11020

Белоглазова Д.Н.

МАОУ «Гимназия №2»

ВОЗРОЖДЕНИЕ ЗАБЫТОГО ИСКУССТВА: МОЗАИКА ЛОМОНОСОВА

Талантливый человек – талантлив во всем. Это утверждение вспоминается всякий раз, когда речь заходит о личностях, совмещающих в себе самые различные дарования: архитектора, живописца, поэта, скульптора, ученого. Леонардо и Микеланджело, Бернини и Рубенс, Васнецов и Рахманинов. М.В.Ломоносов занимает в этом ряду достойное место. Его имя ученого-исследователя известно во всем мире, менее знакомы его живописные опыты, а ведь еще в период обучения в Германии ему и его товарищам были предписаны занятия рисунком. В течение двух лет он систематически упражнялся в рисовании, заложив тем самым прочную основу для дальнейшего развития своих способностей в изобразительном искусстве. Однако подлинный талант в этой области раскрылся позднее и был связан с мозаичной техникой, позволившей связать воедино его естественнонаучные и художественные дарования.

Всвое исследовательской работе я поставила цель:

•Выделить основные отличия мозаичной техники Ломоносова

Всвязи с эти определился круг задач:

•Проследить эволюцию мозаики Ломоносова;

•Обозначить основные черты отливки и шлифовки смальты;

•Проанализировать мозаичное искусство в России.

Всвоей работе я использовала следующие методы исследования:

•Работа с источниками;

•Систематизация полученных знаний;

•Сравнительная таблица мозаичных произведений различных стран и техник;

•Создание мозаичной картины; Актуальность работы не вызывает сомнений. В наши дни множество

людей самостоятельно создают мозаичные картины, все глубже проникаясь в это дело, тем самым увеличивая интерес к истории создания и техник, и композиции. Но особенно ценным является обращение к этой технике профессионалов, например, украшение мозаикой одного из дивеевских соборов на нижегородчине.

Мозаика не была для русского человека чем - то чужеродным: это искусство было распространено еще в Киевской Руси и пришло к нам из Византии, но затем техника его изготовления была утеряна. В середине XVIII века канцлер М.И.Воронцов привез из Рима несколько мозаичных произведений, составленных из смальт. Они отличались богатством

320

оттенков, но способы их приготовления итальянцы держали в строжайшей тайне, тем не менее, М.В.Ломоносов поставил перед собой задачу возродить в России это забытое искусство. Разработанные им методы отливки и шлифовки смальты дали результаты несравненно более яркие и богатые по своим красочным возможностям, чем итальянские. Вне связи с вековыми традициями мозаичного искусства, ученый совершенно самостоятельно добился исключительных результатов. По немногим образцам он не только постиг саму технику, но и осознал художественный смысл мозаики — ее суровую и выразительную простоту, ее красочные возможности, декоративное значение и эпическую монументальность. Результатом первых живописных изысканий явился мозаичный образ Богоматери.

М.В.Ломоносов, сам отлично справляясь с этой работой, набирает себе учеников, но при этом не идет проторенными путями. Он развивает и совершенствует мозаичное искусство, ставит перед ним новые художественные задачи, улучшает и значительно ускоряет технику набора мозаичных картин. Он мечтает о широком применении мозаики в памятниках, которые должны прославить величие его Родины, ратные подвиги и исторические деяния русского народа, которые по мысли ученого, были связаны с деятельностью Петра I.

Следующим этапом на пути создания мозаичных панно стала работа над образом Петра I, один из набранных им портретов был преподнесен Сенату. В начале 1758 года М.В.Ломоносов разработал проект грандиозного мозаичного монумента, который предлагал воздвигнуть в Петропавловском соборе. В нем он хотел отразить «Знатнейшие дела историческим образом», подразумевая под ними начало правления Петра, подавление стрелецкого бунта, историю создания флота, взятие Азова, пребывание за границей, основание Петербурга, Кронштадта, Петергофа, и т.д. Правда, вскоре художник сам отказался от этого проекта, понимая всю сложность его осуществления, как с творческих позиций, так и с материальных, но идея прославления России продолжала волновать ученого. В новом проекте по-прежнему сохранялась идея украсить стены собора мозаичным панно на темы, отражающие различные этапы жизни и деятельности Петра I, но уже в более упрощенном варианте.

