6. Графический дизайн Германии нач. Хх в. (югендстиль): журналы «Пан», «Югенд», «Симплициссимус»

В 1880-е годы в разных странах стал вырабатываться новый стиль. В каждой стране возникало свое наименование стиля. Югендстиль - (Jugendstil) принятое в немецком искусствознании и художественной критике и применяемое обычно к немецкому и австрийскому наименованию стиля "модерн". Произошло от названия мюнхенского журнала "Jugend", пропагандировавшего этот стиль.

(Немецкий модерн менее мягкий и пластичный, в нём больше упрощений. Печатные виньетки, клише, капители, стилизованные греческие пальметты, рамки, бордюры использовались для оформления книжных полей).

Поздний Модерн в Германии ознаменовался появлением нового плакатного стиля (в 1906). Основной его принцип заключалось в минимализме композиции. Для немецкого плакатного стиля становится характерным крупное изображение рекламируемого товара в чёрной жирной обводке. Этот приём обеспечивает концентрацию внимания именно на товаре и гарантирует простоту восприятия. В zach-плакате исключены всякого рода пояснения, дополнительные подписи и картинки,  излишняя информация. В 1920 -21 гг. в Германии выходил журнал «das Plakat», пропагандировавший такой тип плаката. Это был первый специализированный журнал в Европе.

Во времена модерна в Германии выходили журналы, пропагандировавшие новый стиль

Журналы Югендстиля:

1). В 1896 г. в Мюнхене начал выходить журнал «Югенд» - еженедельник. (Именно от этого слова «Югенд» происходит немецкое название стиля – югендстиль) Журнал занимался популизацией нового стиля в Германии. При печати иллюстраций использовалась литографская техника.

2). Журнал «Ver sacrum» издавался с 1898  по 1903. тираж журнала составлял 600 экземпляров. Распространялся только под подписку. Был в числе дорогих элитных журналов. Журнал «Ver sacrum» - Красочный журнал, с множеством иллюстраций. Печатался методом тоновой цинкографии.

3.) В 1895 г. в Берлине начал выходить литературно-художественный журнал  - «Pan»;  программа журнала разработана берлинскими художниками. В числе 1210 экземпляров с  1895 по 1900 гг. Печаталось 100, так называемых головных экземпляров, отличавшиеся по качеству печати от остальных – рядовых. Обложка, созданная фон Штуком не менялась на протяжении всего существования журнала. С журналом «Пан» сотрудничали Верлен и Марламэ.

4). При ярко выраженной ориентации на декоративность, стилизацию, Югендстиль дал мощный толчок политической карикатуре. Это относится к художникам, группировавшимся вокруг журнала «Симплициссимус». Журнал выходил в 1867 – 1949 гг. Среди известных мастеров немецкой карикатуры, работавших для Симплициссимуса - Т. Т. Гейне. В 1897 г. создал обложку для журнала. Для Симплициссимуса характерно отсутствие симметрии, чёткой модульной сетки, согласованности в размещении информации. (в буквальном переводе «Симплициссимус»  — «Простодушнейший»).

7. Графический дизайн выставочного объединения Сецессион и Венских мастерских: г.Климт, й.М.Ольбрих, й.Хоффман, о.Экман, к.Мозер.

Венский Сецессион— объединение венских художников. Благодаря ему венский вариант югендстиля также называют венским Сецессионом.

Объединение было основано Густавом Климтом, Коломаном Мозером, Йозефом Хоффманом, Мария Ольбрихом и др. в 1894.

 В 1903 г. Хоффманн и Мозер основали Венские Мастерские («Wiener Werkstätte») — производственное сообщество представителей изобразительного искусства, ставившее себе целью реформирование художественного ремесла.

1898г. состоялась первая выставка Сецессиона. По проекту Ольбриха был построен знаменитый выставочный зал сецессиона в стиле арт-деко – Сецессион-хауз. (Типичное для арт-деко здание: блочность, жёсткие вертикали и горизонтали в композиции, цветовые контрасты).

Среди задач, которые ставили перед собой художники венского сецессиона, назывались следующие: популяризация декоративно - прикладного искусства, создание не просто предметов, а произведений искусства, отказ от машинного, конвейерного, тиражного производства. (Для тиражирования использовал цинкографию).  Венский сецессион основывался на тех же принципах, что и движение искусств и ремёсел в Англии.

