Постановка и решение учащимися творческих задач во время работы на пленэре.

Слово «этюд» нередко встречается в книгах по искусству, на выставках, в картинных галереях. Оно обозначает выполненное с натуры произведение изобразительного искусства, как правило небольшого размера. Обычно этюд создается ради тщательного изучения натуры — ее формы, цвета, конструкции, взаимосвязи с окружающими предметами. В нем художник разрабатывает детали будущей картины, скульптуры, книжной иллюстрации. Вспомните знаменитые этюды к картине «Явление Христа народу» А. А. Иванова или этюды И. Е. Репина к «Бурлакам на Волге», В. И. Сурикова к «Боярыне Морозовой», В. М. Васнецова к «Аленушке», П. Д. Корина к картине «Русь уходящая», Е. Е. Моисеенко к картине «Матери, сестры».

Когда художник пишет в мастерской картину, этюд служит тем «живым» материалом, который помогает ему добиться правдивости, жизненности произведения. Однако этюд нужен не только для справок на тот случай, если живописец или скульптор забудет какую-либо деталь. Он необходим с самого первого этапа обучения для совершенствования профессионального мастерства (недаром «этюд» в переводе с французского означает «изучение»). Этюд выполняется маслом, гуашью, акварелью, темперой, пастелью, многими другими материалами. Чаще всего это пейзаж, портрет, интерьер, натюрморт.

Но иногда этюды приобретают вполне самостоятельное значение. Поэтому в художественных галереях и на выставках они занимают место в одном ряду с картинами, порой даже выгодно отличаясь от них свежестью, убедительностью передачи формы и цвета. Некоторые художники пишут главным образом этюды, но решают их как картццы, что выражается в композиционной завершенности, выразительности формы и цвета.

А. А. Иванов. Семь мальчиков. 1840—1850-е гг. Этюд к картине «Явление Христа народу».

В отличие от этюда эскиз чаще всего создается по воображению, но на основе наблюдений натуры. Он выполняется карандашом, акварельными красками, маслом, пастелью. В эскизе художник решает композиционные задачи: ищет наиболее удачный формат будущей картины, композиционный и смысловой центры, ритм, характер освещения, цветовую гамму и т. д. Разрабатывает он также и отдельные элементы: жест какой-либо фигуры, наклон головы. Иные эскизы представляют собой всего несколько беглых линий, зато некоторые приближаются к законченной картине.

Работая над картиной, художник подчас создает огромное количество эскизов, постепенно отбрасывая все лишнее, уточняя композицию, добиваясь выразительности всей сцены и каждого действующего лица в отдельности. Таковы эскизы братьев С. П. и А. П. Ткачевых к картине «Хлеб республики детям» и А. А. Пластова к «Сенокосу».

А. А. Дейнека. Эскиз к картине «Оборона Севастополя».

Работа над эскизами сочетается с выполнением этюдов: они взаимно дополняют друг друга, воображение и память художника подкрепляются изучением натуры. Часто, найдя в эскизе точное место своим героям, обозначив их действия, охарактеризовав каждого, художник ищет среди окружающих похожих на них людей, чтобы написать их с натуры, добиваясь жизненной достоверности. Но бывает и наоборот: встреченный человек наталкивает на мысль создать картину; художник изображает этого человека, а потом придает ему новые черты, отвечающие замыслу и уточненные в ряде эскизов.

Любая серьезная работа над художественным произведением требует большого числа предварительных эскизов и этюдов.

Учитесь наблюдать

Чтобы научиться искусству рисунка, живописи, скульптуры, нужно научиться видеть, наблюдать. Это большое умение, оно дается не сразу. Попробуйте нарисовать какой-нибудь простой предмет, хотя бы ножницы. Если не рассмотреть их внимательно, вряд ли рисунок будет верно передавать форму и устройство ножниц. Или, например, бабочка. Хоть вы и не раз ее видели, будет трудно точно изобразить по памяти строение ее тельца. Точно так же едва ли вы сможете верно передать цвет дальнего леса в пейзаже, если предварительно не будете внимательно наблюдать его и сравнивать с цветом ближних деревьев, травы, а также неба. Найдите самое светлое, самое темное; что желтее, синее, краснее всего остального.

