из электронной библиотеки / 48774342983961.pdf

абсолютно статичными. Мизансцену следует считать процессом, развивающимся во времени и пространстве. Цепь последовательных мизансцен спектакля фактически является пластической реализацией драматургического конфликта. Мизансценирование и интонирование пьесы есть объективация проведенного действенного л структурного анализа и путь реализации художественной идеи спектакля. Сложный переход одной мизансцены в другую представляет собой затухание одной действенной тенденции и разрастание другой. В последовательности фаз мизансцены и перехода одной мизансцены в другую возможна тенденция к антагонизму между двумя последовательными актами развития, что характеризует конфликт эпизода. С. Эйзенштейн, разрабатывая теорию мизансценирования, изображал след мизансцены и движение ее в виде графиков, но считал, что в понятие мизансцены входит не только графика, но и характеристика двигательного процесса.

Лицо актера способно и обязано о многом поведать зрителям. В спектакле мы видим синтез лица актера с лицом персонажа — лицо актера-персонажа. Так что об актере в спектакле можно сказать, что он един в двух ипостасях. Выражение лица, мимика его, несет информацию и в статике, и в движении. При помощи движения мышечной системы лица черты его передают чувства, переживания, состояние, мысль. Лицо человека имеет много черт и много выражений. Кроме индивидуальных примет и выражений лица актера, коему предназначено в конкретном спектакле играть роль, нас интересует характер черт лица его персонажа. В театре мы решаем непростую задачу: спроецировать характерные черты лица персонажа на лицо актера-исполнителя. В лице актера мы должны разглядеть черты воображаемого персонажа. Для решения подобных задач часто прибегают к применению грима. При формировании черт лица персонажа следует учитывать традицию восприятия определѐнных черт лица данной общности людей (зрителями, актерами), так как и сами черты лица, и их определенные сочетания для зрителей (это может относиться к целым народам) могут являться устойчивыми знаками. Многовековая традиция восприятия эмоциональных проявлений человека выработала знаки-маски, характеризующие определенные эмоционально-психологические состояния и переживания человека. Подобные знаки фиксируют самые характерные проявления человеческих состояний и чувств, канонизируя их. Природа создала многотипие лиц человеческих, разнообразие форм, линий, пропорциональных соотношений, цвета кожи, волос... И хотя нет в природе одинаковых лиц, есть одинаковые мимические выражения, которые обрели благодаря многолетнему отбору и типизации свои содержания и характеристики.

К самым выразительным чертам лица относятся: рот, глаза, брови, нос. Они изображают внешнее проявление эмоций (мимика), дают информацию о характере человека. Рот человека бывает нормальный — губы спокойно сомкнуты, форма и выпуклость нормативные, линия смыкания губ ровная; нежный — губы полные, чувственные, уголки слегка опущены вниз; упрямый — нижняя губа вытянута кверху, в профиль линия смыкания резко опущена вниз; внимательный — рот немного приоткрыт; насмехающийся — рот приоткрыт, обнажены зубы...

Глаза так же имеют свои характеристики: нормальные — взгляд устремлен ниже линии горизонта, глаза раскрыты; восторженные — взгляд выше линии горизонта, глаза широко раскрыты; внимательные — взгляд прямо на партнера, верхние веки чуть приспущены; невнимательные — взгляд блуждающий, веки слегка сомкнуты, под глазами образуется складка. Брови также бывают внимательные, невнимательные, нормальные, недовольные, а внимательный нос несколько удлинен, крылья ноздрей приподняты, на носу мелкие складки; нормальный нос имеет прямую форму с легкой горбинкой. При выражении внимания глаза раскрыты более обычного и кажутся светлее, брови приподняты, на лбу легкие морщинки. При выражении удивления глаза широко раскрыты, брови подняты вверх, на лбу резкие морщины. При выражении страха, ужаса глаза очень широко раскрыты, брови высоко подняты, лоб напряжен и покрыт морщинами. При выражении презрения углы рта и носогубные складки тянутся вперед и вниз.

