Поначалу эпоха Ренессанса (Возрождения) воспринималась современниками только в светлых, оптимистических очертаниях, темная сторона царства «новорожденного капитала» открылась для искусства в более позднее время.

Истоки нового театра были связаны с народным искусством и философией гуманизма (см. т. 8 ДЭ, ст. «Люди и идеи Возрождения»).

Преодоление духовной диктатуры церкви, победа нового, жизнерадостного и жизнелюбивого мировоззрения, связанного с зарождением новых, более прогрессивных общественных отношений, может быть, ярче всего давала себя знать в шумных народных празднествах. Из года в год в Италии на карнавальных праздниках, на маскарадах и пирушках появлялись остроумные, ловкие, талантливые мастера импровизаций и лицедейства (представления в лицах). В Венеции любили маски ловких и пронырливых, гораздых на всякие выдумки парней — Бригеллы и Арлекина, слуг-дзанни. На народных увеселениях родились маски персонажей первого европейского профессионального театра — комедии дель арте. Пользуясь языком карнавальной буффонады — шуток, трюков, буйных плясок, комедия дель арте выражала новое восприятие жизни. В ее спектаклях формировались законы театрального искусства. Так, было установлено, что живое, ни на минуту не прерывающееся действие есть самая главная особенность сценического искусства, что театральное творчество коллективно и требует ансамбля.

Актеры комедии дель арте не имели готового текста. Придерживаясь основной сюжетной канвы, они каждый раз немного по-новому придумывали свои реплики, живо и остроумно импровизируя. Это поддерживало их в состоянии постоянной творческой активности.

Слава комедии дель арте распространилась по всей Европе, итальянские импровизаторы заезжали даже в далекую Россию.

Одновременно в Италии существовал любительский гуманистический театр, рассчитанный по преимуществу на ученую и аристократическую аудиторию. Помимо веселых и сатирически острых «ученых» комедий там разыгрывались героические и кровавые трагедии, которые потрясали зрителей всякими ужасами, и поэтически изысканные пасторали, где придворные нравы изображались идеализированно, под видом картин из пастушеской жизни.

Итальянская «ученая» комедия подражала старой римской комедии, ее авторы — Никколо Макиавелли, Пьетро Аретино и другие — нарисовали живую сатирическую картину современных им нравов.

Итальянские архитекторы эпохи Возрождения построили прекрасные театральные здания. Лучший образец театрального здания итальянского Возрождения, сохранившийся до нашего времени, — театр «Олимпико», построенный в Виченце архитектором Андреа Палладио (конец XVI в.). Архитектор Себастьяно Серлио в 1539 г. разделил сцену на две части — переднюю, где играли актеры, и заднюю, предназначенную лишь для декораций. Каждому драматическому жанру соответствовало определенное декоративное оформление: трагедии — дворцовая площадь, комедии — городская улица, пасторали — поляна или лес.

Представление комедии дель арте в Венеции на площади св. Марка. Гравюра XVII в.

Итальянский театр

В XVII в. в итальянском театре царили комедия дель арте и опера. Особенно процветали эти оба вида сценического искусства в Венеции, одном из старинных культурных городов Италии. Здесь можно было увидеть удивительные представления комедии дель арте. Актеры непосредственно, на глазах у зрителей, творили увлекательное, красочное, ярко театральное сценическое действие (см. ст. «Театр эпохи Возрождения»).

Опера, возникшая во Флоренции, вскоре стала известна всей Италии (см. ст. «Оперный театр»). В XVII в. опера достигла своего расцвета в Венеции. Здесь в 1637 г. открылся первый публичный оперный театр «Сан-Кассиано». Он стал образцом нового типа театрального здания — многоярусного театра, получившего широкое распространение в Европе.

В XVIII в. в Италии, как и в других европейских странах, наступает эпоха Просвещения. Итальянские просветители стремятся реформировать трагедию и комедию, подчинив театр идее общественной полезности искусства.

Реформу театра (драматического и музыкального) наиболее полно осуществляют два драматурга-режиссера: в опере — Метастазио, в комедии — Гольдони.

Пьетро Метастазио (1698 — 1782) — знаменитый поэт-либреттист, реформатор музыкального театра. С его деятельностью связано формирование одного из основных жанров итальянской оперы XVIII в. — onepa-сериа (см. ст. «Оперный театр»).

Реформируя оперу, Метастазио добивается равновесия между поэзией и музыкой, словом и пением. Он создает лирическую и героическую оперу, уделяя главное внимание душевным переживаниям героев.

Наряду с оперой-сериа в XVIII в. возникает и другой жанр итальянского музыкального театра — опера-буффа. Веселая, задорная опера-буффа впитала в себя лучшие национальные традиции народной комедии дель арте, став ее достойной наследницей.

Комедия дель арте к середине XVIII в. перестала существовать как особый вид итальянского театра, уступив место литературной комедии.

