из электронной библиотеки / 996571175986901.pdf

81

чрезвычайно проста и малозатратна. Процесс съемок одной серии занимает от одного до нескольких дней. «Мыльные оперы» пользуются, как правило, большой популярностью у телезрителей. Своим названием обязана американской компании по производству мыла, которая после II-й мировой войны финансировала первые дневные радиопередачи, предназначенные для домохозяек, рекламируя при этом свою продукцию.

МЮЗИКЛ (англ. – музыкальная комедия) — музыкально-сценическое произведение, в котором используются различные средства эстрадной и бытовой музыки, драматического, хореографического и оперного искусства. В отличие от оперетты имеет сквозную пластическую драматургию, включает вокально-хореографические ансамбли, может быть не только комедией, но и драмой. Жанр мюзикла сформировался в США в 1920-1930-х гг., расцвет его пришелся на 1940-1960-х гг. Классическими считаются мюзиклы «Оклахома» Р.Роджерса, «Целуй меня, Кэт» К.Портера, «Моя прекрасная леди» Ф.Лоу, «Вестсайдская история» Л.Бернстайна и др. В 1920-е гг. мюзиклы начали экранизировать, что сделало этот жанр еще более популярным. Первые звуковые фильмы собственно и были попытками перенести этот популярный сценический жанр на экран. Один из первых звуковых фильмов — «Певец джаза» (1927 г.). Среди европейских картин выделяются «Шербургские зонтики» (1964 г.) Ж.Деми на музыку М.Леграна. Среди российских мюзиклов можно выделить «Мой брат играет на кларнете» О.Фельцмана, «Три мушкетера» М.Дунаевского, «Тиль» Г.Гладкова.

НАСКАЛЬНЫЕ ИЗОБРАЖЕНИЯ – знаки или изображения животных, мифологических героев, сцен охоты, войны, обрядовых действий, выполненные в эпоху палеолита, неолита, бронзы, раннего железа первобытным человеком на скалах, потолках, стенах пещер и на отдельных камнях. Наскальные изображения известны в Европе, Азии, Африке, Австралии, Океании. Существуют наскальные изображения, нанесенные минеральной краской, выбитые, гравированные на камне, высеченные рельефом.

НАТУРАЛИЗМ (лат. — природа, естество) — в широком смысле слова — стремление к наиболее точному изображению явлений действительности, исключающее чувственноэмоциональное и интеллектуальное отношение к ним художника. В различные исторические эпохи натурализм проявлялся в разных художественных стилях, архаических стилях древних культур, наивном искусстве и т. д. Однако натурализм редко выступал в виде самостоятельного направления, чаще он присутствовал как тенденция в том или ином течении. Более активно проявлялся в непрофессиональном творчестве. Часто вырождался в академизм. Натурализм также часто был выражен в искусстве маньеризма и барокко. Барбизонцы и импрессионисты также стремились стать натуралистами. Наиболее полно натурализм также проявился в направлении «натуральная школа», которое сформировалось в России во второй половине XIX в. Первоначально термин «натуральная школа» употребил критик Ф.Булгарин в 1846 г. применительно к литературному творчеству Н.Некрасова. В.Белинский к «натуралистам» отнес Н.Гоголя, Н.Некрасова, Ф.Достоевского, И.Гончарова, Д.Григоровича, выделив следующие особенности школы: стремление «к натуральности, естественности, изображению жизни без прикрас». Первым среди художников этого направления в России был П.Федотов. На основе натурализма в 1840-1850-х гг. выросло российское направление «критического реализма» и движение передвижников. В последней трети XIX в. в Европе и США также сложилось литературное течение, получившее название «натурализм» (Э.Золя). Его отличительными чертами были: стремление к объективному, точному, беспристрастному изображению человеческого характера, обусловленного физиологической природой и средой, понимаемой как бытовое и материальное его окружение.

НАТЮРМОРТ (фр. – мертвая натура) – жанр изобразительного искусства (главным образом станковой живописи и графики), связанный с изображением вещей, окружающих человека, размещенных в реальной бытовой среде и композиционно организованных в единую группу. Объектом изображения в натюрморте могут быть предметы обихода, труда, творчества, цветы, плоды, фрукты, овощи, битая дичь, «дары моря» и т. д. Традиция изображения вещей многообразна. Следует различать предметный мир в картинах других жанров, где предметы выступают элементом живописного произведения, и собственно натюрморт. Главной целью

82

мастера натюрморта является передача материальной вещественности, индивидуальной конкретности каждого предмета, своеобразия его формы, неповторимости цвета. История изображения предметов, их роль в картинах непосредственно определяются тем, какое место отводится эстетической значимости материального мира в системе социокультурных ценностей общества по сравнению с социальными, моральными и религиозными приоритетами. Изображение предметов известно в искусстве античности, Средних веков, но первым натюрмортом в станковой живописи признается картина венецианца Якопо де Барбари, выполненная в 1504 г. Появление натюрморта свидетельствует об общественном признании ценности материального мира, окружающей человека предметной среды, от которой он зависит. Вещи говорят о занятиях человека, его социальной принадлежности, богатстве или бедности.