91

Передача эмоционального состояния актером традиционного китайского театра имеет свои правила. Для состояния радости необходимы широко открытые глаза, широкая улыбка, покачивание головой; для состояния гнева

— остановившийся взгляд, кривлянис губ, сморщенный нос, пожимание плечами; для состояния страдания — шмыгание носом, слезы на глазах, сморщенное лицо, впалый рот, покачивание головой и пожимание плечами; для состояния испуга — рот открыт, шея втянута, застывшее лицо, вздрагивающее тело, пожимание плечами, выкатывание глаз (См.: Серова С. А. «Зеркало Просветленного духа» Хуан Фань-чо. М.: Наука, 1979).

Несколько слов о профиле человеческого лица. Например, изображение человека в профиль в произведениях станковой живописи помогает заострить характер портретируемого. На сцене профиль воспринимается еще более плоско, чем на картине, но зато он выразительно графичен. С. Эйзенштейн считал, что «фронтальные и профильные построения так уместны в условиях из ряда вон выходящих, то столь же неуместны эти крайние размещения фигуры, когда они участвуют в обычном построении» (Эйзенштейн С. М. Об отказном движении // Избр. произведения. Т. 4. С. 139).

В жизни нам часто приходится общаться с собеседником, стоя к нему спиной. И уходим от собеседника мы, тоже повернувшись к нему спиной. Но это не значит, что в этих ситуациях мы снимаем с себя внимание или бездействуем. Спина характеризует человека как бы еще с одной стороны. Вообще, когда мы наблюдаем за уходящим от нас человеком, то четче обнаруживаем характер его походки, манеру двигаться, ширину плеч.

Художники тщательным образом изучают пластическую анатомию, чтобы через спину человека передать его характер и действие. Уверенность, самовлюбленность, самодовольство купца, человека физически здорового и сытого, мы видим на литографии И. Щедровского «Купец и нищий» (1846). Сюртук плотно облегает спину, напористо выступает рельеф круглых лопаток... Нет расслабленности в осанке Иды Рубинштейн на картине В. Серова (1910). Мы видим выпрямленную спину целеустремленной, темпераментной балерины, позволившей себе несколько минут неподвижности. Спина усиливает впечатление грациозности, динамичности ее облика. Н. Ге изображает римского наместника Пилата со спины в картине «Что есть истина?» (1890). Мешковатая, тяжелая спина Пилата, холеность которой скрыта драпировками одежды, подчеркивает инертность его мышления, тупое самодовольство вершителя человеческих судеб.

По свидетельству М. Садовского, В. Мейерхольд считал, что спина — «самая откровенная часть человеческого тела, за своей спиной мы никогда не следим, она нами не контролируется. Спины очень красноречивы» (Встречи с Мейерхольдом. С. 524). Мейерхольд любил строить мизансцены таким образом, чтобы актеры-персонажи находились на сцене спиной к зрителю. Зинаида Райх — Маргерит Готье («Дама с камелиями», финал 5-го акта) шла к окну, открывала штору, а затем уходила от окна спиной к зрителю. В этом движении есть и обостренное ощущение силы жизни, которая так мощно проявляла себя там, за окном, есть молитвенное отношение к каждому мгновению бытия, к струящемуся свету, есть и обида человека на жизнь за то, что та уступает ее смерти, есть возвращение, как уход навсегда. Возможно, что все это трудно сыграть иначе?..

Созидая среду обитания, человек избрал себя мерой всему. Этот дальновидный поступок спас его от рабской зависимости от среды. Критерием всех создаваемых элементов среды был принцип максимальных удобств в функциональных взаимоотношениях человека с предметным миром. Моделируя предметы, человек соизмерял их с собой для того, чтобы тратить минимум усилий на их освоение. Эти простые истины часто забывают молодые режиссеры и художники, когда сочиняют сценический дом для сценических людей. Просчеты оборачиваются переделками уже готовых предметов на сцене, что приводит к нерациональным затратам средств. В этой связи хотелось бы им посове-

92

товать ознакомиться с антропометрическими данными человека и зависимыми от них размерами предметов и проемов (дверных, оконных), часто применяемых в спектаклях. Мы же коротко подчеркнем зависимость построения сценических форм от антропометрических данных, приводя такие примеры.