С 1898  по 1903 гг. в Европе издавался международный журнал «Ver sacrum» (Священная весна), посвящённый венскому сецессиону. Тираж журнала составлял 600 экземпляров. Распространялся только под подписку. Был в числе дорогих элитных журналов. Журнал «Ver sacrum» - Красочный журнал, с множеством иллюстраций. Печатался методом тоновой цинкографии. Был выбран вадратный формат издания. Коломан Мозер делал обложки для журнала.

Был создан уникальный шрифт сецессиона (без засечек).

В30 –е гг. Сецессион и Венские мастерские перестают существовать из-за отсутствия меценатов и спонсоров.

 среди известных деятелей венского Сецессиона были Г.Климт, Й.М.Ольбрих, Й.Хоффман, О.Экман, К.Мозер.

 густав Климт (1862-1918) Австрийский художник, основоположник австрийского модерна. Все более вовлекаясь в стихию модерна и, соответственно, в оппозицию к академической традиции, Климт стал в 1897 одним из основателей независимого от Академии художеств Венского сецессиона (нем. Sezession — «отпадение», «отделение») и первым его президентом. Созданные по его инициативе «Венские мастерские» (1903) сыграли важную роль в стилистическом обновлении австрийского дизайна.

 Как и для большинства художников модерна, для Климта характерен вытянутый формат. Главным предметом его живописи было женское тело, и большинство его работ отличает откровенный эротизм. Работам Климта свойственна орнаментальная красочность, золотые фоны, мерцание, уподобление византийской мозаики. Часто встречается тема аллегории искусств. В 1898г. создаёт обложку журнала «Вер Сакрум» - «рыбья кровь».

 Йозеф Мариа Ольбрих (1867 – 1908) архитектор, дизайнер. По его проекту был построен знаменитый выставочный зал сецессиона в стиле арт-деко – Сецессион-хауз. Типичное для арт-деко здание: блочность, жёсткие вертикали и горизонтали в композиции, цветовые контрасты: контраст белого и золота. В 1908 г. Ольбрих построил исторический универмаг Тице в Дюссельдорфе и третью очередь посёлка художников в Дармштадтской колонии; в том же году, в возрасте 40 лет, он умер от лейкемии.

 Йозеф Хоффман. (1870-1956)  Универсальный дизайнер, архитектор. Лидер Венских мастерских.

Пале Стокля  - дворец, построенный Хофманом для одного банкира в Брюсселе в 1910 г. Это здание типа зиккурат, в основе которого блочность композиции, лаконизм форм, геометричность, характерная для архитектуры арт-деко. В декоре здания использована бронзовая скульптура.

Йозеф Хоффман так же проектировал мебель, посуду, ювелирные украшения, текстильные рисунки. Много работал в металле. Квадростиль – излюбленная форма Хофмана – квадрат.

Характерные для графики модерна колокольцы – упрощённые цветы, проволочный рисунок, геометричность.

 Отто Экман

Разработал декоративный шрифт на основе фрактуры (готического рукописного шрифта) 1902.  Использовал Лигатуру – слияние нескольких букв. (В основном в латинских языках. Часто - вписывание одной буквы в другую). Оформлял журналы Югенд, Вер Сакрум и Пан.

 Коломан Мозер (1868 - 1918)  без сомнений один из наиболее универсальных деятелей искусства своего времени. Он быд одновременно и художником, и графиком, работал на заказ, оформлял книги, создавал костюмы и сценические декорации. Был соучредителем Венского сецессиона и Венских мастерских. Он осуществлял переход от "цветочных" форм искусства к геометрическим орнаментам.

Мозер делал обложки для журнала Ver Sacrum. (опять же квадратный формат издания – в австрийском сецессионе всё стремится к квадрату). Все как по линейке, абстрактные формы. Контраст масс, упрощения в ДПИ.

Плакат для 5 выставки сецессиона 1899 г. Уникальный шрифт сецессиона (без засечек).

 

8. Графический дизайн Бельгии нач. ХХ в.: А. ван де Вельде, А.Менье, Ф.Туссен.

 Бельгийская культура ─ это культура, во многом зависимая от Франции, и поддающаяся французскому влиянию.  Нар убеже веков в Бельгии,  так же как и во Франции был распространён стиль Ар-нуво, который там называли также "стилем Орта", по имени архитектора Виктора Орта, чьи зрелые работы представляют собой яркую иллюстрацию классического варианты Ар нуво.