НЕОКЛАССИЦИЗМ (греч. – новый и классицизм) – возрождение классических

традиций и форм в искусстве, возвращение к идеалам античности. В европейском

искусствознании неоклассицизмом принято называть классицизм второй половины XVIII в. Неоклассицизм начал развиваться во Франции, в годы правления Людовика XVI (1774-1789 гг.), отсюда его другое название — «стиль Людовика XVI». Определенное влияние на его формирование оказали идеи просветителей, связанные с распространением знаний, пропагандой науки, освобождением сознания от предрассудков, обожествлением природы, призывам к простоте и естественности, что соответствовало эстетике классицизма. В области архитектуры,

декоративно-прикладного искусства, живописи вновь стали возрождаться античные формы.

Дополнительный толчок этому дали открытие в 1719 г. погребенного под пеплом Везувия Геркуланума и начавшиеся в 1748 г. раскопки Помпеи. Так, в архитектуре утвердился классический тип симметричной крестово-купольной базилики. По образцу собора Святого Петра в Риме архитектор Ж.Суффло с 1755 г. начал возводить в Париже церковь Святой Женевьевы, превращенную затем, в соответствии с древнеримской традицией, в Пантеон (усыпальницу великих людей). Это здание надолго стало образцом для многих европейских сооружений эпохи (собор Святого Павла в Лондоне, Исаакиевский собор в Петербурге). В оформлении интерьеров стали преобладать прямолинейные формы и вертикальные линии. В декоре широко использовались античные мотивы – факелы, колчаны со стрелами, рога изобилия, грифоны, сфинксы, а господствовавшими цветами были белый и золотой. Одним из проявлений неоклассицизма в культуре явились «пейзажные сады» — сады, парки свободной, естественной планировки с романтичными парковыми сооружениями в «античном стиле». В живописи Франции неоклассицизм был представлен прежде всего творчеством Ж.Л.Давида (1748— 1825 гг.), который стал впоследствии родоначальником стиля ампир. Английский неоклассицизм развивался параллельно с французским, однако был более связан с романтизмом, а отсюда и с неоготикой. В Австрии неоклассицизм появился в конце XVIII в. под названием «стиль Иосифа II» (или стиль цопф). В Германии неоклассицизм начала XIX в. получил название «прусский эллинизм». Русским неоклассицизмом в отечественном искусствознании принято считать возрождение классического стиля в начале XX в., т. е. в период модерна. Его развитие явилось естественной реакцией на стилистический произвол и избыточную декоративность модерна. В русской архитектуре неоклассицизм связан с именами В.Щуко, И.Жолтовского, И.Фомина, Ф.Шехтеля, которые стремились возродить традиции русского классицизма второй половины XVIII и первой трети XIX вв., используя его приемы отделки фасадов и интерьеров. Средства неоклассицизма (гипертрофированно-монументальные формы и образы) широко использовались в тоталитарном искусстве 1930-1940-х гг. Германии, Италии, Советского Союза в целях пропаганды определенной идеологии.

ОБЕЛИСК – первоначально тип культового и мемориального сооружения в форме четырехгранного сужающегося кверху столба с заостренным пирамидальным завершением. Ствол обелиска часто покрывается рельефом. Первые обелиски возникли в Древнем Египте. Они размещались на самых высоких точках священных мест. Высота обелиска варьировалась от 20 до 30 м, вес – от 100 до 300 т. В эпоху Возрождения маленькие обелиски использовались как декоративные элементы. Обелиски вновь стали популярны в искусстве классицизма и ампира. Форма их широко используется в современном монументальном и мемориальном искусстве.

83

ОРДЕР АРХИТЕКТУРНЫЙ – система организации архитектурных форм, логичная расчлененность формы строения, зрительно выражающая разделение функций его отдельных частей; впервые возникает в период архаики в Древней Греции.

Древнегреческий ордер ярко отражает антропоморфизм и рациональный характер культуры, идеалы гармонии, меры, симметрии, пропорциональности, модульности, подчинения частей целому. Мастерам античности впервые удалось гармонично соединить конструктивные и декоративные элементы архитектуры, выразить ее художественно-образный смысл. Каждая из этих частей, в свою очередь, делится на составляющие, которые профилируются соответственно своей функции. Основные части ордерной системы могут быть выражены в большей или меньшей степени. Однако только отсутствие антаблемента, и особенно карниза, лишает постройку всякой идеи ордерности. Все элементы архитектурного ордера, включая интерколумний (расстояние между колоннами), пропорционально рассчитаны, уравновешивая друг друга. Но главное — они должны были выразить красоту и предназначение человека. Греческие храмы строились как жилище бога, во всем похожего на человека. Поэтому не случайно расчет пропорций колонн сопоставим с пропорциями человеческого тела. А основные архитектурные ордера уподобляют образу человека. Все они получили свое название от места возникновения. Правила построения ордера впервые были проанализированы в трактате древнеримского зодчего Витрувия. В эпоху Возрождения все пять ордеров были детально описаны итальянцем Себастьяно Серлио в его сочинении об архитектуре. Три ордера – дорический, ионический и коринфский возникли в Древней Греции. Древнеримские архитекторы добавили два новых ордера — тосканский и композитный. Самой древней разновидностью ордера является дорический (с VII—VI вв. до н. э.). Он назван по наименованию горной местности в Средней Греции. Его отличает строгость, мужественность, рациональность и тектоническая ясность. Ионический ордер возник в эпоху архаики, но наибольшее распространение получил с V в. до н. э. По сравнению с дорическим он характеризуется женственностью, мягкостью, утонченностью пропорций. Колонна ставилась на профилированную базу, ее ствол значительно тоньше дорической, а расстояние между колоннами шире.

Идея ордерной архитектуры получила развитие в древнеримской культуре. Здесь возникли два новых ордера – тосканский и композитный. Зарождение и развитие тосканского ордера связывают с этрусской культурой. По форме и пропорциям он близок к дорическому, но в отличие от него имеет базу и гладкий неканнелюрированный фуст колонны. Композитный ордер можно рассматривать как модификацию коринфского. Его отличает лишь форма капители, которая сочетает коринфский аканф и декоративную скульптуру. Таким образом, римские ордера одновременно выражали суровость, мужество, великолепие, роскошь.

ОТТЕНОК – градация тона, нюанс. Разнообразие оттенков обогащает колорит (в живописи, цветной графике), светотеневую моделировку (в скульптуре, монохромной графике).

ОФОРТ (фр. — крепкая водка) — широко распространенный вид гравюры (углубленной) на металле, оттиск художественного произведения, выполненный на доске, покрытой специальным лаком. Изображение получается путем процарапывания лака специальными иглами, обычно в технике штрихового рисунка, и травления кислотой. Цветная гравюра выполняется с нескольких досок, на каждую из которых наносится одна определенная краска. Неравномерность в продолжительности травления кислотами деталей изображения дает различия в силе и сочности штриха. Техника офорта отличается сравнительной простотой и большой гибкостью.

ПАСТОРАЛЬ (дат. – пастушеский) – жанр и стилистическая тенденция, характерные для европейского искусства XVI-XVIII вв. В культуре Западной Европы наиболее яркое выражение получили в рококо и неоклассицизме. Сюжетами пасторали являются идиллические сцены из жизни пастухов и пастушек, их идеальной любви и безмятежного сельского быта. Для пасторалей характерна идеализация изображаемого. Пасторальные мотивы сначала наибольшее развитие получили в литературе, в XVII в. - в музыке, а с XVIII в. — в изобразительном искусстве – росписях плафонов, стен, шпалерах, гобеленах. Выдающимися мастерами

84

пасторали в изобразительном искусстве были Ф.Буше, А.Ватто. Пасторальные мотивы в музыке воплотили А.Вивальди, И.Бах, Л.Бетховен (например, его знаменитая шестая, «Пасторальная», симфония). Изящные стилизации под мелодии пасторалей были созданы П.И.Чайковским («Пиковая дама», «Лебединое озеро», «Щелкунчик»).

ПЕЙЗАЖ (фр. – страна, местность) — жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения является природа; реально существующая или вымышленная местность; города и архитектурные постройки; морские виды и т. д. Часто пейзаж служит фоном

вживописных, графических, скульптурных произведениях других жанров. Развитие пейзажа есть путь от декоративно-вспомогательной роли в составе других картин к обособлению в самостоятельное образование, к «портретированию» природы. Элементы же пейзажа содержатся

врельефах и росписях искусства Древнего Востока, Древней Греции и Древнего Рима, для которых характерен образ природы как сферы идиллического существования людей и божеств. Первые пейзажи появились в Китае. К VII в. здесь уже сложилась ясная концепция пейзажа, а с ней – школа пейзажистов. Вечно обновляющаяся природа считалась наглядным воплощением мирового закона – дао. Созерцание природы в Китае есть неотъемлемая часть духовной жизни общества. Китайский пейзаж представляет собой длинную узкую полоску шелковой ткани или рисовой бумаги, свернутую трубку. Свитки вертикальной композиции - «тяо-фу» - служили обычно для украшения стен. Если композиция была решена по горизонтали - «шоу-цзю-ань», в несколько метров длиной, ее рассматривали часть за частью, расположившись на полу. Китайская средневековая живопись стала основой для развития пейзажа стран Юго-востока.

Временем рождения европейского пейзажа считается XVI в. Однако как самостоятельный жанр искусства он окончательно сложился здесь только в XVIII в., причем особый вклад в его формирование внесли художники Нидерландов, Впервые получил широкое признание реалистический пейзаж как изображение конкретной местности, широко распространился видовой городской пейзаж. В целом же для представителей всех европейских школ характерна романтическая трактовка образа природы. XIX в. — это время нового расцвета реалистического пейзажа, который стал художественным выражением национального взгляда на природу. Художники этого времени наполнили пейзаж социальной и идейной проблематикой, ввели новую тематику — развитие индустрии, утвердили ценности пленэрной живописи. Особенная роль в развитии пейзажа принадлежит импрессионистам, которые преодолели академические условности изображения, утвердили передачу пространственной глубины, изменчивость световоздушной среды. Сторонники символизма и модерна внесли в пейзаж идеи о таинственном родстве человека и «матери-земли», обыгрывая в своих композициях различного рода органические формы (ветви, корни, стебли и т. п.). Развитие пейзажа как жанра идет в общем русле движения эстетических ценностей и художественных вкусов времени. Внутри основного жанра можно выделить сельский и городской, архитектурный, индустриальный, морской (марина), речной, а также исторический, фантастический и космический пейзажи.

ПЕРИПТЕР (греч. – вокруг и перо) — тип древнегреческого храма прямоугольной формы, обнесенный по периметру здания одним рядом колонн. Периптер явился основным типом храма периодов архаики и классики. Число колонн по торцевым и продольным частям храма рассчитывалось пропорционально. Если с торцевых частей число колонн было х, то с продольных – 2х + 1. Одним из самых знаменитых храмов этого типа был афинский Парфенон.

ПЕТРОГЛИФЫ (греч. – камень и резьба) – изображения и знаки, выбитые или процарапанные на камне, на поверхности скал, на потолках и стенах пещер. Составляют значительную часть наскальных изображений, с которыми их нередко отождествляют.

ПЕЩЕРНОЕ ИСКУССТВО – комплекс древнейших художественных памятников, созданных в период, когда пещеры использовались человеком в качестве жилья или святилища. Главный изобразительный персонаж пещеры – животные. Их фигуры переданы со скрупулезной реалистичностью, следуют одна за другой, находят друг на друга, образуя скопления, или разрежаются вплоть до одного силуэта на всей поверхности стены. Фигуры все профильны, почти нет изображений в фас. Наряду с рисунками, ставшими эталоном первобытного реализма, можно встретить простейшие насечки, треугольники, сетки. Изображения животных писались

85

охрой с добавлением крови и мозга животных, а в мине для рельефа использовались кости самого животного.

ПИГМЕНТЫ (лат. – краска) — тонкий порошок для изготовления красок, цветоноситель. Подразделяются на органические и неорганические. Неорганические пигменты, в свою очередь, - на природные, т, е. минеральные (охра, мел, сурик, киноварь, ляпис-лазурь и др.) и искусственные (сажа, ультрамарин, белила и др.).

ПИЕТА (ит. – жалость, сострадание; в немецкой традиции – образ для вечерни) -

своеобразная разновидность иконографического типа «Оплакивание Христа» в западноевропейской живописи. Особенность этой композиции заключается в том, что мертвый Христос изображается на коленях скорбящей Богоматери либо Дева Мария обнимает тело мертвого Христа. Все остальные персонажи должны отсутствовать. Однако в действительности произведения, включающие и изображения других лиц, также именуются пиетой (Флорентийская пиета Микеланджело, пиета Мантеньи и т. д.), поэтому часто одни и те же картины и скульптуры именуются и как «Оплакивание Христа», и как пиеты. Кроме того, изображения мертвого Христа с оплакивающими его ангелами либо только одного тела усопшего Христа без Богоматери тоже называют пиетой. Таким образом, пиета становится синонимом тех произведений, в которых изображение мертвого Христа занимает центральное место. Пиеты появляются в Средние века, а особенное распространение получают в XV в. Для них характерны натурализм и экспрессионизм в передаче мертвого тела Христа и тягчайшей скорби Марии, призванные убедить зрителя, что событие происходит в настоящий момент. Самыми значительными произведениями в скульптуре, как правило, признается пиета П.Микеланджело (1498 г.). В живописи наиболее известны листы Мастера Авиньонской школы

(1460 г.), Беллини (1460, 1478 гг.), Мантеньи (1480 г.), Боттичелли (1500 г.), Тициана (1576 г.).

ПИКЧУРЕСК (лат. – разукрашенный, расписной, разноцветный) – художественное течение в английском искусстве XVIII в., представителем которого первоначально был Т.Гейнсборо. Его картины отличались необычной для того времени техникой раздельных мазков разного цвета, составляющих разноцветный ковер, с холодным серебристо-жемчужным колоритом, глубоким, почти мистическим пространством. Теория «живописного стиля» была изложена в книге «Принципы живописной красоты поэта-романтика и живописца У.Гилпина (1768 г.), он же считается основателем течения. Романтические традиции английской пейзажной живописи были развиты в дальнейшем Д.Констеблом и У.Тернером. В конце XVIII в. «пикчуреском» в Англии стали называть также стиль пейзажно-паркового искусства, который характеризовался свободной, живописной планировкой расположения кустов, деревьев, аллей и водоемов.

ПОРТРЕТ (устар. фр. – изображать, передавать «черта в черту») — жанр изоб-

разительного искусства, посвященный изображению конкретного человека или группы людей, реально существующих либо существовавших в прошлом. Важнейший критерий портретности – сходство изображения с оригиналом, которое достигается не только верной передачей облика модели, но и раскрытием духовной сущности, характера портретируемого. Наряду с неповторимостью индивидуального своеобразия, в портрете выявляются типичные черты эпохи и социальной среды. Субъективно-авторскую окраску придают искусству портрета личное отношение художника к модели, его собственное мировоззрение, творческая манера. Исторически сложилась широкая и многоплановая типология портрета в зависимости от функционального назначения (парадный, камерный, интимный), композиционных особенностей (двойной, групповой, погрудный, в полный рост, анфасный, профильный), образной трактовки (героический, сатирический, сентиментальный, романтический и др.). Парадные портреты (репрезентативные) предполагают изображение человека в полный рост (на коне, стоящим или сидящим). В камерном портрете используется поясное, погрудное, оплечное изображение. В парадном портрете фигура обычно дается на архитектурном или пейзажном фоне, а в камерном

— чаще на нейтральном. Разновидностью камерного изображения с нейтральным фоном является интимный портрет, выражающий доверительные отношения между художником и портретируемым. Портрет, в котором человек представлен в виде какого-либо аллегорического,

86

мифологического, исторического, театрального или литературного персонажа, называют костюмированным. В наименования таких портретов обычно включаются слова «в виде» или «в образе» (например, «Екатерина II в виде Минервы»). В зависимости от характера костюмирования различают аллегорический, мифологический, исторический портреты. Портреты, написанные на разных холстах, если они согласованы между собой по композиции, формату и колориту, называют парными. Чаще всего это портрет супругов. Портреты, сделанные после смерти людей по их прижизненным изображениям, называются посмертными (ретроспективными). Портреты различают и по размеру, например станковый «и натуру», малоформатный, миниатюрный. В особую группу выделяется автопортрет – изображение художником самого себя.

Искусство портрета имеет древние традиции. Оно связано с культом загробной жизни. В Древнем Египте скульптурное и живописное изображение умершего должно было быть его точной копией, чтобы душа могла вернуться после смерти в свою оболочку. Идея победы жизни над смертью была характерна для Древней Греции. В надгробных памятниках: классической поры умершие всегда изображались молодыми и красивыми. Их портретные черты едва просвечивались сквозь идеальную форму человеческого лица. Все посмертные изображения обязательно подписывались, имя умершего значило не меньше, чем изображение, оно было сакральным. Древнеримские скульптурные портреты отличаются натуралистичностью. Несмотря на нарочитую индивидуализированность, они всегда несут в себе черты времени правления того или иного императора, как приобщенность к священному статусу гражданина Римской империи. Средневековое искусство портрета не знало. Подлинно портретными считались только изображения Христа и Богоматери. Изображения святых в этой культуре создавались, как правило, посмертно, после их канонизации. Икона передавала не земное лицо святого, но его преображенное, вечное лицо, лик. Такой «непортретный портрет» призван был представлять человека не в неповторимости его внешнего и внутреннего облика, но в его статусе молельника за весь род человеческий. Перелом в истории портрета произошел в эпоху Возрождения, когда человек мыслился центром мироздания. В XVII-ХVIII вв. портретное искусство создает непревзойденные образцы проникновения в глубины психологии и сложной душевной жизни человека.

С начала XVIII в. портретный жанр активно развивается в русской живописи (И.Н.Никитин, Ф.С.Рокотов, Д. Г Левицкий, В.Л.Боровиковский). В XIX в. одно из главных мест занял портрет-тип, где человек, изображаемый во всей своей психологической сложности, оценивался еще и по его роли в обществе (Н.Н.Ге, И.Н.Крамской, И.Е.Репин, В.Г.Перов). В XX в, портрет противоречиво сочетает острое внимание к судьбе личности и подчинение портретной задачи субъективному и художественному строю авторской индивидуальности.

ПОСТИМПРЕССИОНИЗМ (лат. – после и импрессионизм) — термин, используемый условно как собирательное название течений французской живописи конца XIX-начала XX вв. Представители постимпрессионизма — художники В.ван Гог, П.Сезанн, П.Гоген, А.Де ТулузЛотрек, Ж.Сера, П.Синьяк, П.Боннар, Э.Вюйар и др. В ранний период своего творчества многие из них примыкали к импрессионизму, а с середины 1880-х гг. попытались пойти дальше и стали искать новые выразительные средства, которые бы позволили преодолеть эмпиризм художественного мышления и перейти от импрессионистической фиксации отдельных мгновений жизни к запечатлению ее длительных состояний, В творчестве постимпрессионистов пейзаж оставался одним из ведущих жанров. Изображая традиционные для импрессионистов сельские и городские мотивы, они ввели в искусство природу иных, еще не изображенных живописцами мест: юг Франции, Бретань. Но главным объектом изображения для постимпрессионистов оставался человек. Интерпретация его образа в портрете и бытовых картинах получила несвойственную импрессионистам заостренность, а подчас даже окрасилась трагизмом. В произведениях постимпрессионистов человек мучительно утверждал себя в борьбе с окружающей его средой и самим собой, напрягая до предела свои внутренние силы. В творчестве мастеров постимпрессионизма есть много общего. Тяготение к символу, декоративность, увлечение линейной ритмикой, силуэтом, плоским пятном сближает их про-

87

изведения со стилистикой модерна. Однако работы большинства постимпрессионистов «не укладываются» в один стиль, ибо они оригинальны, неповторимы. Искусство постимпрессионистов тесно связано с реальностью.

Утопическими были попытки создания братства художников, несостоятельной оказалась и идея ван Гога об организации «Южного ателье» в Провансе. Зато обычным стал поиск уединенного убежища. Достаточно вспомнить Гогена, уехавшего в Бретань, а затем на острова Полинезии, или Сезанна, проведшего последние годы жизни в Эксе, вдали от центра художественной жизни и единомышленников. Постимпрессионизм, как художественное явление, не получил должной оценки у современников. В то время как импрессионисты становились все более известными в Европе и США, постимпрессионистов мало кто знал.

ПРОПИЛЕИ (греч. — перед воротами) – монументальный вход, парадные ворота. Образованы симметричными портиками и колоннадами, перекрытые антаблементом. Самыми знаменитыми являются пропилеи афинского Акрополя, построенные из мрамора архитектором Мнесиклом в V в. до н. э. Они состоят из пяти ворот, имеющих с обеих сторон небольшие шести колонные залы и боковые сооружения, одним из них явилась пинакотека. Античная форма пропилеи нашла свое продолжение в триумфальных воротах и торжественных въездах в

архитектуре классицизма и неоклассицизма.

ПРОСВЕЩЕНИЕ – общественно-политическое, философское и общекультурное течение в европейской общественной жизни конца XVII-первой половины XIX вв. Основным его содержанием была борьба против феодально-сословных традиций, утверждение новых принципов отношений между людьми – Свободы, Справедливости, Равенства, Братства. В нем провозглашалось право человека на достойную жизнь и утверждение его как личности. Конечной целью всех общественных преобразований для просветителей было построение более совершенного общества, основанного на гуманизме. Основным условием достижения цели они считали развитие разума. Формированию умственных способностей человека в просветительской традиции придавалось определяющее значение. Способом достижения поставленной задачи в ней полагалось просвещение общества. Поэтому в культуре Просвещения столь серьезное внимание уделялось вопросам воспитания личности (Д.Дидро, Ж.-Ж.Руссо, И.Г.Песталоцци, Н.И.Новиков). Основными средствами совершенствования интеллектуальных способностей человека выступало в ней научное, философское и художественное образование. Исходя из этой своеобразной прагматической установки определялось и место искусства в системе Просвещения. В зависимости от возможности того или иного вида искусства решать поставленную перед ним задачу — формировать разум, служить добродетели и осуждать порок

— определялась его социальная и художественная значимость. Ведущую роль в этой своеобразной просветительской иерархии видов художественного творчества занимают театр и литература. Исходя из своих идеологических целей, это культурное движение существенно повысило социальную роль искусства, направив его на решение дидактических задач. В культуре Просвещения складывается такой важный институт художественной жизни общества, как профессиональная художественная критика. Ее возникновение обусловлено потребностями просветительской идеологии, для которой необходимо было скорректировать идейную направленность художественного творчества и усилить воздействие искусства на публику.

РЕВЮ (фр. — обозрение) — вид театрального или эстрадного представления, состоящего из отдельных сцен и номеров, объединенных общей темой. Под этим же названием выходят журналы, публикующие обзор различных событий.

РЕЛЬЕФ (uт. – поднимать) – один из видов скульптуры, в котором изображение создается с помощью объемов, расположенных на плоскости и сориентированных на нее. Рельеф может выступать над плоскостью фона или углубляться в нее. Выпуклый рельеф, разновидностями которого являются барельеф и горельеф, более распространен. Он известен уже с эпохи палеолита, получил развитие в искусстве Древнего Востока, античности, Средних веков, Возрождения и в последующие культурные эпохи как часть архитектурного декора. В барельефе (низком рельефе) изображение возвышается над плоскостью фона не более чем на

88

половину своего объема. В горельефе (высоком рельефе) изображение возвышается над плоскостью фона более чем на половину своего объема и даже могут восприниматься почти как полнообъемные, лишь соприкасающиеся с плоскостью. В углубленном рельефе изображения представлены объемами «изнутри», углубленными в условный плоскостной фон рельефа. Реже известен декоративный рельеф в виде маски, изображающей (часто в гротескном или фантастическом облике) человеческое лицо или голову животного. Он получил название маскарон (ит. maschlrone — большая маска). Маскароны помещались преимущественно на замках арок, оконных и дверных проемов, использовались в качестве водометов на фонтанах (с отверстием для выпуска воды на месте рта), а также для украшения мебели, сосудов.

РЕПРОДУКЦИЯ (лат. — производство, произведение) – воспроизведение рисунка,

картины, печатного текста и т. п. средствами полиграфии или фотографии. Репродукцией также называется воспроизведенное посредством печати изображение. Репродукции бывают меньше оригинала или больше (редко).

РЕФЛЕКС (лат. – обращенный, повернутый назад, отраженный) – в живописи, реже в

графике отсвет цвета и света на каком-либо предмете, возникающий в тех случаях, когда на этот предмет падает отсвет от окружающих объектов (соседних предметов, неба и т. д.). Термин «рефлекс» применим как к самой натуре, так и к ее изображению. Точное и тонкое воспроизведение рефлекса способствует передаче объема, богатства цветов и оттенков изображаемой натуры в их сложной взаимосвязи.

РИМЕЙК (англ.) — фильм, повторяющий сюжет ранее снятого известного кинофильма. Цель — использовать коммерчески уже зарекомендовавший себя сюжет в сочетании с новыми техническими средствами. С приходом звука в кино появилось множество звуковых римейков немых фильмов. Ряд сюжетов, как правило, экранизаций популярных книг, переносились на экраны много раз. Существуют несколько вариантов римейков: авторская переработка режиссером старых версий, съемки, повторяющие каждую сцену оригинала, с использованием новых технических приемов, перенос сюжета в другую культурную или временную среду и т. п.

РИСУНОК – изобразительное начертание на какой-либо поверхности, сделанное от руки сухим или жидким красящим веществом (либо процарапанное) с помощью графических средств

– контурной линии, штриха, пятна. Различные сочетания этих изобразительных средств позволяет создавать светотеневые и тональные эффекты. Как правило, рисунок выполняется одним цветом. Рисунок – первичное, простейшее изобразительное средство, которое лежит в основе всех видов художественных изображений. Он составляет начальную стадию художественного процесса, играет важную роль в определении очертаний формы, объема предметов и расположения их в пространстве. Рисунок часто понимается как совокупность линейнопластических элементов живописи. Как самостоятельная область творчества является главным изобразительным средством графики. Рисунки различаются по технике, методам, характеру рисования, по назначению, темам и жанрам. Они могут быть вспомогательными (набросок, эскиз, этюд, кроки) и станковыми произведениями. Красящие вещества, используемые для рисунка, - уголь, охра, итальянский карандаш, сангина, графит, тушь, сепия, чернила. Художественные методы рисунка многообразны – от беглых зарисовок до строгих четких построений.

САБИ (яп. – скрытая красота) — эстетическая концепция и критерий оценки совершенства предметов и явлений реальности в духовной жизни средневековой и современной Японии, поэтизирующая гармоническое слияние изысканности и простоты. Возникла в VIII в., особое значение приобрела в искусстве XV—XVII вв. в тесной связи с идеями дзэн-буддизма с его ассоциативностью, импровизационностью, системой намеков. Сущность саби, неоднозначной по смыслу, как и ваби, сводится к обнаружению неяркой красоты порою грубоватых, на первый взгляд, невзрачных, подернутых паутиной времени вещей, как бы скрывающих тайну, раскрытие которой требует от человека внутренней настроенности, самоуглубленного созерцания и выключения из жизненной суеты. Саби может проявиться в заброшенности сада, незавершенности здания, недосказанности стихотворения, лаконизме

89

монохромного свитка. Может трактоваться как утонченное наслаждение, рождающееся в процессе приобщения созерцателя к творчеству поэта или художника.

САКРАЛЬНОЕ (лат. — священное) — смысловой центр культурного Пространства человека, духовный ориентир его в жизни. Сакральное противостоит мирскому и определяет, очерчивает круг жизненных ценностей: доброе и злое, прекрасное и безобразное, истинное и ложное, дозволенное и запрещенное, должное и недолжное, полезное и вредное; хорошее и плохое и т. д. Сакральное – это абсолютное, вечное, неизменное, основа основ, то, что составляет духовно-практическую опору существования человека и мира, не подвержено сомнению и критике. Сакральное — это святое: место, событие, отношение, идея, вещь и т. д. Универсальными образами сакральности в истории культуры выступают Мировая Гора, Древо Мировое, храм, алтарь и т. д. Центр Мира – всегда возвышение — кратчайший путь связи Земли, как реального источника жизни, и Неба, как потенциального. Священных центров мира может быть много. Они становятся духовно-практическими ориентирами социокультурного бытия, регулируя жизнь человека и общества (запреты, нормы), без которых она лишается смысла и превращается из космоса в хаос. Сакральные ценности архаического общества в силу его синкретизма имеют горизонтальное измерение: равенство природы и культуры, всех людей (живых и умерших), всех моментов времени (прошлого, настоящего и будущего) и т. д. В современной культуре сакральные ценности обрели вертикальное положение: социальный иерархизм, противопоставление природы и общества, человека и общества, духовного и материального и т. п. Для современного человека сакральным является место, где он родился, влюбился, открыл для себя что-то новое, встретился с кем-то и т. д.

САНКИРЬ (греч. – доска, дерево) – в иконописи темная зеленовато-оливковая или зеленовато-коричневая первоначальная тонировка ликов и других открытых частей тела. При последующей работе остается как основной теневой фон.

СТАНКОВОЕ ИСКУССТВО – термин, которым обозначаются произведения живописи, скульптуры и графики, имеющие самостоятельный характер и значение (в отличие от произведений монументального искусства, прикладного и книжной графики, предназначенных для каких-либо сооружений, изданий или изделий). Термин произошел от слова «станок», на котором создаются произведения искусства. Произведения станкового искусства рассматриваются обособленно от окружения, их значение не меняется от места, где они находятся, хотя условия экспонирования и освещения могут способствовать или препятствовать полному раскрытию их качеств. Станковое искусство получило распространение впервые в эпоху Возрождения, с распадом средневековой художественной культуры и формированием новых типов художественных произведений, рассчитанных на более интимное и непосредственное восприятие. Произведения станкового искусства отличаются особым психологизмом, многообразием и богатством нюансов, обращением к социальной жизни общества. В XVII-XX вв. станковое искусство становится основным родом художественного творчества, определяющим его воздействие и общественную роль. Наиболее широкое распространение получила станковая живопись, которая провозглашала новые социальногражданские идеалы, раскрывала сложные взаимоотношения личности и окружающего мира. Обращение к многообразию реальной жизни, к повседневному окружению человека привело к четкому формированию системы жанров: пейзаж, натюрморт, портрет, бытовой жанр и т.

д., которые окончательно сложились в XVII в. и продолжали существовать до конца XIX в. К этому времени развитие станковой живописи становится сложным и противоречивым. Появляется абстрактная живопись, которая провозгласила отказ от традиционных жанров и активное выражение личного отношения художника к миру, условность цвета, геометризацию форм, ассоциативность композиционных решений. В современном изобразительном искусстве станковые формы используются наравне с монументальными.

СУПРЕМАТИЗМ – стиль, изобретенный К.С.Малевичем (1878—1935 гг.) и положенный им в основу своих художественных экспериментов 1910-х гг. Художник считал его высшей точкой развития искусства, отсюда название, происходящее от латинского supremus — «высший, последний». К.С.Малевич, наряду с В.В.Кандинским, стал подлинным теоретиком и

90

практиком абстракционизма в России. В отличие от Кандинского, в основу живописи положившего спонтанную игру цветовых пятен, Малевич в своих произведениях демонстрировал видимость математически выверенных, рационально-геометрических построений. Задача творчества мыслилась в исследовании первооснов живописи. По мнению художника, сделать это можно, работая с возможными комбинациями первичных элементов – линии, цвета, формы. Первоначально Малевич экспериментировал в рамках сюжетной живописи, создавая причудливые человеческие фигуры, сконструированные из геометрических примитивов — круга, треугольника, квадрата. Впоследствии он целиком посвящает себя абстракционизму. Своего рода символом русского авангарда стала знаменитая картина «Черный квадрат» (примерно 1913 г.). В представлении самого художника он явился переходом к принципиально новым формам постижения мира. Малевич отвергал внешнюю оболочку реальных вещей и ставил перед собой грандиозную цель «перекодировки» мира. Он преодолевал условия земного существования, чтобы оперировать космическим языком, утверждать мировой порядок, законы всеобщего устройства вселенной. Он писал: «Ключи супрематизма ведут меня к открытию еще не осознанного. Новая моя жизнь не принадлежит земле. Исключительно в человеке, в его сознании лежит устремление к пространству, тяготение «отрыва от шара Земли». Секрет «Черного квадрата» — в его способности концентрировать в себе бесконечное пространство, выражать все во Вселенной в виде законченной геометрической формы и непроницаемой черной поверхности. Супрематизм оказал большое влияние на конструктивизм и некоторые другие художественные стили. Сам Малевич и его ученики (Н.М.Суетин, И.Г.Чашник и др.) неоднократно переводили супрематическую стилистику в архитектурные проекты, дизайн предметов быта (в особенности художественного фарфора), оформление выставок.

СУТАИСИ (яп.) - искусство композиции японского сада, распределения в нем камней и других компонентов.

СФУМАТО (ит. – затуманенный, затушеванный; исчезнувший, как дым) — прием в

живописи: смягчение очертаний предметов и фигур, богатство светотеневой моделировки в целом, ощущение воздушной среды. Сфумато, важнейший элемент воздушной перспективы, был впервые теоретически обоснован и применен Леонардо да Винчи.

ТЕМПЕРА (urn. – смешивать краски) — живопись красками, в которых связующим веществом для порошковых пигментов служат растворимые в воде эмульсии — яичный желток, а также разведенный на воде растительный или животный клей, смешанный с маслом или с маслом и лаком. Темпера отличается прозрачными красками. Цвет и тон в произведениях, написанных темперой, более устойчив к внешним воздействиям по сравнению с масляной живописью. Техника темперы возникла, очевидно, в Древнем Египте. Темпера на яичных желтках была основной краской для живописи позднего средневековья и Раннего Возрождения Западной Европы, русской иконописи, использовалась иногда и для росписи зданий. С конца XV в. в Западной Европе и с XVIII в. в России темперу постепенно заменяют масляными красками. С конца XIX в. темпера вновь стала широко применяться для создания произведений станкового и декоративно-прикладного искусства. Из мастеров XX в. наиболее удачно технику темперы использует американский художник Эндрю Уайет.

ТЕРРАКОТА (ит. – обожженная глина) — вид керамики, неглазурованные изделия из глины с пористым черепком. Терракота, начиная с эпохи неолита, представлена в основном мелкой пластикой, облицовочными плитами, рельефами, посудой. Терракотовые изделия могут иметь частичную или сплошную полировку.

ТОН (фр. — окраска) — степень светлоты, присущая цвету предмета в натуре и в произведении искусства. В живописи под тоном подразумевается светосила цвета, а также насыщенность цвета (краски). Можно говорить о тоне в пределах одного цвета, например красного: «светлый тон красной краски» или «темный тон красной краски».

ТОТЕМИЗМ – комплекс верований и обрядов родового общества, связанный с представлением о кровном родстве между родом и тотемом – видом животного или растения (иногда явлениями природы и неживым предметом). Каждый родовой коллектив носил имя