Рост человека и ширина его плеч диктуют размеры дверных и арочных проемов. При этом следует учитывать, что при перемещениях человек совершает колебательные движения в вертикальном и горизонтальном направлениях. Высота дверных и арочных проемов должна быть не менее 2000 мм, а ширина — не менее 700 мм. Если по замыслу необходимы низкие проемы для перемещения актеров-персонажей, то следует учесть, что высота от пола до макушки человека на корточках — 1093 мм, в позе «ползком», опираясь на вытянутые руки,— 763 мм. Пройти в просвет (проем) с распростертыми руками можно только при ширине не менее 1800 мм. В случае необходимости определенной модуляции движения и пластики актера-персонажа и его контакта с плоскостями просвета (проема) следует учесть, что при ширине просвета в 400 мм будет непременный контакт человека с боковыми поверхностями, ограничивающими просвет. При этом проходящий попытается уменьшить размеры туловища выдохом, приподнятием плеч, локтей, разворотом туловища боком, уменьшением длины шага. Приведем некоторые габариты мебели (в миллиметрах): длина кровати, лежанки — 2000, высота — 500, ширина — 700, высота стула, табурета — 450; высота письменного стола — 750, обеденного — 700; высота школьной парты — 720, кафедры — 1150: клавиши пианино находятся на высоте 710. Высота верстаков (станков): слесарного — 900, для утюжки белья — 900, для швейной машины — 850, шкафа, серванта, буфета — 1900, старинного бюро, за которым писали стоя, и стойки бара кафе— 1200.

Есть пьесы, действие которых происходит в вагоне. Например, пьеса А. Гельмана «Мы, нижеподписавшиеся», которую ставили многие театры. И даже если художник не строит на сцене настоящий вагон, а создает среду из фрагментов вагона, то необходимо ориентироваться на реальные габариты вагона, знать планировку купе и т. п. Высота купе вагона — 2500 мм. Высота нижнего сиденья — 400 мм, а высота от пола до верхней полки —

1460 мм. Если в эпизоде спектакля нам необходимо расставить ресторанные столики, то расстояние между ними должно быть не менее 800 мм. Длина площадки, которую занимают два человека, сидящие за столиком, составит 1500 мм. Для человека, надевающего пальто, необходимо пространство площадью в 1 кв. м. Высота между этажами многоярусной конструкции на сцене должна быть не менее 2000 мм. Минимальная ширина лестниц равна 700 мм, а высота ступеньки— 150 мм.

Из всего вышеизложенного можно убедиться, что между человеком и миром, который он моделирует, существует неразрывная причинно-следственная связь. Связь эта становится еще более актуальной в театре, когда нам предстоит создавать динамическую, но целостную сценическую картину спектакля. Опыт и знание композиционных закономерностей облегчат, ускорят и уточнят творческие поиски. Включенные в сценическую композицию элементы (живые и неживые) находятся в определенной взаимосвязи. Целостность восприятия сценической картины зависит от согласованности и сбалансированности всех элементов ее структуры. В визуальном восприятии реципиента сценическая картина неделима. Отсутствие композиционного единства можно приравнять к отсутствию земного притяжения, когда смещены все основополагающие критерии нормального существования. Мизансцена (целенаправленное размещение актеровперсонажей на сцене в спектакле) целиком взаимосвязана со сценической средой и другими компонентами спектакля. Мысль эта, казалось бы сама собою разумеющаяся, не всегда находит подтверждение в практике театра. В некоторых спектаклях мизансценирование заменено разводкой актеров, построение их выходов сводится к заботе о том, чтобы они не сталкивались лбами и не сбивали сценическую светоаппаратуру. Есть режиссеры, которые сценическую среду рассматривают как нечто придаточное к постро-

93

енным ими автономно мизансценам. В результате спектакль распадается, рвутся логические взаимосвязи, решение сцен становится формальным и бессмысленным.

