из электронной библиотеки / 996571175986901.pdf

91

своего тотема. Человек первобытной и традиционной культуры не выделяет себя из окружающей среды. Он относится к природе по-человечески, наделяя ее антропоморфными чертами, а свое бытие отождествляет с образом жизни природных явлений. Люди не видели в звере существо принципиально отличное от себя, они воспринимали его как «другого человека», непохожего только внешне. Человек и животное — носители одних и тех же свойств и качеств, они партнеры, родственники. Тотемизм воплощает в себе сакральную общность родового коллектива, его могущество, мудрость, силу и жизненную энергию. Тотем становится символом этого первобытного кровного единства.

ФАЮМСКИЙ ПОРТРЕТ – тип живописного погребального портрета, существовавший в I—III вв. в эллинистическом Египте, получивший название по месту первой находки (1887 г.) – оазис Фаюм в Египте. Фаюмские портреты выполнялись на деревянных досках или полотне в технике энкаустики (живопись восковыми красками). Происхождение фаюмского портрета связано с искусством Древнего Египта. В V—IV вв. до н. э. постепенно утрачивалось искусство мумифицирования, процедура захоронения упрощалась, и вместо дорогой погребальной маски на лицо умершего стали одевать гипсовую, расписную, а затем укладывать простую дощечку с портретом. Портреты писались с натуры, при жизни живописные образы портретируемых помещались на стены жилищ, а после их смерти вставлялись в бинты мумий. Памятникам, стилистически связанным с древнеегипетской традицией, присущи декоративность, широкая контурная обводка лица, графическая стилизация черт, преувеличенно большие глаза. Другая группа портретов отличается использованием античных изобразительных приемов – светотеневая моделировка , трехчетвертной поворот головы и индивидуализация образов. В III-IVвв. темпера полностью вытеснила технику энкаустики. Это произошло в связи с эволюцией стиля. Если восковая живопись наилучшим образом соответствовала выявлению объемности, материальности формы, то темпера придавала живописи более плоскостной характер. Строгая фронтальность, символически трактованные краски, подчеркнутые пропорции эмоционально настраивали на углубленное созерцание. Фаюмский портрет стал одним из прототипов искусства иконописи.

ФАЯНС (от названия итальянского города Фаэнца) – вид керамики, изделия из белой обожженной глины со специальными примесями, имеющие мелкопористый черепок и покрытые как прозрачной, так и непрозрачной глазурью. Фаянс внешне похож на фарфор, но отличается от него меньшим удельным весом, пористостью черепка, непрозрачностью, глазурью на нижнем ободке изделий. Впервые фаянс был создан в Китае предположительно в V в. В Европе секрет его изготовления открыли только в XVI в. Промежуточное положение между гончарными изделиями и фаянсом занимает полуфаянс. Его отличает черепок красного цвета с обмазкой из белой глины (ангоб), декор процарапывается по белому слою глины до красной глины после чего изделие покрывается прозрачной свинцовой глазурью и обжигается. Фаянс высшего качества называется опак. Область применения художественного фаянса широка — декоративные панно, мелкая пластика, посуда.

ФРОНТОН (лат. – лоб, лицо, лицевая сторона) — треугольная плоскость, завершающая фасад здания с двухскатной крышей. Фронтон в античной культуре и архитектуре стиля классицизм представляет собой равнобедренный пологий треугольник, отделенный от расположенной под ним стены карнизом. Два оформляющих его сверху карниза называются косыми. Обрамленное карнизами поле фронтона называется тимпан. Эта поверхность декорировалась скульптурами из известняка и мрамора, а в эпоху архаики в Древней Греции и расписывалась. В архитектуре барокко получил распространение фронтон в виде сегмента круга, т. н. лучковый. В этом стиле иначе выглядит и карнизное обрамление: 1) раскрепованный фронтон, карнизы которого имеют выступ в середине; 2) разорванный фронтон, карниз которого разомкнут над вершиной; 3) полуфронтон, у которого разомкнут нижний, горизонтальный карниз, так что между образовавшимися отрезками может располагаться вход или проем окна.

