2 Вопрос Галландская и Фламандская школы живописи

Фламандская Школа Живописи Родоначальник: Рубенс Особенности: Яркая палитра, вечный праздник жизни, непрекращающийся гимн жизни и ее радостям, богатству, разнообразию. Мощные героические образы в мифологических сюжетах, парадность в портретах, многофигурные сцены, своего рода, пышные банкеты. Особенности фламандской живописи 17-го века отчетливее всеговыступают при сравнении ее с произведениями голландских художников этого периода. Общей чертой обеих художественных школ была любовь к жизни, к ее земным радостям. Но в то время как голландские художники изображали быт, повседневную будничную действительность,фламандские живописцы, часто связанные заказами католической церквии знатных дворян, обращались к религиозным и мифологическим темам.В Голландии был развит тип скромного, точного документального портрета, а во Фландрии большее распространение получил парадныйпортрет. Голландские натюрморты просты по композиции и включают как правило, немногочисленные предметы, а фламандский художник каждый натюрморт стремился превратить в гимн богатству и изобилии даров природы. Фламандскому искусству было свойственно стремление создавать героические образы, большие многофигурные сцены, разнообразные по содержанию и характеру.

  Голландская Школа Живописи Особенности: Приглушенная палитра, сдержанность, композиционная простота, контрастность света и тени, особенно в работах Рембрандта. Спокойствие и гармония в пейзажах, документальность и точность в портретах, тщательность и скурпулезность в натюрмортах. Любимые пейзажные сюжеты: мельница на холме, воскресная набережная, тихая гавань, коровки на лугу. Известные художники: Халс, Рембрандт, Вермеер

  Голландская живопись была наследницей демократических традиций нидерландского искусства XVII века, лучших достижений Италии эпохи Возрождения. Значительную роль на живопись этой эпохи оказал итальянский художник Караваджо, в творчестве которого предметы и фигуры обрели еще большую реальность за счет виртуозной работы с техникой светотени. Жанровая система голландской живописи Наряду с традиционными жанрами: библейской и античной картинами, портретом возникают совершенно новые жанры, а пейзаж в Голландии получает необыкновенное распространение и начинает делиться на морской пейзаж – марина, городской пейзаж – ведута, на изображение животных – анималистическая живопись. Значительное влияние на пейзажную живопись оказывали произведения Питера Брейгеля.    Совершенно новым стал жанр бытовой живописи – такие картины получат название жанровая живопись. Бытовой жанр сложился в двух разновидностях — крестьянский и бюргерский (городской) жанр. В жанровых картинах на первый план выходит изображение быта частного человека: пирушки гуляк, хозяйственная деятельность, музицирование. Необходимой частью уюта становились предметы: столик красного дерева, шкаф, кресло, обитое кожей, графин темного стекла и бокал, фрукты. Бытовой жанр — самое яркое и самобытное явление голландской школы, открывшее для мирового искусства поэзию повседневной жизни частного человека.     «Малые голландцы»  Таково название обширного круга голландских живописцев XVII в.; возникло в связи с камерным характером их творчества, небольшим размером их картин (пейзаж, интерьер, бытовые сюжеты). Для живописи малых голландцев характерны тонкость письма, выразительность небольших деталей, красота световых и колористических нюансов, общее ощущение уюта, близости и единения персонажей в пейзажной или интерьерной среде.

3---------Барокко (ит. Bаrоссо - странный, причудливый) — одно из главных стилевых направлений в искусстве Европы конца XVI — середины XVIII вв. Оно возникло в Италии и распространилось в большинстве европейских стран. Воплощая новые представления о вечной изменчивости мира, барокко тяготеет к эффектным зрелищам, сильным контрастам, совмещению иллюзорного и реального, к слиянию искусств (городские и дворцово-парковые ансамбли, опера, культовая музыка, оратория); одновременно — тенденция к автономии отдельных жанров (кончерто гроссо, соната, сюита в инструментальной музыке). Центром развития искусства барокко на рубеже XVI-XVII вв. был Рим. Парковые и дворцовые ансамбли, культовая архитектура, декоративная живопись и скульптура, парадный портрет, а позже натюрморт и пейзаж, - становятся основными видами и жанрами искусства барокко.

