стихами, чтобы возвысить его над повседневностью.
Но "Грозу" Островский написал прозой. Написал её в красках быта. Он изобразил в ней житейское происшествие в духе тех, какие часто случались в волжских городах. Герои "Грозы" - люди того же купеческого звания, которые так тесно обступают нас в комедиях Островского, зазвучала поэтическая нота. Но "Гроза" - пьеса из современной жизни, пьеса в прозе, бытовая семейная драма. Заглавие пьесы обозначает не имя героини трагедии, а бурное проявление природы, её феномен. И это нельзя считать случайностью. Природа - важное действующее лицо пьесы. Герои "Грозы" в отличии от героев старых трагедий, купцы и мещане. Из этого возникают многие особенности пьесы Островского. Можно сказать что Островский идёт обратным по сравнению с авторами старых трагедий путём. "Гроза" построена весьма сложно и весьма своеобразно. И это сложность её художественной формы служит раскрытию глубокой концепции, заключённой в пьесе. Островский часто выносит действия пьесы за пределы частного дома. В общественном саду происходит действие первого акта, четвёртый акт разворачивается на фоне крытой галереи, где гуляют жители города, в одной из картин второго акта персонажи показаны на улице.
Создав "Грозу" Островский открыл новые пути в искусстве. И это должно было подарить глубокие отклики в разных сферах художественной жизни. Прежде всего "Гроза" не могла быть одиноким явлением в развитии русской драмы. Она была лишь наиболее ярким выражением новых тенденций, наметившихся в ней. "Гроза" не могла не найти и воплощения в театре. "Гроза" Островского - произведение, которое выходит за рамки прозаического буржуазного существования. Она противопоставляет прозе большую поэзию человеческих характеров, песенное, поэтическое начало народной жизни. В этих характерах, в этом песенном, поэтическом звучании пьесы пророчески выразилась возможность преодолеть прозу собственнического общества, возможность свободного развития.
БЕСПРИДАННИЦА
Драма Александра Николаевича Островского "Бесприданница" написанная в 1879 году, отразила характерные для того времени явления: резкий скачёк развития торговли и промышленности, изменение прежнего "тёмного царства" в сторону цивилизации, упадок дворянства и его роли в обществе. Но Островского интересует в первую очередь подъём чувства личности, вызванный реформами, поэтому "Бесприданница" - психологическая драма, главную роль в которой играет женщина, героиня с глубоким внутренним миром и драматическими переживаниями.
"Бесприданница" занимает особое место в наследии классика русской драмы. Эту пьесу любят многие. Любят даже те, кто вообще равнодушен к Островскому, кто считает его "бытовником", писателем примитивным и не владеющий сложными секретами человеческой души.
Драма Островского. А. Н. "Бесприданница" построена на классической естественности и простоте образов героев, но в тоже время на сложности их характеров и поступков. Драма не похожа на другие, в ней нет крепко завязавшихся интриг, герои такие же люди, но с отличием в том, что они более простые, их легко понимать.
Действие пьесы происходит в городе Бряхимове. Такого города как и города Калинова, нет на карте Российской империи, город этот не развивался и не стал современным капиталистическим городом. Островский развил его в своей поэтической фантазии, вложив в него черты многих волжских городов, стоящих на высоком берегу великой реки. Он населил этот вымышленный город своими вымышленными героями и завязал между ними драму.
Название пьесы очень точно выражает её тему. Как всегда у Островского тема пьесы - социальная тема. Лариса бедная девушка из провинциальной дворянской семьи - бесприданница. Отсюда двусмысленность её положения, сложность её судьбы. Лариса незаурядная личность, значительно выделяющаяся из окружающей её среды. Она красива, образованна, талантлива - поёт и играет на разных музыкальных инструментах. Это привлекает в дом Огудаловых многочисленных гостей, но эти же гости насмешливо оценивают её глубокое чувство в Поратову. Они не осуждают Ларису за её "простоватость" - ведь бесприданницам нельзя говорить правду.
