Оперное творчество Чайковского.

Пётр Ильич написал 10 опер, среди них очень разные: Ундина (на французский сюжет, фантастическая), Воевода (тоже неудачная, исторического плана), Опричник (историческая драма), Кузнец Вокула (во второй редакции Черевички, акцент на лирические и сакральные линии), Евгений Онегин (70-е годы, вопреки ожиданиям композитора имела большой успех), Орлеанская дева (героическая опера, яркие лирические сцены), Мазепа (историческая драма 80-х годов), Чародейка (лирическая драма незаурядного характера, в сюжетном плане не слишком правдоподобная история), Пиковая дама (написана в 91-м году, первоначально либретто предназначалось для неизвестного Леновского, клавир написан за 43 дня, композитор отожествил себя с Германом), Иоланта (светлая лирическая опера).

Чайковский создал свой оперный театр, несколько шедевров. Композитор - мастер лирической оперы, но создал её Даргомыжский ("Русалка"), и Рубенштейн ("Демон", написал всего 18 опер). После появления Пиковой дамы Римский-Корсаков написал Царскую невесту, которая активно не понравилось его жене и друзьям.

Пётр Ильич хотел от опер прежде всего эмоциональности сюжета. Музыка была на первом плане, но слово не терялось на её фоне. Пушкин долгое время работал над повестью Пиковая дама, существовало множество набросков. Пушкин списывал даму с княгини Натальи Галициной. Пушкин умер в один день с Натальей, а Чайковский умер возле её дома. Опера состоит из 3 действий и 7 картин. Сюжет оперы волнует и творца и слушателей, романтичен. Чайковский стилизует "Искренность пастушки". Вначале оперы даётся характеристика места, где происходит действие - летний сад, в котором гуляют нянюшки с детьми (слышен отгосок любимой оперы Чайковского Кармен, в частности детского марша). Вся опера пронизана идеей игры, в этом смысле Пётр Ильич уже заглянул в 20 век. Чайковский первым поднял в опере вопрос человеческой игры. Идея игры сосредоточена в 3 картине. Всё пронизано числовой символикой, вплоть до произнесения тройного заклинания. пиковая дама строится по типу грандиозной сонатной формы.

1 картина - ГП - главная картина, в ней весь тематический материал представлен, завязывается конфликт

2 картина - ПП - любовная сцена Германа и Лизы

3-5 картины - разработка: 3-я картина - сцена бала интересна передачей ключа (ключевым моментом оперы), с этого момента лирическое содержание уходит, 4-я картина - кульминация, самая драматическая картина оперы, её центр. У Чайковского в самые драматические и кульминационные моменты остаётся минимум героев. 5-я картина - мистическая картина, явление призрака графини, которая ставит условие, звучит заупокойное пение.

6 картина - как бы зеркальная реприза ПП.

Мышление Чайковского к концу жизни становилось всё более сонатным, философским. Герман для композитора был человеком живым, абсолютно понятным. Для Пушкина сумасшествие было страшнее смерти. Чайковский сделал Германа человек страстей, согласившись с автором повести.

Симфоническая музыка.

Народные инструменты начали возвращаться лишь в конце 19 века благодаря Андрееву. До этого момента вся инструментальная музыка была чисто европейской. Особую роль сыграли увертюры к операм (начало симфонической музыки). Фомин написал оперы: Американцы (комическая), Ямщики на подставе (с большим количеством хоров), Орфей (мелодрама - музыка к спектаклю). Увертюра к Орфею написана в старосонатной форме, одно из самых замечательных сочинений в жанре увертюры.

Глинка создал одночастный жанр классической увертюры, самостоятельной увертюры. В западноевропейскую форму ему было необходимо вдохнуть национальный колорит. Увертюра к драме Кукольника "Князь Хомский" была так же написана Глинкой. Драма впоследствии провалилась. Глинка в молодости собирал отовсюду русский музыкальный язык. Вступление написано в стиле Эгмонта Бетховена, главная партия написана в сметённом романтическом стиле, а побочная партия как национальный элемент - все они удивительно сочетаются между собой. После этого были намечены 3 направления в симфонической музыке:

1. обработка народных тем - Камаринская, Арагонская хота (одна из 2 испанских увертюр). В Камаринской вариации на 2 темы - свадебную "из за гор, гор высоких", плясовую камаринскую. Нашёл у этих двух тем общий нисходящих ход, благодаря чему соединил их. Арагонская хота - в прямом смысле опять обработка народных тем.

