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Beuys, Pieter Holstein, Richard Hamilton, Dorothy Iannone, Jan Voss, Wolf Vostell, Douwe Jan Bakker, Emmet Williams, Robert Filiou, Nini Tang, Peter Angermann, John Armleder, Geoffrey Hendriks, Jan Knap, Alan Johnston, Peter

Mцnning, Bengt Adlers und Franz Graf ein.

Alle Kunstwerke im Besitz des Museums werden von den Künstlern selbst und nicht von Fachmännern von Kunsteinrichtungen ausgewählt. Ein

Katalog der Kunstsammlung des Lebenden Kunstmuseums ist auf einer

Digitaldatenbank zugänglich.

Der Prinz des Museums von Wales des westlichen Indiens

In den frühen Jahren des zwanzigsten Jahrhunderts haben sich einige prominente Bürger Bombays dafür entschieden, ein Museum mit der Hilfe der

Regierung aufzustellen, um des Besuchs des Prinzen Wales zu gedenken. Eine der Entschlossenheiten des Ausschusses auf seiner Sitzung am 22. Juni 1904 war, "Das Gebäude sollte eine ansehnliche und edle Struktur haben, die sich für die Seite ausgewählt, und in Übereinstimmung mit dem besten Stil der lokalen

Architektur ziemt."

Der Ausschuss hat keine Anstrengung verschont, diesen Traum zu begreifen. Am 1. März 1907 dann hat die Regierung Bombays dem Museumsausschuss einen Punkt des Landes übergeben, das als die "halbmondförmige Seite" bekannt ist, gelegen am südlichen Ende der gegenwärtigen Mahatma Gandhi Road. Nach einer offenen Konkurrenz für das

Design wurde George Wittet beauftragt, das Museum zu entwerfen, das 1909 baut. George Wittet hatte mit John Begg im Aufbau des Hauptpostamtgebäudes zusammengearbeitet. Seine anderen Arbeiten in Bombay schließen das Gericht von Kleinen Ursachen und das großartige Tor Indiens ein.

Das nationale Museum der Geschichte (Brasilien)

Das Nationale Museum der Geschichte, dem Ministerium der Kultur, geschaffen 1922 gehörend, ist eines der wichtigsten Museen in Brasilien mit 287.000 Sachen, die die größte numismatische Sammlung in Lateinamerika einschließen.

Der architektonische Komplex, wo das Museum gelegen ist, hatte seinen Ursprung im Santiago Fort, das am ehemaligen Calaboose-Punkt, einem der strategischen Punkte für die Verteidigung der Stadt Rio de Janeiro gelegen ist.

Die Nationalgalerie Kanadas

Die Nationalgalerie Kanadas, ein Museum der bildenden Künste der internationalen Statur, hält seine Sammlungen der für alle Kanadier treuhänderischen Kunst. Das Mandat der Nationalgalerie, wie dargelegt, im

1990-Museumsgesetz ist: Um sich zu entwickeln, erhalten Sie aufrecht und

machen Sie bekannt, überall in Kanada und international, eine nationale Sammlung von Kunstwerken, historisch und zeitgenössisch, mit dem speziellen, aber nicht der exklusiven Verweisung nach Kanada; und zu weiteren

Kenntnissen, dem Verstehen und Vergnügen der Kunst im Allgemeinen unter allen Kanadiern.

Das Museum von marokkanischen Künsten

Die eindrucksvolle Kontur des Dar el Makhzen beherrscht den

Schärferen kasbah.

Früher der Palast des Gouverneurs, es wurde im XVII-th Jahrhundert gebaut und wird um eine herrliche mit der emaillierten Fayence geschmückte

Terrasse angelegt.

Das Museum von marokkanischen Künsten wird in den Wohnungen des Prinzen aufgenommen, die tatsächlich fürstlich sind: gemalte Holzdecken, geformte Pflasterarbeit und Mosaiken, sie alle exquisit.

Eine würdige Einstellung für Kunstwerke von überall in Marokko, die als renommierte Botschafter ihrer Gebiete beachtet werden.

Der Norden wird durch Schusswaffen vertreten, die mit der Marketerie und seinen Töpferwaren geschmückt sind, die feine Motive von Blumen oder Federn tragen, während von Rabat die schimmernden Teppiche mit ihrem charakteristischen Hauptmedaillon kommt...