 Анри ван де Вельде. (1863-1957) один из основоположников бельгийской ветви «стиля модерн». Анри Клеманс Ван де Вельде родился в Антверпене. Учился живописи в Академии художеств. В 1884—1885 годах он продолжил учебу в Париже. В ранний период творчества занимался живописью, отдав дань увлечения импрессионизму и пуантилизму. Участвовал в организации художественных групп «Альз ин Кан» и «Независимого искусства». В 1888 году был принят в авангардистское общество «Ле Вингт», где познакомился с П. Гогеном и У. Моррисом. Моррис оказал большое влияние на Ван де Вельде. Однако в круг источников, формировавших его взгляды, входили произведения философов и литераторов, непосредственно связанных с эстетикой символизма. Среди них называют Ницше, Уайльда, Метерлинка.

 Войдя в 1889 году в бельгийскую художественную группировку «Группа двадцати», он активно участвовал в ее выставках, где экспонировались крупнейшие живописцы того времени – Моне, Писсарро, Гоген, ван Гог, Сера, Тулуз-Лотрек.

 С начала 1890-х годов он выступал и в печати как художественный обозреватель. С 1893 года Ван де Вельде увлекся книжной графикой, а затем и прикладным искусством, проектированием мебели, а так же дизайном рисунка для ткани и обоев.

 В 1894 году Ван де Вельде выполнил первый архитектурный заказ – дом Сете в Дивеге. В 1895—1896 годах он построил собственный особняк «Блуменверф» в Эккле близ Брюсселя, где все детали тщательно прорисованы в «стиле модерн».

 Зрелым мастером Ван де Вельде переехал в 1900 году в Германию. Он совершал длительные лекционные поездки по стране, пропагандируя свои художественные принципы.

 В 1902 обосновался в Веймаре. Он стал одним из организаторов Веркбунда и прославился как педагог, основав Высшее техническое училище прикладных искусств. Метод преподавания в училище отличался от традиционного. Отрицалось изучение прежних стилей с целью подражания им. Ученики обучались технике рисунка, изучали цвет как самостоятельную дисциплину и главное внимание уделяли орнаменту, который должен был выражать функциональное назначение и свойства применяемого материала. Работы училища были показаны на выставке Веркбунда в Кельне в 1914 году. (ар-нуво фактически завершилось выставкой в Кёльне).

 Особенность позиции Ван де Вельде заключалась в отказе от антииндустриализма. Ван де Вельде считал, что промышленность способна привести искусство к синтезу. «Если промышленности снова удастся сплавить стремящиеся разойтись искусства, то мы будем радоваться и благодарить ее за это. Обусловленные ею преобразования – не что иное, как естественное развитие материалов и средств выразительности различных областей искусства и приспособление к требованиям современности». Современность требовала, по его мнению, создания нового стиля – нового символистического языка художественных форм. «Я стараюсь изгнать из декоративного искусства все, что его унижает, делает бессмысленным, и вместо старой символики, утратившей всякую эффективность, я хочу утвердить новую и столь же непреходящую красоту», – писал Ван де Вельде.

Последний его архитектурный проект - временное здание музея Кроллер-Мюллер в Голландии. Новый тип музея.

 Зрелый модерн – более абстрактный: конструкция + плавная графика линий, отказ от деталей и украшательтва, орнамента. «Конструкция и композиция не должны затуманиваться лишними деталями».

 Проект рекламного стиля «Труппон» ─ главная работа Анри ван де Вельде. (пищевая фирма «Труппон» заказала рекламный плакат, упаковки, оформление витрин). Наиболее близко подошёл к созданию фирменного стиля, который всё же впервые был создан Бернсем несколько позже.

 Фернан Туссен 1895г.- натуралистический стиль?

 Анри Менье- реклама мыла Savon ?

 

9. Графический дизайн Италии нач. ХХ в.: М.Дудович, Дж.Маталони, Л.Капиелло, М.Ораци.

Модерн  -  художественное направление,  главенствующие в искусстве на рубеже XIX - XX веков. Модерн характеризовался использованием плавных, упругих линий, интересом к орнаменту, целостным проектированием среды. Модерн стремился стать единым синтетическим стилем, в котором все элементы из окружения человека были выполненные в одном ключе. В каждой стране возникало свое наименование стиля. В Италии – это стиль либерти. (по названию универмага, принадлежавшим Артуру Либерти,  в котором продавались вещи в новом стиле).