Реформу комедии блестяще осуществил величайший итальянский драматург Карло Голъдони (1707 — 1793). Он вошел в историю театра как создатель итальянской национальной литературной комедии. Драматургия Гольдони, став основой репертуара театров всей Италии, способствовала развитию сознания национального единства. Создавая реалистическую литературную комедию, он стремился сохранить все жизнеспособное в комедии дель арте. Театр все больше становится школой жизни, насыщается передовыми просветительскими идеями, новым содержанием. Вместо комедии традиционных масок теперь появляется комедия характеров. Краткий сценарий заменяется пьесой, полностью написанной драматургом. Маски уступают место живым образам людей, словно выхваченным из реальной действительности XVIII в. Комедии Гольдони воссоздают красочную, полнокровную картину итальянской жизни, отражают быт и нравы различных социальных слоев современного драматургу общества. Многие пьесы великого итальянского комедиографа уже в XVIII в. получили широкое распространение во всех европейских странах. Его комедии не сходят со сцены до настоящего времени, украшая репертуар национального и мирового театра.

Некоторые черты комедии дель арте получили развитие и в драматургии Карло Гоцци (1720 — 1806), создавшего жанр театральной сказки — фьябы: «Турандот», «Король-олень», «Зеленая птичка» и др. Гоцци прославлял в своих пьесах людей честных, самоотверженных, смелых, умеющих по-настоящему дружить и любить.

Сцена из комедии К. Голь-дони «Отец из привязанности».

Во второй половине XVIII в. в Италии появляется еще один крупнейший драматург эпохи Просвещения — Витторио Альфьери (1749 — 1803), ставший создателем итальянской политической трагедии в драматическом театре. Его трагедии свободы («Виргиния», «Брут I», «Брут II» и др.). написанные в 70 — 80-х годах, приобретают особое значение в конце XVIII в., когда наступает героическая эпоха национально-патриотической борьбы за освобождение и объединение Италии. Они вдохновляли на самоотверженную борьбу каждое новое поколение итальянских патриотов.

Испанский театр

И все же не итальянцам, а испанцам было суждено первыми достичь высот драматического искусства.

Испанские театры первоначально создавались в гостиничных дворах — корралях, где сходились задние фасады нескольких домов. Окна служили ложами, перед самой сценой размещалось несколько рядов скамей для знати, а густая толпа простых зрителей теснилась во дворе. Сценический помост был сравнительно широким. Занавес висел посередине сцены, разделяя ее на передний и задний планы. Балкон служил по ходу действия башней, окном или даже горным уступом.

Спектакль начинался с пения под аккомпанемент гитары, затем произносился пролог, после чего разыгрывалась сама комедия, насыщенная горячими переживаниями и стремительным действием. В антракте показывали интермедии, сайнеты (пьески с музыкой и плясками) и танцевальные номера. Спектакль заканчивался мохигангой — всеобщим танцем в масках, с куплетами и шутками, подхватываемыми зрителями.

Герои и героини испанской комедии — люди цельного и сильного характера. Согласно требованиям чести, они не допускают корыстных и низких поступков. Это движет всеми действиями героев. Власть королей, пренебрегающих этими законами, в испанской драматургии осуждалась как форма деспотизма.

Начал национальную историю испанского театра Лопе де Руэда (ок. 1510 — ок. 1565) — человек, кровно связанный с народом и самоотверженно преданный театральному искусству. Сюжеты для своих пьес он брал из жизни. Лопе де Руэда был и превосходным актером и мог с неподражаемым мастерством исполнить в течение одного спектакля несколько ролей.

Яркие и остроумные интермедии, пьесы трагедийного плана, пронизанные духом народного героизма и вольнолюбия, писал выдающийся писатель Мигель де Сервантес Сааведра (1547 — 1616; см. т. 11 ДЭ, ст. «Мигель де Сервантес Сааведра»).

Подлинным же главой испанского театра стал Лопе де Бега Карпьо (1562 — 1635; см. т. 11 ДЭ, ст. «Лопе де Вега»). Он создал новый тип драматургии, поставившей испанский театр на первое место среди европейских сцен конца XVI в.

Лопе де Вега написал 1800 комедий светского и 400 пьес духовного содержания. Из всего этого богатства сохранилось около 500 пьес. Его героические «драмы чести» отстаивали высокие гуманистические идеалы, порицали эгоизм и произвол властьимущих. В пьесах из крестьянской жизни он показал нравственное преимущество людей из народа перед избалованными, попирающими мораль аристократами. Лучшая из них — драма «Овечий источник», в которой рассказывается о восстании крестьян против рыцаря — феодала. Его комедии о любви, так называемые комедии плаща и шпаги, отличаются запутанными сюжетными обстоятельствами, остроумными проделками героев. В этих комедиях утверждалась гуманистическая идея: ценность человека в его личных достоинствах — в уме, воле, чистоте побуждений, а вовсе не в богатстве и знатности происхождения.

С именем драматурга Педро Кальдерона де ла Барка (1600 — 1681) связан завершающий и кризисный этап «золотого века» испанского театра. Но и в философских трагедиях Кальдерона звучала вера в нравственную силу человека, в его способность преодолеть эгоистические склонности и душевную огрубелость и пойти на самопожертвование ради высоких и патриотических идеалов.