Das Feszimmer ist... Seiden mit ihren subtil veränderlichen Höhepunkten, herrlich bestimmte illuminierte Manuskripte mit der feinsten Kalligrafie, jahrhundertealte Teller ziemlich glänzend, die in den hervorragendesten Farben, vom goldenen gelben Recht bis den berühmten "Blauen Fes" geschmückt sind.

Vom miniscule bis das kolossale ist das marokkanische Museum von

Künsten ein komplettes Weltall der Schönheit.

Museum von Albany

Das Museum von Albany ist ein provinzielles Museum, das von der

Abteilung der Sportkunst und Kultur des Ostkaps gefördert ist, und ist ein aufgenommenes Forschungsinstitut der Universität von Rhodos. Das Museum besteht heute aus einer Familie von sechs Gebäuden, die das

Naturwissenschaftsmuseum, das Geschichtsmuseum, das Sternwartenmuseum, das Fort Selwyn, das Alte Vorstehermilitärgefängnis und den Drostdy Bogen einschließt.

Das Museum von Albany, das zweitälteste Museum im südlichen Afrika, wurde am 11. September 1855 gegründet, aus der Stadt von Graham Medizinische-Chirugical Gesellschaft wachsend (hat später die Literarische,

Wissenschaftliche und Medizinische Gesellschaft genannt). Zwischen 1859 und 1882 hat der Stadtdirektor Grahamstown, Herr Glanville, als der erste

Museumsdirektor gedient, und ihm wurde von seiner Tochter, Fräulein Mary

Glanville bis 1895 nachgefolgt, als Dr Selmar Schonland der erste Direktor des Museums geworden ist. Am Anfang wurde das Museum in mehreren kleinen

Möglichkeiten um Grahamstown einschließlich des Dachgeschosses des

Rathauses vor dem Bewegen zu seinem dauerhaften Haus in der Somerset Street

1902 aufgenommen. Dieses Gebäude nimmt jetzt den Kernblock des gegenwärtigen Naturwissenschaftsmuseums auf.

Mit Dr Schonland, ist die historischen Bande gekommen, die das

Museum mit der Universität von Rhodes hat. 1902 hat er das Kapparlament angeredet, für die Errichtung einer Universität in Grahamstown sprechend, und hat die Treuhänder des Stands von Cecil Rhodes überzeugt, Fonds für die Errichtung der Universität von Rhodos Universität zu verpfänden. Als die Universität 1904 gegründet wurde, ist Dr Schonland sein erster Professor der

Botanik geworden. 1910 wurde Dr Schonland als Direktor von Dr John Hewitt nachgefolgt.

Die Forschung von John Hewitt legt die Felder der Wirbelzoologie und

Archäologie an. Er hat archäologische Ausgrabungen an Wiltons Typseiten Poort und Howisons übernommen. Während dieser Periode hat die langjährige

Angelegenheit von Grahamstown mit Fischen angefangen. 1930 hat Dr J.L.B.

Smith, Älterer Vortragender in der Chemie am Rhodos, identifiziert und hat die Seefischsammlung des Museums katalogisiert. Im nächsten Jahr hat Herr Rex Jubb die erste kleine Sammlung von Süßwasserfischen von Südlichem Rhodesia

(jetzt Simbabwe) zum Museum gesandt.

Am 6. September 1941 hat das Museum ein verheerendes Feuer mit einem großen Verlust des ausgestellten Materials ertragen. Glücklich wurden die

Bibliothek und die meisten Forschungssammlungen gerettet. 1952 wurde die

Sammlung des Museums von Fischen der Abteilung der Universität der Fischkunde geliehen. Drei Jahre später hat das Museum sein Jahrhundert und

1957 gefeiert, sein Personal ist Provinzielle Angestellte geworden.

Dr John Hewitt hat sich im nächsten Jahr zurückgezogen, und wurde von Dr Tom H. Barry nachgefolgt. Während der Amtszeit von Dr Barry von fünf

Jahren wurden der Hewitt und Rennie Wings zum Naturwissenschaftsmuseum hinzugefügt, und das 1820-Kolonistengedächtnismuseum (hat jetzt gerufen das Geschichtsmuseum) wurde gebaut.

Die Periode zwischen 1965 und 1977, dem Direktorat von Herrn C.F. Jacot Guillarmod, war eine der Verdichtung. Die Nationale Sammlung von

Süßwasserorganismen wurde vom CSIR bis das Museum übertragen. Die Frühe

Steinzeit-Seite an Amanzi wurde ausgegraben, und Wiederausgrabungen wurden an Wiltons Poort und Howisons getan. Das Fort Selwyn wurde durch das Kap Provinzielle Autorität wieder hergestellt und dem Museum 1977 übergeben.

