Скульптура

АНТУАН БУРДЕЛЬ (Франция, 1861 — 1929). «Я леплю на простонарод­ном наречии». Академиче­ские правила тяготили Бурделя. Учился у Огюста Роде­на и сотрудничал с ним.

В пер­вом самостоятельном монументе сразу обозначилось стремление Бурделя к героизации образов и мону­ментальности. «Па­мятник павшим» во франко-прусской войне жителям на центральной площа­ди Монтобана. Могучий воин в от­чаянии взмахивает обломком сабли, за его спиной падает на землю дру­гой солдат. Над ними взмывает вверх фигура, изображающая Побе­ду, с древком знамени в руках. Создал целый ряд статуй, воплотивших античные обра­зы: «Голова Аполлона», «Геракл, стреляющий из лука», «Пенелопа» и др. Все последующие работы Бурделя говорят о том, что он искал в скульп­туре закономерности, свойственные архитектуре. Вскоре у мастера появи­лась возможность попробовать силы в оформлении архитектурного со­оружения – здания театра на Елисейских Полях в Париже: «Танец» и «Музыка». Памятник национальному герою Аргентины — генералу Альвеару (включает четыре аллегорические фи­гуры для постамента — Сила, Победа, Красноречие и Свобода). Выдающийся па­мятник, посвященный окончанию Первой мировой войны, — «Фран­ция, приветствующая иностранные легионы» (теперь он называется «Франция»). Последней работой мастера стал памятник польскому поэту-роман­тику Адаму Мицкевичу, на одной из площадей Парижа.

АРИСТИД МАЙОЛЬ (Франция,1861—1944). В 40 лет Майоль занялся скульптурой. Огюст Роден, посетив первую персональную выставку ма­стера, был восхищён его работой «Леда». Первая большая мраморная статуя – «Средизем­ное море» («Мысль»). Затем появились «Скованная свобода», «Флора», «Иль-де-Франс». Памят­ник Полю Сезанну. (Майоля иногда называли «Сезанном в скульптуре».) скульптор создавал более 10 лет. Майоля очень привлекала природа: «Гора», «Река», «Гармония» (последняя статуя мастера; Майоль работал над ней четыре года, но она осталась незавершённой). Вслед за жи­вописной выразительностью Огюста Родена и эмоциональностью Антуана Бурделя классическая про­стота Аристида Майоля уничтожила последние следы академизма, вернув скульптуре XX в. её древние основы.

Живопись и графика

ОБРИ БЁРДСЛИ (Англия, 1872—1898). Этот мастер, про­живший всего 25 лет, оставил обширное графическое наследие — главным образом иллюстрации к литературным произведениям и рисунки, сделанные по заказам раз­личных журналов. Систематического художест­венного образования Бёрдсли не получил. Начав рисовать ещё в детстве, он проучился всего два месяца в Вестминстер­ской художественной школе. Глав­ным источником вдохновения для молодого художника была литера­тура, глубокое воздействие на него оказало искусство Возрождения, прежде всего творчество итальян­ских мастеров Боттичелли и Микеланджело, а так­же немецкого живописца и графи­ка Альбрехта Дюрера.

Иллюстрации к книге «Смерть Артура» Томаса Мэлори. Иллюстра­ции к пьесе Оскара Уайльда «Саломея» (их персонажи ассоциируются с миром нечистой силы). Иллюстрации к поэме Александра Попа «Похищение локона»; обложки для книг серии «Библиотека Пьеро» (взгляд человека конца XIX в. на мир эпохи рококо).

ОДИЛОН РЕДОН (Франция,1840—1916). Композиция «Дух. Хранитель вод» (над далёким пейзажем нависает огромная голо­ва почти шарообразной формы с большими выпуклыми глазами; дух созерцает маленький парусник, скользящий по поверхности воды. Чёрный контур головы резко выде­ляется на фоне бездонного белого неба и одновременно отбрасывает тень на воду, усиливая эффект столкновения двух миров — реаль­ного и фантастического). Се­рия литографий «В мечте» (лист «Игрок» отра­жает тщетность человеческих усилий в борьбе с пороками, овладевающи­ми душой; маленькая человеческая фигурка с широко расставленными ногами — тёмное пятно, контур ко­торого вспыхивает белым свечени­ем, — несёт на плечах гигантский игральный кубик; в воображении Редона кубик увеличивается до размеров огромного каменного бло­ка, а человек превращается в ма­ленькую песчинку, ничтожную рядом с устремлёнными ввысь деревьями). Гравюра «Парсифаль» — графическая реплика на одноимён­ную оперу Вагнера.

Редон постепенно оставляет графи­ку. Пастельные композиции: «Христос Святого Сердца»,

«Будда». Живописные полотна «Рождение Венеры», «Женщина среди цветов».

Художник умер в 1916 г., оставив большую коллекцию загадочных графических листов и живописных композиций. Маленький ключик к их пониманию Одилон Редон спрятал в дневнике, написав: «Занимать­ся живописью значит создавать кра­сивую субстанцию, прибегая к осо­бому, внутреннему чувству. Точно таким же образом природа создаёт алмаз, золото, сапфир... Это врождён­ный дар чувственности. Его нельзя приобрести».

ГРУППА «НАБИ» (Париж) – от древнеевр. нави — «вестник», «про­рок» - сообщество молодых ху­дожников, искавших новый живописный язык и увлекавшихся литературой, теат­ром, восточной и христианской философией: Мориса Дени, Поля Серюзье, Жана Эдуарда Вюйяра, Пьера Боннара, Поля Эли Рансона и др. Фе­ликс Валлоттон фор­мально в группу не входил, но рабо­тал в том же направлении. Все они увлекались живописью Поля Гогена, стремились найти свой путь в искусстве и хотели сделать творчество не только работой, но и стилем жизни. Ежемесячно они собирались на ритуальный ужин; каждому из них было присвоено особое имя: Серюзье называли Наби со Сверкающей Бородой, Дени за его увлечение ре­лигиозной живописью именовали Наби Красивых Икон, Боннара, пре­клонявшегося перед восточным ис­кусством, — Очень Японский Наби.

Члены группы «Наби» стреми­лись к работе в декоративных видах искусства: они изготовляли гобеле­ны, керамику, витражи, рекламную графику (плакаты). Рансон - серия картонов, по кото­рым его жена вышила небольшие настенные панно, которые отличались изысканностью композиции, тон­ким цветовым решением и вырази­тельностью линий. Дени – полотна на религиозные темы: «Католическое таинство», «Процессия под де­ревьями», «История Психеи». Вюйяр – интерьеры, переполненные ве­щами, женщины за рукоделием, иг­рающие дети, прохожие на улицах, натюрморты, лужайки в парке — вот милый и уютный мир повседневной жизни, который изображал мастер. Но за этим незатейливым окружени­ем, за пёстрыми драпировками и цветными занавесками, скрыт другой мир — мир человеческих пережива­ний и ощущений: «Лестница. Улица Миромениль», «Штопальщи­ца», «В комнатах», «Читаю­щая».

Среди членов группы «Наби» не без влияния Гогена возник инте­рес к ксилографии (от греч. «ксилон» — «срубленное дерево» и «графо» — «пишу», «рисую»), гравюре на дереве. Наиболее интересные опыты в этой области принадлежали швей­царцу Валлоттону. Графический стиль мастера отличают контраст чёрных и белых пятен, выразитель­ность силуэтов и недосказанность композиционного построения. На листе «Отъезд» (1897 г.) белая фигу­ра женщины погружается в непрони­цаемую темноту ночи. Экипаж лишь намечен тонкой прерывистой ли­нией, лица героини нельзя разли­чить, зато видны гротескно чопор­ные профили мужчин.

Группа «Наби» просуществовала недолго — в начале XX в. она посте­пенно распалась. Каждый из её чле­нов пошёл своей дорогой.

ГУСТАВ КЛИМТ (Австрия,1862—1918). Первые работы: живописная композиция «Любовь» пронизана тонким романтизмом, а дерзкое сочетание натурализма и аллегории придаёт ему особую изысканность; в похожем стиле выполнена и картина «Музыка» (фили­гранная отточенность рисунка, нежный колорит, построенный на игре бледно-голубых, зелёных и жёлтых тонов, делают картину удивительно гармоничной и изящной).

Вскоре Климт превратился в одного из самых смелых экспериментато­ров. Отныне его картины всегда вызывали критику и споры. Стиль художника времён расцвета Сецес­сиона прекрасно продемонстриро­ван в полотне «Юдифь». Согласно ветхозаветной традиции, иудейка Юдифь, обезглавив асси­рийского полководца Олоферна, спасла родной город от неприяте­ля. Ломая традиционные представ­ления о Юдифи — благородной ге­роине, Климт придал ей черты «роковой» соблазнительницы. Её полуобнажённая фигура, написан­ная мягкими, скользящими мазками, полна чувственного очарования. Одежды Юдифи, покрытые слож­ным декоративным узором, состав­ляют одно целое с фоном картины. Этот образ часто связывают с важным для живописца символиче­ским персонажем, названным им Nuda veritas (лат. «обнажённая исти­на»), — обнажённой женской фигу­рой, которая олицетворяет чувст­венные инстинкты, несущие человеку зло. Позднее страшная и вместе с тем чарующая сила энергии зла была воплощена художником в другом библейском образе — танцу­ющей Саломеи. Мрачное лицо, рез­кий ломаный рисунок, декоративная изысканность одеяния — всё это отталкивает душу, но притягивает взгляд, оставляя зрителя в томитель­ном напряжении.

Цикл панно «Бетховенский фриз», посвящённый Девятой симфонии Людвига ван Бетховена.

Большое место в творчестве Климта занимал портрет («Портрет Адели Блох-Бауэр»).

Не менее интересны пейзажи Климта, напоминающие изыскан­ные декоративные панно («Крестьянский сад с под­солнухами», «Аллея в парке перед дворцом Каммер»).

Позднее творчество Климта отли­чает ещё большая напряжённость, доходящая до подлинного трагиз­ма («Смерть и жизнь»). Творчеству Густава Климта при­сущи все характерные признаки стиля модерн: тяготение к симво­лике и сложным аллегорическим образам, стремление к необычным декоративным эффектам, постоян­ное желание экспериментировать.

ЭДВАРД МУНК (Норвегия,1863—1944). «Болезнь, безумие и смерть — чёрные ангелы, которые стояли на страже моей колыбели и сопровож­дали меня всю жизнь» — эта запись в дневнике Мунка прекрасно пере­даёт атмосферу большинства его произведений («Больная девоч­ка»). Творчество Мунка раз­нообразно по темам и жанрам. Ху­дожник писал портреты, пейзажи, бытовые сцены и картины со слож­ным символистским подтекстом, создавал графические произведе­ния.

«Танец жизни», «Мадонна» (обнажённая кра­савица с длинными развевающими­ся волосами, образ, ко­торый при первом знакомстве покоряет обаянием и живописной изысканностью, постепенно начи­нает вызывать раздражение, одно­временно притягивая и отталкивая), «Крик» («…я стоял, пригвождённый к месту, дро­жа от страха. Я услышал ужасающий, нескончаемый крик природы»),

МИКАЛОЮС ЧЮРЛЁНИС (Литва, 1875—1911). Период творческой активности мастера продолжался недолго — с 1903 по 1909 г. Именно тогда Чюрлёнис создал большую часть своих работ, в которых обратился к литовскому фольклору, индийской философии, мифологии. Его карти­ны пронизаны поэзией и музыкой, стремлением разрушить барьеры между различными видами искусст­ва и соединить их в художественное целое, отражающее сложный мир че­ловека и природы.

Так, герой картины «Истина» кажется живописцу вол­шебником, который держит в руке светящийся жезл. В наполненном трагическими, мрачными мотивами цикле «Похо­роны» событие охватывает несколько последова­тельных временных отрезков, подоб­но движению солнца по небу или смене времён года. Чюрлёнис пытался выразить эмоциональное состояние через формы музыкальных произведений и называл картины сонатами, пре­людиями и фугами: циклы «Соната солн­ца», «Соната весны» и др.

На картине «Rex» (лат. «король») Вселенная предстаёт системой сфер, в центре которой — Земля. Её окружает Мировой океан, над ним парят небесные тела — ко­меты и планеты. Сверху — хрусталь­ная сфера, где обитают святые, ангелы и праведные души, где начи­нается бесконечность и светят солнце, звёзды, луна. Символистская композиция, выполненная в тёплых коричневых тонах, рождает ощущение взгляда из далёкого космоса. Чюрлёнис стал первым литовским художником, известным за преде­лами своей маленькой страны.