«И вот вы мечтаете о новом прекрасном спектакле, в котором динамическая стихия театра закружит в своем пьянящем плясе не только актеров, но и все вокруг них, когда в моменты наибольшего накопления творческих эмоций, вместе с действенным разрывом их, разорвется, завибрирует и преобразится в созвучном динамическом сдвиге вся сценическая атмосфера, усиливая и насыщая пылающее в своем предельном обнажении прекрасное мастерство актера». Так мыслил единство и взаимодействие актера и среды в спектакле А. Таиров. (Записки режиссера, статьи, беседы, речи, письма М.: ВТО, 1970.

С. 169).

Когда мы смотрим на картину, то воспринимаем все ее элементы в композиционном единстве. Единство это выступает в согласовании форм, цвета, линий, фактур движущихся человеческих фигур и форм, цвето-фактур, линий динамического предметного мира, сценического света в спектакле. Общеизвестно, что, работая над ролью, актер не учитывает, да и не может учитывать в силу специфики своего творчества, все компоненты, планируемые и необходимые в спектакле. Во время репетиций можно услышать такие реплики актера: «Мне так удобней», «Я так чувствую», «Мне удобней выйти с этой стороны и пройти сюда», «Мне с руки подойти и взять предмет со стола вот так» и т. п. Но не все, что удобно актеру, удобно режиссеру, то есть воспринимается нужным образом. Актер и режиссер судят о действиях с разных пространственных позиций: один — на сцене, другой — в зрительном зале. То, что актеру может казаться естественным, органичным, выразительным, логичным, оправданным, удобным, активным, действенным, из зрительного зала может восприниматься со знаком минус. Хороший актер должен «зеркалить» свою работу, то есть видеть себя со стороны зрительного зала. Режиссер в свою очередь должен прививать актеру чувство единства сценической композиции.

Говоря словами B. Мейерхольда, «должна быть артистическая дисциплина ощущения себя в общей композиции» (См.: Гладков А. Театр. М.: Искусство, 1980. С. 275). Композиционное единство связано с психофизиологическим восприятием человеком окружающего мира, и противостоять этому восприятию мы не можем. Наоборот, мы должны его учитывать и иа него ориентироваться, оно связано с нашей природой. Но тогда где же место актерской импровизации? «Радость актера,— считал Мейерхольд,— в вариациях и импровизации в пределах композиции целого»

(Там же.C. 277).

Опыт творчества ведущих режиссеров говорит о необходимости партитуры мизансценических построений для постановки. Режиссер, подобно композитору, сочиняет мизансцены и фиксирует их на бумаге словесно и в виде схем. Такие записи называют партитурами спектакля. На листах бумаги начерчена обстановка спектакля (расположение предметов среды); расположение актеров-персонажей среди предметного мира сцены и их перемещения указаны стрелками. Любая композиция имеет свое геометрическое построение. О геометризме композиционных построений среды обитания персонажен и связанных со средой мизансцен много говорил и писал С. М. Эйзенштейн: К. С. Станиславский придавал большое значение пластике сценической среды, связывая среду с созданием мизансцен. В конце творческого пути, углубляя и расширяя понимание метода действенного анализа, К- С. Станиславский хотел при помощи трансформации сценической среды создавать свободные мизансценические импровизации. «Я хочу добиться спектакля без всяких мизансцен. Вот сегодня эта стена открыта, а завтра актер придет и не будет знать, какая стена откроется. Он может прийти в театр, а павильон поставлен иначе, чем вчера, и все мизансцены меняются. И то, что он должен искать экспромтом новые мизансцены,— это дает очень много интересного и неожиданного. Ни один режиссер не придумает таких мизансцен» (Станиславский К. С. Статьи. Речи. Беседы. Письма //М.: Искусство, 1953. С. 688). К. С. Станиславский предлагает создать изме-

94

няющуюся сценическую среду, которая меняла бы программу взаимоотношений актераперсонажа с внешними предлагаемыми обстоятельствами, но влияющими на качество сценического действия.