1977 wurde Herrn Jacot Guillarmod von Herrn Brian Wilmot nachgefolgt, und es war in dieser Zeit, dass das Museum in eine neue Periode des Wachstums eingegangen ist. De Beers Consolidated Mines Limited hat gekauft und hat die Sternwarte und das Haus des Priesters wieder hergestellt und hat sie dem Museum geschenkt. Das Alte Vorstehermilitärgefängnis wurde durch die Kapprovinz wieder hergestellt.

Die Süßwasserfischsammlungen der Behörden von Transvaal und Cape Nature Conservation, des Geburtsmuseums und des südafrikanischen Museums wurden dem Museum von Albany (die letzten zwei auf dem Darlehen) das

Bilden davon die größte Sammlung im südlichen Afrika übertragen. Museumspersonal hat angefangen, kurze Kurse an der Universität und 1983 zu unterrichten, das Museum ist ein Aufgenommenes Forschungsinstitut der

Universität von Rhodos geworden. Die nahe Beziehung mit der Universität wurde mit der Verdichtung des herbaria der zwei Einrichtungen und der Bildung des Selmar Schonland Herbariums ausgebreitet, das im Naturwissenschaftsmuseum aufgenommen ist.

Kreative Kunstund schöne Kunst

Durch eine breite Definition von künstlerischen Kunstarbeiten haben für fast so lange bestanden wie Menschheit: von der frühen vorgeschichtlichen Kunst bis zeitgenössische Kunst; jedoch schränken einige Theorien das Konzept auf moderne

Westgesellschaften ein. Das erste und der weiteste Sinn der Kunst sind dasjenige, das am nächsten an der älteren lateinischen Bedeutung geblieben ist, die grob zur "Sachkenntnis" oder "dem Handwerk" übersetzt, das so mit Wörtern verbunden ist wie "Handwerker". Englische Wörter sind auf diese Bedeutung zurückzuführen gewesen schließen Kunsterzeugnis, künstlich, Kunstgriff, medizinische Künste und militärische Künste ein. Jedoch gibt es vielen anderen umgangssprachlichen

Gebrauch des Wortes, aller mit etwas Beziehung zu seiner ruandischen Etymology.20th-Jahrhundertflasche. Künstlerische Arbeiten können praktischen Funktionen zusätzlich zu ihrem dekorativen Wert dienen. Wenige moderne Gelehrte sind mehr geteilt worden als Plato und Aristoteles auf der Frage bezüglich der Wichtigkeit von der Kunst mit Aristoteles, der stark Kunst im Allgemeinen und

Plato allgemein unterstützt, der seiner ziemlichen Bedeutung entgegengesetzt ist. Mehrere Dialoge in Plato packen Fragen über die Kunst an: Sokrates sagt, dass Dichtung durch die Musen begeistert wird und nicht vernünftig ist. Er spricht zustimmend davon, und andere Formen des Gotteswahnsinn (Betrunkenheit,

Erotik, und träumend) in Phaedrus (265a-c), und noch in der Republik wollen zur großen poetischen Kunst des Verbrechers Homer und Gelächter ebenso. In Ion gibt Sokrates keinen Hinweis der Missbilligung von Homer, dass er in der Republik ausdrückt. Der Dialog Ion schlägt vor, dass die Ilias von Homer in der alten griechischen Welt als die Bibel fungiert hat, tut heute in der modernen christlichen

Welt: Als göttlich begeisterte literarische Kunst, die moralische Leitung zur Verfügung stellen kann, wenn nur es richtig interpretiert werden kann. Hinsichtlich der literarischen Kunst und der Musikkünste hat Aristoteles gedacht, dass epische Dichtung, Tragödie, Komödie, dithyrambic Dichtung und Musik mimetic oder nachahmende Kunst, jeder war, sich in der Imitation durch das Medium, den

Gegenstand und die Weise ändernd. [10] Zum Beispiel imitiert Musik mit den

Medien des Rhythmus und der Harmonie, wohingegen Tanz mit dem Rhythmus allein, und Dichtung mit der Sprache imitiert. Die Formen unterscheiden sich auch in ihrem Gegenstand der Imitation. Komödie ist zum Beispiel eine dramatische Imitation von Männern, die schlechter sind als Durchschnitt; wohingegen Tragödie Männer ein bisschen besser imitiert als Durchschnitt. Letzt unterscheiden sich die

Formen in ihrer Weise der Imitation - durch den Bericht oder Charakter, durch die

Änderung oder keine Änderung, und durch das Drama oder kein Drama. [11] hat Aristoteles geglaubt, dass Imitation zur Menschheit natürlich ist und einen der Vorteile der Menschheit gegenüber Tieren einsetzt. Die zweite und neuere, Kunst der Bedeutung des Wortes als eine Abkürzung für die kreative Kunstoder schöne Kunst ist am Anfang des 17. Jahrhunderts erschienen. [13] verweist Schöne Kunst auf eine Sachkenntnis, die verwendet ist, die Kreativität des Künstlers auszudrücken, oder die ästhetischen Feingefühle des Publikums zu verpflichten, oder das Publikum zur Rücksicht des mehr raffinierten oder feineren Kunststücks anzuziehen.

Innerhalb dieses letzten Sinns kann sich die Wortkunst auf mehrere Dinge beziehen: (i) eine Studie einer kreativen Sachkenntnis, (ii) ein Prozess, die kreative Sachkenntnis, (iii) ein Produkt der kreativen Sachkenntnis, oder (iv) die Erfahrung des Publikums mit der kreativen Sachkenntnis zu verwenden. Die kreativen Künste

(Kunst als Disziplin) sind eine Sammlung von Disziplinen, die Gestaltungsarbeiten erzeugen (Kunst als Gegenstände), die durch einen persönlichen Laufwerk (Kunst als Tätigkeit) gezwungen werden und eine Nachricht, Stimmung oder Symbolik für den perceiver befördern um (Kunst als Erfahrung) zu dolmetschen. Kunst ist etwas, was Gedanken einer Person, Gefühle, Glauben oder Ideen durch die Sinne stimuliert. Kunstwerke können für diesen Zweck ausführlich gemacht oder auf der Grundlage von Images oder Gegenständen interpretiert werden. Für einige Gelehrte, wie Kant, konnten die Wissenschaften und die Künste durch die

Einnahme der Wissenschaft als das Darstellen des Gebiets von Kenntnissen und den Künsten als das Darstellen des Gebiets der Freiheit des künstlerischen Ausdrucks bemerkenswert sein. Häufig, wenn die Sachkenntnis auf eine allgemeine oder praktische Weise verwendet wird, werden Leute es als ein Handwerk statt der Kunst betrachten. Ebenfalls, wenn die Sachkenntnis auf eine kommerzielle oder industrielle Weise verwendet wird, kann es als Werbegrafik statt der schönen Kunst betrachtet werden. Andererseits werden Handwerke und Design manchmal als angewandte Kunst betrachtet. Einige Kunstanhänger haben behauptet, dass der Unterschied zwischen der schönen Kunst und gegolten hat, hat Kunst mehr, um mit Werturteilen zu tun, die über die Kunst gemacht sind als jeder klare definitorische Unterschied. [14] Jedoch hat sogar schöne Kunst häufig Absichten außer der reinen Kreativität und dem Selbstausdruck. Der Zweck von

Kunstwerken kann sein, Ideen, solcher als in politisch, geistig, oder philosophisch motivierte Kunst mitzuteilen; ein Schönheitsempfinden zu schaffen (siehe Ästhetik); die Natur der Wahrnehmung zu erforschen; für das Vergnügen; oder starke Gefühle zu erzeugen. Der Zweck kann auch anscheinend nicht existierend sein.

Kunst ist als ein Fahrzeug für den Ausdruck oder die Kommunikation von Gefühlen und Ideen, einem Mittel definiert worden, um formelle Elemente um ihretwillen, und als mimesis oder Darstellung zu erforschen und zu schätzen. Kunst als mimesis hat tiefe Wurzeln in der Philosophie von Aristoteles. [16] hat sich Leo Tolstoy identifiziert die Kunst als ein Gebrauch von indirekten bedeutet, von einer Person zu einem anderen zu kommunizieren. [16] haben Benedetto Croce und R.G.