В этот период (рубеж XIX – XX) в Италии начал стремительно развиваться жанр постера. В конце XIX века музыкальная студия Ricordi решила открыть свое собственное производство для печати оперных афиш, программок и прочих рекламных материалов. Типография сразу же стала работать с самыми на тот день продвинутыми немецкими литографическими прессами и наняла знаменитого немецкого художника-иллюстратора Адольфо Хохенштайна, работающего в стиле Art Nouveau, для обучения итальянских художников искусству создания постеров. К 1895году печатное дело Ricordi разрослось настолько, что печатный дом стал принимать заказы на создание постеров от самых разных компаний — универмага Mele, миланской газеты Corriere della Sera, фирмы Campari и многих других.

Благодаря стараниям Хохенштайна стиль Art Nouveau, известный в Италии как Stile Liberty (свободный стиль), поднялся по качеству исполнения и по популярности до мирового уровня. Среди учеников немецкого мастера были Алеардо Вилла, Марчелло Дудович, Леопольдо Метликович, Алеардо Терции, Ачилль Мозан и Джиованни Маталони.

Одним из самых успешных учеников Хохенштайна был Леопольдо Метликович, итальянец сербского происхождения. В 1891 году Метликович начал работать в Ricordi. Сначала он был помощником литографа, а всего через год стал техническим директором. Но Метликович не остановился на достигнутом, став в результате одним из самых успешных и известных художников Ricordi, а после того, как Хохенштайн оставил предприятие, — его художественным руководителем. Постеры, которые создавал Метликович, были полны аллегорий. Одна из самых известных его работ — рекламный постер Mostra del Ciclo e dell Automobile, где изображен бог Меркурий рядом с автомобилем. Динамика работы настолько сильна, что и по сей день этот плакат признанно считается шедевром жанра постера.

У Метликовича было множество учеников, но, пожалуй, самым талантливым оказался Марчелло Дудович, который присоединился к команде художников-иллюстраторов Ricordi в 1897 году. Проработав там два года, он покинул Ricordi, но в 1906 году снова вернулся в Ricordi. Дудович очень быстро сумел снискать себе славу по всей Италии. По возвращении в Ricordi его стиль претерпел некоторые изменения: Дудович намеренно отказывался от классических элементов Art Nouveau, используя приемы модернистского стиля. Помимо оперных плакатов, Дудович создал больше десятка работ для известного итальян-ского универмага Mele. Самым плодотворным в работе художника считается период с 1907 по 1914 годы, когда он сумел добиться небывалых для того времени успехов в жанре постера.

Не меньшее влияние на переход от Art Nouveau к более упрощенному и графическому стилю оказал иллюстратор Франц Ласкофф, присоединившийся к сотрудникам Ricordi в 1901году. Рожденный в Польше, Ласкофф некоторое время проработал в Париже, а затем переехал в Милан. На его художественный стиль немалое влияние оказали работы братьев Беггарстафф, которые сумели свести стиль Art Nouveau к его графическим основам. Это влияние очень ощущается в работах Ласкоффа, особенно в тех, которые были созданы по заказу универмага Mele. Несмотря на то что Ласкофф проработал в Италии всего лишь до 1904 года, его стиль оказал существенное влияние на развитие жанра постеров.

Леонетто Капиэлло — еще один художник, чье творчество внесло значительный вклад в становление итальянского жанра постеров и рекламы. Прославился он сначала как карикатурист, когда работал в Париже, но позднее отдал предпочтение жанру постеров и за свою сорокалетнюю карьеру создал более тысячи работ. Капиэлло также называют отцом рекламы, ибо он одним из первых осознал, что самая простая метафора по отношению к тому или иному рекламируемому продукту может сделать постер более запоминающимся и рекламно успешным по сравнению с плакатами, перегруженными сложными декоративными элементами.