В старой России женщина этого круга была отрезана от практической деятельности своего класса. Она могла проявить себя только в любви и семейных отношениях. То, что женщина изолирована от всех форм практической жизни, позволяет ей сохранить чистоту своих помыслов, не запятнать себя своекорыстностью и подлостью, неотделимыми от коммерции и дворянского жизненного обихода.
Во многих своих пьесах Островский вновь и вновь создавал образы женщин, поражающих душевной красотой и силой, богатством и цельностью своей натуры. Они выражают себя в любви.
Но и на фоне этих женщин Лариса выглядит существом незаурядным. Лариса - натура музыкальная. Музыкальная не просто в профессиональном смысле этого слова, но именно в человечности, натура певучая, талантливая, поэтическая. Музыка увлекает её. Она поёт, играет на фортепиано. Гитара звучит в её руках. Мечтательная и аристократическая Лариса как бы парит над жизнью. Она не замечает пошлости окружающих её людей. Её способность видеть во всём только идеальное и благородное проявилось в её отношении к цыганам. В этих людях, поставленных обществом в положение жалких прихлебателей, живущих на подачки господ, она видит прежде всего музыкантов, артистов, творцов.
Старинная цыганская песня, с её непобедимым стихийным очарованием, с её страстью и порывом к воле, отвечает собственной страстной натуре Ларисы. Кульминация пьесы - Лариса поёт романс "Не искушай меня без нужды…". Это романс на слова знаменитой элегии Баратынского. Словами романса Лариса выражает свои чувства, она умоляет Поратова не искушать её без нужды возвратом нежности своей. Сам сюжет пьесы воспроизводит ситуацию, намеченную в меланхолической элегии Баратынского.
Произведение Островского не укладывается не в одну из классических жанровых форм, это дало повод Добролюбову говорить о ней, как о "пьесе жизни". В "Бесприданнице" Островский приходит к раскрытию сложных, тонких психологически многозвучных человеческих характеров. Он показывает нам жизненный конфликт, читатель проживает этот небольшой отрезок жизни, как житель того же города Бряхимова, или, что ещё интересней, как любой герой драмы.
Эта история о том, как Паратов вопреки мольбе Ларисы искушал её и что из этого получилось. Женщина с нежной и страстной душой, которую искушал овеянный загадкой и тайной обольститель, очарованье и разуверенье, убийство из ревности - вся ситуация пьесы основана на мотивах и коллизиях романса.
Лариса живёт в мире где всё покупается и продаётся, даже девичья красота и любовь. Но, заплутав в своих мечтах, в своём радужном мире, она не замечает в людях самых отвратительных стороне замечает не красивого отношения к себе. Лариса везде и в каждом видит только хорошее и верит в то, что люди таковы и есть. Вот так Лариса ошиблась и в Паратове. Он оставляет влюблённую девушку ради выгоды, губит по собственному желанию. После, Лариса готовиться выйти замуж за Карандышёва. Девушка воспринимает его как доброго бедного человека, которого не понимают окружающие. Но героиня не понимает и не чувствует завистливой, самолюбивой натуры Карандышёва. Ведь в его отношении к Ларисе больше самодовольства за владение таким драгоценным камнем, как Лариса.
В финале драмы к Ларисе приходит осознание. Она с ужасом и горечью понимает, что все вокруг воспринимают её как вещь или, что ещё хуже, хотят сделать содержанкой. И тогда героиня произносит слова: "Вещь… да вещь. Они правы, я вещь, а не человек". Лариса в отчаянии пытается броситься в Волгу, но не может, ей страшно расставаться со своей жизнью, какой бы никчёмной и несчастной она ей не казалась. Расстроенная девушка понимает конец, что в этом мире всё оценивается "шорохом купюр", и тогда она решает: "Уж если и быть вещью, так одно утешенье - быть дорогой".
Выстрел Карандышёва - это спасение в глазах Ларисы, она рада тому, что она снова принадлежит только себе, её не смогут продать или купить, она свободна. В нерасчётливом, случайном поступке Карандышёва Лариса находит тень благородства и живого человеческого чувства, и её душевная драма наконец заканчивается, впервые героиня чувствует себя по-настоящему счастливой и свободной.
Островский. А. Н. прочёл историю женщины с романтической душой глазами реалиста. Перед нами романс с поправкой на реальность, с теми коррективами, которые вносят в романтическую ситуацию бессердечие, эгоизм и пошлость буржуазной жизни.
В весенней сказке "Снегурочка" воплощён поэтический идеал Островского, его представление о красоте. Поэтому история создания "Снегурочки", различные её истолкования, сложная жизнь этого образа в сознании новых поколений - всё это тесно связано с проблемой идеала, проблемой красоты и фантазии в искусстве.
Сказка о том как бездетная крестьянская чета - Иван да Марья - решили вылепить из снега девочку-снегурочку, как Снегурочка эта ожила, выросла и приобрела облик тринадцатилетней девочки, как пошла она гулять в лес с другими девочками, как они стали прыгать через костёр, а когда она прыгнула - растаяла.
Эту сказку Островский развил и видоизменил. Но именно из этого зерна вырастил он своё создание, вырастил опираясь на жизнь. Больше того, он вводил в фантастический мир реальные и даже бытовые черты. В этом обытавлении фантастики одна из удивительных черт поэтического стиля "Снегурочки".
СНЕГУРОЧКА
"Снегурочка" - своеобразна и неповторима не только в творчестве Островского. А. Н. но и в истории мировой драмы. Однако не бесполезно установить, что сближает её с другими пьесами Александра Николаевича Островского и даже шире - со всем искусством той эпохи. В "Снегурочке" Островский ставил перед собой другие цели, в ней действуют другие персонажи, и логика поведения их другая. И тем не менее бесспорно - между "Снегурочкой" и пьесами о современности существует органическая внутренняя связь. В "Снегурочке" поэтическая концепция Александра Николаевича Островского и его поэтический идеал выступили прямо и открыто. "Снегурочка" несёт в философско-обобщённом виде жизненную и поэтическую концепцию творчества Островского. А. Н. И всё же она стоит в стороне и от основного направления искусства той эпохи и от самого творчества Александра Николаевича Островского.
Пьесы Александра Николаевича Островского самые прогрессивные в драматургии второй половины 19 века, составляют в развитии мирового драматического искусства шаг вперёд, самостоятельную и важную главу.
Самоотверженный труд, сопутствовавший драматургу на протяжении всей его жизни, ознаменовался блестящими результатами. Именно Александр Николаевич Островский своими драматическими шедеврами довершил создание русского национально-самобытного театра, начатое Фанвизиным, Грибоедовым и Гоголем. Роль Островского, первостепенного писателя, корифея национально-самобытной драматургии была признана всей прогрессивной общественностью ещё при его жизни. Гончаров писал: "Островский бесспорно самый крупный талант в современной литературе".
Новаторство Александра Николаевича Островского сказалось не только в том, что он круто повернул драматургию и театр к жизни, к её актуальным социально-нравственным проблемам, но и в том, что он писал свои пьесы во имя народа и для народа. И народ благодарно принял его драматургию.
Огромное влияние Островского на драматургию отечественную, братских наций, входящих в СССР, славянских и других народов, во многом ещё не осознанное, требует серьёзного изучения.
Островский замечал: "Драматическая поэзия ближе к народу, чем все другие отрасли литературы. Всякие другие произведения пишутся для образованных людей, а драмы и комедии - для всего народа… Эта близость к народу ни сколько не унижает драматургию, а напротив, удваивает её силы и не даёт ей опошлиться и измельчать".
Но творчество Александра Николаевича Островского связано не только с прошлым. Оно активно живёт и в настоящем. По своему вкладу в театральный репертуар, являющейся выражением текущей жизни, великий драматург - наш современник. Внимание к его творчеству не уменьшается, а увеличивается.
Великое творческое наследие Островского. А. Н. оказавшее огромное влияние на развитие отечественной драматургии и сцены, на драматическое и сценическое искусство вообще, сохраняет и ещё долго будет сохранять значение замечательного, ничем не заменимого учебника жизни, доставляя читателям и зрителям истинное эстетическое наслаждение. Его пьесы входя в число мировых литературно-художественных ценностей, всё чаще и чаще привлекают внимание зарубежных издательств и театров.
Драматург неустанно повторял, что жизнь богаче всех фантазий художника, что истинный художник ничего не выдумывает, а стремиться разобраться в сложных хитросплетениях реальности. "Драматург не выдумывает сюжетов. - говорил Островский, - все наши сюжеты заимствованы. Их даёт жизнь, история, рассказ знакомого, порою газетная заметка. Что случись, драмвтург не должен придумывать; его дело написать, как оно случилось или могло случиться. Тут вся его работа. При обращении внимания на эту сторону, у него явятся живые люди, и сами заговорят".
Островский. А. Н. выступил как продолжитель гуманистической традиции русской литературы. Вслед за Белинским высшим художественным критерием художественности Александр Николаевич Островский считал реализм и народность, которые не мыслимы как без трезвого, критического отношения к действительности, так и без утверждения положительного народного начала. "Чем произведение изящнее, - писал драматург, - тем оно народнее, тем больше в нём этого обличительного элемента".
Своеобразие драматического действия в пьесах Островского определило взаимодействие различных частей в структуре целого, в частности особую функцию финала, который всегда структурно значим: он не столько завершает развитие собственно драматической коллизии, сколько обнаруживает авторское понимание жизни. Споры об Островском, о взаимосвязи в его произведениях эпического и драматического начал так или иначе затрагивают и проблему финала, функции которого в пьесах Островского по-разному толковались критикой. Одни считали, что финал у Островского, как правило, переводит действие в замедленный темп. Так, критик "Отечественных записок" писал, что в "Бедной невесте" финалом является четвёртый акт, а не пятый, который нужен "для определения характеров, которые не определились в первых четырёх актах", и оказывается не нужным для развития действия, ибо "действие уже кончено". И в этом несоответствии, несовпадении "объёма действия" и определения характера критик усматривал нарушение элементарных законов драматического искусства.
Другие критики полагали, что финал в пьесах Островского чаще всего совпадает с развязкой и нисколько не замедляет ритм действия. Для подтверждения этого тезиса обычно ссылались на Добролюбова, отмечавшего "решительную необходимость того фатального конца, какой имеет Катерина в "Грозе".
Островский считал, что писатель обязан не только сродниться с народом, изучая его язык, быт и нравы, но и должен овладеть новейшими теориями искусства. Всё это сказалось на взглядах Александра Николаевича Островского на драму, которая из всех видов словесности ближе всего стоит к широким демократическим слоям населения. Наиболее действенной формой Островский считал комедию и признавал в самом себе способность воспроизводить жизнь преимущественно в этой форме.
В драматических произведениях Александра Николаевича Островского можно наблюдать, как разрывается временная последовательность и концентрированность действия: автор прямо указывает на значительные промежутки времени, отделяющие один акт от другого. Однако такие временные перерывы встречаются чаще всего в хрониках Островского, преследующие цель эпического, а не драматического воспроизведения жизни. В драмах и комедиях временные интервалы между актами способствуют выявлению тех границ характеров действующих лиц, которые могут обнаруживаться лишь в новых изменившихся ситуациях.
Секрет драматургического письма Островского заключается не в одно - плановых характеристиках человеческих типов, а в стремлении создать полнокровные человеческие характеры, внутренние противоречия и борения которых служат мощным импульсом драматического движения.
ПЬЕСЫ А.П. ЧЕХОВА
"Нездоровье мое немножко напугало меня и в то же время (бывают же такие фокусы!) доставило мне немало хороших, почти счастливых минут. Я получил столько сочувствий искренних, дружеских, столько, что мог вообразить себя аркадским принцем, у которого много царедворцев. До болезни я не знал, что у меня столько друзей".
А. Чехов (во время болезни)
Более ста лет назад в тихом южнорусском городе Таганроге, при свете сальной свечи по вечерам делал уроки или читал книги гимназист Антон Чехов - Антоша Чехонте, как прозвал его один из учителей. После трудного дня учебы и беготни по поручениям отца, который держал лавку с бакалейными товарами, он мечтал о какой-то другой жизни - интересной, без грубых слов и подзатыльников.
И вот юноша решил стать образованным человеком - врачом. В 1879 году он поступил на медицинский факультет Московского университета. Уже студентом Чехов начал печатать в юмористических журналах маленькие рассказы и подписывал их - "Антоша Чехонте". Сначала он писал только юмористические произведения. Такие рассказы, как "Лошадиная фамилия", "Хирургия", "Репетитор" [главный герой: Удодов], "Налим", и сейчас заставляют нас смеяться. А ныне - переживать. Крестьянский мальчик, которого отдали в учение к сапожнику, пишет дедушке письмо с просьбой взять его обратно в деревню. "Пожалей ты меня, сироту несчастную, а то меня все колотят и кушать страсть хочется, а скука такая, что и сказать нельзя, все плачу". Это из рассказа "Ванька Жуков".
Позже Чехов стал писать кроме рассказов повести и серьезные пьесы. Кого только мы не встретим в них! Тут врачи, учителя, чиновники, студенты, военные, помещики, крестьяне, нищие, полицейские и арестанты. Все профессии, все возрасты - вся Россия! Чехов высмеивал все, что мешало жить честно и справедливо: наглость сильных и заискивание слабых, трусость, грубость и равнодушие ("Смерть чиновника"). Отвратительны ему и держиморды, которые мнят себя опорой отечества ("Унтер Пришибеев"), скандалисты, хулители, дебоширы, пьяницы ("Маска" и "В бане"). Писатель резко высмеял тех кто, идеализировал мужика. В рассказе "Злоумышленник" у мужика своя логика, свои нужды, ничего другого он знать не хочет.
В общей сложности началом литературной деятельности Чехова его окружает тетрально-художественная среда Москвы и Петербурга. Знакомые Чехова - музыканты, художники, актеры, режиссеры, критики и литераторы. Иногда Чехов выступал в качестве театрального рецензента. Многие рассказы, фельетоны, статьи и письма Чехова 1880-х г.г. посвящены театру и актерам. Писатель высоко ценил русскую реалистическую школу, он был хорошо знаком с великой трагической актрисой М.Н.Ермоловой, дружил с актерами В.Н.Давыдовым и П.М.Свободиным, В.Ф.Комиссаржевской и М.Г.Савиной. Среди московских театров он отдавал предпочтение Малому театру, среди петербургских - Александринскому. Почти во всех работах, посвященных театру, Чехов отмечал важность актерской культуры и профессионализма.
Но только внимание критики, читательские симпатии и, главное, поддержка со стороны ведущих литераторов (Д. В. Григоровича, А. Н. Плещеева, В. Г. Короленко) были расценены Чеховым как приглашение к профессиональной литературной деятельности, что потребовало от него пересмотра собственного отношения к литературным занятиям как способу заработка или веселой забаве. В повести "Степь", опубликованной в 1888 в журнале "Северный вестник", обозначились главные художественные открытия Чехова: отсутствие традиционного для русской литературы героя, выражающего авторскую мировоззренческую позицию; воссоздание окружающего мира, преломленного эмоциональным человеческим восприятием; передача душевного состояния персонажей через "случайные" реплики и жесты.
Не мало у Чехова рассказов и о любви. Писал он их мастерски, глубоко вникая в природу человеческих чувств, раскрывая и характеры: "Дама с собачкой", "Ведьма", "Скучная история". Необычные человеческие типы он показал в рассказах "Крыжовник"(главный герой: Николай Иванович Чимша-Гималайский ),"Ионыч"(главный герой: Дмитрий Ионыч Старцев ), "Человек в футляре"[главный герой: Беликов ), "Студент". В своих произведениях Чехов умел обходиться без "указующего перста". Он предоставляет возможность самому читателю делать выводы. Выразителен язык "самыми близкими к жизни словами", как подметил А. М. Горький. Если вы прочитаете рассказы "Унтер Пришибеев", "Человек в футляре" и другие, вы почувствуете, какой тяжкой была тогда жизнь в России. Но Чехов верил в то, что она изменится и все плохое уйдет в прошлое. Этой мечтой о прекрасном будущем России живут герои его пьес "Вишневый сад", "Три сестры", "Чайка", "Дядя Ваня". Ныне Чехова читают от мала до велика. Пьесы его не сходят со сцены театров многих стран, произведения экранизируются, а книги издаются почти на всех языках мира.