Collingwood die Idealistenansicht vorgebracht, dass Kunst Gefühle ausdrückt, und dass das Kunststück deshalb im Wesentlichen in der Meinung des Schöpfers besteht. Die Theorie der Kunst als Form hat seine Wurzeln in der Philosophie von Immanuel Kant, und wurde am Anfang des zwanzigsten Jahrhunderts von Roger

Fry und Clive Bell entwickelt. Mehr kürzlich haben Denker unter Einfluss Martin Heideggers Kunst als die Mittel interpretiert, durch die eine Gemeinschaft für sich ein Medium für den Selbstausdruck und die Interpretation entwickelt. [19] George

Dickie hat eine Institutionstheorie der Kunst angeboten, die ein Kunststück als jedes Kunsterzeugnis definiert, auf das eine qualifizierte Person oder Personen, die im Auftrag der sozialen Einrichtung allgemein gekennzeichnet als "die Kunstwelt" handeln, "den Status des Kandidaten für die Anerkennung" zugeteilt haben. [20] hat Larry Shiner schöne Kunst als "nicht eine Essenz oder ein Schicksal, aber etwas beschrieben, was wir gemacht haben. Kunst, weil wir es allgemein verstanden haben, ist eine europäische Erfindung kaum zweihundert Jahre alt.”

Geschichte der Kunst

Skulpturen, Höhlenmalereien, Felsenbilder und petro glyphs von der Oberen Altsteinzeit, die zu vor ungefähr 40,000 Jahren datiert, sind [22] gefunden worden, aber die genaue Bedeutung solcher Kunst wird häufig diskutiert, weil so wenig über die Kulturen bekannt ist, die sie erzeugt haben. Die ältesten Kunstgegenstände in der Welt — eine Reihe der winzigen, exerzierten Schnecke schält ungefähr 75,000 Jahre alt — wurden in einer südafrikanischen Höhle entdeckt. [23] sind Behälter, die verwendet worden sein können, um Farben zu halten, gefunden worden, schon zu Lebzeiten von 100,000 Jahre datierend.

Höhlenmalerei eines Pferdes von den Höhlen von Lascaux, um 16,000 BP

Viele große Traditionen in der Kunst haben ein Fundament in der Kunst von einer der großen alten Zivilisationen: Das Alte Ägypten, Mesopotamia, Persien, Indien, das chinesische, Alte Griechenland, Rom, sowie Inca, die Maya-Sprache und

Olmec. Jedes dieser Zentren der frühen Zivilisation hat einen einzigartigen und charakteristischen Stil in seiner Kunst entwickelt. Wegen der Größe und Dauer dieser Zivilisationen haben mehr von ihren Kunstarbeiten überlebt, und mehr von ihrem Einfluss ist anderen Kulturen und spätere Zeiten übersandt worden. Einige haben auch die ersten Aufzeichnungen dessen zur Verfügung gestellt, wie Künstler gearbeitet haben. Zum Beispiel hat diese Periode der griechischen Kunst eine Verehrung der menschlichen physischen Form und die Entwicklung von gleichwertigen Sachkenntnissen gesehen, Muskulatur, Gleichgewicht, Schönheit und anatomisch richtige Verhältnisse zu zeigen.

In der byzantinischen und Mittelalterlichen Kunst des Westlichen Mittleren Alters hat sich viel Kunst auf den Ausdruck von Themen über die biblische und religiöse

Kultur konzentriert, und hat Stile verwendet, die den höheren Ruhm einer himmlischen Welt, wie der Gebrauch von Gold im Vordergrund Bilder oder Glases in Mosaiken oder Fenstern gezeigt haben, die auch Zahlen im idealisierten präsentiert haben, (flache) Formen gestaltet haben. Dennoch hat eine klassische

Realistentradition auf kleinen byzantinischen Arbeiten angedauert, und Realismus ist fest in der Kunst des katholischen Europas gewachsen. Renaissancekunst hatte eine sehr vergrößerte Betonung auf dem realistischen Bild der materiellen Welt und dem Platz von Menschen darin, widerspiegelt im corporeality des menschlichen Körpers und der Entwicklung einer systematischen Methode der grafischen Perspektive, Zurücktreten in einem dreidimensionalen Bilderraum zu zeichnen.

Die stilisierte Unterschrift von Sultan Mahmud II des Osmanischen Reichs wurde in der arabischen Kalligrafie geschrieben. Es liest Sohn von Mahmud Khan von

Abdulhamid ist für immer siegreich.

Die Große Moschee von Kairouan in Tunesien, auch genannt die Moschee von

Uqba, ist einer der feinsten, bedeutendste und beste bewahrte künstlerische und architektonische Beispiele von frühen großen Moscheen. Datiert in seinem aktuellen Zustand aus dem 9. Jahrhundert ist es der Vorfahr und das Modell aller

Moscheen in den islamischen Westländern.