Итальянские постеры конца XIX — начала ХХ веков сегодня являются большой редкостью, хотя в те времена они производились в весьма внушительных количествах. Дело в том, что огромное количество постеров было уничтожено во время фашистского режима, а типографиям было запрещено печатать что-либо подобное. Не менее трагичным оказалось и событие, носящее более прозаичный характер: знаменитейший печатный дом при музыкальной студии Ricordi, в котором отпечатывалось большинство постеров, в конце 60-х годов попросту выкинул бесценные запасы из архивов, дабы освободить пространство на складах, оставив всего по одному экземпляру постеров для коллекции

10. Туристический и предметный плакат в Швейцарии первых десятилетий ХХ в.

В то время, когда авангардисты решают глобальные задачи в Баухаузе, другие художники и дизайнеры по всему миру выражали дух современности в новом стиле — Арт Деко. Они пользовались частично теми же элементами: лаконичность, контраст, геометрические формы — но не в конструктивных, а в декоративных целях.

Швейцарский арт-деко. В первые десятилетия в Швейцарии преобладает туристический плакат, т. к. именно на туризме строился главный доход страны. Главное действующее лицо швейцарского плаката – швейцарская природа.

Герберт Мэттер (1907-1984) ведущий швейцарский плакатист начала века. Применял фотографию, при создагнии плакатов. Был фотографом – любителем, снимал пейзажи, черпал вдохновения и идеи для новых плакатов в своих снимках. Создал рекламы зимних курортов Швейцарии. (Курорт Pontresina). Эмоциональная передача радости изображением сияющих улыбок. Известен его плакат, где головы с шеей безо всего остального. (напоминает плакат Лисицкого).

Отто Баумбергер, работал в Цюрихе, выполнял в основном рекламные плакаты для PKZ. Самый известный его плакат – рекламный плакат для фирмы RKZ 1923 г., плакат в стиле Zach. Увеличенная цветная фотография пальто, с этикеткой PKZ – наиболее лаконичный и чёткий плакат, из всех когда-либо созданных для этого универмага. Плакат не содержит ни одной пояснительной надписи: только название фирмы. В этом плакате впервые было применено цветное фото.

(1932: реклама Motor CompFoir. Зимние виды спорта.)

В Швейцарском плакате проявляются черты немецкого Zach – плаката (крупные планы). (Минимализм композиции, крупное изображение рекламируемого товара, концентрация внимания именно на товаре, простота восприятия. В zach-плакате исключены всякого рода пояснения, дополнительные подписи и картинки,  излишняя информация).

11. Графический дизайн в США нач. ХХ в. Э.Пенфилд.

 Модерн  -  художественное направление,  главенствующие в искусстве на рубеже XIX - XX веков. Модерн характеризовался использованием плавных, упругих линий, интересом к орнаменту, целостным проектированием среды. Модерн стремился стать единым синтетическим стилем, в котором все элементы из окружения человека были выполненные в одном ключе. В каждой стране возникало свое наименование стиля. В США – это стиль Тифанни.

В апреле 1917 года США вступили в Первую Мировую Войну, но произвели гораздо больше пропагандистских плакатов, чем какая-либо другая страна, участвовавшая в войне. Даже существовала шутка о том, что американцы пытались оправдать свое столь позднее вступление в войну огромным количеством плакатов. Были созданы тысячи плакатов, которые были выпущены огромными тиражами. К работе над плакатами были подключены как заработавшие ранее хорошую репутацию художники, такие как Говард Чендлер Кристи (Howard Chandler Christy), Джеймс Монтгомери Флаг (James Montgomery Flagg), так и неизвестные до этого Гаррисон Фишер (Harrison Fisher) и Эдвард Пенфилд (Edward Penfield). Многие известные и неизвестные художники вносили свой вклад бесплатно. Плакаты были нацелены на обеспечение массовой поддержки политики американского правительства. В них содержались призывы помогать фронту всеми возможными способами, от поступления на военную службу до бытовой экономии.

Эдвард Пенфилд был сотрудником журнала Harper's Bazaar, 1896 (Harper's Bazaar - одно из первых изданий о моде в мире. Первый его номер вышел в ноябре 1867 года).

Увлечение линиями, черный контур, работа пятном – характерно для США

Работа пятном без нюансировки.

 1921: Стюард Девис. Реклама Лаки Страйк.

1916: Экономия угля. Тяготение к Ар-деко.

 

12. Графический дизайн П. Беренса. (1868-1940)

Петер Бернс – разностаронний хкдожник, архитектор, дизайнер. Начинал свою творческую карьеру, как живописец, занимался и книжной иллюстрацией. В 1897 г. был одним из основателей Объединённых мастерских в Мюнхене. В 1903 стал диретором школы прикладного искусства в Дюссельдорфе, а в 1905 – 1906 гг. был художественным директором компании AEG.