Контакт актера-персонажа с пространством сцены, вернее с пространством спектакля всегда целенаправленный, создающий или разрушающий определенную ситуацию. Такой контакт формирует пластику спектакля, придает ей необходимое драматическое звучание. Как метко заметил Г. Фукс, «...драма — это ритмическое движение тела в пространстве» (Фукс Г. Революция театра//СПб, 1911. С. 148). Пространство воздействует на человека, человек — на пространство. Человек определенным образом моделирует пространство, чтобы пространство спектакля стало, по выражению Э. Кочергина, «исповедальным» и чувственным. То есть моделировало в определенной степени поведение человека-актера на сценической площадке.

Актер вошел в пространство сцены, вытянул руки в стороны — раскрылся — и пространство как бы обступило его со всех сторон. Но вот актер скрестил руки на груди

— замкнулся, отмежевался от пространства. И пространство отстраняется от него. Актер поднимает обе руки вверх, фигура его удлиняется, он занимает больше пространства по вертикали. Но нижние слои пространства словно выталкивают его вверх, и он теряет устойчивость, вот-вот оторвется от планшета сцены и взлетит. Опустив руки по швам, актер занимает больше пространства вширь, фигура его становится массивнее и тяжелее. Он статичней и инертней. Такой актер находится в состоянии равновесия и в равноправном контакте с пространством. Став в профиль (боком) к зрителю, актер словно растворяется в пространстве. Он сдавлен пространством с боков и кажется малоактивным. На сидящего актера слои пространства давят, как атмосфера на столбик ртути. Лежащий актер будто раздавлен пространством. Оно торжествует над ним. Стоящий на какой-либо высоте над планшетом сцены, актер словно бросает вызов пространству, стремится завладеть им. Пространство, его нижние слои поддерживают актера и стремятся поднять его еще выше. Летящий в пространстве актер (конечно, при помощи сценической техники — полетного устройства) скользит по его воздушным потокам, а удерживающее его пространство кажется нам плотнее обычного. Перемещаясь в пространстве, актер как бы погружается в него и деформирует само пространство. Чем динамичней, действенней и напряженней будет пластика актера, тем активней пластическое противодействие среды. Г. Гегель писал: «Если же человек свертывается в клубок или сидит на корточках на земле, то и этому положению недостает свободы, так как оно указывает на нечто подчиненное, несамостоятельное и рабское. Напротив, свободная поза отчасти избегает абстрактной правильности и угловатости и придает положению членов линии, приближающиеся к органическим формам, отчасти же она позволяет просвечивать духовным определенностям, так что из позы человеческого тела можно узнать переживаемые внутренние состояния и страсти. Лишь в этом случае поза может быть признана жестом души» (Гегель Г. Эстетика: В 4 т. М.: Искусство, 1971. Т. 3. С. 133).

На сцене четко читаются движения человека. Движения информируют зрителя о характере персонажа спектакля. Так, например, вялые движения и расслабленная осанка присуща общительным и приветливым, но бесхарактерным людям, жаждущим любви, комфорта. А уверенность в осанке и движениях, решительные манеры и потребность в физических нагрузках присущи людям энергичным. Людям со сдержанными манерами и движениями могут быть присущи повышенная скорость реакций, беспокойные движения глаз, мышц лица, чрезмерная усталость... Поза интервертов, людей замкнутых, сторонящихся контактов с окружающей средой, боящихся ее воздействия, не выявляет открытости. Движения интервертов сдержанны, они привыкают к какому-нибудь одному предмету, у них нет манеры осваивать пространство, нет широких, открытых жестов. Скрещенные на груди руки — характерная для них поза.

