Formación del drama clásico ucraniano tiene que ver con Iván Kotlyarevskogo, que dirigió el teatro en Poltava y Gregorio de flores Osnovyanenko, el fundador de las bellas letras en la literatura ucraniano. Burklesk y expresividad, a lo largo de pintorescas y el humor que caracterizan todas sus obras, identificado durante mucho tiempo la cara del teatro académico en Ucrania. En la segunda mitad del siglo 19 en Ucrania, el movimiento teatral de aficionados. En los círculos de aficionados comenzaron su actividad luminarias del teatro ucraniano - dramaturgos y directores Michael Staritsky, Kropiwnicki Marco e Iván Karpenko Kary. Mérito de la evolución teatral rápida también pertenece a la familia Tobilevyches pendientes, cuyos miembros realiza bajo los nombres artísticos de Iván-Karpenko Kary, Mykola Sadovsky y Saksahansky Panas. Cada uno de ellos no sólo creó su propia compañía, pero fue un actor y director pendientes. La principal estrella del teatro ucraniano de la época era María Zankovetska. [Editar]. 20 del siglo Un nuevo período en la historia del Teatro Nacional se inició en 1918, cuando se forman en Kiev Estado Drama y Teatro "El Teatro de los menores (a partir de 1922 - Ucrania moderna Teatro Berezil) Kurbas y Yura Gnat. En el escenario teatral apareció cohorte de actores de gran talento - Ambrosio Buchma, Marian Krushelnytska Dobrovolska Olimpia, Serdyuk Alexander, Uzhviy Natalia, Shumsky Yuri y muchos otros. Estado Teatro Dramático tradición de las escuelas realista y psicológico. En su lugar, el Teatro Joven reivindicado las posiciones de vanguardia. Con la formación de la escena teatral Berezil se convirtió en una especie de área experimental. No es ninguna coincidencia modelos teatrales Berezil asociación recibió una medalla de oro en la Exposición Universal de teatro en París en 1925. No se establecieron por primera obras de famosos autores y dramaturgos ucranianos Mykola Kulish (Malaquías Popular "," Mina Mazaylo ") y Vladimir Vinnichenko (Bazar, Panter y Negro Medvid Polar). Gracias al genio Kurbas bosques, los talentos combinados de director, actor, dramaturgo y traductor de la literatura mundial, fueron una nueva etapa en ucraniano obras significativas de William Shakespeare, Ibsen, Henry, Gerhard Hauptmann, Friedrich Schiller y Comprometido Molière establecimiento desconocido para los espectadores de Ucrania Las piezas de dramaturgos europeos. Desde la asociación creativa "Berezil eleva la colección de teatro y museo y la primera revista en el drama. Para búsquedas experimentales Kurbas, que estaba bajo Stalin, y otros artistas modernos siguen siendo válidas. En nuestro tiempo en Kiev es el Festival Internacional de Teatro de Arte Berezillia "en Kurbas memoria. [Editar]. Teatro en la Ucrania independiente Festival "Ladder" (2008) Desde la independencia de Ucrania nuevos teatros, el interés es cada vez mayor hacia folk y teatro de calle. arte dramático de Ucrania se está integrando en el espacio cultural europeo. El reconocimiento internacional ganado Viktiuk director de teatro romano, cuya actividad creativa se convirtió en un aporte ponderable a la estética del mundo de arte dramático de finales de los años 20 del siglo. Famosa mucho más allá de Ucrania y el director ucraniano otros - Andrew Zholdak. Una serie de talentosos actores del teatro ucraniano, Bogdan Stupka, Rogovtseva Ada, y otros Khostikoyev Anatoly obtuvo gran éxito actuando en casa y películas extranjeras. Ahora Ucrania anualmente a cabo una serie de festivales de teatro internacional que ganó prestigio en Europa: "Que Kiev" en Kiev, "León de Oro" y "escalera" en Lviv, "Noches de Teatro Ternopil. Debut "en Ternopil," Juegos Quersoneso "en Sebastopol," Tavria Melpómene "en Kherson," Navidad "Misterio en Lutsk," Interlialka "en Uzhgorod.