In der Verwerfung der östlichen, islamischen Kunst der Ikonographie hat zu Betonung auf geometrischen Mustern, Kalligrafie und Architektur geführt. Weiterer Osten, Religion hat künstlerische Stile und Formen auch beherrscht.

Indien und Tibet haben Betonung auf gemalten Skulpturen und Tanz gesehen, während religiöse Malerei viele Vereinbarungen von der Skulptur geliehen hat und zu hellen sich abhebenden Farben mit der Betonung auf Umrissen geneigt hat.

China hat das Blühen von vielen Kunstformen gesehen: Das jadegrüne Schnitzen, bronzework, Töpferwaren (einschließlich der atemberaubenden Terrakottaarmee von Kaiser Qin), Dichtung, Kalligrafie, Musik, Malerei, Drama, Fiktion, usw.

ändern sich chinesische Stile außerordentlich vom Zeitalter bis zum Zeitalter, und jeder wird nach der herrschenden Dynastie traditionell genannt. Also, zum Beispiel sind Bilder von Tang-Dynastie monochromatisch und spärlich, idealisierte

Landschaften betonend, aber Bilder von Ming-Dynastie sind beschäftigt und bunt, und konzentrieren sich darauf, Geschichten über das Setzen und die Zusammensetzung zu erzählen. Japan nennt seine Stile nach Reichsdynastien auch, und hat auch viel Wechselspiel zwischen den Stilen der Kalligrafie und Malerei gesehen. Holzschnittdruck ist wichtig in Japan nach dem 17. Jahrhundert geworden.

Das Westalter der Erläuterung hat im 18. Jahrhundert künstlerische Bilder von physischen und vernünftigen Gewissheiten des Uhrwerkweltalls, sowie politisch revolutionären Visionen einer postmonarchistischen Welt, wie die Beschreibung von Blake von Newton als ein göttlicher geometer oder die propagandistischen Bilder von David gesehen. Das hat zu Romantischen Verwerfungen davon für Bilder der emotionalen Seite und Individualität von Menschen geführt, die in den

Romanen von Goethe veranschaulicht sind. Das Ende des 19. Jahrhunderts hat

dann einen Gastgeber von künstlerischen Bewegungen, wie akademische Kunst,

Symbolik, Impressionismus und fauvism unter anderen gesehen.

Die Geschichte der Kunst des zwanzigsten Jahrhunderts ist ein Bericht von endlosen Möglichkeiten und der Suche nach neuen Standards, jeder, in der Folge durch das folgende niedergerissen werden. So können die Rahmen von

Impressionismus, Expressionismus, Fauvism, Kubismus, Dadaismus,

Surrealismus, nicht usw. sehr viel außer der Zeit ihrer Erfindung aufrechterhalten werden. Erhöhung der globalen Wechselwirkung hat während dieser Zeit einen gleichwertigen Einfluss anderer Kulturen in die Westkunst gesehen. So hatten japanische Holzschnittdrucke (selbst unter Einfluss der Westrenaissance draftsmanship) einen riesigen Einfluss auf den Impressionismus und die nachfolgende Entwicklung. Später wurden afrikanische Skulpturen von Picasso und einigermaßen von Matisse aufgenommen. Ähnlich in den 19. und 20.

Jahrhunderten hat der Westen riesige Einflüsse auf Ostkunst mit ursprünglich westlichen Ideen wie Kommunismus und Postmodernismus gehabt, der einen starken Einfluss

Modernismus, die idealistische Suche nach Wahrheit, hat in der letzten

Hälfte des 20. Jahrhunderts zu einer Verwirklichung seiner Unerreichbarkeit nachgegeben. Theodor W. Adorno hat 1970 gesagt, "Es wird jetzt als selbstverständlich betrachtet, dass nichts, was Kunst betrifft, mehr als selbstverständlich betrachtet werden kann: Weder Kunst selbst, noch Kunst in der

Beziehung zum Ganzen, noch sogar das Recht auf die Kunst zu bestehen." Relativismus wurde als eine unvermeidliche Wahrheit akzeptiert, die zur Periode der zeitgenössischen postmodernen und Kunstkritik geführt hat, wo Kulturen der Welt und der Geschichte als das Ändern von Formen gesehen werden, die geschätzt und von nur mit der Skepsis und Ironie gezogen werden können. Außerdem wird die Trennung von Kulturen zunehmend verschmiert, und einige behaupten, dass es jetzt passender ist, in Bezug auf eine globale Kultur, aber nicht regionaler zu denken.