Чехов неслучайно начинает с легких жанров. Он не ищет своего читателя, он знает публику и к ней обращается в своих непритязательных юморесках. Неслучайны и его многочисленные псевдонимы: Человек без селезенки, Антоша... Это мягкий домашний юмор, не претендующий ни на что, кроме шутки, вызывающий улыбку - и только.
И темы его ранних рассказов просты и неприхотливы: он высмеивает чрезмерное чинопочитание, глупую напыщенность... Но вот тут-то и кроется нечто неожиданное: темы рассказиков Антоши Чехонте - осмысление знакомых нам центральных проблем русской литературы! Вспомним "Смерть чиновника".
Герой, случайно чихнувший на лысину начальника, извинялся-извинялся, да и помер со страху. А ведь это - чеховское преломление темы "маленького человека"! После острого сочувствия судьбе гоголевского Акакия Акакиевича, после ощущения бесконечной вины перед униженными и оскорбленными героями Достоевского Россия хохотала над глупой и пошлой смертью маленького чиновника. Ибо сострадали - "братьям меньшим", то есть адресовались - то не к ним.
Предметом интереса и художественного осмысления Чехова становится новый пласт жизни, неведомый русской литературе. Он открывает читателю жизнь обыденную, каждодневную, знакомую всем череду рутинных бытовых дел и соображений, проходящую мимо сознания большинства: она служит лишь фоном для действительно решающих, экстраординарных событий и свершений.
Таким образом, героем Чехова становится человек, действующий заведено, механически, не познавая жизнь и не осознавая себя в ней. И вся жизнь этого героя проходит в ожидании некоего решительного поворота, яркого события. Но, когда это событие действительно происходит, оказывается, что человек не может не только действовать - способствовать благоприятному повороту судьбы или противостоять ее удару; он не способен даже осмыслить происходящее: неразработанное, неумелое сознание "буксует"... И в результате жизнь катится дальше уже проложенным руслом к тому последнему итогу, который с полной ясностью докажет, что не состоялся еще один человек, не сформировалась еще одна личность, еще одна жизнь прошла впустую... И все его творчество воспринимается именно как диагноз: падение чувства личности.
Он писал частную жизнь - именно это стало художественным открытием. Под его пером литература стала зеркалом минуты, имеющей значение лишь в жизни и судьбе одного, конкретного человека. Чеховская Россия состоит из вопросов, из сотен разгаданных и неразгаданных судеб. И лишь из всего этого множества, из совокупности штрихов, начинают проглядывать очертания картины. Персонажи Чехова образуют пеструю толпу, это люди разных судеб и разных профессий, их занимают различные проблемы - от мелких бытовых забот до серьезных философских вопросов. Художественная манера Чехова не назидательна, ему претит пафос проповедника, учителя жизни. Он выступает как свидетель, как бытописатель. В "Вишневом саде" Чехов не только создал образы людей, чья жизнь пришлась на переломную эпоху, но запечатлел само Время в его движении. Ход истории есть главный нерв комедии, ее сюжет и содержание. Герой Чехова, как всегда, играет в собственной жизни второстепенную роль. Но в "Вишневом саде" герои оказываются жертвами нечастных обстоятельств и собственного безволия, а глобальных законов истории: деятельный и энергичный Лопахин такой же заложник времени, как пассивный Гаев. Пьеса построена на уникальной ситуации, которая стала излюбленной для всей новой драмы ХХ века, - это ситуация ПОРОГА. Еще ничего такого не происходит, но есть ощущение края, бездны, в которую должен низвергнуться человек. Система персонажей: герои и их роли каждый из героев исповедуется, но в итоге все эти исповеди оказываются обращены в зрительный зал, а не к партнерам по сцен В какой-то момент исповедующийся понимает, что самого главного объяснить не сможет. Так Аня никогда не поймет драмы матери, а сама Любовь Андреевна никогда не поймет ее увлечения Петиными идеями. Человек может в известной степени корректировать свою личность, свои отношения с окружающими. Но изменить свою роль он не может, как бы чужда она ему ни была. Несоответствие внутренней сущности героя той социально-исторической роли которую он вынужден играть, - вот драматическая суть в "Вишневом саде".