2. программные произведения - Воспоминание о летней ночи в Мадриде, создающее импрессионизм в музыке, проглядывают испанские интонации. Глинка не учась в консерватории, брал лишь частные уроки, но прекрасно освоил оркестровку, взяв за основу французский принцип подхода (основанный на 3 голосах, более разреженный нежели немецкий).

3. симфонизация танца, именно вальса - Вальс-фантазия, в котором Глинку одолевают красивейшие темы, которые он включает в рондообразную форму, основная тема не имеет остановки.

Глинка хотел написать симфонию - одна продолжала линию жанрового направления, другая программная "Тарас Бульба" по Гоголю, но обе они оказались неудачными.

Балакирев был преемником Глинки, написал симфоническую увертюру на тему испанского танца. Остался в истории как создатель "Могучей кучки". Был блестящим импровизатором, часто отдавал темы, но при необходимости записать ноты вся музыкальная наработка исчезала. Написал увертюры на 3 русские тему, на чешские темы. Создатель русской поемы "Томара", посвящённая Листу.

У Мусоргского почти нет симфонических произведений, у Бородина "В средней азии" написанное как политическое задание, у Римского-Корсакова большое количество подобных произведений. Н. А. Римский-Корсаков считается создателем русской классической симфонии. Для него симфония не была главным жанром. Первоначально появились симфонические произведения: Садко, Шехеразада Антар, Вторая симфония (сюита), Увертюра на сербские темы, Светлое воскресенье (как воспоминание о детских годах, религиозной матери).

Симфония 2 - Антар - написана по восточной сказке Синковского, повествующего о главном герое по имени Антар, разочаровавшемся во всём.

К зачёту знать: Чайковский - Пиковая дама, Чайковский - Симфонии 3,5 и 6, Бородин - Симфония 1, Чайковский - Квартет 2, Фортепианное трио памяти великого художника, Бородин - Квартет 2, Римский-Корсаков - 1я часть Антара, Испанское каприччио, Балакирев - Томара (вступление и экспозиция), Глинка - Князь Хомский (увертюра), Орагонская хота и Ночь в Мадриде.

Симфоническая поема Фатум Чайковского - одна из ранних поем, у которой позднее появилась вторая редакция. Фатум - судьба, рок. Автор часто обращается к этом тематике.

Всё симфоническое творчество Чайковского - дневник. Вслед за неудачной женитьбой автор решил уйти из жизни, хотел утонуть, но счастью из этого ничего не вышло. К 80-м годам он обрёл новый вкус к жизни, и у него появились сюиты, а не симфонии. Сюиты очень разнообразные по своим частям (от 4 до 7). Всего у Чайковского 4 симфонические сюиты, одна из которых не на собственные темы. 1-я сюита - есть вступление как и в симфониях. В первой половине 80-х годов почти не писал симфонии.

Чайковский явился создателем лирико-драматической симфонии. 1-я симфония интересна своей пограничностью между сюитой и симфонией, первые две части имеют названия. 2-я симфония, которую называют "Журавель" опирается на народные темы, весь финал построен на украинской теме Журавель, одна из самых недраматических симфоний, появляется вступление. 3-я симфония единственная 5-ти частная симфония, части совершенно не связаны друг с другом, но имеет несколько характерных моментов: интродукция (как и в Пиковой даме), главная партия совершенна не характерна для поздних симфоний Чайковского, он очень помпезная. Чайковский отходит от использования народных тем. 4-я симфония программна, первая часть - арена жизненной борьбы, вторая часть - песня, третья часть - грёза, финал - во поле берёзка стояла в советские времена трактовалась совершенно иначе, как обращение к образу народа, а не как символ одиночества. В 5-й симфонии тема фатума представляется маршем с плагальными оборотами, интересна очень сильной лирической струёй, сам автор был недоволен героическим финалом, сам ощущал его искусственность. 6-я симфония оказалась действительно лебединой песней, была последним сочинением, которой он сам исполнил и испортил, финалом сделал медленную часть.

Бородин рисует не свою собственную натуру, а объективную картину мира. В эпической симфонии можно поменять части местами и от этого мало что изменится. Александр Порфирьевич был позитивистом. У него нет ни одного неудачного произведения. Последователем эпических идей Бородина был Глазунов, но он более статичен и аморфен. Прокофьев многое взял от объективности творчества Бородина.

Камерные ансамбли всегда были вторичным жанром в русской музыке. Создателями были Чайковский и Бородин - создатели соответственно двух их линий. Квартеты писались как симфония в миниатюре. Глинка впервые написал фортепианное трио (ф-но, гобой и фагот). Три квартета Чайковского написаны в 70-е годы. У Бородина 2 классических квартета. Для русской музыки квартет был явлением второстепенным.

"Трио памяти великого художника" Чайковского написано в двух частной форме, начинается со вступления виолончели с яркой вокальной темы. Внешне очень похоже на жанр концерта. Трио длится 50 минут, что для камерного ансамбля очень много.

Эпоху серебряного века отсчитывают с 1881 года (смерти царя Александра) и до 20-х годов. После смерти царя закрывались учебные заведения, журналы, на арене появилась жестокая фигура победоносцев. Серебряный век должен был быть последней волной бурного развития культуры. В 80-90-е годы существовала даже мода на самоубийства, возникло явление под названием декаденство ("декаданс" - упадок). Декаденты интересны поисками новых форм и новых средств выражения. Существительное, предмет уходит на второй план, а на первый выходит его описание, характеристика. Декаденство перетекает в символизм, который пришёл к нам из Франции. Он оказался одним из наиболее распространённых. "Символ тёмен в последней глубине" - каждый человек вкладывает в символ что-то своё. Чистым символистом в музыке был лишь Скрябин. Рахманинов и Метнер терпеть не могли символистов, но испытали огромное его влияние помимо своего желания. Туманная символика первому надоела Блоку. На основе протеста возник акмеизм, который призывал радоваться тому, что человек видит вокруг себя. Появляются стихотворения описывающие обыденные радости жизни. Стиль модерн противостоял прямым линиям, ярко изображались извилистые, неровные линии. Один из любимых символов модерна - волна. Человек должен жить в красивом мире.

Футуристы разрушили материю стиха, слова. Вначале слово реформировали и пытались извлечь из него много смыслов. Кручёных дожил до конца 70-х годов, писал стихотворения не воспринимаемые современным ухом, в которых слова замещались непохожими созвучиями, и слушателю предлагалось самому искать смысл, завещал свою книгу "Кукиш прошлякам". А абстрактная живопись называлась кубизмом, или кукишизмом. Интересно творчество Василия Кандинского, начинал как импрессионист, получил художественное образование в России и Германии. Ни одного композитора кроме Скрябина нельзя отнести к тому, или иному направлению. Повышенная температура музыки ярко вырисовывается в первом концерте Метнера (для фортепиано). Определённые интонации становятся символическими, кварты ассоциировались с поэзией Горького. Глазунов и Танеев не имели подобного пафоса, но также стремились к нему. Отдельного упоминания заслуживает беляевский кружок, от балакиревского кружка остался только Римский-Корсаков, Глазунов и Лядов составили ядро нового образования. Беляев определил большие премии и стипендии. Кружок был очень многочислинен: Соколов, Мелких, Вейзбер.

Среды поэтов и музыкантов шли навстречу друг другу. У Андрея Белого 4 симфонии: Северная, Драматическая, Возврат и Кубок метелей (1904 г.). Поэтические темы в них развиваются как музыкальные, построены на сонатной форме. Были поэтами написаны и сонаты. Сонатная форма в начале 20 века, всегда избегаемая русскими композиторами раньше, стала повсеместной, стала восприниматься как философское выражение бытия. Даже в публицистских статьях Блока мы увидим сонатную форму. В свизя с этим ярко рассветает жанр фортепианной сонаты в России. 10 сонат Скрябина, 14 - Метнера, 3 - Рахманинова, сонаты Глазунова, Александрова, Балакирева. Опера в начале 20 века уходит на второй план, да и другие жанры себя исчерпали. Прощание с оперой происходит в виде пародий. В других странах над операми тоже смеялись. На место оперы приходит балет. Связан с именем Дягилева и Стравинского. Благодаря Дягилеву балет облетел весь мир. На первый план выходят камерные жанры, и на этот же уровень поднимаются симфонические одночастные произведения и концерты. Романс превращается в стихотворение с музыкой. Благодаря Танееву появился жанр кантаты. Меняется характер соотношения гармонии и полифонии. На первый план выходит фактура, которая начинает играть очень важную роль. Полифонией мастерски владеют все композиторы, особенно Метнер и Танеев. Особую роль получает ритм, выражающий дух времени. Глазунов и Лядов - композиторы петербургской школы. Глазунов написал 8 симфоний, из которых самые лучшие 4 и 5. В последние годы Глазунов начал писать для органа и одним из первых освоил саксофон, написал для него квартет.