95

Пластика актера в двух его ипостасях, актера-человека и актера-персонажа, оказывает на реципиента эстетическое и физиологическое воздействие. Красота тела человека издавна признана высшим образцом красоты. Движения тела, игра мышц, выражение лица человека во все эпохи находили отражение и толкование в произведениях различных мастеров кисти и резца. Художники стремились запечатлеть красоту человека, его пластику, движения для того, чтобы своим произведением воздействовать на других людей, научить их наслаждаться красотой, заставить ценить в человеке красоту. Интерпретация пластического облика человека находила свою материализацию в мертвом материале (камень, металл, краска). Но, создавая произведение, художник кодировал во всей его архитектонической структуре, в ритмическом чередовании форм, объемов, линий энергию пережитого некогда впечатления и эстафетой передавал ее зрителям, потомкам. Может быть, поэтому две женские фигурки раннекикладского искусства (одна с о. Аморгос — 3200—2700 гг. до н. э., другая с о. Сирое — 2700—2300 гг. до н." э.) своей пластической выразительностью могли бы смело соперничать с лучшими образцами современной скульптуры.

Живой выразительный материал актера-пластика должен быть богаче, емче, многогранней изображений человека, которые мы наблюдаем в произведениях изобразительного искусства. Пластика актера-персонажа в конкретном спектакле — явление очень сложное. Суть ее состоит в целенаправленном отборе движений человека, изменений форм и направлений, связанных с определенными движениями головы, туловища, конечностей. Так как речь идет об актере-персонаже, то к пластике относятся и чужеродные добавления к непосредственной пластике актера-человека согласно замыслу постановщиков. Речь идет о всевозможных наклейках, масках, париках, толщинках, сценических костюмах. Пластика актера-персонажа в спектакле проявляет двойственный характер: она как бы автономна, но в то же время зависима от пластики партнеров по сцене в конкретном эпизоде и от сценической среды. Наблюдаем объективную и субъективную зависимость актера-персонажа от пластики партнеров и пластики сценической среды. Объективная состоит в необходимости создания композиционного единства всей объемно-пространственной картины каждого эпизода и спектакля в целом. Объективная взаимозависимость всех пластических компонентов спектакля программируется постановщиками как важное выразительно-изобразительное средство композиции спектакля. Субъективная — выражается в воздействии пластики сценической среды и пластики партнеров по эпизоду на психофизическое состояние каждого играющего в данный момент актера. Подвергаясь стороннему воздействию, пластика актера будет изменяться, коррекции будут подвержены его творческое самочувствие, активность, готовность к совершению поступка.

Динамика — жизнь мизансцены. Конечно, мизансцена может быть статичной, но статика эта не лишена скрытой динамики, готовности в любой момент к движению. Говоря словами Мейерхольда, «спектакль — это чередование динамики и статики, а также динамики различного порядка (См.: Гладков А. Театр. С. 291).

Движение можно представить как состояние нарушения равновесия и стремление восстановить его. В движении человека мы наблюдаем изменение направлений взаиморасположенных частей тела (плечей, бедер, рук, ног, туловища и головы), чередование напряженных и расслабленных мышечных групп, переменное перемещение и поддержание центра тяжести, колебательные движения туловища (вертикальные, горизонтальные, поперечные, вращательные). Динамическая мизансцена — это пульсирующий процесс нарушений и восстановлений равновесия. Динамическая мизансцена как сложная образная система состоит из пластики актеров-персонажей, взаиморасположений всех партнеров, из взаимоперемещений, перемещений относительно элементов сценической среды, из смыслового и физического взаимодействия актеров-персонажей и элементов сценической среды. Движение актера—диалог со зрителем. Передача инфор-

96

мации физическими и физиологическими средствами. Погружение зрителей в мир ощущений.

Пластическая выразительность мизансцены может быть подчинена приемам торможения и отказа, имеющим свою мотивацию. Возрожденные для современного театра приемы «тормоз» и «отказ» необходимы для обозначения резкой смены ритма сцены, эпизода, с целью усилить зрительское восприятие главного действия, поступка. Конечно, каждая сцена имеет свои ритмы. Отсутствие ритмического построения сцены напомнило бы нам путешествие в поезде, когда за окном все время удручающе однообразный равнинный пейзаж. Смена ритмов, слом ритмов. Чем резче и неожиданней эта смена ритмов, тем сильнее воздействует на нас происходящее и увиденное. Торможение, замедление действия перед развязкой события, конфликта делает это разрешение неожиданным и обостренным.