После долгих проволочек Сенат окончательно утвердил предложенный проект о сооружении монумента в Петропавловском соборе, однако двухлетняя задержка оказалась роковой: в декабре 1761 года скончалась императрица Елизавета, а вслед за этим событием сошли с политической арены покровители Ломоносова Шувалов и Воронцов. Все это усложняло работу ученого, к тому же здоровье его сильно пошатнулось, но, несмотря на многочисленные трудности, в мае 1762 года М.В.Ломоносов с помощниками приступил к работе над "Полтавской баталией". Вскоре мозаика была закончена, отполирована и вставлена в раму.

321

Достижения русского ученого в области мозаичного искусства были высоко оценены в Италии, где он был единогласно избран членом Болонской Академии Наук. Получив признание своих заслуг как незаурядного художника, М.В.Ломоносов был полон творческих планов и замыслов, но напряженная работа над «Полтавской баталией», наряду с огромной научной деятельностью в других областях, окончательно подорвала его здоровье. Тяжелобольной ученый сильно переживал за судьбу мозаичного дела в России, и эта тревога была ненапрасной: вскоре после смерти М.В.Ломоносова проект убранства Петропавловского собора был отвергнут. Так угасло замечательное творческое начинание великого русского ученого, которому он отдал многие годы жизни, но хочется верить, что мозаичное искусство в России еще дождется своего творца, а труд М.В.Ломоносова не окажется тщетным.

Брыгин А.В.

МАОУ «Гимназия №2»

ШЕЛКОГРАФИЯ ЭНДИ УОРХОЛА

Всегда и во все времена искусство живописи было уникальным и штучным товаром. Картины могли создаваться значительное время и столько же времени уходило на создание авторских реплик. Графические листы создавались намного быстрее, искусство графики было более молодым, мобильным и быстро откликающимся на любые запросы общества. Кроме того, графика располагала большим количеством техник, начиная от самых древних, например, продольной ксилографии, получившей распространение в эпоху Северного Возрождения, и заканчивая линогравюрой, использование которой стало возможным с изобретением линолеума.

Живопись ждала своего звездного часа, чтобы заимствовать у графики мобильность. Становилось очевидным, что этого можно было достичь, используя тиражирование, с одной стороны, и многократное повторение одного и того же изображения на плоскости, с другой. Такой метод был не нов. Его первые упоминания датируются III веком до нашей эры, но окончательное формирование его произошло в Китае во времена династии Сун. В Европу он попал в XVIII веке, а 1907 году англичанин Самюель Саймон впервые запатентовал технику на основе фотоэлементов. Свои трафареты он изготовлял из шелка, отсюда и появилось название метода. Новую жизнь вдохнул в технику шелкографии Э.Уорхол, смешав воедино

322

высокое искусство и товары массового потребления. Изображение упаковки дешевого супа стало настоящим символом эпохи 1960 – х годов.

Всвоей исследовательское работе я поставил цель:

∙Выяснить вклад Энди Уорхола в технику шелкографии. В связи с этим определился круг задач:

∙Познакомиться с историей происхождения шелкографии;

∙Изучить жизнь и биографию Энди Уорхола;

∙Проанализировать самые известные работы художника;

∙Изготовить собственный трафарет в технике шелкографии.

Как любое новое явление в искусстве, творчество американского художника Э.Уорхола выдержало шквал комментариев, положительных и отрицательных. Одни называли его искусство пошлым и бездарным, другие приветствовали новую технику, видя в ней большие скрытые возможности. Что же такое шелкография по методу Э.Уорхола?