В комедии переплетаются несколько сюжетных линий. Раньше всех заканчивается линия несостоявшегося романа Лопахина и Вари. Она построена на излюбленном чеховском приеме: больше всего и охотнее всего говорят о том, чего нет, обсуждают подробности, спорят о мелочах - несуществующего, не замечая или сознательно замалчивая существующее и существенное. Давайте прежде всего всмотримся в образ Лопахина. Сам Чехов считал его роль "центральной" в комедии.
Вот это-то сочетание бескорыстной любви к прекрасному - и купеческой жилки, мужицкой простоты - и тонкой артистической души и стремится уловить и воплотить в образе Лопахина Чехов. Лопахин - единственный, кто предлагает реальный план спасения вишневого сада. И реален этот план, прежде всего, потому, что Лопахин понимает: в прежнем виде сад сохранить нельзя, время его ушло, и теперь сад можно сберечь, лишь переустроив, пересоздав в соответствии с требованиями новой эпохи. Варя ждет простого и логического хода жизни: раз Лопахин часто бывает в доме, где есть незамужние девушки, из которых "подходит" ему лишь она, Варя, - значит, должен жениться. И лишь занятость мешает ему заметить ее достоинства. У Вари даже мысли не возникает иначе взглянуть на ситуацию, подумать, любит ли ее Лопахин, интересна ли она ему? Все Варины ожидания основаны на разговорах окружающих о том, что этот брак был бы удачен, на досужих пересудах! Гибнущий сад и несостоявшаяся, даже незамеченная любовь - две сквозные, внутренне связанные темы пьесы Спасение сада - в его коренном переустройстве, но новая жизнь означает, прежде всего, смерть былого, и палачом оказывается тот, кто яснее всех видит красоту гибнущего мира.
И вот еще - важнейшее: сейчас, близко к новому рубежу веков, в современной смуте конца эпохи, разрушения старом и судорожных попыток создать новое, "Вишневый сад" звучит для нас не так, как звучал еще десять лет назад. Оказалось, что не только рубеж ХIХ-ХХ веков - время действия чеховской комедии; она написана и о безвременье вообще, о том смутном предрассветном часе, который пришелся в на нашу жизнь, определил и наши судьбы.
Многие произведения Чехова инсценировались для кино и телевидения, а также были поставлены в музыкальном театре. К Чехову обращались композиторы С.Рахманинов, А.Спендиаров, Р.Щедрин, В.Гаврилин и др.
ЗАКЛЮЧЕНИЕ
Жёсткие границы творчества, стандартный набор тем и художественных средств вполне гармонировал с общественной жизнью российского общества. Интересам власти соответствовала и тематика пьес, призывающих сделать нравственный выбор в пользу общественных интересов, то есть интересов вышестоящих персон и подчиняться действующим правилам.
Кстати, сочинительством пьес занималась даже сама императрица Екатерина Вторая. Её произведения активно ставились в различных театрах (а могло ли быть иначе!), но критиковались в либеральных литературных журналах. В то же время появлялись и комедии. В них могли высмеиваться такие пороки как невежество и глупость. Наиболее выдающимся явлением этого направления стали комедии Д.И.Фонвизина («Недоросль» и «Бригадир»).
Стоит отметить, что если средневековый театр был забавой простонародья, говоря современным языком, явлением массовой культуры, то в восемнадцатом столетии театр - элитарное искусство, предназначенное для представителей высшего сословия.
До середины века функционируют только домашние или придворные (Эрмитажный театр в Петербурге) заведения. На их сценах играют крепостные актёры и уже тогда актёрская профессия была зависимой ).
Первые публичные драматические театры в России появляются лишь в 50-ых годах 18 века, в Москве и Петербурге.