Öffentlicher Zugang

Seit alten Zeiten hat viel von der feinsten Kunst eine absichtliche Anzeige des Reichtums oder der Macht vertreten, die häufig durch das Verwenden massiver

Skala und teurer Materialien erreicht ist. Viel Kunst ist von Linealen oder religiösen Errichtungen mit bescheideneren Versionen beauftragt worden, die nur für das wohlhabendste in der Gesellschaft verfügbar sind. Dennoch hat es viele Perioden gegeben, wo die Kunst der sehr hohen Qualität in Bezug auf das Eigentumsrecht über große Teile der Gesellschaft vor allem in preiswerten Medien wie Töpferwaren verfügbar war, die auf dem Boden und den leicht verderblichen

Medien wie Textilwaren und Holz andauern. In vielen verschiedenen Kulturen wird die Keramik von einheimischen Völkern der Amerikas in solch einer breiten Reihe von Gräbern gefunden, dass sie klar auf eine soziale Elite nicht eingeschränkt wurden, obwohl andere Formen der Kunst gewesen sein können.

Fortpflanzungsmethoden wie Formen haben Massenproduktion leichter gemacht, und wurden verwendet, um römische Alte Qualitätstöpferwaren und griechische

Tanagra Figürchen zu einem sehr breiten Markt zu bringen. Zylindersiegel waren sowohl künstlerisch als auch praktisch, und dadurch sehr weit verwendet, was den

Mittelstand im Alten Nahen Osten lose genannt werden

Sobald Münzen weit verwendet wurden, sind diese auch eine Kunstform geworden, die die breiteste Reihe der Gesellschaft erreicht hat. Eine andere wichtige Neuerung ist im 15. Jahrhundert in Europa gekommen, als printmaking mit kleinen Holzschnitten, größtenteils religiös begonnen hat, die häufig sehr klein und handfarbig, und sogar durch Bauern erschwinglich waren, die sie an die

Wände ihrer Häuser geklebt haben. Gedruckte Bücher waren am Anfang sehr teuer, aber sind fest im Preis bis vor dem 19. Jahrhundert gefallen sogar der schlechteste konnte einigen mit gedruckten Illustrationen gewähren. Populäre Drucke von vielen verschiedenen Sorten haben Häuser und andere Plätze seit Jahrhunderten geschmückt. Öffentliche Gebäude und Denkmäler, weltlich und religiös, durch ihre Natur reden normalerweise ganze Gesellschaft und Besucher als Zuschauer an, und die Anzeige zur breiten Öffentlichkeit ist lange ein wichtiger Faktor in ihrem Design gewesen. Ägyptische Tempel sind darin typisch die größte und am meisten großzügige Dekoration wurde auf den Teilen gelegt, die von der breiten Öffentlichkeit, aber nicht den Bereichen gesehen nur von den Priestern gesehen werden konnten.

Viele Gebiete von königlichen Palästen, Schlössern und den Häusern der sozialen Elite waren häufig allgemein zugängliche und große Teile der Kunstsammlungen solcher Leute konnte häufig gesehen werden, entweder von jedem, oder von denjenigen, die ein kleiner Preis oder diejenigen zahlungsfähig sind, die die richtige Kleidung, unabhängig davon tragen, wer sie, als am Palast von Versailles waren, wo die passenden Extrazusätze (Silberschuhschnallen und ein Schwert) von Geschäften draußen angestellt werden konnten. Spezielle Vorbereitungen wurden getroffen, um der Öffentlichkeit zu erlauben, viele königliche oder Privatsammlungen zu sehen, die in Galerien, als mit der Sammlung von Orleans größtenteils gelegt sind, die in einem Flügel des Palais Royals in Paris aufgenommen ist, das für den grössten Teil des 18. Jahrhunderts besucht werden konnte. In Italien ist der Kunsttourismus der Großartigen Tour eine Hauptindustrie von der Renaissance vorwärts, und Regierungen und Städte gemachte Anstrengungen geworden, ihre Schlüsselarbeiten zugänglich zu machen.

Die britische Königliche Sammlung bleibt verschiedene aber große Spenden wie die Alte Königliche Bibliothek wurden davon bis das britische Museum, gegründet 1753 gemacht. Der Uffizi in Florenz hat sich völlig als eine Galerie 1765 geöffnet, obwohl diese Funktion das Gebäude von den Büros der ursprünglichen Staatsbeamten seit langem vorher allmählich übernommen hatte. Das Gebäude, das jetzt von Prado in Madrid besetzt ist, wurde gebaut, bevor die Französische Revolution für die öffentliche Anzeige von Teilen der königlichen Kunstsammlung und ähnlichen königlichen für die Öffentlichkeit offenen Galerien in Wien, München und anderen Kapitalen bestanden hat.

Die Öffnung des Musée du Louvre während der Französischen Revolution (1793) als ein öffentliches Museum für viel von der ehemaligen französischen königlichen Sammlung hat sicher eine wichtige Bühne in der Entwicklung des

öffentlichen Zugangs zur Kunst gekennzeichnet, Eigentumsrecht einem republikanischen Staat übertragend, aber war eine Verlängerung von bereits gut gegründeten Tendenzen. Die meisten modernen öffentlichen Museen und Kunstausbildungsprogramme für Kinder in Schulen können zurück zu diesem Impuls verfolgt werden, für jeden verfügbare Kunst zu haben. Museen in den

Vereinigten Staaten neigen dazu, Geschenke vom sehr reichen bis die Massen zu sein (Das Metropolitanmuseum der Kunst in New York City, zum Beispiel, wurde von John Taylor Johnston, ein Gleisenmanager geschaffen, dessen persönliche

Kunstsammlung das Museum entsamt hat.) Aber trotz all dessen bleiben mindestens eine der wichtigen Funktionen der Kunst im 21. Jahrhundert als ein Anschreiber des Reichtums und sozialen Status. Leistung durch Joseph Beuys,

1978: Jeder ein Künstler - Unterwegs zur für politische Willensund Handlungsfreiheit stehenden Form des sozialen Organismus. Es hat Versuche durch Künstler gegeben, Kunst zu schaffen, die vom Reichen als ein

Statusgegenstand nicht gekauft werden kann.

Einer der ersten ursprünglichen motivators von viel von der Kunst des Endes der 1960er Jahre und der 1970er Jahre sollte Kunst schaffen, die nicht gekauft und verkauft werden konnte. Es ist "notwendig, etwas mehr zu präsentieren, als bloße Gegenstände" [haben den größeren deutschen Postkriegskünstler Joseph Beuys gesagt. Dieser Zeitabschnitt hat den Anstieg solcher Dinge wie Leistungskunst, Videokunst und Begriffskunst gesehen. Die Idee bestand darin, dass, wenn die

Gestaltungsarbeit eine Leistung war, die nichts zurücklassen würde, oder einfach eine Idee war, konnte sie nicht gekauft und verkauft werden. "Demokratische

Moralprinzipien, die um die Idee kreisen, dass ein Kunststück eine Ware ist, haben die ästhetische Neuerung getrieben, die Mitte der 1960er Jahre gekeimt hat und im

Laufe der 1970er Jahre geerntet wurde.

Künstler haben sich weit gehend unter dem Kopfstück der Begriffskunst identifiziert, die... gegen Leistung auswechselt und Tätigkeiten für die

Verpflichtung sowohl mit den materiellen als auch mit materialistischen Sorgen von gemalten veröffentlicht, oder Skulptur-für Männer, die verschlungen sind, um den Kunstgegenstand was zu untergraben, protestieren." In den Jahrzehnten seitdem sind diese Ideen etwas verloren worden, weil der Kunstmarkt gelernt hat, beschränkte Ausgaben-DVDs von Videoarbeiten, Einladungen zu exklusiven

Leistungskunststücken und den Gegenständen verlassen von Begriffsstücken zu verkaufen. Viele dieser Leistungen schaffen Arbeiten, die nur von der Elite verstanden werden, die betreffs erzogen worden sind, warum eine Idee oder Video oder Stück des offenbaren Mülls als Kunst betrachtet werden kön

■Der Anschreiber des Status wird das Verstehen der Arbeit, anstatt es notwendigerweise zu besitzen, und die Gestaltungsarbeit bleibt eine

Tätigkeit aus der Oberschicht. "Mit dem weit verbreiteten Gebrauch der DVD-Aufnahmentechnologie am Anfang der 2000er Jahre haben Künstler und das Galeriensystem, das seine Gewinne vom Verkauf von Gestaltungsarbeiten ableitet, ein wichtiges Mittel gewonnen, den Verkauf