Шелкография — вид печати, при которой краска проникает на материал через специальную трафаретную сетку. Для изготовления печатной формы используется фотоэмульсия, которая наносится на сетку, высушивается, а потом засвечивается. После засветки трафарет промывают водой: не засвеченные участки сетки смываются и, таким образом, становятся печатающими элементами. Именно через них краска и проникает на материал. Главное преимущество шелкографии заключалось в том, что печать можно осуществлять практически на всех материалах: текстиле, пластике, бумаге, коже, металле. Кроме того, отпечатанная таким способом поверхность дает наиболее четкие и яркие изображения. Наконец, изготовленный трафарет можно использовать сколь угодно много раз, достаточно просто тщательно промыть его.

С помощью этой техники Энди Уорхол в 1962 году наделал множество портретов знаменитостей – намеренно ухудшая качество печати, чтобы в итоге они имели сходство с дешевыми газетными репродукциями. Зачем? Неужели только лишь ради сиюминутного эффекта? Нет, у художника была совершенно определенная цель: он хотел разрушить иллюзии значимости авторского участия. Многократно повторяя оригинал, фактически приравнивая произведение искусства к ширпотребу, он добивался эффекта отстраненности произведения от личности автора.

И все-таки, несмотря на такой «тиражный» способ, эти работы были настоящими произведениями искусства – мало того, они стали сенсацией. Яркие, кричащие, экспрессивные портреты Элвиса Пресли, Мика Джаггера. Мэрилин Монро тут же стали культовыми объектами для поклонников поп- арта, несмотря на слова критиков о том, что эти работы – отражение пустоты, пошлости и примитивности всей американской массовой культуры тех лет. Эти «отражения пошлости», по замыслу самого автора совершенно отстраненные от художника, обладали таким мощным авторским обаянием, что тут же стали органичной частью массовой культуры.

323

Парадоксально, но работы Э.Уорхола узнаваемы, как и многие из творений самых известных в мире живописцев. Более того, художника связывает с ними еще одно качество – универсализм творчества. Его профессионализм был поистине безграничен, кем он только не был – и продюсером, и дизайнером, и писателем, прославился и как коллекционер, и как издатель журналов, и даже как кинорежиссер. Но прежде всего он был художником, и его картины, не менее неоднозначные и скандальные, чем «Черный квадрат» Малевича, продолжают и по сей день считаться для одних людей шедеврами, а для других поводом, высказать свое сомнение

Как всегда бывает в подобных спорных моментах – истина находится где-то посередине и должно пройти немалое количество времени, чтобы ситуация прояснилась. Но, так или иначе, произведения Э.Уорхола на сегодняшний считаются самыми дорогими в мире, а количество любителей искусства, обращающихся к его творчеству, растет год от года.

Галайда А.А.

МАОУ «Гимназия №2»

СИНЬ РОССИИ – БЕЛО-ГОЛУБАЯ ГЖЕЛЬ

«Из глубины веков до наших дней, Стараньем мастеров умелых, Русь украшает чудо-Гжель, Узором синим в платьях белых.»

Народные промыслы… Их много на территории нашей страны: хохломские и семинские изделия, жостовские подносы, балахнинские кружева… Особое место в этом ряду занимает гжель. Ее популярность настолько велика, что туристы из разных стран стремятся увезти домой сувениры, выполненные в этой технике.

Так что же такое гжель? Наименование одного из подмосковных сел, ставшего символом народного промысла? Или название предприятия, где возрождено керамическое искусство русских мастеров? Или выпускаемые в этих местах высокохудожественные изделия, расписанные кобальтом по белому фону? Оказывается, и то, и другое, и третье, а само слово «гжель» сегодня невероятно популярно.

Итак, в своей исследовательской работе я поставила цель:

∙ проследить эволюцию промысла Гжели с момента ее зарождения до наших дней.

В связи с этим определился круг следующих задач:

324

∙выявить причины возникновения промысла в данной местности

∙охарактеризовать виды гжелевого промысла

∙раскрыть процесс изготовления изделий

∙выяснить технологические приемы гончарного искусства

∙повторить гжелевый сервиз в технике папье-маше

∙представить свое изделие, выполненное на гончарном круге

С каждым днем гжель становится все популярнее как в России, так и на мировом рынке, что делает выбранную мной тему актуальной.

Такой вид росписи, как Гжель, часто применяется на керамических изделиях. Майолика, полуфаянс, фаянс и фарфор – основные виды керамики. Они проходят обжиг под разными температурами, и поэтому на выходе изделия имеют разные эксплуатационные качества. Все они изготавливаются из схожих материалов, берущихся, однако, в разных пропорциях. При эксплуатации фаянс покрывается мелкими трещинами, однако фарфор с майоликой такой «мутации» не подвержены.

Сама роспись имеет разные техники.

∙Лубочная гжель. Вся посуда расписывалась орнаментами, выполненными зелеными, желтыми, синими и фиолетово-коричневыми красками по белому фону. Обыкновенно изображали картинки в стиле модного тогда лубка. Часто это была птица в центре рисунка, домик, позже

—люди и животные. В настоящий момент такая роспись утрачена.

∙Надглазурная гжель - самый красивый вид гжельской росписи, он же и самый древний. Он представляет собой роспись цветными красками по глазури. Эта техника особо сложна и очень трудоемка. Такие изделия проходят три, а иногда и четыре обжига. Такая гжельская посуда стоит довольно дорого, но и выглядит она роскошно.

∙Глухой кобальт. Данная роспись удивительна. Кажется, что это «зеркальное отражение» привычной, белой с голубым гжели. Кобальт покрывает всю поверхность изделия, затем наносится глазурь, после обжига следует рисунок белой краской и золотом.

∙Белый и костяной фарфор. Помимо традиционной, на Гжельском заводе выпускают чисто белую посуду, иногда украшенную нежным золотым узором, от чего она кажется ещё более белой.

∙Традиционная роспись. Ею признана бело-голубая гжель. Не даром её прозвали «Синь России». Рисунок выполняется специальным красочным составом на основе оксида кобальта кистевым мазком. После обжига глазурь становится прозрачной, изделие приобретает глянцевый блеск и твердость, а рисунок проявляется во всей своей красе, играя оттенками цвета от нежно-голубого до глубокого синего. Иногда, поверх уже обожженной глазури, на кобальтовый рисунок наносят тонкий декор золотом или платиной и снова обжигают изделие в печи.

325

Всвоей работе я провела сравнительный анализ произведений, выполненных в различных техниках гжели. Главное их отличие проявилось

вцветовой гамме: в первых двух работах использовано множество оттенков, при этом, в первом произведении тона более спокойные, а во втором присутствуют практически все цвета радуги. Третий сервиз отличается наиболее простым золотым рисунком на белом фоне, а четвертый максимально приближен к стандарту – сине-голубой рисунок на белом фоне. Однако необычность ему придает декор в виде золотого узора. Тем не менее, между этими произведениями есть одно значительное сходство – они расписаны по белому фону. По этому признаку выделается последнее произведение – светло-голубой узор на темном фоне придает ему необычный колорит.

Различны и сами узоры – в первом произведении виден конкретный рисунок. Второй, четвертый и пятый сервизы схожи – здесь изображены характерные для гжели цветы. Третье произведение вовсе не обладает конкретным рисунком: в золотых линиях кто-то может увидеть лепестки цветов, а кто-то – летающих стрекоз и бабочек…

Внастоящее время в любом магазине можно купить гжелевый сервиз, однако я считаю, что самым лучшим украшением в доме будет предмет, сделанный своими руками. К сожалению, я не имею достаточно опыта и возможностей для того, чтобы самостоятельно слепить изделие на гончарном круге, обжечь и высушить его, а затем красиво расписать. Мой опыт ограничивается лишь лепкой, примером чему является карандащница. Также я увлекаюсь техникой папье-маше, которая заключается в оклеивании какой-нибудь формы кусочками мягкой бумаги (в данном случае – газеты) в несколько слоев. Такая работа требует терпения и аккуратности. Для росписи готового предмета я выбрала традиционный узор – синие цветы – и использовала метод коллажирования под гжель.

Итак, в своей работе я достигла поставленной цели и проследила эволюцию промысла гжели с момента ее зарождения до наших дней. Мне удалось изучить основные ее виды, а также сравнить гжелевые узоры разных эпох. Кроме того, я самостоятельно изготовила гжелевый сервиз в технике папье-маше.

История гжели уходит в глубь веков, и до сих пор эта техника остается одной из самых популярных в народных промыслах. В разные кон- цы планеты улетают синие птицы Гжели, чтобы украшать быт людей, воспитывать чувство прекрасного. Недаром говорят: «Из глубины веков до наших дней, Стараньем мастеров умелых, Русь украшает чудо-Гжель, Узором синим в платьях белых».

326

Васина А.А.

МАОУ «Гимназия №2»

МАЯКОВСКИЙ И ЖУРНАЛИСТИКА

«Я хочу, чтобы к штыку приравняли перо». Это утверждение, принадлежавшее Маяковскому, было бы невозможным без той веры в силу слова, с которой он пришел в журналистику. Он первый внес в нее представление о слове, как об оружии. Чем духовно сильнее человек, тем сильнее воспринимается неожиданно прорвавшаяся боль, но и тем сильнее его борьба. Слово Маяковского – это всегда борьба, борьба «за» и «против»: против старой поэтической системы, старого понимания поэзии, за новое, новое во всем.

Вэтой работе я хочу рассказать о Маяковском менее известном. Нам больше знаком Маяковский – поэт, с его ломаным стихом, красочными образами, точным словом. О Маяковском – журналисте, о профессии, которой он был предан много лет, известно меньше. Мне захотелось узнать, где и как он работал, какие шаги делал он в журналистике, с какими печатными изданиями он был связан? Так родилась тема моей исследовательской работы «В.Маяковский и журналистика».

Всвоей исследовательской работе я поставила цель:

Рассмотреть деятельность Маяковского в качестве журналиста

В связи с этим определился круг задач:

•Рассмотреть издания, с которыми был связан Маяковский.

•Отметить успехи, достигнутые им на этом поприще.

•Проанализировать «Окна РОСТа» В.В.Маяковский учился в Московском училище живописи, ваяния и

зодчества (МУЖВЗ), был живописцем. Это не первый случай в истории, когда художник обращается к журналистике. Сразу вспоминается Оноре Домье – величайший трибун французской революции, или крупнейший график XX века бельгиец Франс Мазерель. Оба большую часть жизни посвятили газетной работе. Статьи и рисунки и того, и другого с напряженным вниманием ожидались читателями. В русской журналистике фигуры равной Домье или Мазерелю до Маяковского не было. Вот почему Маяковский взял на себя миссию глашатая революции. Освоение им нового для него фронта деятельности – журналистики явилось одновременно и ярчайшим вкладом художника в публицистику.

Утверждая новое и поистине революционное, он не боялся вступать в полемику с представителями власти, например, с наркомом просвещения А.В.Луначарским.

Рупором всего нового и передового в то время была газета «Искусство Коммуны», которая напечатала имевший большой отклик в массах

327

стихотворение Маяковского «Радоваться рано». Характеризуя сложившуюся ситуацию, поэт призывал: «время пулям по стенке музеев тенькать. Стодюймовками глоток старье расстреливай!» Луначарский в противовес Маяковскому выступил со статьей «Ложка противоядия», направленной против «Разрушительных наклонностей по отношению к прошлому». Еще большее его негодование вызвало стремление поэта, «говоря от лица определенной школы, говорить в то же время от лица власти».

Газета «Искусство Коммуны» стала первым серьезным обращением Маяковского к широкому читателю: в первых номерах еженедельника его стихи печатались в качестве передовой, например, «Приказ по армии искусства»: «Довольно грошовых истин. Из сердца старое вытри. Улицы наши – кисти. Площади наши – палитры».