Приучайтесь наблюдать так, чтобы видеть все сразу, целиком. Наблюдая, например, дерево, старайтесь увидеть его в общих очертаниях, как бы в силуэте. Закрыв глаза, проверяйте себя — запомнилось ли то, что вы только что видели. Работая с натуры, старайтесь сохранить первое, самое яркое впечатление от увиденного.

Очень важно уметь выбрать из всего, что вы видите перед собой, ту часть, которая будет интереснее для изображения, лучше разместится на листе бумаги. Для этого удобно пользоваться специальной рамкой-видоискателем, с которой мы советуем не расставаться тем, кто идет наблюдать и рисовать с натуры. Рамку можно вырезать из старой открытки или выпилить из фанерки. Размер отверстия 6x9 см. Выбрав определенное место, которое вам хочется нарисовать, с помощью рамки-видоискателя определите, как лучше расположить изображение — вертикально или горизонтально, что будет на первом плане, какую часть в рисунке будет занимать небо и т. д.

• Живопись начала XIX в

• Живопись конца XIX в

• Русская живопись XX в

• Революция и искусство

• Крестьянское искусство

• О Русской культуре

• Культура СССР 60-70х

Мировое искусство:

• Первобытное искусство

• Древний Восток

• Античное искусство

• Средние века

• Искусство Возрождения

• Искусство 17-18 веков

• Искусство 19-20 веков

• Библиография

Дополнительно:

• Главная

• FAQ

• Рекламные статьи

История изобразительного искусства

Терминология, справки, faq

<<< назад

Этюдник

далее >>>

Краски, палитру и только что написанные этюды художник носит в специальном ящике из фанеры — этюднике. Внутри этюдника есть отделения для кистей, красок и масленки. От крышки, в которую вставляются грунтованные картонки для этюдов, они отделены закрепленной палитрой в размер этюдника.

Этюднк.

Существует много различных форм этюдников. Среди них есть специальные этюдники для работы акварелью. Большой популярностью у художников пользуется этюдник с вмонтированными в него ножками штатива. Он устойчив и незаменим при работе на пленэре.

Как сделать этюдник для масляных красок.

Наиболее удобный для работы этюдник следующего размера: длина — 37 см, ширина — 27 см, высота — 8 см; но, конечно, каждый юный художник может сделать этюдник по своему вкусу — и меньше, и больше указанного размера.

Ящик делается из хорошо выструганных липовых, ольховых или еловых дощечек в 1 см толщиной. Из дощечек свяжите на клею в шип две рамки— половинки этюдника: крышку и дно. Крышка должна быть высотой 3 см, дно — 5 см. Обе рамки с одной стороны обейте фанерой и затем соедините между собой небольшими петельками. Запоры делаются из двух крючков на передней стенке ящика. Ручка, металлическая или ременная, располагается на середине той же стенки.

Внутрь крышки надо вставить фанерку для этюда; по боковым краям ее с внутренней стороны прикрепите два брусочка толщиной 4,5 мм, для того чтобы этюд не прикасался к крышке. Дощечку соедините с крышкой при помощи двух маленьких металлических пластинок, вбитых в нижнюю сторону крышки, а сверху закрепите несложным запором.

В верхнем крае фанерки сделайте небольшой вырез для того, чтобы ее легко и быстро можно было вынуть. В нижней части ящика следует предусмотреть отделения из тонких планок для кистей и красок. Перегородки этих отделений должны быть ниже стенок ящика приблизительно на 1 см, так как на них укладывается палитра, которая закрепляется здесь так же, как и дощечка в крышке. Палитру можно выпилить из фанеры такой величины, чтобы она как раз входила в ящик. Палитру несколько раз пропитайте маслом и хорошо затем просушите.

При работе открытая крышка ящика должна стоять крепко и служить подпоркой для этюдной дощечки. Для этой цели сделайте особый запор из тонкой металлической пластинки (12—14 см). Пластинку одним концом прикрепите к внутренней нижней части ящика, а другим концом, где есть вырезы, заложите на головку шурупчика, глубоко ввернутого в боковую стенку крышки.

Вырезов на пластинке может быть несколько, чтобы ставить крышку с различным наклоном.

Вот, собственно, и все устройство ящика, но для удобства хорошо сделать еще следующие приспособления. В нижнюю часть ящика врежьте металлическую пластинку с гайкой, которая бы подходила к винту штатива от фотоаппарата. Закрепляя ящик на штативе на разной высоте, можно писать этюды и стоя, и сидя. В последнем случае позаботьтесь о маленькой скамеечке или складном стульчике, сидеть прямо на земле и неудобно и вредно. Сбоку ящика хорошо прикрепить ремень для того, чтобы носить его не в руках, а на плече.

Перспектива

далее >>>

В переводе с латинского глагол, от которого происходит слово «перспектива», означает «ясно вижу». Перспектива позволяет художнику запечатлевать на картине любые объекты так, как мы видим их в натуре. Большой вклад в развитие учения о перспективе внесли художники эпохи Возрождения (Пьеро делла Франческа, Леонардо да Винчи, А. Дюрер и др.).

Прежде всего необходимо иметь ясное представление о линии горизонта, так как с ней связаны все перспективные построения. Обычно, говоря о горизонте, имеют в виду линию, отделяющую видимое небо от видимой земли (если поверхность земли плоская, например ровное поле). Условно можно считать, что географический горизонт совпадает с перспективным. Перспективный горизонт делит все на предметы видимые снизу, и предметы, видимые сверху. Линия перспективного горизонта всегда находится на уровне глаз. Как ее определить? Налейте воды в стакан и поднесите его к глазам. Поверхность воды в стакане будет иметь форму эллипса, если смотреть на нее сверху или снизу. Чем ближе эллипс к перспективному горизонту, тем сильнее он сплющен. А на уровне глаз он сольется в одну прямую линию, совпадающую с географическим горизонтом.

Перспективный горизонт опустится, если вы сядете на землю, поднимется вместе с вами на гору. Все горизонтальные линии, находящиеся ниже перспективного горизонта, т. е. видимые сверху, при удалении от нас как бы поднимаются и приближаются к нему, но никогда не пересекают; все линии, расположенные выше горизонта, удаляясь от нас, кажутся опускающимися и тоже приближаются к нему, но никогда не продолжаются ниже его. Все удаляющиеся от нас горизонтальные параллельные линии при продолжении всегда кажутся сходящимися на горизонте. Место их пересечения называется точкой схода. Точка схода параллельных линий, которые находятся под прямым углом к горизонту, всегда расположена против наших глаз и называется главной. Для каждой группы параллельных линий, где бы они ни находились и каким бы предметам ни принадлежали, существует только одна точка схода. Например, если дом стоит под углом к горизонту, то для каждой пары его стен будут свои точки схода. Вертикальные линии всегда остаются параллельными между собой. Окружность, расположенная горизонтально, в перспективном сокращении имеет форму эллипса, наклоненного к горизонту.

А как быть в том случае, когда вы изображаете холмистую местность? Где будут точки схода обочин дороги, идущей сначала под гору, а потом в гору? В первом случае ниже горизонта, во втором — выше.

Художнику необходимо знать и перспективу теней. Поскольку расстояние от солнца до земли очень велико, солнечные лучи мы воспринимаем как параллельные. Следовательно, и тени в солнечную погоду будут параллельными и направятся в перспективе по линиям, которые сойдутся на диске солнца, если оно в эту минуту касается горизонта. Если солнце будет выше, то, отметив на горизонте точку, над которой оно находится, и проведя из нее касательные к предметам, найдем направление теней, а концы их определим с помощью прямых, соединяющих вершины предметов с солнечным диском. В том случае, когда солнце находится за спиной наблюдателя, точка схода теней будет на противоположном ему участке горизонта, прямо перед ним.

Тени от предметов, освещенных лампой или фонарем, падают в разные стороны. Их размеры определяют прямыми, идущими от источника света и от точки, находящейся непосредственно над лампой (на полу, столе, земле и т. д.).

Построение линейной перспективы.

Свои перспективные закономерности имеют и отражения предметов. Так, торчащее из воды бревно отражается, не изменяя формы и величины, в перевернутом виде: длина отражения равна длине бревна. Для того чтобы нарисовать отражение дома в воде, надо представить толщину слоя земли под ближайшим к нам углом дома над уровнем воды. На рисунке это отрезок АС. Отложив вниз от точки С равную ему величину найдем точку Ах. От нее проведем в направлении горизонта прямую равную длине крыши дома. Остальное понятно по рисунку.

Предметы, находящиеся внутри помещения, подчиняются общим законам перспективы. Линия горизонта в комнате, как и на улице, проходит на уровне глаз. Нельзя забывать о перспективных сокращениях и тогда, когда вы рисуете фигуру, голову, лицо человека и вообще любое живое существо. Когда рисуете, следите за тем, чтобы ваше положение относительно изображаемых предметов оставалось неизменным.

Мы вас кратко познакомили с первоначальными сведениями о линейной перспективе. Она является составной частью начертательной геометрии и требует точных расчетов и построений. Однако при работе с натуры художник довольствуется лишь самыми необходимыми ее правилами, полагаясь при этом на свой глазомер. Он ограничивается так называемой наблюдательной перспективой. Но если необходимо создать серьезную композицию — картину или стенную роспись, без серьезных знаний линейной перспективы никак не обойтись.

Построение перспективы отражения предметов в воде.

Художнику следует всегда помнить и о воздушной перспективе. Удаляясь от нас, предметы все больше погружаются в воздушную среду, теряя ясность и четкость очертаний. Темные предметы на расстоянии приобретают холодные оттенки (чаще всего голубоватые, иногда темно-синие), светлые — теплые. Лучше всего издалека заметны красные, оранжевые и другие теплые цвета. Контрасты света и тени, материальность предметов стушевываются по мере удаления: они приобретают характер силуэтов. Если изобразить предмет, придав ему резкие очертания, насыщенную окраску, рельефность, фактурность, то он будет представляться близко к нам расположенным. Теряя эти качества, предмет словно удаляется от нас. Следует иметь в виду: чем сильнее отличается тело от своего окружения по тону, тем ближе к нам оно кажется. То же самое происходит со светлыми предметами или окрашенными в теплые цвета.

Наконец, нельзя не считаться со световой перспективой. Предметы по мере их удаления от источника света теряют яркость, рельефность, цвет, очертания. Световая перспектива, показывающая, насколько предметы удалены от источника света, имеет особенно большое значение при изображении интерьеров, вечерних городских пейзажей.

Пейзаж

далее >>>

С детства нас сопровождают картины природы, запечатленные русскими художниками. Кому не известно монументальное полотно замечательного пейзажиста И. И. Шишкина «Рожь» (1878, ГТГ)? Бескрайнее поле созревающей ржи, окаймленное цепью могучих сосен на горизонте, воспринимается как эпический образ бескрайних просторов русской земли, образ России. В соседних залах Третьяковской галереи нас встречают иные образы природы. Здесь и тихие грустные летние сумерки, и необозримая водная гладь, и неисчерпаемое звонкое буйство красок золотой осени. Это залы И. И. Левитана. Его картины настолько глубоко вошли в нашу жизнь, что мы часто говорим: «левитановский уголок», «левитановское настроение». Художник сумел раскрыть своеобразный лиризм среднерусской природы, показать ее скромную красоту.

На примере произведений Шишкина и Левитана видно, что в изображениях природы выражается мировоззрение художника и его эпохи, национальные, исторически обусловленные особенности восприятия природного мира. Ведь французское слово «пейзаж» означает «природа», а в изобразительном искусстве так называют жанр, посвященный воспроизведению естественной или преображенной человеком природы. Пейзажем называют также отдельное художественное произведение (преимущественно живописи, графики, реже скульптурный рельеф), изображающее природу. Здесь важным моментом является сам избранный художником естественный или сочиненный (идеальный) природный мотив, который становится как бы «героем» произведения. Отдельные фигурки людей или животных, а также небольшие сюжетные сценки в пейзажной композиции существенной роли не играют и являются стаффажем, т. е. средством дополнения и оживления пейзажа. Например, в картине французского живописца XVII в. Клода Лоррена «Похищение Европы» (ок. 1655, ГМИИ) мифологическая сцена не является главной. Подлинный «герой» картины — мир прекрасной идеальной природы, с которой человек живет в согласии и гармонии.

Т. Руссо. Перед грозой.

Отдельные элементы окружающего человека мира природы первобытный человек изображал уже в наскальных росписях эпохи неолита. Так, в рисунках на плато Тассилин-Аджер в Алжирской Сахаре — в сценах охоты, перегона стад и др. встречаются схематично исполненные деревья, камни, водная гладь. Они словно намекают на место действия, но еще не создают образа конкретной местности. Более широкое распространение пейзажные мотивы получают в искусстве Древнего Востока и Крита, особенно в сценах с изображением охоты фараонов или диких животных в зарослях (например, роспись одной из гробниц в Бени-Хасане, XX в. до н. э., изображающая охотящуюся в зарослях дикую кошку; «Куропатки в скалах», роспись одного из помещений Кносского дворца на Крите, XV в. до н. э.). В искусстве европейского средневековья, например в древнерусской иконописи, природа изображается схематично. На древнерусских иконах мы видим как бы намеки на окружающий фигурные сцены пейзаж: «горки» обозначают скалистую местность, отдельные деревца неопределенной породы — лес, плоские хрупкие здания — палаты, храмы и т. д. Вплоть до XVI—XVII вв. пейзаж в европейском искусстве служил лишь фоном для тематической картины или портрета. Подобную роль он выполняет и в знаменитом портрете Моны Лизы (ок. 1503, Лувр, Париж) Леонардо да Винчи.

Как самостоятельный жанр пейзаж впервые появляется в средневековом Китае еще в VI в. Пейзажи китайских художников очень одухотворенны и поэтичны. Они как бы вбирают в себя представления о необъятности и безбрежности мира природы. На картине художника X в. Дунь Юаня «Речной пейзаж», исполненной тушью на шелковом свитке, пространство кажется беспредельным, водные глади необъятными, а дали подернутыми мягкой, туманной дымкой. Под влиянием китайской живописи сложился и японский пейзаж.

В европейском искусстве предпосылки для формирования пейзажа как самостоятельного жанра складываются в эпоху Возрождения.

Художники обращаются к непосредственному изучению натуры, строят пространство в картинах, основываясь на принципах научно разработанной линейной и воздушной перспективы, пейзаж у них становится реальной средой, в которой живут и действуют персонажи. Уже в первой половине XV в. у швейцарского художника К. Вица в картине «Чудесный улов» (1444, Музей искусства и истории, Женева) появляется пейзаж конкретной местности — берега Женевского озера. В небольших по размерам графических и живописных произведениях нидерландца И. Патинира, немцев А. Дюрера и А. Альтдорфера пейзаж начинает беспредельно господствовать над сценами переднего плана. В это же время выявляется различие подхода к образу природы у итальянских художников и мастеров Северного Возрождения. В картинах итальянцев А. Мантеньи, Пьеро делла Франческа, Джорджоне, Леонардо да Винчи, Тициана природа гармонически созвучна человеку, большое место у них занимает архитектурная среда. У нидерландских мастеров Я. ван Эйка, Хуго ван дер Гуса и других, а также у немцев А. Дюрера, М. Нит-хардта, А. Альтдорфера, Л. Кранаха Старшего нередко встречаются образы дикой природы, словно растворяющей в себе человеческие фигуры. В середине XVI в. в пейзажных циклах П. Брейгеля Старшего грандиозность видения мира сочетается с глубочайшим проникновением в специфику народной жизни, неотделимой от жизни окружающей человека природы. Таковы его картины из серии «Времена года» «Возвращение стад» и «Охотники на снегу» (обе—1565, Венский музей истории искусства). В XVII в. в искусстве классицизма оформились принципы идеального пейзажа, в котором главное место занял образ природы, подчиненной законам разумного устройства мироздания. В творчестве французского живописца Н. Пуссена идеальный пейзаж относится к героическому виду. В него включаются сцены из античной мифологии. Таков «Пейзаж со сценой единоборства Геркулеса и Какуса» (1649, ГМИИ). В картинах К. Лоррена преобладает идиллический характер («Похищение Европы»). Наоборот, в пейзажах художников барокко воспевается стихийная мощь природы. Человек живет с ней в неразрывном единстве, а сама природа проникнута ощущением вечной борьбы стихий. Таков пейзаж в картине «Возчики камней» (ок. 1620, ГЭ) П. П. Рубенса. В пейзажных этюдах с натуры Д. Веласкеса появляются элементы пленэра, т. е. воспроизведения изменений воздушной среды под воздействием солнечного света и атмосферы (два пейзажа виллы Медичи, 1650—1651, Прадо, Мадрид). Голландские живописцы (Я. ван Гойен, Я. ван Рёйсдал, Рембрандт, Я. Вермер Делфтский) разрабатывали систему валёров (см. Живопись), световоздушную перспективу. Мир родной природы предстает на их картинах в своей изменчивости. Он необычайно близок человеку, обжит им. На картинах голландских живописцев мы видим и песчаные дюны, и болота, и бескрайние, уходящие вдаль поля с одинокими мельницами на горизонте. Очень большое внимание они уделяют изображению неба и бегущих по нему облаков. Таковы картины Я. ван Рёйсдала «Вид деревни Эгмонд» (ГМИИ), Я. ван Гойена «Вид реки Ваал у Неймегена» (1649, ГМИИ). Я. Вермера Делфтского привлекает скромная улица его родного Делфта («Уличка», Государственный музей, Амстердам), а М. Хоббема. — спокойные солнечные уголки леса («Лес», ГЭ). Голландскими мастерами создан тип морского пейзажа — марины.

Н. М. Ромадин. Тишина. 1955. Холст, масло.

В XVII и XVIII вв. распространяется пейзаж, с топографической точностью воспроизводящий виды отдельных местностей и особенно городов. Замечательными мастерами топографически точных городских видов — ведут были итальянцы Каналетто и Б. Беллотто. Во многих музеях мира можно увидеть их картины с видами городов Европы. В России мастером ведуты был живописец Ф. Я. Алексеев, создавший многочисленные картины с видами Петербурга и Москвы, среди которых особенно выделяется «Вид Дворцовой набережной от Петропавловской крепости» (1794, ГТГ).

В первой половине XIX в. в живописи романтизма пробуждается интерес к передаче различных состояний природы, своеобразию национального пейзажа, проблемам пленэра. Крупный вклад в дальнейшее развитие пейзажной живописи внес англичанин Дж. Констебл, писавший свои картины целиком с натуры, умело передававший свежесть зелени, облачное небо, разный характер освещения в различное время дня («Вид на Хайгет с Хэмпстедских холмов», ок. 1834, ГМИИ), а также французские пейзажисты барбизонской школы. Барбизонцы (Т. Руссо, Ж. Дюпре, Н. В. Диаз и др.) открыли красоту сельской Франции, простой, благожелательной человеку природы («В лесу Фонтенбло», «Вид в Барбизоне» Т. Руссо, обе в ГМИИ). Близким барбизонцам по своим художественным исканиям был К. Коро, запечатлевший изменчивые состояния природы, стремившийся с помощью валёров создать ощущение вибрирующей воздушной среды («Воз сена», ок. 1865—1870, ГМИИ).

Романтические традиции играют важную роль в русском пейзаже середины XIX в., особенно в пейзажах М. Н. Воробьева и маринах И. К. Айвазовского. Интерес к пленэру, стремление к философскому осмыслению природы ярко проявились в пейзажных этюдах А. А. Иванова («Ветка», ГТГ). Расцвет русского реалистического пейзажа связан с деятельностью передвижников. Он приобретает эпический размах в полотнах И. И. Шишкина, лирическую насыщенность у А. К. Саврасова («Грачи прилетели», 1871, ГТГ), напряженно-драматический оттенок у Ф. А. Васильева («Перед дождем», 1869, ГТГ). Целый этап в развитии лирического пейзажа составило творчество И. И. Левитана, («Март», 1895; «Весна. Большая вода», 1897; обе в ГТГ), нередко поднимавшегося до возвышенного социально-философского истолкования пейзажного мотива («Владимирка», 1892; «Над вечным покоем», 1894; обе в ГТГ).

Пленэрная живопись, интерес к изменчивой световоздушной среде ярко проявились в творчестве мастеров импрессионизма. Они «портретировали» не только сельскую, но и городскую среду, создали многогранный и динамичный образ современного города («Бульвар капуцинок в Париже» К. Моне, 1873, ГМИИ). Мастера постимпрессионизма перерабатывают принципы импрессионистов. П. Сезанн утверждает монументальность, первобытную мощь природы («Гора Сент-Виктуар», многие варианты.), а В. ван Гог наделяет пейзажные образы тревожным, нередко трагическим эмоциональным значением («Красные виноградники в Арле», 1888, ГМИИ).

В искусстве XX в. признанными мастерами пейзажа стали художники прогрессивных направлений, опирающиеся на реалистическую традицию мирового искусства (Р. Кент и Э. Уайет в США, Р. Гуттузо в Италии, живописец-абориген А. Наматжира в Австралии и др.).

Для советского пейзажа, проникнутого духом социалистического реализма, свойственны жизнеутверждающие образы, воспевающие красоту родной природы и красоту преобразованной трудом советских людей земли. Многие корифеи советской пейзажной живописи, такие, как В. Н. Бакшеев, И. Э. Грабарь, Н. П. Крымов, А. В. Куприн, А. А. Рылов, М. С. Сарьян, П. В. Кузнецов, К. Ф. Юон, начали свой творческий путь еще до Великой Октябрьской социалистической революции. В годы Советской власти произведения этих мастеров наполнились новым содержанием, отразили этапы строительства социализма в нашей стране. Уже в 1920-е гг. зародился советский индустриальный пейзаж (Б. Н. Яковлев «Транспорт налаживается», 1923, ГТГ), возник тип пейзажа с изображением памятных для нашего народа мест (пейзажи В. К. Бялыницкого-Бирули с видами Горок Ленинских и Ясной Поляны). В 1930—1950-е гг. были созданы обобщающие пейзажи новой социалистической Родины (Г. Г. Нисский «Подмосковье. Февраль», 1957, ГТГ; У. Тансыкбаев «Утро Кайрак-Кумской ГЭС», 1947, Музей искусства народов Востока; Ю. И. Пименов «Новая Москва», 1937, ГТГ, и др.). Впечатляющие образы природы создали Л. И. Бродская, С. В. Герасимов, А. М. Грицай, Н. М. Ромадин в РСФСР, М. С. Сарьян в Армении, С. А. Чуйков в Киргизии, И. И. Бокшай, А. А. Шовкуненко, Т. Н. Яблонская на Украине, Т. Т. Салахов в Азербайджане и многие другие мастера. Активно работают в области пейзажа В. Ветрогонский, Г. Зазаров, А. Бородин, П. Обросов, А. Пантелеев, Й. Шважас (индустриальный и городской пейзаж), Э. Калнынь (марина). Иногда, как в триптихе К. Муллашева «Земля и время. Казахстан», пейзаж становится основой эпического образа родной страны. Произведения советских пейзажистов служат действенным средством воспитания советских людей в духе любви и преданности своей социалистической Родине.