Для архитектуры барокко (Л. Бернини, Ф. Борромини в Италии, Б.Ф.Растрелли в России) характерны пространственный размах, слитность, текучесть сложных, обычно криволинейных форм. Часто встречаются развернутые масштабные колоннады, изобилие скульптуры на фасадах и в интерьерах, волюты, большое число раскреповок, лучковые фасады с раскреповкой в середине, рустованные колонны и пилястры. Купола приобретают сложные формы, часто они многоярусны, как у собора Св. Петра в Риме. Характерные детали барокко— теламон (атлант), кариатида, маскарон. В итальянской архитектуре самым видным представителем барокко искусства был Карло Мадерна (1556—1629гг.), который порвал с маньеризмом и создал свой собственный стиль. Его главное творение— фасад римской церкви Санта-Сусанна (1603г.). Основной фигурой в развитие барочной скульптуры был Лоренцо Бернини, чьи первые исполненные в новом стиле шедевры относятся приблизительно к 1620г. Бернини также архитектор. Ему принадлежит оформление площади собора Св. Петра в Риме и интерьеры, а также другие строения

Классицизм XVII в. был тесно связан с дворянской культурой французского абсолютистского государства. В этот период сформировалась нормативная эстетика, требовавшая от искусства соблюдения определенных законов и правил. Художественные образы классицизма отличались логичностью и гармоничностью выражения; они были разумно организованы, логически построены и, как правило, лишены индивидуальных черт. Установление строгих правил творчества - одна из характерных черт эстетики классицизма. Художественное произведение понималось классицистами не как естественно возникший организм, а как произведение искусственное, сотворенное, созданное руками человека по плану, с определенной задачей и целью.

Отразился классицизм и в архитектуре: дворцы, церкви, новые парижские площади, отмечены строгой симметрией, величественной простотой. Классицизму свойственны стройная упорядоченность формы, идея подчинения личности общественному долгу. Ясность и гармония линий в классицизме как бы подчеркивали разумную закономерность существующего мира и в своеобразной художественной форме отражали идеи Просвещения.

Скульптуры классицизма, словно трехмерное воплощение мифов, рассказывают нам о могучей силе человеческой мысли, о единении народа в достижении общих целей. Просто удивительно, как классицисты сумели рассказать целую эпоху в жизни той или иной нации при помощи не масштабных композиций. Стремясь к рациональному применению пространства, занимаемого скульптурой, мастера тем самым следовали еще одному принципу классицизма – отходу от частного. В одном единственном персонаже, чаще всего взятом из мифологии, воплощался дух целого народа. А герои настоящего с той же легкостью изображались в античном окружении, что лишь подчеркивало их историческую роль.

4----- Караваджо Микеланджело (Caravaggio; собственно Меризи да Караваджо, MerisidaCaravaggio) (1573-1610), итальянский живописец. Основоположник реалистического направления в европейской живописи XVII в. Учился в Милане (1584-88). Работал в Риме, Неаполе, на островах Мальта, Сицилия. Идеализации образов, характерной для искусства маньеризма и академизма, Караваджо противопоставил индивидуальную вырази-тельность модели ("Маленький больной Вакх", Галерея Боргезе, Рим), аллегорическому истолкованию сюжета - непосредственное наблюдение натуры ("Юноша с корзиной фруктов", там же). В античных сюжетах воплощал празднично-игровое начало ("Вакх", 1592-93, Уффици). Внёс большой вклад в сложение новых видов живописи - натюрморта ("Корзина с фруктами", около 1596, Пинакотека Амброзиана, Милан) и бытового жанра ("Гадалка", Лувр). Религиозная картина получила у Караваджо интимно-психологическую интерпретацию ("Отдых на пути в Египет", Галерея Дориа-Памфили, Рим). Зрелые произведения Караваджо (1599-1606) - это монументальные полотна, обладающие исключит, драматической силой ("Призвание апостола Матфея" и "Мучение апостола Матфея", 1599-1600, церковь Сан-ЛуиджидеиФранчези, "Распятие апостола Петра" и "Обращение Савла", 1600-01, церковь Санта-Мария дель Пололо, "Положение во гроб", 1602-04, Пинакотека, Ватикан, - все в Риме; "Смерть Марии", около 1605-06, Лувр). Живописная манера Караваджо основана на мощных контрастах света и тени, выразительной простоте жестов, энергичной лепке пластических объёмов, насыщенности колорита, которые создают эмоциональное напряжение и драматический эффект. Простонародность образов, смелое утверждение демократических художественных идеалов поставили Караваджо в оппозицию по отношению к современному ему искусству. В позднем творчестве Караваджо обращается к теме одиночества человека во враждебном ему мире, его привлекает образ небольшого содружества людей, объединённых родственной близостью и душевным теплом ("Погребение св. Лучии", 1608, церковь Санта-Лучия, Сиракуза). Свет в картинах Караваджо становится мягким и подвижным, колорит тяготеет к тональному единству, манера письма приобретает черты свободной импровизационности. Творчество Караваджо оказало большое влияние на сложение реалистических течений во многих европейских художественных школах XVII в.