Cine en Ucrania

En 1893, el jefe de mecánicos de Novorossiysk Odessa Universidad José Timchenko inventó y construyó un prototipo del aparato kinoznimalnoho moderna y aparatos para la proyección. Luego hizo la primera tubería del mundo - lanzadores zafilmuvav jinetes y lanzas. De 7 noviembre a 20 diciembre, 1893 en el Hotel Francia (Odessa), ha demostrado estas dos bandas. 09 de enero 1894 la invención se demostró en la sesión 6, Física Sección IX Congreso de los naturalistas y los médicos de Rusia en Moscú. Actualmente la máquina que tira de los fondos del Museo Politécnico de Moscú [1] En septiembre de 1896 en Kharkiv fotógrafo cineasta Alfred tomó una crónica de historias. Y en diciembre - casi un año por año con el espectáculo primera película público en París - cineasta Alfred organizado la presentación en el Teatro Ópera de Jarkov. Pioneros del cine de Ucrania a principios de 1900 preferido de detección populares juegos de Ucrania "Natalka Poltavka" (con la famosa actriz Mary Zankovetskoy) "," mago Moskal, "Contratado. También había sido un intento de crear películas en sujeto de la historia de Ucrania, también, sobre la base teatral (Bogdan Khmelnitsky, "una obra de Michael Staryts'kogo). Con el cine antes de la revolución en Ucrania obras afines de muchos actores populares. Reina de la pantalla que el tiempo era frío Vera, quien nació en Poltava, muchos znimalasya en Odessa. Desde 1919, Ucrania comenzó la película total de la industria. 1922 fundó la fotokinoupravlinnya Todos, que logró reconstruir Odesa y Yalta, y en 1928 para promulgar kinofabryku Kyiv (Kiev estudio futuro. Dovzhenko) - una de las mayores y más avanzados en ese momento en el mundo. Sin embargo, películas de ficción, intenta combinar el tema revolucionario al melodrama tradicional período anterior y los géneros de aventura (Ukraziya "P. Chardynina-, la Bolsa por", "El amor de Berry" Alexander Dovzhenko). En este momento de Ucrania, también hubo proyección de las obras clásicas de la literatura nacional - "Taras Triasilo", "Nicolás Jerónimo", "Borislav ríe. En Odessa estaban rodando varias películas, directores de cine pidió a Moscú. En 1925 el país pasó a las pantallas de cine Sergei Eisenstein "El acorazado Potemkin", que entró en diez películas más taquilleras en el cine mundial y se convirtió en la tarjeta de llamada de Odessa. Cartel de la película "Tierra", 1930 A finales de 1920 en el cine ucraniano mayor fuerza-comenzaron a reclamar una nueva tendencia modernista, que se formó en colaboración con el director Mike Kurbas escritores Johansen y Yuriy Yanovsky. Netorovani caminos en el director de la película original y guionista, famoso escultor Ivan Kavaleridze ("Prometeo", "cosacos más allá del Danubio"). La función específica en la formación de las películas cinematográficas Ucrania jugó Dovzhenko "Zvenyhora" (1928), Arsenal (1929), "Tierra" (1930). También es interesante que Dovzhenko, que estaba en el ejército de la UPR, se encuentra filmando la película Arsenal "en la otra mano. Su obra plantea la industria cinematográfica del país a nivel mundial. En 1958 en la Exposición Universal de Bruselas (Bélgica) la encuesta realizada entre 117 belgas Cinemateca críticos prominentes y críticos cinematográficos de 26 países, la película "Tierra" fue nombrada entre las 12 mejores películas de todos los tiempos y los pueblos. El estilo creado por Dovzhenko, a iniciativa directa, que se define como "cine poético ucraniano. [Editar. Talkies] En 1930, Ucrania aparece la primera película sonora - documental de Dziga Vertov "Symphony of Donbass, y el próximo año, los espectadores escuchar las voces de los actores en la película O. Solovyov" Frente ". A finales de 1930 el terror total en la Unión Soviética junto con el oportunista con el pasado nacional e histórico. Películas "Schors (1939), Alexander Dovzhenko y Bohdan Khmelnytsky (1941) Igor Savchenko - una maravillosa combinación de la participación forzada de la contratación y el director explícito y habilidades actor. cine de Ucrania de la Segunda Guerra Mundial, en parte se trasladó a Oriente, se colocó en su mayoría tareas ideológicas durante la guerra. Sin embargo, en este momento se retiraron y el kinoshedevry original. Estos incluyen la película "Arco Iris" Don Marcos escenario Wanda Vasylevska que el poder extraordinario de arte expresa la tragedia de la aldea de Ucrania ocupada por los alemanes. La película ganó varios premios internacionales como Premio de la Academia (1944) en la categoría de "Mejor Película Extranjera. Guión de Alexander Dovzhenko "Ucrania en el fuego, que originalmente tuvo Stalin de aprobación, y luego fue sometido a una crítica aplastante y autor - shelmuvannyu. Una de las razones para ello, como insinuó Dovzhenko, fue que en el guión nada se dijo sobre el papel crucial de Stalin en la victoria sobre el enemigo. Además, las películas de los años de guerra bajo las órdenes de "victoria" líder propahuvalasya idea rápida y fácil sobre el fascismo. Aunque las películas de Ucrania período 1945-53 fueron limitados por reglas estrictas de "realismo socialista" y su gran valor en el alto nivel de calidad (en la pantalla en este momento como Miguel Romanov, Buchma Ambrosio, Milyutenka Dmitry, Sergei Bondarchuk jóvenes) y el trabajo altamente camarógrafo ("Hazaña de Inteligencia de 1974, dirigida por Boris Barnet, el camarógrafo Daniel Demutskyy," Taras Shevchenko ", 1951, dirigida por Igor Savchenko, el camarógrafo Daniel Demutskyy y otros). La política "deshielo" de la segunda mitad de 1950 - principio. 1960 de la creciente producción de Ucrania. Nuevas películas que todavía están en grandes audiencias: "La primavera Zarechny Street" (1956, dirigida por Marlene Hutsiyev Myroner y Félix), "Sed" (1959, Eugene Tashkov), "Joanna" (1960, Victor Ivchenko), Dream "(1964, Vladimir Denisenko) durante dos liebres" (1961, dirigida por Víctor Ivanov). Cine poético ucraniano Los nombres mas famosos de este periodo : el director Sergei Paradjanov, Illienko Yuri, Leonid Osyka y Mashchenko Mykola, los actores John Mykolaichuk, Shumsky Yuri, Yura Gnat, Stepankov Konstantin, Nikolai Grinko, Bohdan Stupka. Actualmente hay bandas que sentaron las fenómeno único de "cine poético ucraniano": "Sombras de Antepasados Olvidados Parajanov (1964), que recibió el segundo premio en el Festival Internacional de Cine 7 Argentina," Bueno sediento de "Yuri Illienko (1965 ) "Cruz de Piedra Leonid Osyka (1968)," Lealtad "Peter Todorovsky (1965). Pero la reacción política llamada "El estancamiento" prácticamente destruida cine poético ucraniano. Dirigida por S. Paradjanov fue retirado del cine y la vida pública. "Obra maestra de los autores por Kira Muratova" cables largos "(1971) fue prohibida. El destino dramático películas también le sucedió George Illienko 'de una noche de verano' (1968) y "Pájaro Blanco con Negro Marcos (1971), que recibió un Premio de Oro del Festival Internacional de Moscú triumalno. Más tarde la estética del cine poético ucraniano estimulado debut como director el actor John Mykolaychuka (Babylon-XX, 1979), y los elementos significativos de películas de cine se muestra en la poética Nicholas Maschenko "comisarios" (1971) y "¿Cómo se templó de acero" (1973). Soviética cine Ucrania en 1970 - 80 años "La lucha siguió algunas personas mayores", 1972 "La ubicación no puede ser cambiado", 1979 "D'Artan'yan y 3 mosqueteros, 1978 Durante el "estancamiento" en la Unión Soviética desplegó una nueva ronda de la lucha contra la cultura nacional de Ucrania. La destrucción de las instituciones de Ucrania es, con total rusificación, llevado a cabo el acoso ukrainoznavtsa metódica y deliberada, a partir de una ola de arrestos y una serie de procesos políticos (véase la disidencia). cine poético ucraniano fue reconocida autoridad arcaica, aficionado a los libros, el nombre mencionado Dovzhenko empezó a mirar atrás. Durante muchos años, debido a la censura ideológica, están en la plataforma eliminado algunas películas (entre ellas "El pozo para el sediento," Comisarios). A pesar de la burocracia de la producción de películas de Ucrania durante la reacción de Brezhnev en 1970-80 mostró una serie de películas realizadas por poderosas personalidades creativas. En el umbral del "estancamiento" Leonid Bykov, rodó la película "La lucha siguió a la misma" vieja "(1972), y en 1983 Romano Balayan, tras una proyección pocas altamente profesional de Rusia clásicos de la literatura, en sus vuelos de cine en El sueño y despierto exactamente a la fenomenología de la tiempo. estudios de Ucrania se han rodado películas como películas, que ganó gran popularidad en toda la URSS: "D'Artan'yan tres mosqueteros" (1978, del director George Yunhvald-Khilkevich) "Las aventuras de Electrónica" (1979, dirigida por Konstantin Bromberh) Lugar de reunión no se puede cambiar "(1979, dirigida por Stanislav Govorukhin)," camioneta verde "(1983, dirigida por Alexander Pavlovsky)," brujo "(1982, dirigida por Konstantin Bromberh), mujer sola quiere conocer" (1986, dirigida por Vyacheslav Kryshtofovych) .

Documental y animación En la década de 1970 80 de apogeo de las películas documentales de Ucrania. Kiev Estudio de Popular Scientific Films logró disparar una gran variedad de películas, incluyendo las obras maestras del género verdadera ("El lenguaje de los animales sí piensan los animales?", "Siete pasos en el horizonte por Félix Sobolev y otros) .. Muy exitoso fue este período y Ucrania película de animación. Las películas producidas por Vladimir Dahna (serie de TV "¿Cómo los cosacos ...), Davyd Cherkasky (Capitán Vrungel Aventura", "Alas, etc.) Leonid Zarubin (pasto-bull"), Vladimir (La Vía Láctea) hecho famoso Ucrania animación mucho más allá del país. [Editar]. Perestroika Cine Durante la perestroika algunas películas en los problemas sociales agudos - "síndrome asténico" Kira Muratova (1989), "Playa de Dios" Oleg Violeta (1988), "colapso" Michael Belikova (1990) y otros. Jurado de Cine Illienko Lago de los Cisnes. Zone "(1989) ganó éxito internacional amplia, convirtiéndose en un kinoemblemoyu antytotalitarnoyu tipo. [Editar]. Hoy Póster de la película A sangre y fuego (1999) Poster de la película "El Invicto (2000) Bogdan Stupka Sylvestrovych En 1990 los medios de comunicación de televisión ucraniano era el dominar la propagación de todo el mundo la serie de televisión género ("Roksolana director Boris Nebiyeridze," Love Island ", dirigida Biyma Oleg). A finales de 2000 de los actores ucranianos se dedicaban a las películas extranjeras. El gran éxito tuvo la película de Jerzy Hoffman A sangre y fuego con el ucraniano Bohdan Stupka actor en el papel de Hetman Bohdan Khmelnytsky. Desde entonces Bohdan Stupka una pantalla atamán de Ucrania - que poseía el papel en la serie histórica "Negro Junta" Nicholas Zaseiev-Rudenko (2000) y la película de George Oración Illienko de Hetman Mazepa (2001). temas históricos fueron también líderes en el director de obras Yanchuk Oles. Durante 1990 - el primer semestre de 2000 de que era Películas como "El hambre-33" (1991) sobre el destino trágico de una hambruna de la familia vez ucraniano, "atentado - el asesinato de otoño en Munich (1995)," El Invicto "(2000 ) y "Cien Hierro" (2004), que está tratando de transmitir a los espectadores la verdad sobre la vida y los comandantes de lucha contra la forma y soldados del Ejército Insurgente Ucraniano. En los últimos años, el cine ucraniano ha llegado una nueva generación de trabajadores del cine. En 2001, el director de arte a partir Taras Tomenko, triunfó en el concurso de Panorama en el Festival de Berlín. En 2003, en la competencia principal en Berlín el Oso de Plata a la película de animación ucraniano Stepan Koval el tranvía número 9. En 2003, la película Mamay Oles Sanin representada Ucrania para Oscar. En la película de 2005 "caminantes" joven ucraniano Igor Strembitskoho director consiguió la Palma de Oro para el cortometraje .

5. Cine español.Teatro español

El cine español tiene una enorme importancia documental para conocer la evolución histórica de la sociedad en España. Además, el cine español no sólo ha sido durante décadas un entretenimiento de masas, sino también un documento histórico y artístico de primer orden. Ocupa actualmente y de modo general una posición secundaria a nivel mundial si se compara con el cine producido por los países anglosajones, sobre todo Estados Unidos, destacando principalmente por la gran figura de Luis Buñuel, director cuya producción tuvo una gran influencia en Europa (a través de Francia) e Iberoamérica (a través de México) y los esporádicos éxitos internacionales de directores como Segundo de Chomón, Florián Rey, Juan Antonio Bardem, Luis García Berlanga, Carlos Saura, Jesús Franco, Antonio Isasi-Isasmendi, Mario Camus, Pedro Almodóvar o Alejandro Amenábar.

Otras vertientes han obtenido menos repercusión internacional. Sólo el director artístico Gil Parrondo, ganador de dos Óscar de Hollywood, y el director de fotografía Néstor Almendros (que desarrolló toda su trayectoria fuera de España) o los actores Fernando Rey, Fernando Fernán Gómez, Antonio Banderas, Sergi López y Javier Bardem y las actrices Sara Montiel, Ángela Molina, Victoria Abril, Carmen Maura, Maribel Verdú y, sobre todo, Penélope Cruz han obtenido cierta fama, generalmente por sus trabajos fuera de España.

En la actualidad, el porcentaje de taquilla correspondiente al cine español en España viene situándose en los últimos años entre el 10 y el 20%, lo que se traduce en una sensación de crisis que se alarga durante la época más reciente.

Historia del cine español

Como señalan los autores del libro Cine español en cien películas (2002), Miguel Ángel Barroso y Fernando Gil Delgado, «la historia del cine español es parte integrante de la historia del siglo XX y no un simple "adorno cultural"... la cronología de nuestro cine es parte de la historia de nuestro país».

Inicios

Las primeras exhibiciones cinematográficas en España tuvieron lugar en las fiestas de San Isidro de 1896 en Madrid mediante el Animatógrafo, sistema también conocido como Teatrograph y derivado del Kinetoscopio de Edison, modificado por el inglés Robert William Paul y puesto a punto en mayo de 1895. La première de esta primera exhibición española se hizo el 11 de mayo de 1896 en el circo Parish de la plaza del Rey, en los jardines de la Casa de las Siete Chimeneas. Solo dos días después (13 de mayo) llegarían las imágenes del Cinematógrafo Lumière, que traía Alexandre Promio.^[1]

La primera película española fue Salida de la misa de doce de la Iglesia del Pilar de Zaragoza, rodada por Eduardo Jimeno Correas, que con su padre Eduardo Jimeno Peromarta, fueron quienes primero se hicieron con un aparato Lumière, adquirido en junio de 1896 en la misma fábrica de los Lumière en Lyon. Con esta cámara rodaron en las Fiestas del Pilar de 1896 (del domingo 11 de octubre al domingo 18 de octubre) dos películas, la Salida de Misa del Pilar y Saludos, en los dos domingos consecutivos. Esta fue la primera película producida y rodada por un español, pues operadores de Lumière, como Francis Doublier, ya habían rodado en España, a finales de 1895, una corrida de toros.^[2]

Más tarde, en abril de 1896, el operador de cámara francés Alexandre Promio rodó en Madrid, Vistas de la Puerta del Sol, y en Barcelona, Plaza del puerto en Barcelona. También se rodó la anónima, Llegada de un tren de Teruel a Segorbe.^[2]

La primera película con argumento fue Riña en un café (1897), del prolífico fotógrafo y director barcelonés Fructuós Gelabert.

El primer director español de éxito internacional fue Segundo de Chomón, que trabajó en Francia e Italia.

El auge del cine mudo

En 1914, Barcelona es el centro de la industria cinematográfica del país. Se inicia el predominio de las llamadas españoladas, que exageraban el carácter español, y que habría de durar hasta la década de 1960. Se destacan las de Florián Rey protagonizadas por Imperio Argentina y Ricardo Núñez y la primera versión de Nobleza baturra (1925). También se realizan dramas históricos, como Vida de Cristóbal Colón y su descubrimiento de América (1917), del francés Gerald Bourgeois, adaptaciones de folletines como Los misterios de Barcelona (1916) de Joan Maria Codina, obras teatrales, como la de Don Juan Tenorio, de Ricardo Baños, y zarzuelas. El mismo Jacinto Benavente, quien diría que «en el cine me pagan los desperdicios», rodó versiones de sus obras teatrales.

En 1928, Ernesto Giménez Caballero y Luis Buñuel fundan en Madrid el primer cineclub. Para entonces, Madrid ya era el primer centro industrial fílmico, con 44 de los 58 títulos existentes. Ese mismo año Francisco Elías Riquelme rueda El misterio de la Puerta del Sol, la primera película sonora del cine español.

El drama rural La aldea maldita (1929) de Florián Rey se convierte en un éxito en París, donde, al mismo tiempo, Buñuel y Dalí estrenaban Un perro andaluz.

La crisis del cine sonoro y el cine de la Segunda República

En 1931, la llegada de producciones extranjeras con sonido hunde la producción nacional, que se reduce a un único título.

Al año siguiente, Manuel Casanova funda la Compañía Industrial Film Española S.A. (CIFESA), la productora más importante que jamás haya tenido el país y considerada como derechista. Se ruedan 6 películas, incluida la primera película de Luis Buñuel en España, de carácter documental, Las Hurdes, tierra sin pan.

En 1933 se habían rodado ya 17 películas, y en 1934, 21, entre las cuales está el gran éxito de taquilla La verbena de la Paloma (1935) de Benito Perojo.

La producción de filmes iría ascendiendo hasta las 37 películas rodadas en 1935. En estos años se consolidaron productoras y directores de películas que obtuvieron una importante aceptación popular, como Benito Perojo, a quien se deben El negro que tenía el alma blanca (1934) y La verbena de la Paloma (1935), o Florián Rey que se ocupa de la dirección de La hermana San Sulpicio (1934), Nobleza baturra (1935) y Morena Clara (1936). Este podría haber sido el comienzo de la consolidación de la industria cinematográfica española, pero el inicio de la Guerra Civil aborta los prometedores éxitos de la cinematografía de la Segunda República.

La guerra y la postguerra

Desde 1936, los dos bandos empiezan a usar el cine como medio de propaganda. En el bando franquista, se crearía el Departamento Nacional de Cinematografía. Al concluir la guerra civil, numerosos profesionales del cine marcharían al exilio.

En el nuevo régimen, se instaura la censura y se impone la obligatoriedad del doblaje al castellano de todas las películas estrenadas en territorio nacional. Destacarían directores como Ignacio F. Iquino, Rafael Gil (Huella de luz, de 1941), Juan de Orduña (Locura de amor, de 1948), Arturo Román, José Luis Sáenz de Heredia (Raza, de 1942, con guión del propio Franco) y, sobre todo, Edgar Neville (La torre de los siete jorobados, de 1944). También puede destacarse Fedra (1956) de Manuel Mur Oti.

CIFESA se impone como la productora más rentable de la época, cuyos largometrajes inspirados en episodios o personajes de relevancia histórica obtienen el beneplácito de las autoridades y a menudo el respaldo del público.

En la década de los cincuenta nacen dos importantes festivales de cine en España: El 21 de septiembre de 1953 nace el Festival de Cine de San Sebastián sin sufrir ninguna interrupción desde entonces, y en 1956 tiene lugar la primera Semana Internacional de Cine de Valladolid o Seminci.

Por su parte, Marcelino pan y vino (1955) de Ladislao Vajda desataría una moda de niños actores, de la que formarían parte las películas protagonizadas con gran éxito Joselito, Marisol, Rocío Dúrcal y Pili y Mili.

Pero en los años cincuenta y sesenta, el cine no se limita a rodajes protagonizados por niños prodigio, la influencia del neorrealismo se hace evidente en nuevos directores como Antonio del Amo, José Antonio Nieves Conde con su película más destacada Surcos (1951), Juan Antonio Bardem con Muerte de un ciclista (1955) y Calle Mayor (1956), Marco Ferreri con Los chicos (1958), El pisito (1959) y El cochecito (1960), y Luis García Berlanga con Bienvenido, Mister Marshall (1952), Calabuch (1956), Los jueves, milagro (1957) y, sobre todo, Plácido (1961) y El verdugo (1963). En muchas de ellas interviene el que quizás sea al más importante guionista de la historia del cine español: Rafael Azcona. En las conversaciones de Salamanca, Bardem resumiría el cine de la postguerra en un manifiesto que se haría célebre por su dureza: «El cine español actual es políticamente ineficaz, socialmente falso, intelectualmente ínfimo, estéticamente nulo e industrialmente raquítico».

Juan de Orduña obtendría un clamoroso éxito comercial con El último cuplé, de 1957, protagonizada por Sara Montiel.

Buñuel volvería ocasionalmente a España para rodar Viridiana (1961) y Tristana (1970), basada en la novela de Benito Pérez Galdós y protagonizada por Catherine Deneuve y Fernando Rey. Ambas películas, especialmente la primera, causaron cierto escándalo en el contexto represivo de la dictadura franquista.

El nuevo cine español

En 1962, José María García Escudero volvió a ocupar la Dirección General de Cine, impulsando las ayudas estatales y la Escuela Oficial de Cine, de la que saldría la mayoría de nuevos directores, generalmente de izquierdas y opuestos a la dictadura franquista. Entre estos destacan Mario Camus (Young Sánchez, 1964); Miguel Picazo (La tía Tula, 1964); Francisco Regueiro (El buen amor, 1963); Manuel Summers (Del rosa al amarillo, 1963) y, sobre todo, Carlos Saura (La caza, 1965). Ajeno a esta corriente, Fernando Fernán Gómez realizaría la clásica El extraño viaje (1964). De la televisión procedía Jaime de Armiñán, autor de Mi querida señorita (1971) y Jo, papá (1975), ambas con enorme éxito de taquilla. De la llamada «Escuela de Barcelona», originalmente más experimentalista y cosmopolita, destacan Vicente Aranda, Jaime Camino o Gonzalo Suárez, que realizarían sus obras más importantes ya en la década de los 80.

El cine de la democracia

Con el fin de la dictadura, se suprime la censura y se permiten las manifestaciones culturales en otras lenguas españolas, además del castellano, fundándose, por ejemplo, el Institut de Cinema Català, entre otros.

En un principio triunfan los fenómenos populares del destape y el landismo. En los primeros años de la democracia, se abordan temas polémicos y se revisa la historia nacional reciente en películas que, en algunos casos, tienen una innegable calidad como sucede, por ejemplo, con Canciones para después de una guerra (Basilio Martín Patino, 1976) o El espíritu de la colmena (Víctor Erice, 1973), otras son dignas recreaciones de los años más grises de la dictadura como ocurre con Pim, pam, pum, fuego (Pedro Olea, 1975), donde se describen las dificultades de superviviencia de los perdedores en la España más puramente franquista; o particulares visiones esperpénticas del franquismo, como sucede en La escopeta nacional (Berlanga, 1978).

Los cambios políticos de esos años se reflejan de forma inmediata en filmes como Camada negra, de Manuel Gutiérrez Aragón; Tigres de papel, de Fernando Colomo y, en un tono menos militante pero de mayor calado popular, Asignatura pendiente, de José Luis Garci, ganador en 1982 del primer Óscar español concedido a la película Volver a empezar. A la vez comienza a hablarse del llamado «nuevo cine vasco» en el que se encuadran directores de la talla de Montxo Armendáriz, Juanma Bajo Ulloa e Imanol Uribe cuyo film La muerte de Mikel (1984), protagonizada por Imanol Arias, logra llevar a las salas de exbición a más de un millón de espectadores. Y en 1980 Iván Zulueta estrena el largometraje Arrebato, que a pesar de su impopularidad inicial acabaría convirtiéndose en una de las películas de culto más veneradas del cine español.^[3] De esa época es también la excelente versión de La colmena, la novela de Camilo José Cela que filmó Mario Camus con un reparto excepcional.

También en esos años los espectadores llenan las salas para asistir a películas de la llamada «comedia madrileña» representada por directores como Fernando Colomo, el clasicista Fernando Trueba, el humor negro de Álex de la Iglesia y el casposo de Santiago Segura y, sobre todo, los sofisticados melodramas del personalísimo Pedro Almodóvar. Más tarde alcanzarán notoriedad Alejandro Amenábar y Julio Médem.

Premios

En 1987 se crearon los premios Goya como émulo de los premios Oscar para el cine español. Cabe señalar, asimismo, que el cine español es el cine no estadounidense que mas premios Óscar ha ganado desde 1978.

Destacan también los premios que otorgan los más relevantes festivales de cine internacional de España: el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y la Semana Internacional de Cine de Valladolid.

Festivales

España vive en los últimos años un boom de festivales dedicados al cine en muchas de sus vertientes. Algunos tienen muchos años a sus espaldas, como el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, la Seminci o el Festival de Cine de Gijón, y otros muchos, especialmente los más especializados, como Animadrid, Festival Punto de Vista, Docupolis o el Festival de Cine de Comedia de Peñíscola, son de reciente creación, con un ámbito más especializado.

El Festival de Cine de Sitges, conocido actualmente como Festival Internacional de Cinema de Cataluña, fue inaugurado en 1967, y está considerado el número uno en la especialidad de cine fantástico. Dentro de este género destaca Jesús Franco, director muy conocido fuera de España con seudónimos como Jess Franco.

Pero más importante para la renovación y la proyección del cine español en el extranjero fue la creación del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, impulsado en 1953 por el comercio local como una plataforma publicitaria de la ciudad. Se trata del único festival de la máxima categoría A acreditado por la FIAPF de España. En los más de cincuenta años de historia, se ha consolidado como uno de los primeros festivales del mundo.

La Seminci, Semana Internacional de Cine de Valladolid, nacida en 1956 como "Semana de cine religioso de Valladolid", se celebraba en Semana Santa, fue evolucionando, hasta convertirse en uno de los principales festivales de cine de España. Durante muchos años, el Festival Internacional de Cine de San Sebastián fue el encargado del glamour y los nombres conocidos, y la Seminci se preocupó más por recopilar películas interesantes, independientemente de que ya se hubiesen estrenado en otros festivales. Pero en 2006, con el cambio de equipo directivo, parece que ha tomado un nuevo rumbo, orientándose más a una programación de "estrenos", películas nuevas que no tengan recorrido ya por festivales anteriores.

El Festival de Cine de Gijón es otro de los más veteranos, que ha conocido en los últimos años un renacer gracias a su reconversión al cine de autor más contemporáneo y experimental. Destacadas han sido, por ejemplo, sus retrospectivas de autores como Abbas Kiarostami, Aki Kaurismäki, Todd Haynes, Pedro Costa, Paul Schrader, Hal Hartley, Lukas Moodysson, Tsai Ming-liang, Claire Denis o Todd Solondz, auténticas puntas de lanza de la cinematografía mundial, y casi inaccesibles en España de no ser por la labor de este festival.

Entre lo más recientes destaca el significativo Festival de Cine Español de Málaga, dedicado a la producción cinematográfica española.

La última propuesta en festivales, es el FIC-CAT, Festival Internacional de Curtmetratges en Català, un festival orientado a los realizadores catalanes o de cualquier lugar del mundo siempre y cuando las obras estén dobladas o subtituladas en catalán, en cualquiera de sus variantes.

Géneros del cine español

Por sus particularidades y basándose en su folclore, en su tradición,en sus costumbres y en su vida cotidiana se ha creado unos géneros que reflejan la sociedad, la historias y los hábitos de España así como su propia realidad, tanto actual como histórica.

Cine histórico

Narra las grandes hazañas de la historia o bien intenta reflejar la vida cotidiana de tiempos pretéritos. Podemos dividirlo en varios subgéneros

Cine colonial

Inspirado tanto en la época de los descubrimientos como en el crepúsculo colonial. Sobre la epopeya del descubrimiento deben destacarse Alba de América (1951) y la superproducción realizada como motivo del quinto centenario, 1492, la conquista del Paraíso, y Cristobal Colón, el descubrimiento en la que intervinieron figuras internacionales como, por ejemplo, Gérard Depardieu ó Marlon Brando respectivamente. Basadas en los tiempos de la conquista del Nuevo Contiente, deben citarse una biografía filmada de Álvar Nuñez Cabeza de Vaca, las aventuras de Vasco Núñez de Balboa en Conquistadores del Pacífico, así como una adaptación de La Araucana (1971), el conocido poema de Alonso de Ercilla. pero dentro de este subgénero la que alcanza mayor repercusión es El Dorado (Carlos Saura, 1988) que en el momento de su rodaje se convirtió en la película más cara de la historia del cine nacional. Pretendía ser el contrapunto a Aguirre, la cólera de Dios, película alemana en la que Werner Herzog ofrecía su particular visión de la epopeya de Lope de Aguirre.

De temática relacionada con la decandencia y final colonial son Héroes del 95 (Eloy Gonzalo, 1947) en la que se narra la heroicidad de los que intervinieron en la guerra de Cuba y Mambí (Teodoro Ríos, 1998) y sobre todo el clásico Los últimos de Filipinas (película) ( Antonio Román, 1945) que cuenta la hazaña de un grupo de soldados del regimiento de cazadores destinados en Baler, empeñados en resistir en una iglesia rodeados de enemigos y en no creer que la guerra hubiera terminado.

Cine sobre la Edad Media y el Islam

Cine de la Guerra de la Independencia

Distintos episodios de la Guerra de la Independencia han sido llevados al cine, unos con carácter histórico y otros en ficciones inspiradas en el momento de la guerra. De este subgénero destacarían películas como Agustina de Aragón (Juan de Orduña, 1950), contando la leyenda de la heroína aragonesa, Lola la Piconera (Luis Lucia, 1951) inspirada en una obra de José María Pemán, Los guerrilleros (Pedro L. Ramírez, 1962), La leyenda del tambor (Jorge Grau, 1981), inspirada en el episodio de El tambor de Bruch.

Cine palaciego

Fue un subgénero muy en boga en los años cuarenta destacando principalmente la adaptación de la obra sobre de Manuel Tamayo y Baus Locura de amor (Juan de Orduña, 1948), vehículo de consagración de la actriz Aurora Bautista. Si bien en este subgénero las que alcanzarían mayor notoriedad serían las que, basándose en obras de teatro de Juan Ignacio Luca de Tena, ficcionaban parte de la vida sentimental de Alfonso XII: ¿Dónde vas Alfonso XII? (Luis César Amadori, 1958), y su continuación ¿Dónde vas triste de ti? (Alfonso Balcazar, 1960) protagonizadas por Vicente Parra —el galán de la época— y Paquita Rico. Otras películas de este género serían La Princesa de los Ursinos (Luis Lucia, 1947), La leona de Castilla (Juan de Orduña, 1957), la adaptación de la obra del Luis Coloma, Jeromín (Luis Lucia, 1953). las últimas incorporaciones destacables a este subgénero son: Esquilache (Josefina Molina, 1989) y Juana la Loca (2001) donde Vicente Aranda retoma la historia de la reina castellana que, además de la ya citada Locura de amor, había servido de argumento a la inefable comedia, protagonizada por Lola Flores, Juana la loca... de vez en cuando (José Ramón Larraz, 1983).

Cine franquista

Cine de bandoleros

Ambientado normalmente a finales del siglo del XVIII y principios del XIX describe la vida y actividades de los guerrilleros que lucharon contra el invasor francés o de los bandoleros que se enseñorearon de zonas del país por lo que podría ser considerado un género nacional equivalente al western norteamericano si bien no se ha sabido explotar con fortuna. Forzosamente, por la gran repercusión que alcanzó, debe hablarse de la serie de televisión Curro Jiménez protagonizada por Sancho Gracia y cuyos capítulos fueron encomendados a directores de la solvencia. Esta serie tuvo una versión cinematográfica llamada Avisa a Curro Jiménez (Rafael Moreno Marchent, 1978), si bien la película más importante de este género es Amanecer en puerta oscura (José María Forqué, 1957), ganadora de un Oso de Plata en el Festival de Cine de Berlín. También son destacables Carne de horca (Ladislao Vajda, 1953),La duquesa de Benamejí (Luis Lucia, 1949), basada en la obra de los hermanos Machado, Llanto por un bandido Carlos Saura, 1964) y, ya en los noventa, La ley de la frontera (Adolfo Aristarain, 1995), inspirada en el bandolerismo gallego.

Cine biográfico

En este género son destacables versiones muy libres de las vidas de Miguel de Cervantes o El Greco así como las dedicadas a Francisco de Goya cuya vida ha servido de base, además de para una serie de televisión, para el rodaje de cinco películas entre las que sobresale Goya en Burdeos, de Carlos Saura, por el número de premios Goya que cosechó.

Cine taurino

La fiesta nacional ha sido llevada al cine en un sinfín de ocasiones. En ocasiones, se trataba de adaptar al medio novelas de temática taurina, otras veces se han filmado guiones en los que se reflejaban desde los aspectos más tópicos hasta los más escabrosos de la «fiesta nacional» o bien la biografía de los toreros que en el momento de los rodajes contaban con mayor número de seguidores.

Basado en obras literarias habría que destacar Sangre y arena, si bien las mejores adaptaciones de la obra de Blasco Ibáñez se realizaron en Hollywood. La novela taurina adaptada al cine español por excelencia ha sido Currito de la Cruz, de Alejandro Pérez Lugín, quien dirigiría una primera versión cinematográfica —todavía sin sonido— a la que seguirán otras tres, ya sonoras. Debe mencionarse que también ha sido llevada al cine en cuatro ocasiones El niño de la monjas, novela de Juan López Núñez.

Películas como Sangre en el ruedo (Rafael Gil, 1969) o Los clarines del miedo (Antonio Román, 1958) mostraban la dureza del mundo de los toros, desde el odio y la envidia de dos estrellas rivales en la primera de las película citadas, hasta la miseria de un torero de que malvive de su arte yendo de pueblo en pueblo. Empero, de estas ficciones no exentas de realismo, debe destacarse Tarde de toros (Ladislao Vajda, 1956) en la que se recogen numerosos aspectos de la fiesta nacional, contraponiendo los caracteres de tres diestros (el consagrado, el ídolo del momento y el principiante), así como otros caracteres secundarios: el crítico taurino, los aficionados seguidores de cada matador...

Por último, en el apartado de biografías cinematográficas de toreros, deben destacarse Aprendiendo a morir (Pedro Lazaga, 1962), protagonizada por Manuel Benítez "El Cordobés", Nuevo en esta plaza (Pedro Lazaga, 1966) sobre la vida de Sebastián Palomo Linares y El Litri y su sombra (Rafael Gil, 1960), quizás la más ambiciosa de todas, porque no se limita a contar exclusivamente la vida del torero, sino que también se detiene en sus antecedentes taurinos familiares. Belmonte (Juan Sebastián Bollaín, 1995) y Manolete, aunque no interpretadas por los propios biografiados sino por actores, son encuadrables en este apartado.

Cine religioso

La importancia que la religión ha tenido en España a lo largo de toda su historia, no podía dejar de quedar reflejada en el cine, llegando a ser en los años cincuenta uno de los géneros que contaron con mayor favor del público, tanto en España como fuera de nuestras fronteras, y convirtiéndose una película de temática religiosa el primer gran éxito internacional, Marcelino, pan y vino, (Ladislao Vajda, 1955), basada en un relato de José María Sánchez Silva. Dentro de este género cabe distinguir varios subgéneros:

Religiosas

En este subgénero donde quedaría englobada la ya mencionada Marcelino pan y vino, se recogen películas donde mediante historias de ficción se trata de reflejar virtudes tanto religiosas como humanas. Suelen tratar de sacerdotes enfrentados al egoísmo de la sociedad en que viven o bien historias más o menos piadosas. De este subgénero destacaría sobre todo la película Balarrasa (José Antonio Nieves Conde, 1950), la historia de un hombre arrepentido que se convierte en sacerdote. También deben destacarse La mies es mucha (José Luis Sáenz de Heredia, 1949), sobre la vida de un misionero español en la India, y las obras de Rafael Gil La guerra de Dios (1953), donde un sacerdote debe luchar ante una sociedad avara y despiadada y El canto del gallo (1955), que narra las vivencias y vicisitudes de unos sacerdotes católicos perseguidos en un país comunista. Ya más tardío es el rodaje de Johnny Ratón (Javier Escrivá, 1969) cuyo protagonista —un desconocido actor llamado Robert Packer— profundamente ateo evoluciona y se transforma en un sacerdote que entregará su vida por el prójimo. Paradójicamente la película que terminaría por cerrar este género sería una nueva versión de la que le dio mayor fama, Marcelino, pan y vino, realizada en 1991 por Luigi Comencini.