Следующим шагом Маяковского на пути приобретения журналистского опыта стала его работа в «Окнах РОСТА» - серия плакатов, созданная в 1919-1921 годы советскими поэтами и художниками, работавшими в системе Российского телеграфного агентства. Сатирические плакаты, выполненные в острой и доступной манере, снабженные лаконичными стихотворными текстами, разоблачали противников молодой республики Советов. «Окна РОСТА» посвящались злободневным событиям, были иллюстрациями к телеграммам, передававшимся агентством в газеты. За исключением первых, нарисованных от руки, плакаты выполнялись и размножались с использованием трафарета до 150 и более экземпляров, а затем выставлялись в витринах в столице и других городах.

В «Окнах РОСТА» активно использовались традиции лубка и раешника. Техника рисунка в «Окнах РОСТА» отличалась акцентированной простотой и лаконизмом используемых изобразительных средств: раскраска в 2-3 цвета, выразительность силуэтов. Первое «Окно РОСТА» исполнил в октябре 1919г. М.М.Черемных. Впоследствии к нему присоединился и Маяковский, создавший как рисунки, так и тексты.

Еще сотрудничая с газетой «Искусство Коммуны», Маяковским были сформулированы основные принципы теоретической платформы будущего литературно-художественного объединения «ЛЕФ», которое он возглавил. Одно перечисление входивших в него поэтов и художников говорит о силе концентрации новых идей и форм их выражения: О.Брик и Б.Пастернак, А.Родченко и В.Татлин, С.Эйзенштейн и В.Шкловский. Вскоре объединение стало издавать свой журнал с аналогичным названием, выдвинувшим теорию «социального заказа», согласно которой художник являлся только мастером, выполняющим задание своего класса.

Кроме того, «ЛЕФ» принял программу «производственного искусства», способствовавшую зарождению художественного конструктивизма. Большая заслуга в этом принадлежит В.Татлину. Из литературных жанров лефовцы признавали очерк, репортаж и лозунг.

328

Поэма «Про это» (1923), напечатанная в первом журнале «ЛЕФ», содержавшем декларацию группы, подавалась как образец «литературы факта» (первое отдельное издание поэмы было проиллюстрировано фотомонтажами Родченко с использованием фотографий Маяковского и Л.Брик). В действительности поэма была тесно связана с творчеством Маяковского футуристического периода не только сюжетно (поэт любит женщину, целиком принадлежащую чуждому ему миру, который он определяет как «обывательский»), но и по своей образности. В ней используются разные стилистические пласты (городской романс, разговорная речь).

Наряду с положительными моментами лефовцы отрицали познавательные функции искусства, что вело к недооценке классического наследия. Участники объединения отрицали многие виды художественного творчества, в том числе, и станковую живопись в изобразительном искусстве, и художественный вымысел в литературе. Эта концепция оказала огромное влияние на творчество поэта.

Маяковский много писал в 1927 году. В его стихах и очерках кипели страсти вокруг событий внешней и внутренней жизни. «Все хочу обнять, да не хватит пыла…» - жаловался поэт, но широта охвата изумляет, ему до всего есть дело. От индустриализации страны и до сохранения кошачьих шкур Госторгом, от ликвидации неграмотности до обличения «сердитого дяди», который пропил пишущую машинку из канцелярии, от пропаганды выигрышного займа до пережиточных моментов в быту и в сознании советских людей.

Заняв в Послереволюционной жизни место, аналогичное Домье и Мазерелю, Маяковский выдержал испытание временем. «Стихи стоят, свинцово-тяжело, готовые и к смерти, и к бессмертной славе». Не каждый стих выдержит проверку эпохой. Стих Маяковского выдержал.

Евдокимов Т.А.

МАОУ «Гимназия №2»

ЛАНДШАФТ НА КРЫШЕ – ФАНТАЗИЯ ИЛИ РЕАЛЬНОСТЬ?

Крыша — важнейшая архитектурная составляющая дома, во многом определяющая его облик. За многие тысячи лет она прошла долгий путь развития и до сих пор продолжает меняться, следуя новым технологиям и модным тенденциям.

Одними из самых знаменитых садов являются легендарные «Висячие сады Семирамиды», которые располагались на высоте 25 метров над землей. Устроены они были в 600 году до н.э. в Вавилоне по распоряжению

329