Творчество Беренса одновременно лежит в русле стиля Модерн и выходит за его пределы – в эпоху функционализма и геометризации форм.

Бернес курировал все заводскме постройки компании AEG, включая знаменитый турбинный завод. Он создал целостный стиль компании – от зданий до канцелярских принадлежностей. , шрифта и логотипа, проектировал плакаты и каталоги продукции, интерьеры, и сами электронные приборы (Серия чайников. (знаменитый восьмигранный чайник),  вентиляторы – совмещение простоты и изысканной отделки, функциональность без украшательства, уличные осветительные приборы). Разработка фирменного стиля для AEG считается его главным  достижением. Бернс стал первым, кто разработал графический комплекс, названный фирменным стилем. До него наиболее близко к созданию фирменного стиля подошёл Анри Ван дель Вейден, но всё же его работу для пищевой фирмы «Труппон» нельзя назвать фирменным стилем.

[Опр. Фирменный стиль – единый язык форм, который предаёт всей продукции звучание взаимной сопренадлежности].

Беренс считал, что технологическая естественность, функция предметов и их внешний вид должны совпадать. Для дизайна Бернса характерна геометричность и простота. Его продукция была настолько современна, что не менялась вплоть до 30 г. Простота и функционализм были среди главных задач, которые ставил перед собой П. Бернс.

В его архитектурном бюро учились: Вальтер Гропиус, Людвиг Мисс Ван Деррос, Ле Корбюзье.

1907 год – Беренс выступил инициатором создания немецкого веркбунда (объединение промышленных дизайнеров). Цель объединения – облагородить промышленность через искусство; эстетическое качество как основа для экономического процветания и культурной модернизации.

1922-1936 гг. – Беренс работает профессором и руководителем архитектурного отделения венской Академии Художников.

 

13. Графический дизайн Великобритании в эпоху Ар Деко: М.Кауффер, О.Купер.

Стиль Арт-деко приходит на смену модерна и существует (сосуществует с различными измами) в европейском и американском дизайне в период между двумя войнами. Ар-деко – сложная смесь социокультурных фактроров, композиционных приёмов, тенденций первой трети 20 века. Официальной датой рождения стиля считается 1925 г., когда в Париже состоялась выставка «la decorative»  - международная выставка современного декоративного искусства, давшая импульс к развитию европейского дизайна, графического дизайна, в том числе. Естественно стиль ар-деко не мог возникнуть мгновенно: он формировался постепенно, под воздействием различных стилей  и направлений в искусстве – модерна, кубизма, сюрриализма и футуризма, а так же эклектики, искусства др. Египта, Африки, Мезоамерики и Востока.

Стиль ар-деко – рекламный стиль. Его появление во многом связано с экономическим подъёмом, произошедшим в послевоенные годы: период  «покупательского бума, когда реклама была крайне востребована.

Стиль ар-деко - художественный стиль оформления интерьера, изделий декоративного и прикладного искусства, ювелирных украшений, моделирования одежды, а также дизайна промышленной продукции и прикладной графики.

Ведущую роль в рекламе ар-деко играла автомобильная реклама. Стиль отвечал ново машинной эстетике, а также всеощему стремлению к роскоши.

В целом стиль «Ар Деко» можно рассматривать как последнюю стадию развития искусства периода Модерна или как переходный стиль от Модерна к послевоенному функционализму, дизайну «интернационального стиля».

Для графики эпохи ар-деко характерно сочетание красочности, графическая линия, векторная линия.. Шрифт доминирует над изображением, или по крайней мере, приобретает весомое значение (по сравнению с ар-нуво). 

 Английские плакаты отличаются от французских более дробной композицией.  В английском ар деко используется более узкое начертание шрифта. Люди на плакатах лишены каких-либо индивидуальных черт, часто изображаются в профиль, или же лицо просто изображается не чётко (индивидуальность всячески скрывается: на лицо часто ложится тень), люди на плакатах ар-деко уподобляются манекенам. Такая обобщённость облегчала восприятие и концентрировала внимание покупателя, не на индивидуальности изображаемых персонажей, а на самом рекламируемом товаре и на общем эмоциональном посыле, заключённом в плакате. Часто встречается диагональная композиция, диагональные ракурсы.