Возрождение приемов «отказа» и «тормоза» принадлежит В. Мейерхольду, он придумал эти термины, он же прекрасно пользовался ими в своих постановках. «Мейерхольд,— пишет Л. Варпаховский,— называл «тормозом» всякое препятствие, всякое замедление и остановку, возникающую на пути определившегося движения» (Варпаховский Л. В. Заметки прошлых лет. Наблюдения. Анализ. Опыт. М.: ВТО, 1978. С. 25). В. Мейерхольд, объясняя свою систему «тормоза» студен- там-актерам (1929), говорил о чередовании статики и динамики, устойчивости и неустойчивости, о сознательной постановке ряда препятствий на пути разрешения сцены, за которыми последует развязка.

Замедление движения к разрешению сцены, замедление ритма ее развития необходимо для создания контраста. Преднамеренное замедление момента развязки нагнетает напряженность. Возникает повышенный интерес к исходу действия.

Объясняя простейшую формулу системы «отказа», В. Мейерхольд говорил, что «для того, чтобы выстрелить из лука, надо натянуть тетиву». Смысл «отказа» заключен в дополнительном движении, противоположном целенаправленному основному движению. «Отказ» является как бы подготовительным актом, аккумулирующим энергию для совершения активного целенаправленного действия. С. Эйзенштейн приводит такую формулу «отказа»: «Пойду. Нет, не пойду. И пошел». Акт сомнения перед принятием решения С. Эйзенштейн считает «отказом». Пластическая задача «отказа», его прикладная функция — снабдить необходимую по действию деталь максимальной действенной отчетливостью» (Эйзенштейн С. М. Избр. произведения. Т. 4. С. 821).

Пластически «отказ» выражается в перемещении актера-персонажа на сцене в противоположную основному целенаправленному движению сторону, в отклонении назад перед наклоном вперед, в жесте, противоположном ожидаемому. Во всех случаях «отказа» фактическое движение персонажа противоположно движению, которое он должен был бы совершить сообразно со своим желанием и состоянием.

Когда талантливый и внимательный к актерскому творчеству режиссер показывает на репетициях, как сыграть «кусок», эпизод, ту или иную сцену, как построить пластику персонажа, пластический рисунок всей роли, то в этом нет акта подавления актерской индивидуальности и актерской самостоятельности. Режиссерский показ столь же необходим, сколь необходим действенный анализ пьесы, эпизода, роли. Хороший показ мастера не предполагает копирования, точный повтор и невозможен...

Показ режиссера — целенаправленный акт передачи творческой энергии и необходимой физиологической информации актеру, акт творческой заразительности с целью возбудить творческую активность и фантазию исполнителя. Пластическая структура роли или какая-либо мизансцена в эпизоде не всегда может явиться результатом рационального анализа и разбора. Мизансценическая структура связана с физиологией человека-актера и с физиологически и физически ощутимым предметным миром сцены. Режиссерский показ — передача пластического задания посредством проявления пластического дей-

97

ствия. Программирование психофизиологического самочувствия актера через моделирование собственного самочувствия. Точный показ всегда заразителен. Режиссер заражает актера своей умственной и мышечной энергией, побуждая последнего к проявлению активного творческого поступка. Воля и уверенность режиссера передаются актерам. Пластика и динамика отдельной роли и мизансцены уточняется непосредственно через ощущения от воздействия сценической среды, костюмов, света. Кстати, костюм является обволакивающей тело актера предметной средой. «Физиология» костюма состоит в том, что он изготавливается на конкретного актера, связан с его конституцией, пластикой и в определенной мере формирует пластику персонажа спектакля. Влияние костюма на пластический характер роли и на пластику мизансценической структуры бесспорны.

Находясь на сцене, актер должен уметь видеть себя глазами зрителя, сидящего в зрительном зале. Часто пьеса репетируется кусками, эпизодами, идущими не по порядку. Это еще больше затрудняет актеру восприятие целого. Если режиссер, находясь в зрительном зале, выстраивает картину, находящуюся перед ним, учитывает закономерности восприятия со стороны, то актер находится внутри картины, является ее элементом. Так что по совершенно объективным причинам, а вовсе не из-за волюнтаризма постановщиков, поведение актера необходимо корректировать и направлять из зрительного зала. Конечно, есть актеры, которые, как говорил Мейерхольд, умеют «зеркалить» свою работу, то есть видеть себя со стороны, но в этом «зеркалить» режиссер предполагал нечто большее.

Актеры-персонажи в костюмах, гримах, при определенном освещении действуют среди определенного предметного мира сцены, определенным образом перемещаются в конкретном пространстве. В другом спектакле, в другом случае их пластика, ритм их движений, размещение в пространстве будут совсем иными. Подчиненными замыслу режиссера и художника. Мейерхольд говорил, что режиссер должен «уметь создавать художественно ценные линии углы из живых фигур в связи с линиями и углами всего декоративного замысла» (Мейерхольд В. Э. Статьи, письма, речи, беседы: В 2 ч. М.: Ис-

кусство. Ч. 1. 1968. С. 165).

98

Материалы тестовых заданий

Проверяется:

1.Усвоение и глубину понимания теоретического материала по вопросам: основные этапы развития театральной сцены, устройство сцены-коробки, технология изготовления декорации, основы композиции и сценография спектакля, основы художественного зрительного образа.

2.Знание и умение применять технику и технологию театрального производства декорационного оформления.

3.Умение анализировать технологический процесс в театральном производстве от замысла и его воплощения, формулировать художественный образ спектакля, его основные стадии развития в действенном процессе праздника.

Время на выполнение теста: 15 мин. Оценки:

Максимальное количество - 100 баллов: «5»-80-100б., «4»- 79-60б., «3» - 59-30б.,

«2» -29баллов и ниже.

1. Укажите последовательность.

Развития основных форм театральной сцены:

1.Кольцевая сцена;

2.Сцена-коробка;

3.Симультанная сцена;

4.Сцена-арена;

5.Пространственная сцена.

2.Установите соответствие.

Между режиссером и художником в процессе замысла и воплощения спектакля.

22.Световая партитура спектакля.

3.Установите последовательность.

Подготовительный период в процессе подготовки и создания художественного оформления спектакля:

1.Изготовление оформления в производственных мастерских.

2.Разработка эскизов, макета, чертежей.

3.Технологическая документация.

4.Эскизы костюмов и технология изготовления.

5.Консультации по производственным вопросам.

6.Технический совет.

7.Выгородка, установка декорации.

8.Установка света.

9.Подготовка и монтировка спектакля.

10.Технические репетиции.

11.Творческий репетиционный процесс.

4.Выберите правильные ответы.

Какие виды занавесов относятся к основному оборудованию сцены:

1.Фигурные.

2.Раздвижные.

3.Комбинированные.

4.Подъѐмно-опускные.

5.Эффектные занавесы.

5.Установите соответствие.

Какие группы прожекторов и театральных светильников относятся к

5.Группы верхнего освещения.

6.Фронтальное освещение.

7.Нижнее освещение

8.Дополнительное освещение спектакля

9.Спецэффекты.

10.Верхнее освещение

11.Проекционное, рирпроекционное оборудование.

12.Боковое литерная освещение (световые ложи).

13.Световые пушки.

6.Обведите кружком букву, соответствующую правильному ответу.

Вопрос: Какая часть сцены служит отправной точкой в определении размеров сцены?

а) Планшет сцены. б) Зеркало сцены.

в) Портальное отверстие. г) Арьер-сцена.

д) Механическое оборудование.

7.Обведите ответ да, если согласны с утверждением; нет если не согласны. Вопрос: От чего зависит композиция театрального пространства?

100