5-----Классические каноны в архитектуре были сформулированы итальянским архитектором по имени АндреаПалладио (1508-1580) еще в XVI веке - именно он создал принципы строительства, прямо опирающиеся на римский опыт и избегающие излишеств позднего ренессанса. Но, фактически, к тому времени, как настоящий ренессанс пришел в Британию, он уже стал называться классицизмом. Одновременно с классицизмом - в противовес ему и как его развитие - существовал также стиль, называемый барокко. Он возник в конце XVI века, тоже в Италии, быстро распространился по Европе и достиг вершины своего развития во Франции. От классицизма он отличался большей вычурностью, стремлением к пышности и театральным эффектам, уходом от простоты и прямолинейности в сторону изгибающихся линий и обилия деталей. Разницу между классицизмом и барокко можно лучше понять на конкретных примерах: настоящее палладианское здание - "дом королевы" Иниго Джонса (см. ниже), а знаменитые памятники барочной архитектуры - дворцы в Версале или Петергофе.

Первым чисто итальянские традиции принес в Британию ИНИГО ДЖОНС (1573-1652). Учился он в Италии и старался как можно меньше менять итальянский стиль в своих постройках в Британии. Тип загородного дома, созданный им - прямоугольное здание с прямой линией карниза и равномерно расположенными окнами - послужил образцом для дальнейшего загородного, да и городского строительства. Джонс большое внимание уделял городской застройке и оказал огромное влияние на дальнейшее развитие английской архитектуры.

К несоменным его шедеврам относится т.н. дом королевы в лондонском пригороде Гринвиче. Подобного здания раньше в Англии не видели: оно совершенно прямоугольное, с прямой линией карниза, безо всяких выступающих коньков. Оба фасада симметричны. Комнаты с высокими потолками, красивые, с большими окнами Очевидно, насколько резко такой стиль порывает с тюдоровскими традициями. Еще одно его творение - Банкетный зал на улице Уайтхолл в Лондоне, единственная построенная часть большого дворцового комплекса, который планировался там. В декоре присутствуют колонны и балюстрады, ордерное членение, лепка и рустовка. Изнутри зал светлый и праздничный, а потолки расписаны Рубенсом, великим художником эпохи барокко. На самом деле, при кажущейся простоте планировки, этот зал создавал пространство, полное символов.перестраивал поместье Уилтон-хаус, в результате чего соврешенно тюдоровская надвратная башня поместья оказалась с обеих сторон окружена классическими фасадами, а внутри появился великолепный классический зал. Другой памятник палладианству на английской земле - церковь св. Павла на площади Ковент-гарден в Лондоне, совершенно необычной для христианского храма архитектуры. Вся площадь, по замыслу Джонса, должна была стать симметричной, где-то похожей на форум древнеримского города.

Вообще, Джонса не очень интересовало, как итальянский стиль можно приспособить к английским традициям и климату, т.к. он хотел создать последовательный, чистый стиль, без поправок на предшествовавшие традиции. Однако, Британия все же не Италия, и иногда после Джонса дома перестраивались, чтобы они больше подходили к привычному стилю жизни обитателей. Именно поэтому появлялись дома со странным сочетанием классических фасадов и огромных тюдоровских труб. Проблему сочетания иноземного стиля с традициями и условиями Англии в основном разрешил последователь Джонса, великий Кристофер Рен.

СЭР КРИСТОФЕР РЕН (1632-1723) - наиболее яркий мастер этой эпохи. Он был математиком, астрономом, изобретателем и естествоиспытателем. Использовал традиционные английские материалы, но придумывал новые пути их использования.чтобы остаться в классических рамках.

Сам диапазон его работ показывает, какие разнообразные задачи вставали перед архитектурой в то время. Например, первой его работой стало сооружение т.н. Шелдоновского театра в Оксфорде, здания, предназначенного для собраний и различных церемоний и заказанного Рену Гилбертом Шелдоном, который позже стал канцлером университета. Название "театр" условно, оно описывает форму здания, а не его предназначение: в нем никогда не давалось представлений, хотя и устраивались концерты. Рен построил 52 приходские церкви в районе нынешнего Сити. Не все из них сохранились, но давайте взглянем на самые знаменитые, такие, как церкви св. Стефана у Стенного ручья, св. Бригитты, св. Марии в Боу (та самая церковь, около которой, "withinthesoundofBowbells", нужно родиться, чтобы считаться настоящим кокни), св. Иакова на Чесночном холме, св. Иакова на Пикадилли, св. Клемента Датского, а также аббатство св. Николая.

Но шедевром Рена является, несомненно, собор св. Павла, также построенный на месте сильно пострадавшего в пожаре 1666 г. более раннего, готического здания. Он строился между 1675 и 1710 г., став первым собором построенным после эпохи Средневековья и единственным собором Британии, выстроенным в стиле классицизма (или, как считают другие исследователи, барокко). Интересно при этом, что план собора совершенно традиционен: это средневековый латинский крест, с двумя западными башнями и башней над средокрестием, которая, впрочем - и это важная новация - имеет форму купола, т.е., являет собой чисто классический элемент. По декору же собор полностью порывает со старыми традициями английского церковного строительства. Рен применяет ордерную систему, вводит в множестве колонны, включая и знаменитые его сдвоенные колонны; интерьер собора просторный, светлый, и что интересно, украшен почти без применения скульптуры или живописи: основной декоративный акцент привносят все те же архитектурные формы. (Мозаики на потолке и парусах купола были выполнены в более поздний период, уже в XIX веке, заменив собой изящный орнамент, который, как видно из старинных гравюр, украшал его до этого.) Росписи внутри купола выполнены в гризайной, т.е., монохромной технике, имитирующей лепнину, а сам трехслойный купол, с его "галереей шепотов" и сложным внутренним устройством, являет собой несомненное чудо инженерной и архитекторской мысли.

6--КАРРАЧЧИ (Carracci), семья итальянских живописцев: Лодовико (Lodovico, 1555–1619) и его двоюродные братья, Агостино (Agostino, 1557–1602) и Аннибале (Annibale, 1560–1609). Братья Карраччи были основателями болонской «Академии вступивших на правильный путь» (основана ок. 1585). Фактически это была частная мастерская, где проводилось обучение и совершенствование живописцев по специальной программе, преподавалась перспектива, архитектура, анатомия, история, мифология, рисование с античных слепков и с натуры и, наконец, практика живописи. Она объединила немного художников и просуществовала недолго. В акаднм. всем делом заведовал старший Лодовико, Агостино читал теоретические лекции, Аннибале вел практические занятия по рисунку и живописи.

Аннибале был самым талантливым.  Он работал быстро и с увлечением. Всем лучшим, что было в нем, болонский академизм обязан Аннибале, который фактически явился ведущей фигурой нового течения.

   В 1580–1590 годах вместе с братьями Аннибале расписывает фресками палаццо болонской знати (Фава, Маньяни, Дзамбеккари) и ряд дворцов Болоньи. В складывающемся новом типе алтарной картины лучшие произведения принадлежат Аннибале – «Вознесение Марии» (1587), «Мадонна со св. Лукой» (1592).

   В этих композициях много скучной риторики, условной театральности. Тяжеловесные фигуры располагаются красивыми группами, каждое движение и жест, складки плащей строго рассчитаны, приведены в соответствие с канонами "классической" красоты.

   В восьмидесятые годы наряду с произведениями на религиозные сюжеты Аннибале написал несколько смелых реалистических картин: «Лавка мясника», «Автопортрет с отцом», «Едок бобов». Особую группу представляют картины Аннибале на мифологические темы, в которых сильно сказывается его увлечение венецианцами. В этих картинах, прославляющих радость любви, красоту обнаженного женского тела, Аннибале выявляет себя хорошим колористом, живым и поэтическим художником («Венера и Адонис»).

   В 1595 году Аннибале переехал в Рим, где по приглашению кардинала Одоардо Фарнезе начал работать над украшением парадных интерьеров его дворца. После сравнительно малозначительной росписи одного из залов палаццо Фарнезе Аннибале в 1597–1604 годах при участии брата Агостино и учеников расписал большую галерею палаццо Фарнезе. Эти фрески принесли ему мировую славу и послужили примером для многих декоративных ансамблей XVII–XVIII столетий.

   В качестве программы росписи художнику была предложена тема триумфа любви.

   Аннибале разбил поверхность свода на три продольных полосы (разной ширины), и каждую из них – на несколько отдельных эпизодов; доминирует сцена "Триумфа Вакха и Ариадны" в центральном поле свода, а все остальные эпизоды расположены на разных расстояниях друг от друга, с ускорением ритма к середине, и эта неравномерность интервалов, этот элемент динамики сильно отличает роспись Карраччи от аналогичных ансамблей эпохи Возрождения, построенных на спокойных гармонических сопоставлениях. Отдельные сцены, изображающие эпизоды из античной мифологии, написаны у Карраччи в холодной, четкой, суховатой манере, при помощи которой художник стремится приблизиться к античности; он оформляет эти сцены как картины в широких нарядных рамах, словно прислоненные к своду; их окружают рельефно написанные обнаженные фигуры, как бы стоящие и сидящие рядом с картинами…

   По углам росписи Карраччи создал впечатление прорывов в стене, через которые виднеются – как бы далеко в глубине – пляшущие на парапетах фигурки амуров. Такой иллюзионизм, такое нарушение цельности живописной поверхности – черты, глубоко чуждые Возрождению, зато нашедшие развитие в искусстве XVII века. Вместе с контрастной подачей различных элементов росписи, вместе с динамикой и декоративным богатством целого эти особенности характеризуют роспись галереи Фарнезе как произведение, по духу целиком принадлежащее итальянскому декоративному искусству следующего столетия

   К лучшим произведениям Аннибале Карраччи принадлежат его пейзажные работы. Карраччи и его ученики создают на основе традиций венецианского пейзажа XVI века тип так называемого классического, или героического, пейзажа.

Именно на этом пути художник находит наиболее гибкое разрешение противоречий своего образного видения. Новизна найденного Аннибале решения, особенно наглядно выраженного в "Бегстве в Египет" (1603–1604), состоит в одновременном противопоставлении и гармоническом созвучии ограниченного во времени и пространстве бытия отдельных конкретных мотивов, среди которых выделен доминирующий (святое семейство на берегу реки), и бесконечной широты и покоя вечно длящегося бытия природы как целого

Аннибале Карраччи известен также как автор жанровых композиций, написанных просто и с большой живописной непринужденностью.

   «Портрет музыканта» скорбной проникновенностью образа решительно выделяется на фоне всех официальных произведений мастера. Эти реалистические устремления, стихийно прорывавшиеся сквозь академическую доктрину, но неспособные ее разрушить, особенно сильно сказывались в рисунках Карраччи. В рисунках с натуры он достигает замечательной естественности и точной достоверности.

   Известная картина «Оплакивание Христа» (около 1605)  относится к группе его зрелых произведений, написанных с большим мастерством, ярко и рельефно, но очень холодно. Художник рационалистически и последовательно построил перспективу, показал объем фигур и даль. Легенда, взятая художником в качестве сюжета, рассказывает, что святые почитательницы Христа являются на поклонение его гробнице, но находят ее опустевшей; от ангела, сидящего на краю саркофага, они узнают о воскресении Христа. Легенда говорит об ангеле, что "вид его был, как молния", и женщины – счастливы и потрясены. Но образность и взволнованность древнего текста не находят у Карраччи никакого отклика; он мог только противопоставить легкие, извилистые очертания одежды ангела массивности и статичности фигур женщин. Колорит картины элементарен и даже грубоват, но отличается силой и интенсивностью».

   Умер Карраччи 15 июля 1609 года. Аннибале и его братья оставили много учеников, среди которых наиболее известны Гвидо Рени и Доменикино.