 Среди ведущих плакатистов английского ар-деко – Кауффер и Остер Купер.

 Работы Остера Купера более жизнерадостные, в них больше действующих лиц.

Буквы напоминают цилиндры – дань промышленности.

1928 – диагональ, используется только шрифт, форма шиврона.

 Кауффер родился в 1890 году в штате Монтана, изучал изобразительное искусство в Сан-Франциско и считался подающим надежды живописцем. в 1913 году Кауффер он отправился продолжать образование в Европу. В Мюнхене познакомился с плакатами Людвига Хольвайна, в Париже посещал классы Академии Искусств и быстро проникся духом нового искусства. Его работы времен Первой Мировой были выдержаны в кубофутуристическом стиле, а сразу по окончании войны он начал получать заказы от рекламных агентств.

 Попытка развить успех у себя на родине оказалась неудачной - вернувшись в США в 1921 году, художник обнаружил полное отсутствие интереса к своему смелому стилю и вскоре уехал в Лондон. Там одним из его главных заказчиков стала Лондонская электрическая железная дорога (впоследствии - Лондонское бюро общественного транспорта). Всего Кауффер создал для ж.д 140 плакатов.

Художник занимался также дизайном интерьеров, иллюстрирацией.

Художник, которого называли "отцом современного британского плаката", вернулся в США в 1940 году. Там он имел определенный успех, однако не получил такого признания как в Великобритании. Единственными его работами, завоевавшими коммерческий успех и одобрительные отзывы критиков, были плакаты для American Airlines (1953). Лишь в 60-е - 70-е годы американцы по достоинству оценили творчество Эдварда МакНайта Кауффера.

 Купер создавал более жизнерадостные плакаты, с большим количеством действующих лиц. Для него характерны трубчатые формы, ассоциативная связь с промышленностью.

 

15. Графический дизайн Франции в эпоху Ар Деко: Парижская выставка 1925 г., А. Кассандр, Ж.Карлу, Ш.Лупо, П.Колен.

Стиль Арт-деко приходит на смену модерна и существует в европейском и американском дизайне в период между двумя войнами. Ар-деко – сложная смесь социокультурных фактроров, композиционных приёмов, тенденций первой трети 20 века. Официальной датой рождения стиля считается 1925 г., когда в Париже состоялась выставка «la decorative»  - международная выставка современного декоративного искусства, давшая импульс к развитию европейского дизайна, графического дизайна, в том числе. На вытавке применялся ковровый способ развески (стены были сплошь покрыты выставочными материалами). На Международной выставке современных декоративных искусств и ремесел в Париже были представлены лучшие образцы той эпохи.

Естественно стиль ар-деко не мог возникнуть мгновенно: он формировался постепенно, под воздействием различных стилей  и направлений в искусстве – модерна, кубизма, сюрриализма и футуризма, а так же эклектики, искусства др. Египта, Африки, Мезоамерики и Востока.

Стиль ар-деко – рекламный стиль. Его появление во многом связано с экономическим подъёмом, произошедшим в послевоенные годы: период  «покупательского бума, когда реклама была крайне востребована.

Ведущую роль в рекламе ар-деко играла автомобильная реклама. Стиль отвечал ново машинной эстетике, а также всеобщему стремлению к роскоши. (Арт Деко был также известен как "джазовый модерн", "зигзаг модерн" и "обтекаемый модерн" - последний термин относится к обтекаемым формам автомобилей, кораблей и самолетов).

Для графики эпохи ар-деко характерно сочетание красочности, графическая линия, векторная линия. Шрифт доминирует над изображением, или по крайней мере, приобретает весомое значение (по сравнению с ар-нуво). 

Люди на плакатах ар-деко лишены каких-либо индивидуальных черт, часто изображаются в профиль, или же лицо просто изображается не чётко (индивидуальность всячески скрывается: на лицо часто ложится тень), люди на плакатах ар-деко уподобляются манекенам. Такая обобщённость облегчала восприятие и концентрировала внимание покупателя, не на индивидуальности изображаемых персонажей, а на самом рекламируемом товаре и на общем эмоциональном посыле, заключённом в плакате. Часто встречается диагональная композиция, диагональные ракурсы.

Плакатисты Французского ар-деко: