из электронной библиотеки / 766242992598564.pdf

состоялось благодаря массовому осуждению разгрома выставки зарубежными средствами массовой информации.

Так состоялась 4-х часовая выставка в Измайловском парке, 250 картин представили 70 художников. Вход на выставку был строго по пропускам. После выставки начался шантаж, аресты, принудительное лечение в психиатрических больницах, зачисление на срочную службу в армию. В протест было устроено 7 несанкционированных выставок на квартирах.

Много картин уходило за рубеж, массовую закупку делала Елена Корнейчук. В 1980 г. под Нью-Йорком был открыт музей неофициального русского искусства. До 1985 г. на Западе состоялось несколько выставок.

Почему картины не выставляли для массового просмотра, например, в Манеже – самом крупном выставочном зале страны? Почему от людей скрывали, что есть нетрадиционное искусство?

- Правящие круги усматривали в этом прямое посягательство на социалистический реализм.

-Власть боялась цепной реакции, которая может захватить другие области и вывести ситуацию из-под контроля.

-Верхушке казалось, что художники над ней смеются.

Многие художники скрывались от гонений, уезжая за границу. В 1978 г. уехал в Париж художник и искусствовед Оскар Рабин. Его иногда сравнивают с Солженициным в живописи. В своей живописной манере он использовал приемы разных школ, создал свой стиль бытовых символов: общипанная курица на фоне лозунгов партии, церковь на фоне безликих строений, Евангелие и рядом банка из-под тушенки с изображением свиной морды. Через символы, сочетание несочетаемого на первый взгляд, он передает человеческие качества. В начале 90-х гг. перебрался в Америку.

Михаил Шемякин уехал в Париж, в 1980 г. перебрался в Нью-Йорк. Шемякин работал в стиле метафизического синтетизма (механический синтез), его манеры все время менялись и меняются. В Ленинграде он писал «Галантные сценки», серию «Трансформаций» (из уздечек, седел и пр.), В Париже «Чрево Парижа», в Америке серию из20 картин с изображением бутылок, черепов, в переплетении с сюжетами, «Автопортрет» (в виде смерти). Шемякин превратился в гражданина мира, он делал попытки устраивать карнавал масок в Венеции, свои замыслы он пытается осуществить в различных странах.

Никуда не уезжал Анатолий Зверев (1931-1986). При жизни никому не докучал, жил аскетом, писал многочисленные полотна, не имеея профессионального образования. В день вдохновения он мог написать около 100 работ. Писал портреты («Отец», «Мать», «Девушка», много автопортретов и др.), пейзажи («Японский пейзаж», «Ветер», «Остановленное мгновение», «Прогулка под дождем» и др.; осень была любимым временем года, ей художник посвятил массу пейзажей и стихов), натюрморты, сюжетную живопись («Зеркало ревности», «Разговор поэта с русалкой» и др.) и др. Его стиль причисляют к ташизму (ташизм от фр. tache – пятно; живопись действия, разновидность абстрактного искусства 40-50-х гг.; ташисты американец Дж. Поллок, француз П. Сулаж провозгласили своим методом бессознательность и автоматизм творчества, создавали экспрессивные композиции из свободно положенных пятен и мазков).

Приведем один пример из жизни Зверева. В 1957 г., в дни Международного фестиваля молодежи и студентов в Москве, в Парке культуры и отдыха им. Горького работала живописная мастерская как бы воплощение идеи состязательности художников СССР и США. Американцы задали сразу бешенный темп, рассчитывая показать «этим русским», как надо работать. И чуть было не победили, так как официальные художники не могли ничего противопоставить им кроме словесных аргументов о народности и социальном заказе.

51

Положение спас странно одетый парень, немного похожий на лешего из русских сказок. Отодвинув рукой стоящих, развернул на полу огромное полотнище, рядом поставил два ведра с малярной краской и длинную палку с намотанной на конце тряпкой. Не успел никто опомниться, как перед зрителями возник на холсте женский портрет. Всех поразила скорость и манера работать неизвестного художника. А портрет жил, манил своей безукоризненной точностью и загадочностью. Зверев сказал: «Хватит живописью заниматься, давай рисовать научу!»

При жизни Зверев не познал ни славы, ни материального благополучия, имя его было известно лишь узком кругу любителей живописи. Только после смерти яркое творчество Зверева обрело широкого зрителя. За жизнь у него прошли 34 персональные выставки за рубежом и всего одна на родине (в 1984 г. на Малой Грузинской, где он выставлялся и раньше в коллективных экспозициях).

Примирение с авангардным искусством началось с 1988 г. В 1990 г. Советский фонд культуры устроил выставку «Альтернативное искусство 60-х годов», в 1991 г. в Третьяковской галерее состоялась выставка «Другое искусство» и т. д.

В годы перестройки советские зрители смогли увидеть подлинную историю советского изобразительного искусства – в середине 80-х гг. прошли художественные выставки П. Филонова, А. Лентулова, К. Малевича, В. Кандинского, М. Нестерова и др., представлявших искусство 20-30-х годов во всем его многообразии, богатстве течений и школ.

Заметным явлением в 50-70-е гг. имело кинетическое искусство (кинетизм), которое в процессе развития менялось и продолжает существовать и сейчас. Тогда элементы кинетической формы проникали в область декоративно-прикладного искусства, световой архитектуры, в оформительской искусство, дизайн.

Кинетизм времен «бури и натиска» «хрущевской оттепели» берет свое начало от экспериментов 20-х гг., проводимых В. Татлиным, Н. Габо, А. Родченко и др., которые создавали мобильные формы в архитектуре.

Во времена, когда были реабилитированы кибернетика, генетика и психология возникли группы кинетического искусства в разных республиках страны. Они создавали мобили-киберы, экспериментировали со светом, музыкой и разнообразными статичными, полуавтоматическими и автоматическими конструкциями (киберсуществами). Наибольшие из киберсуществ должны достигать в натуре 35-50 м, наименьшие – 5-10 м в объеме.

Чтобы представить более наглядно, как выглядели эти произведения, приведем сценарий-программу киберсуществ, предложенную группой «Движение»:

А. 5-6 сложных движений; Б. сложная динамика света (бег, пульсация, мерцание, а также управляемая подсветка;

В. изменение цветов и оттенков, яркости светоцвета; Г. звучание («разговор» на полулогическом полуфонетическом языке, издание

«конкретных» звуков, соответствующих движениям, мелодичное пение и т. д.); Д. испускание различного цвета, дыма или газа, а также различных запахов.

Распространены были и костюмированные кинетические игры (группа «Движение»), светокинетические представления (группа «Движение», «Динамика»; светокинетическое представление «Цвет и черное», 1972, Ленинград), кинетические спектакли (группа «Движение», спектакль «Свет и музыка», 1973, Суздаль), в которых они ориентировались на наследие композитора А. Скрябина.

Кинетические эксперименты проводились в разных городах: в Москве, Ленинграде, Казани, Риге, Таллине, Харькове, Полтаве и др. Заметное место в этой области искусства занимали группы «Движение» под руководством Л. Нусберга в Москве, группа «Динамика» в Ленинграде, Группа «Мир» под руководством В. Колейчука в Москве, группа «Арго» (авторская рабочая группа) под руководством Ф. Инфантэ, рижская группа,

52

группа «Прометей» в Казани, занимавшаяся автоматическим переводом музыки в свет и созданием светомузыкальных композиций.

В80-90-е гг. развитие кинетического искусства пошло по пути создания широкого спектра индивидуально окрашенных авторских концепций кинетической формы. В последние годы выделяются А. Великанов, представляющий кинетические ассамбляжи из всякого рода технических деталей, а также мобили Н. Щетинина, создающего фольклорный театр кинетических объектов с элементами соц-арта в Санкт-Пеыытербурге. Поп-артовские звуковые скульптуры создает Б. Стученбрюков, вибрирующие фотопейзажи создает А. Шульгин, достигая при этом импрессионистических эффектов.

Как атнитеза традиционному «реалистическом» видению мира возник фотореализм (70-е – 1-я половина 80-х гг.). Художники этого направления, создавая картину, ориентировались на фотографию, слайд, репродукцию. Посредником общения художника

смиром становится «фотоглаз». Большой формат – вот единственное, что должно отличать картину как конечный результат от исходного фото. Документальность, воспроизведенная в больших размерах, поражала зрителя.

Вэтом стиле работали Сергей Базилев («Друзья», 1981, «Новый год», 1984), Андрей Волков («Утро. Троллейбус», 1979), Сергей Гета (серия «Поколение. Портреты современников», 1981), Евгений Гороховский («16 часов 07 минут»), Георгий Кичигин («Пленэрная съемка», 1983, «Еще один день», 1987), Александр Петров (« Мои друзья», 1977, «Светофоры», 1991, Сергей Шаблавин («Остановка», 1988) и др. Во 2-й половине 80-х гг. фотореализм сошел со сцены.

Во 2-й половине 80-х гг. были легализованы и многие модернистские направления в искусстве. Среди них концептуализм и соц-арт и др. Отцами соц-арта считают художников Виталия Комара и Александра Меламида, которые работают в творческом тендеме Комар-Меламид. Начали они с написания портретов родных и близких в виде пионеров-героев, двойных портретов Маркса-Энгельса и т. д. В1973 г. они создали пародию на соцреализм и разные другие течения под названием «Рай». Это была комната, на стенах, выкрашенных в черный цвет, было размещено множество работ из разных материалов в разных стилях. В комнате мигали, лампочки, тускло светились раскрашенные вентиляторы, в воздухе витали запахи бензина, одеколона и духов.

После «Рая» появилась серия из 300 миниатюр «Жизнь нашего современника». Здесь были и личные воспоминания, и гетеросексуальность, и политическая мифология, и история направлений в искусстве, и смерть. Понятно, что такому искусству в 70-е гг. не было места в СССР. В 1977 г. художники уехали в Израиль, в 1978г. в Нью-Йорк, где развернули бурную деятельность, создавая огромные полотна на манер западных. Они высмеивали социалистический реализм времен Сталина.

На картинах, написанных помпезно в псевдоклассическом стиле, вызывают улыбку противоестественные сочетания: Сталин в маршальском мундире и застывшие перед ним в классических позах и одеяниях музы («Истоки социалистического реализма», 1982-1983; или на полотне под алым стягом могучие фигуры большевиков, а перед ними тщательно выписанный, во много раз уменьшенный динозавр «Большевики, возвращающиеся с демонстрации», 1981-1982 и др.).

Многие художники соц-артовцы разделили судьбу Комара и Меламида, в США живут А. С. Косолапов, Л. Ламм, В. А. Скурсис, Л. П. Соков и др., некоторые живут во Франции: М. А. Рогинский, Г. В. Острецов. Многие художники остались в Москве.

Теперь в соц-арте разделяют московское и нью-йоркское направления. Со 2-й половины 80-х гг. начинается этап постсоц-арта, после легализации пошло много дешевой чисто коммерческой массовой продукции, соц-арт ходит в прошлое, так как основой из плоскостных и объемных композиций являлись символы (серп и молот, государственный флаг и герб), мифы («в СССР все самое лучшее и прогрессивное» и т. д.), идеологические штампы (призывы и лозунги партии и правительства) советского времени.

53

Близким к соц-арту является концептуализм. (Концептуальное искусство – одно из самых известных направлений в искусстве 60-70-х гг. Его представители отказываются от создания традиционного художественного произведения и обращаются к концептуальным «объектам», часто выступающим в форме проектов и идей, сопровождающихся надписями, текстами и другими видами намеренно внеэстетической документации. Видными представителями концептуализма являются: И. Кошут, Л. Вайнер, Д. Хюблер и др.). В советском искусстве идеи концептуализма получили развитие в деятельности И. Кабакова, А. Монастырского, В. Герловина и Р. Герловиной, Д. Пригова, И. Макаревича и Е. Елагиной, групп «Коллективные действия», «Гнездо», «Мухоморы», «Медгерменевтика» и др.

Московские концептуалисты использовали опыт поп-арта, в использовании предметов массового производства. Иногда все это искусство напоминало забавы взрослых людей. Вот у Риммы Герловиной: полый белый куб, с откидывающейся одной стороной. На ней написано: Душа. Не открывай, а то улетит. Любопытный зритель, откинув ее читал внутри: Вот и улетела! и пр.

Приведем примеры акций группы «Коллективные действия». Вот описательный текст акции «Появление»: Зрителям были разосланы приглашения на акцию «Появление». Когда приглашенные собрались (30 человек) и разместились на краю поля, через 5 минут с противоположной стороны, из леса, появились двое участников акции, пересекли поле, подошли к зрителям и вручили им справки («Документальное подтверждение», удостоверяющее присутствие на «Появлении». Москва, Измайловское поле, 13. 03. 1976. А. Монастырский, Л. Рубинштейн, Н. Алексеев, Г. Кизельвальтер. А вот какое зрелище «Снег».

Три «конкретные поэмы» предлагала группа «Тот-арт» в 1980 г.:

1.На черной бумаге пишется слово «снег». Бумага кладется между двумя стеклами и «погребается» под снегом.

2.Бумага со словом «снег» извлекается из-под снега, из нее делается шар и поджигается под стеклом, на которое положен снежный шар.

3.На снегу пишется слово «снег», затем снеговая надпись собирается и съедается.

Вначале 90-х гг. случился последний всплеск концептуализма, в нем принимали участие не только мэтры, но и молодые художники. Выставки в Москве сменяли одна другую: «Туда сюда» в Клубе авангардистов, «Каталог» во Дворце молодежи, «Шизокитай, или Галлюцинации у власти», в строительных павильонах ВДНХ, ―Акт художественного противостояния» в Центральном доме художника и др. Они показали, что концептуализм в кризисе, нет той классики в которой «искусства было 15 %, а остальное – болезнь и терапия одновременно».

С потерей статуса андеграунда многие направления в искусстве начали быстро скучнеть и стареть, терять интерес зрителей. Обстановка легальности заставляет художников этих направлений искать новые пути самовыражения, но, как правило, это интересно лишь узкому кругу людей.

Впоследнее время среди людей искусства все чаще звучит имя художника Никоса Сафронова, который дает новую жизнь старым иконам, обновляя их образы изображением современников или современных аксессуаров, создает многозначительные философские композиции.

Тема 3. Искусство в эпоху постмодернизма.

Для второй половины ХХ в. характерна тенденция лавинообразного нарастания пост- культурных явлений в сфере художественно-эстетической культуры и эстетического сознания всего евро-американского (или западного) ареала. Эта имеющая глобализаторский характер тенденция захватила и культуры многих развитых стран Востока, Латинской Америки и других регионов. Россия не стала исключением, хотя в силу национально-этнических и социально-политических особенностей ее развития в ХХ в. этот процесс имеет здесь много специфических черт и конкретных форм. Подспудно

54

возникнув в период застоя, он наиболее активно начал развиваться в годы «перестройки»

ипостсоветского будтокапитализма.

Всфере художественно-эстетического опыта и эстетического сознания начались радикальные изменения, развивающиеся в нескольких, отчасти переплетающихся, отчасти резко противоборствующих направлениях. Прежде всего, произошел практически глобальный и всеохватывающий отказ от тоталитарно ориентированной, во многом нормативной, идеологически заостренной советской (так называемой марксистсколенинской) эстетики и поддерживаемого ею искусства социалистического реализма (соцреализма). Между тем уже ряд поколений теоретиков искусства, художников и главное массовых потребителей искусства был приучен или воспринимать советскосоциалистический эстетический опыт за единственно истинный, или маскировать под него некоторые не вписывающиеся в него парадигмы. При этом советская эстетика и метод соцреализма в любом случае были в подсознании эстетического субъекта тем каноном, которому положено следовать либо который необходимо преодолевать.

Впостсоветский период этот канон как-то сразу исчез как внешне навязанный эстетической сфере, т.е. не имевший никаких внутренне обусловленных собственно эстетическим опытом России ХХ в. предпосылок. И основная часть эстетических субъектов (творцов, теоретиков, реципиентов) оказалась почти в полной растерянности. Необходимо было вырабатывать и нарабатывать новые принципы, парадигмы и способы навигации в эстетическом пространстве. За образцами обратились, прежде всего, к Западу с его активно развернувшейся пост-культурой и неклассической эстетикой, к отечественному авангарду начала ХХ столетия и к национальным, как правило, православно ориентированным дореволюционным и эмигрантским тенденциям в духовноэстетической культуре. В меньшей мере, но все-таки, поглядывали и на восточные культуры, к которым активно тяготеет в современном мире и западная творческая интеллигенция. Обращение это, между тем, не было совсем уж новаторским и непредсказуемым для России. Заметную подготовку к нему вели уже внутри советской культуры и науки некоторые продвинутые гуманитарии и нонконформистские андеграундные группы художников, писателей, кинематографистов.

Именно они, как известно, проложили первые и достаточно проторенные пути русской интеллигенции на Запад. В последний советский период и первые постсоветские годы наши нонконформисты активно поддерживались западной арт-номенклатурой и артрынком. Во многих крупных музеях и галереях мира с успехом прошли выставки русских модернистов, которые чем-то отличались от западных и этим были интересны Западу. Однако этот интерес достаточно быстро угас, а сами нонконформисты, перед которыми вроде бы открылись безграничные творческие возможности, утратили вдруг свой былой андеграундный энтузиазм, пафос и творческий потенциал. Прошедшие недавно годы в Москве и Петербурге выставки наших бывших крупнейших подпольщиков, живших и творивший последние десятилетия, как правило, на Западе, показали, что ничего принципиально нового и значимого в художественно-эстетическом плане создать на Западе им не удалось, несмотря на существенно улучшившиеся материальные и финансовые возможности многих из них и значительно возросшую себестоимость их современных проектов в противоположность абсолютной дешевизне московских «кухонных» андеграундных работ, имевших определенную новаторскую художественно ориентированную ауру.

Новое постсоветское поколение и творцов искусства, и теоретиков (искусствоведов, литературоведов, эстетиков) формирует современное эстетическое сознание и парадигмы эстетического опыта в двух, как правило, конфронтирующих по основным установкам и принципам направлениях – глобализаторском, ориентированном на актуальное и продвинутое эстетическое сознание современного Запада, на пост-культуру и нонклассику, и неотрадиционалистском, нацеливающем эстетический опыт на патриотически-державные, православные, часто по-новому осмысленные, ценности.

55

Тема 4. Отечественное искусство конца ХХ века

Краткие тезисы, раскрывающие содержание темы:

Российское искусство 1990-х годов. Новейшие направления в российском искусстве 1990-х гг. Соперничество направлений. Творчество мастеров – традиционалистов и деятельность бывших участников художественного андеграунда. Илья Глазунов и Илья Кабаков как два полюса современной ситуации в искусстве России. Постмодернистский синтез: от классицизма до основных направлений ХХ века. Итоги и перспективы искусства на рубеже тысячелетий. Основные характеристики культуры постмодернизма. Элитарное искусство и поп-культура. Кризис теории искусства. Постклассическая эстетика – основные категории. Актуальные виды и формы искусства в эпоху постмодернизма. Эклектизм, историзм, стилизация, полистилизм. Современные художественные тенденции.

Рекомендуемая литература по теме:

1.Верман К. История искусств всех времен и народов. М.: АСТ: Астрель, 2001. – 944 с.

2.Воскобойников В.Н. История мировой и отечественной культуры: учеб пособие/ В.Н.Воскобойников. – М.: МГУК, 1995. – 288 с.

3.Ильина Т.В. Русское искусство: учебное пособие для вузов . М.: высшая школа, 1989. –

400с.

3.Ильина Т.В. История искусств. Отечественное искусство. М.: Высшая школа, 2000.- 408

с.

4.Мировая художественная культура: учеб. пособие / под ред. Б.А. Эренгросс. – М.: Высшая школа, 2001. – 767 с. – Библиогр., планы семинар. Занятий в конце каждой главы.

– Краткий слов. Спец. Терминов.

5.РапацкаяЛ.А. Русская художественная культура: учеб. Пособие для студ. вузов / Рапацкая Л.А. – М.: ВЛАДОС, 1002. – 608 с.

56

III Словарь терминов

Абстракционизм, направление так называемого «беспредметного» нефигуративного искусства, провозгласившего в живописи и скульптуре отказ от изображения форм реальной действительности и стремящееся к «гармонизации» ли отвлеченных цветовых сочетаний, или геометрических форм, плоскостей, прямых и ломаных линий, которые должны вызывать самые разнообразные ассоциации.

Авангардизм, понятие, объединяющее экспериментальные, подчеркнуто необычные начинания, поиски в искусстве 20 века.

Академизм, в изобразительном искусстве направление, сложившееся в художественных академиях 16-19 вв. и основанное на догматическом следовании внешним формам классического искусства. А. способствовал систематизации художественного образования, закреплению классических традиций, которые им, однако, превращались в систему «вечных» канонов и предписаний. 2. Академизм, любая канонизация, обращение в непреложную норму идеалов и принципов искусства прошлого.

Актуальное искусство («актуальный художник»), эквивалент слову «современный», в русском языке появилось по инициативе самих участников актуального художественного процесса.

Аллегории, в искусстве изображение какого-либо отвлеченного понятия, идеи при помощи конкретного образа и закрепленных за ним атрибутов.

Барокко (итал. Barocco, буквально – причудливый, вычурный), стиль, преобладавший в искусстве Европы с конца 16 до середины 18 века и охвативший все виды творчества, наиболее монументально и мощно проявившись в архитектуре и изобразительном искусстве.

Готика (от итал. gotico, букв. – готский, от названия германского племени готов), готический стиль, художественный стиль (между сер. 12 и 15-16 вв.), завершивший развитие средневекового искусства в Западной, Центральной и отчасти Восточной Европе. В готике отразились кардинальные изменения в структуре средневекового общества. Ведущим архитектурным типом стал городской собор: каркасная система готической архитектуры (стрельчатые арки опираются на столбы; боковой распор крестовых сводов, выложенных на нервюрах, передается аркбутанами на контрфорсы) позволила создавать небывалые по высоте и обширности интерьеры соборов, прорезать стены огромными окнами с многоцветными витражами.

Дадаизм (франц. dadaisme, от dada – конек, деревянная лошадка; детский лепет), авангардистское литературно-художественное течение в 1916-22. Дадаизм сложился в Швейцарии. (А. Бретон, Т. Тцара, Р. Гюльзенбек, М. Янко, М. Дюшан, Ф. Пикабия, М. Эрнст, Ж. Арп). Выразился в отдельных скандальных выходках – заборных каракулях, псевдочертежах, комбинациях случайных предметов. В 20-е гг. Дадаизм во Франции слился с сюрреализмом, в Германии – с экспрессионизмом.

Дезурбанизм (от де..., дез и лат. urbanus – городской), направление в градостроительстве 20 в., противопоставляющее крупным городам свободное расселение среди природы.

57

Декор (от лат. decoro – украшаю), система украшения сооружения (фасада, интерьера) или изделия.

Декоративное искусство, род пластических искусств, произведения которого наряду с архитектурой художественно формируют окружающую человека материальную среду и вносят в нее эстетическое идейно-образное начало. Включает различные искусства, служащие для украшения произведений архитектуры и садово-паркового искусства (монументально-декоративное искусство), создающие художественные предметы для общественного и частного быта (декоративно-прикладное искусство), художественно оформляющие празднества, зрелища, экспозиции и т. д. (оформительское искусство). В отличие от производственного станкового искусства, произведения декоративного искусства наиболее полно раскрывают свое содержание в ансамбле, для эстетической организации которого они созданы.

Жанр (франц. genre) (в искусстве), исторически сложившееся внутреннее подразделение во всех видах искусства; тип художественного произведения в единстве специфических свойств его формы и содержания. Понятие «жанр» обобщает черты, свойственные обширной группе произведений какой-либо эпохи, нации или мирового искусства вообще. В каждом виде искусства система жанров слагается по-своему. В литературе жанр определяется на основе принадлежности произведения к роду литературному, преобладающего эстетического качества (идейно-оценочного настроения

– сатирического, патетического, трагического), объема произведения и способа построения образа (символика, аллегория, документальность): эпический жанр (героическая поэма, роман, рассказ), лирический (ода, элегия, стихотворение, песня), драматический (трагедия, комедия); более дробное деление исходит из преобладающей тематики (роман бытовой, психологический). В изобразительном искусстве – на основе предмета изображения (портрет, натюрморт, пейзаж, историческая или батальная картина), а иногда и характера изображения (карикатура, шарж). В музыке жанры различаются по способу исполнения (вокальные – сольные, ансамблевые, хоровые; вокально-инструментальные; инструментальные – сольные, ансамблевые и оркестровые), по назначению (прикладные жанры – марш, танец, колыбельная песня и др.), по содержанию (лирические, эпические и драматические), по месту и условиям исполнения (театральные, концертные, камерные, киномузыка и др.). В 20 веке происходит интенсивный процесс взаимодействия и модификации жанров.

Живопись, вид изобразительного искусства, произведения которого создаются с помощью красок, наносимых на какую-либо поверхность. Живопись – важное средство художественного отражения и истолкования действительности, воздействия на мысли и чувства зрителей. Идейный замысел произведений живописи конкретизируется в теме и сюжете и воплощается с помощью композиции, рисунка и цвета (колорита). Используются монохромная живопись (одним цветовым тоном или оттенками одного тона) и система взаимосвязанных цветовых тонов (красочная гамма), неизменяемый локальный цвет и изменения цвета (полутона, переходы, оттенки), показывающие различия в освещении предметов и в их положении в пространстве, рефлексы, показывающие взаимодействие различно окрашенных предметов; общий живописный тон позволяет изобразить предметы в единстве с окружающей средой, валеры образуют тончайшие градации тона; на непосредственном изучении натуры основано

58

воспроизведение естественного освещения и воздушной среды (пленэр). Выразительность живописи определяется и характером мазка, обработкой красочной поверхности (фактура). Передача объема и пространства связана с линейной и воздушной перспективой, светотеневой моделировкой, использованием тональных градаций и пространственных качеств теплых и холодных цветов. Живопись может быть однослойной (алла прима) и многослойной, имеющей подмалевок и лессировки. Жанры живописи: исторический, бытовой, батальный, портрет, пейзаж, натюрморт и др.

Изобразительные искусства, раздел пластических искусств, объединяющий живопись, скульптуру и графику. Изобразительные искусства отражают действительность в наглядных, зрительно воспринимаемых образах. Благодаря методам обобщения, типизации, воображению художника изобразительные искусства получают возможность эстетически раскрывать временное развитие событий, духовный облик, переживания, мысли, взаимоотношения людей, воплощать общественные идеи.

Икона (от греч. eikon – изображение, образ), сакральное изображение Иисуса Христа, Богоматери, святых или ангелов, а также событий Священной истории. Икона – это моленный образ, в отличие от монументальных повествовательных циклов, иллюстрирующих Священное Писание.

Иконопись, христианская (главным образом православная) станковая культовая живопись – энкаустика, в средние века преимущественно темпера на дереве, позже масляная живопись. В средневековой иконописи в условных отвлеченных формах (золотой фон, плоскостность, религиозная символика) воплощались общественные и эстетические идеалы, что делает иконы значительными произведениями искусства.

Импост (франц. imposte), профилированная, иногда скульптурно обработанная архитектурная деталь над столбом, лопаткой, капителью колонны, служащая опорой для пяты арки.

Импрессионизм (от франц. impression – впечатление), направление в искусстве последней трети 19 – нач. 20 вв., представители которого стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолетные впечатления. Импрессионизм зародился в 1860-х гг., во французской живописи: Э. Мане, О. Ренуар, Э. Дега внесли в искусство свежесть и непосредственность восприятия жизни, изображение мгновенных, как бы случайных движений и ситуаций, кажущуюся неуравновешенность, фрагментарность композиции, неожиданные точки зрения, ракурсы, срезы фигур.

Инкрустация (позднелат. incrustatio, букв. – покрытие корой), украшение изделий и зданий узорами и изображениями из кусочков мрамора, керамики, металла, дерева, перламутра и т. п., которые врезаны в поверхность и отличаются от нее по цвету или материалу. Распространены инкрустации деревом по дереву (интарсия) и металлом по металлу (насечка).

Карниз (нем. Karnies), в архитектуре – горизонтальный выступ на стене, поддерживающий крышу здания и защищающий стену от стекающей воды. Встречается промежуточный карниз, разделяющий этажи. Карниз – также верхняя выступающая часть антаблемента в архитектурных ордерах.

59

Классицизм (от лат. classicus – образцовый), стиль и направление в литературе и искусстве 17 – начала 19 вв., обратившиеся к античному наследию как к норме и идеальному образцу. Классицизм сложился в 17 в. во Франции. В 18 в. классицизм был связан с Просвещением; основываясь на идеях философского рационализма, на представлениях о разумной закономерности мира, о прекрасной облагороженной природе, стремился к выражению большого общественного содержания, возвышенных героических и нравственных идеалов, к строгой организованности логичных, ясных и гармоничных образов.

Кубизм (франц. cubisme, от cube – куб), направление в искусстве 1-й четверти 20 в., представители которого стремились свести изображение к комбинации простых геометрических тел, призванных выразить «первичную структуру» мира, перестроив традиционные способы восприятия пространства.

Лавис (франц. lavis), вид углубленной гравюры, в которой изображение наносится на медную доску кистью, смоченной кислотой; вытравленные углубления заполняются краской для печатания.

Маркетри (франц. marqueterie), вид мозаики из фигурных пластинок фанеры (различных по цвету и текстуре), которые наклеиваются на основу (деревянная мебель, панно и др.).

Масляная живопись, вид живописи художественными масляными красками. Исполняется главным образом на холсте, дереве, картоне и т. п., покрытых грунтом (станковая масляная живопись), или на известковой штукатурке (монументальная масляная живопись). Техника масляной живописи разработана в нач. 15 в. братьями ван Эйк. Благодаря интенсивности тонов и тонкости цветовых переходов масляная живопись обладает богатыми возможностями воссоздания зримой картины мира.

Модерн (франц. moderne – новейший, современный) («ар нуво», «югендстиль»), стилевое направление в европейском и американском искусстве кон. 19 – нач. 20 вв. Представители «модерна» использовали новые технико-конструктивные средства, свободную планировку, своеобразный архитектурный декор для создания необычных, подчеркнуто индивидуализированных зданий, все элементы которых подчинялись единому орнаментальному ритму и образно-символическому замыслу (Х. ван де Велде в Бельгии, Й. Ольбрих в Австрии, А. Гауди в Испании, Ч.Р. Макинтош в Шотландии, Ф.О. Шехтель в России). Изобразительное и декоративное искусство «модерна» отличают поэтика символизма, декоративный ритм гибких текучих линий, стилизованный растительный узор.

Мозаика (франц. mosaique), изображение или узор, выполненный из цветных камней, смальты, керамических плиток и т.д.; разновидность живописи, используемая преимущественно для украшения зданий. Возникла в античную эпоху.

Неоимпрессионизм (франц. neoimpressionnisme) (дивизионизм, пуантилизм), течение в живописи, возникшее во Франции ок. 1885 (Ж. Сера, П. Синьяк ). Используя выводы научного цветоведения, придало методический характер введенному импрессионизмом разложению сложных тонов на чистые цвета. Плоскостнодекоративные картины систематически заполнялись мазками правильной формы.

60