ФУНКЦИОНАЛИЗМ (дат. — исполнение, совершение) — течение в европейской и американской архитектуре 1930-е гг., стремившееся к максимальной утилитарности, функциональности зданий. Термин введен швейцарским теоретиком архитектуры З.Гидионом

92

для характеристики всего «нетрадиционного зодчества» 1920-1930-х гг. Одним из первых теоретиков функционализма был венский архитектор Л.Бауэр, сформировавший еще в 1898 г. принцип «абсолютной целесообразности», тождественной «абсолютной красоте»: красиво то, что хорошо функционирует. В Великобритании последователем Л.Бауэра были архитекторы Д.Рескин и У.Моррисон, в Австрии – А.Лоос, в США – Р.Нейтр. В конце XIX в. функционализм получил законченное выражение у деятелей чикагской школы Л.Салливана и Л.Мис ван дер Роэ. Идею Л.Салливана -«форму определяет функция» - подхватили западноевропейские архитекторы-рационалисты. Принципы функциональности разрабатывались во Франции Ле Корбузье, в Германии – архитекторами «Баухауза». Функционализм провозгласил переворот в истории архитектуры, совершаемый на путях смелого инженерного творчества. На структуру построек переносился принцип построения механизма. Здания расчленялись в точном соответствии с последовательностью функциональных процессов, для которых они предназначались. По выражению одного их лидеров функционализма Ле Корбузье, дом должен стать машиной для жилья. Архитектура функционализма, которая утверждала идеи художе- ственно-технического прогресса и воплотила в себе подъем инженерного творчества, в гораздо большей степени, чем другие международные стили, представляла интернациональное явление. Однако по мере своего распространения функционализм терял черты творческого метода. Повсеместное, не зависящее от условий среды и климата насаждение форм, возникших в условиях Франции и Германии, противоречило исходному принципу рационального подхода к архитектуре. Последовательная абсолютизация технического начала привела к представлению об архитектуре как о нехудожественной деятельности, чуждой эстетике.

ХИАЗМ (греч. — крестообразное расположение) — принцип расположения стоящей человеческой фигуры, в которой тяжесть тела перенесена на одну ногу, при этом поднятому бедру соответствует опущенное плечо, а другому опущенному бедру – поднятое плечо. Принцип хиазма впервые возник в древнегреческой культуре периода классики. Его первооткрывателем считают скульптора Поликлета. Получил развитие в Италии в эпоху Возрождения.

ХОККУ (ХАЙКУ) – традиционный жанр японской поэзии, возникший в XVII в. В его основу была положена начальная строфа шуточной рэнги. Хокку состоит из трех строчек и семнадцати слогов (5-7-5 слогов), не имеет ярко выраженной рифмы. По содержанию чаще всего связана с лирикой природы, полна символов, подтекста, намека, ассоциации.

ХОР (греч.) – в раннехристианских храмах место перед алтарем, предназначенное для певчих, позднее – вся восточная (алтарная) часть романского или готического храма. В музыкальном искусстве — 1) певческий коллектив; 2) музыкальное произведение для хора.

ХРАМ — культовое здание, предназначенное для богослужения и выполнения религиозных обрядов. Архитектура основных типов храмов (святилища, христианские церкви, мусульманские мечети, иудаистские синагоги, буддийские храмы) исторически видоизменялась соответственно развитию зодчества в разных странах и приобретала яркое национальное своеобразие. В течение тысячелетий храмы выполняли не только религиозные, но и некоторые общественные функции (в них проводились торжественные собрания, церемонии; многие храмы имели мемориальный характер). В символике архитектурных частей и декоративного убранства храма раскрывались основные черты мировоззрения эпохи. Монументальные здания храмов, расположенные в узловых точках города, имеют большое градостроительное значение.

ЦЕЛЛА (лат. — кладовая) — специальное помещение для хранения съестных припасов в древнеримских домах. Впоследствии внутренняя часть культовых зданий, святилищ, в которых хранились изображения божеств. В отличие от греческого наоса, целла делилась на три части, посвященные разным богам.

ЦЗАЦЗЮЙ (кит. — смешанные представления) – традиционный китайский театр,

возникший в ХП в. Для него характерен синтез драматической игры, вокала, музыки, танца, фехтования, акробатических упражнений. Актерами были только мужчины, для каждого из которых предусматривалось определенное амплуа с канонизированными движениями, жестами, изобразительными приемами. Декорации на сцене отсутствовали, поэтому перед началом спектакля актеры рассказывали зрителям о том, что должно произойти, давали характеристику

93

персонажам, называли время и место действия. Игра оказывалась далекой от бытового правдоподобия. В гриме и костюмах была важна символика цвета; красный являлся символом смелости, желтый — императора, белый — подлости. Темп действия зависел от значимости изображаемого события. Наиболее важные шли в замедленном темпе, второстепенные — в динамичном.

ШЕДУ (ассиро-вавилон. - «дух, охраняющий царя») — в археологии и искусствоведении образы добрых гениев-хранителей; статуи человекоголовых крылатых быков и львов, охраняющих входы во дворцы ассирийских и древнеиранских царей. Высота их достигает 5 м. Отличительной особенностью шеду является добавление, очевидно, с IX—XIII вв. до н. э., пятой, «шагающей», ноги, что создает иллюзию (при осмотре статуи сбоку) шага фантастического животного по направлению к зрителю. Одновременно сохранялось правило фронтальности изображения: статую видели или только в фас, или только в профиль. Наиболее известны статуи шеду, охраняющие входы во дворец Саргона II в Дур-Шаррукине (VIII в. до н. э.), и пропилеи Ксеркса в Персеполе (V в. до н. э.).

ШПАЛЕРА (ит.) — стенные безворсовые ковры, ткани с сюжетными и орнаментальными композициями, вытканные ручным способом. После появления в XVIII в. бумажных обоев название «шпалеры» длительное время сохранялось и за ними. Моделью для шпалеры, как правило, служил картом — живописный эскиз размером с ковер. Изображение создавалось цветными шерстяными и шелковыми, а также металлическими (золотыми и серебряными) нитями, плотно покрывающими неокрашенную основу (лен, шерсть) и образующими особую рубчатую фактуру. Шпалеры являются образцами средневекового монументальнодекоративного искусства, широко использовались для украшения жилых и парадных помещений. Их производство возникло в Западной Европе в XII—XIII вв. Крупными центрами средневекового искусства шпалеры являлись города Париж и Аррас.

ЭЗОТЕРИЧЕСКАЯ КУЛЬТУРА (греч. — внутренний) — разновидность элитарной культуры. Имеет своей основой системы учений и практик, предназначенных для узкого круга посвященных. Центральное место занимает мистический опыт, непосредственное переживание высших, сверхчеловеческих состояний, измененное состояние сознания. Памятники художественной культуры служат выражением этого опыта, а также средствами его достижения. Их отличает сложный символический язык. Для полноценного понимания произведений эзотерической культуры необходимо знание особых ключей, позволяющих расшифровать их скрытый смысл. При отсутствии таких ключевых знаний может быть воспринят лишь самый поверхностный уровень таких произведений. В культуре Древнего Востока эзотерические знания передавались только посвященным, в процессе мистерий. Эзотерическая культура и ее элементы характерны в основном для восточной религиозной культуры.

ЭКЛЕКТИЗМ (греч. – способный выбирать, выбирающий) — произвольное,

механическое соединение разнородных художественных элементов в одной композиции или стилевой системе. В той или иной мере эклектизм существовал всегда как неизбежное следствие взаимовлияния разных культур. Наиболее заметное место в истории мировой художественной культуры занимает эклектизм архитектуры середины—второй половины XIX в. Его развитие явилось следствием кризиса и распада классицизма как художественной системы. В своих экспериментах довольно широко использовали формы разных «исторических стилей»

(романский стиль, готический стиль, барокко, рококо и др.). Однако наследие прошлого было известно еще очень слабо, и изучение его носило поверхностный характер. Отсюда — явный акцент на декоративные орнаментальные детали. Но даже точное их воспроизведение не могло дать нужного результата. Получались сухие, жесткие, по существу безжизненные формы, которые не затрагивали основного – объемно-пространственной композиции, образного строя архитектуры. Механическое соединение элементов разных «исторических стилей» не смогло стать исходной основой для выработки нового художественного стиля. Вместе с тем эклектизм с его «свободой выбора» архитектурных форм и орнаментальных мотивов оказал значительное влияние на становление целостного, но питающегося из самых разнообразных источников стиля модерн. В середине XX в. эклектичные тенденции получили широкое распространение в

94

художественных культурах стран Западной Европы и Америки в связи со становлением

постмодернизма.

ЭКСЛИБРИС (лат. — из книг) — книжный знак, самостоятельная графическая композиция, в которую включено имя владельца книги.

ЭКСПОЗИЦИЯ (лат. — выставление напоказ, изложение) — размещение в выставочных и музейных помещениях или на открытом воздухе по определенной системе различных художественных произведений, памятников материальной культуры, исторических документов и т. п. Цель как постоянной, так и временной экспозиции — дать наиболее полное освещение всем экспонатам с точки зрения их художественной и научной ценности, места в истории художественного процесса. Экспозиция может быть построена свободно или с учетом маршрута посетителя при осмотре. В современных условиях экспозиция обеспечивается специальным оборудованием, отвечающим правилам хранения экспонатов (поддержка оптимальной температуры, влажности и т. д.), этикетажем, содержащим краткую характеристику экспоната, развернутыми пояснениями — экспликациями. Экспозиция выполняет важную роль посредника между художником и зрителем. То или иное размещение картины может поразному повлиять на ее восприятие. Искусство экспозиции – это организация коммуникативной среды, формирующей активного зрителя.

ЭКСПОНАТ (лат. – выставленный напоказ) — произведение живописи, графики,

скульптуры, декоративно-прикладного искусства, выставленное на всеобщее обозрение на выставке, в музее, в салоне или галерее.

ЭКСПРЕССИОНИЗМ (лат. – выражение) – направление в искусстве модерна начала XX в., характеризующееся тяготением к абстрактности, подчеркнутой эмоциональности, мистике, фантастическому гротеску и трагизму. Экспрессионизм опирался большей частью на иррационализм, философию жизни В.Дельтея и Ф.Ницше, теорию бессознательного 3.Фрейда. Само название указывает на то, что главным для художников направления является экспрессия – выразительность. Ради этого они шли на нарушение пропорций и деформацию изображаемого предмета. Экспрессионизм проявлялся в выборе выразительных средств и в усилении субъективного начала. Художники-экспрессионисты использовали в своем творчестве яркие, ядовито-красные и синие краски, с радужными контурными очертаниями. Первым произведением экспрессионизма можно считать картину норвежского художника Э.Мунка «Крик» (1893 г.). Как самостоятельное течение экспрессионизм заявил о себе созданием «Моста» (1906 г.), «Синего всадника» (1911 г.). Термин был введен в 1911 г. издателем журнала «Штурм» Х.Вальденом. Будучи типично немецким явлением, экспрессионизм получил и широкое международное распространение. Основными его представителями стали художники Э.Кирхнер, Э.Нольде, М.Пехштейн, Ф.Марк, П.Клее. Немецкие экспрессионисты для наибольшей «экспрессии» использовали упрощенные, примитивные и подчеркнуто грубые формы. Экспрессионисты утверждали, что искусство «есть абсолютная свобода, преодоление всех предрассудков и условностей, в первую очередь морали, натурализма и идеализации действительности, а значит, и искусственного разделения внешней и внутренней реальности: реальность имеет только ту форму, которую ей придает ощущающий субъект». В России ближе всего в своем творчестве подошли к экспрессионизму М Ларионов и Н.Гончарова. Наряду с живописью и скульптурой важное значение обрели станковая и книжная графика экспрессионизма с ее гротескной, гиперболизированной образной системой и предельно концентрированными контрастами цвета и тени. В архитектуре экспрессионизм продолжил традиции модерна, особенно в области создания динамичных «органических» квазиприродных форм: это пластицизм А.Гауди, оригинальный стиль, сочетающий в себе строгую геометрию с пластикой «органических форм» Р.Штайнера. Экспрессионизм явился основой для органической архитектуры Ф.-Л.Райта и нового экспрессионизма Ле Корбюзье.

ЭЛИТАРНАЯ КУЛЬТУРА (фр. – лучшее, отборное) – совокупность высших, наилучших достижений, образцов мировой или национальной культуры, а также культура, творимая представителями духовной и художественной элиты и зачастую носящая эзотерический характер (т. е. ориентированная на восприятие и оценку узким кругом

95

«посвященных»); в настоящее время — антипод массовой культуры. Еще с античности (Платон), и в особенности в эпоху Возрождения, получает развитие идея о том, что творцом и носителем элитарного («высшего») типа культуры является специфический слой высокопрофессиональной духовной и художественной элиты — интеллигенция, принадлежность к которой не обусловлена жестко социальным происхождением. Элитарная культура несет в себе как тенденцию к сохранению культурного наследия, культурной преемственности и опоры на «большую традицию», так и «революционно»-творческую тенденцию, ориентированную на поиск новых изобразительных средств и художественного языка. Последняя тенденция наиболее ярко проявилась в философии и художественной практике модернизма, связанных с ним направлений в искусстве (постимпрессионизм, кубизм, супрематизм, сюрреализм и др. в

живописи, различные оттенки символизма, футуризм и другие формы авангардизма в поэзии

илитературе и т. п.). Элитарная культура в современном обществе является в значительной мере продуктом своеобразного культурного раскола. По мнению французского исследователя А.Моля, человек XX в. живет в условиях культуры, состоящей из взаимно непроницаемых слоев. С одной стороны, это «культура китча», связанная со средствами массовой коммуникации, псевдохудожественные произведения, рассчитанные на невзыскательный вкус. С другой стороны, это культура интеллектуального общества, требования которого возросли как никогда вследствие расширившихся возможностей человеческого разума. В современном обществе культура является продуктом образования и исследований, т. е. она требует постоянных усилий, прилагаемых в основном сравнительно небольшой группой людей, принадлежащих к интеллектуальной микросреде. Такая культура ведет к формированию специализированных микрообществ, которые постепенно начинают осознавать себя в этом качестве и создавать свои специализированные органы: специальные журналы, книжные магазины, театр, кинематограф

ит. д., эмансипируясь от массовых органов и приспосабливая их к своим потребностям.

ЭЛЛИНИЗМ (греч. – уподобляться грекам) — период древнегреческой культуры,

последовавшей за классикой. Датируется от года смерти Александра Македонского и распада его империи (323 г. до н. э.) до победы Октавиана над флотом Антония и Клеопатры (31 г, до н. э.). Своеобразие художественной культуры этого периода находится в тесной зависимости от изменения границ культурного пространства, кризиса полисной системы, новой формы государственной власти, соединившей деспотию и полисное устройство, трансформаций ментальности древнего грека. Многие исследователи считают эллинистическую культуру эклектичной, поскольку в ней имеет место сочетание черт античной и восточной культур. Ее отличает огромный охват территории — от Греции и Апеннинского полуострова до Ближнего Востока и Индии. Если греческая культура классики развивалась ввысь и вглубь, то эллинистическая – вширь. Эллинистическая культура не была единообразной, поскольку формировалась в результате взаимодействия греческих и культурных традиций завоеванных стран. Общепризнанными культурными центрами стали Александрия, Антиохия, Пергам, а также острова Средиземного моря. Художественная система восприятия мира нашла выражение

впамятниках искусства. Эллинистические образы лишены классической уравновешенности, все чувства героев доведены до состояния аффекта. В трактовке образа человека очевиден отход от обобщенного типа, усиливается внимание к внутреннему миру, портретному сходству, национальным, возрастным, социальным приметам личности, житейским подробностям. Впервые возникают многочисленные произведения, изображающие детей, стариков, уродов. В классическом искусстве доминирует образ человека в расцвете сил и таланта. Памятники искусства отличает виртуозное техническое исполнение, стремление к грандиозности и интерес к деталям, красивость, манерность, что вело к довлению формы над содержанием. Любопытно, что

вэту эпоху одинаково популярны как статуи колоссов, высота которых порою превышала 30 м, так и произведения мелкой пластики размером всего лишь в несколько сантиметров. Художественное производство отличает узкая специализация, массовое, серийное производство памятников искусства, снижение авторского начала. Произведения искусства уже не являлись достоянием жителей всего города, а чаще всего были собственностью узкого круга ценителей или частью обстановки для украшения домов богатых.

96

ЭНКАУСТИКА (греч. — жгу, выжигаю) — техника восковой живописи, выполненная горячим способом. Впервые возникла в Древней Греции в V веке до н. э. Предварительно разогретые краски (воск, смолы, масло, пигмент) наносились на подогретую основу кистью и раскаленным бронзовым инструментом (каутерием, стержнем с ложечкой и лопаткой на концах), после чего живопись оплавлялась с помощью жаровни. Техника энкаустики использовалась и для написания фаюмских портретов. Впоследствии она была вытеснена холодным способом восковой живописи. Ту же технологическую эволюцию претерпели византийские иконы. Холодный способ восковой живописи - краски на скипидаре и восковая темпера (эмульсии с примесью летучих масел) — менее прочен, но технологически значительно проще.

ЯЗЫК ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ – совокупность приемов и средств, с помощью которых художник воплощает в произведении свой творческий замысел и вступает в общение с публикой. Искусство в обществе выступает специфическим средством общения художника и публики. Любая коммуникативная система вырабатывает свою систему языка (язык математики, информатики, телеграфа и т. д.). Искусство также обладает своим языком, с помощью которого фиксирует в конкретных материалах информацию о реальности, хранит ее и передает публике. Отражаемый искусством мир многогранен, и это является предпосылкой существования ряда видов искусства, каждый из которого запечатлевает определенную его сторону и в этих целях вырабатывает свою специфическую систему художественно-выразительных средств. В ней он может оптимально выражать содержание и передавать его публике. Так, в живописи систему ее языка составляют рисунок, колорит, светотень, композиция, в танце – пластика движений, в

архитектуре – тектоника, линия, ритм, пропорции, соотношение горизонтали и вертикали, в музыке — лад, метр, ритм, интонация, тембр, темп, динамика звука. Поэзия, казалось бы, говорит на обыденном, понятном языке, тем не менее ее художественный язык отличен от языка вербальной речи. Применяемые в ней слова разговорного языка воплощают в себе иной смысл. Прежде всего язык поэзии – это язык метафор, где слово выражает отличную от разговорного его употребления семантику. Понимание поэзии в этом смысле основывается на понимании ее метафорического языка.

Эта мысль справедлива и по отношению к любому другому виду искусства: постижение смысла художественного произведения предполагает знание языка конкретного вида искусства. Освоение художественного языка и умение понимать сказанное в искусстве — процесс сложный и требующий наличия у индивида определенных природных художественных данных (музыкального слуха для восприятия музыки, ассоциативного мышления для осмысления содержания любого вида искусства), теоретических знаний в области искусства (быть художественно образованным), практического опыта общения с художественными ценностями. Система художественного языка искусства динамична, она постоянно развивается, совершенствуется. Нередко в художественной культуре новые средства выразительности вызывают неоднозначную реакцию публики, порождают дискуссии в искусствоведческих науках. Такой проблемой для современников стал художественный язык Р.Вагнера, язык художников-аван- гардистов, В современной европейской музыке, наряду с тональной системой как элементом языка, складывается и получает все более широкое использование атональная система (или внетональная система). Мелодия в этом музыкальном произведении строится на интонациях, трудноуловимых слухом, сформированным на классической гармонии и традиционном интонационном строе. Хотя каждый вид искусства имеет свою специфическую систему художественно-выразительных средств, тем не менее между ними не существует четкой границы: они взаимосвязаны между собой и нередко заимствует языковые средства друг у друга. Например, в барокко скульптура пытается «говорить» языком живописи, а живопись XX в. использует метафору, которая является одним из основных элементов художественного языка словесного искусства (таков, например, язык отдельных произведений П.Пикассо). А.Белый в своем поэтическом творчестве, стремясь усилить выразительность поэзии и расширить ее художественно-выразительные возможности, переходит традиционную границу художественного языка поэзии и вторгается в сферу языка музыки, заимствуя в ней интонацию. Созданные им «Симфонии» не только обнаруживают конкретные аналогии с языком музыки, но

97

имогут быть проанализированы с использованием музыкальной терминологии. Выразительные средства музыки стремится максимально использовать в своих мелодических стихах и французский поэт Поль Верлен, для которого основополагающим является принцип «музыка прежде всего». Выход за пределы выразительных средств изобразительного искусства совершает и абстракционизм. Один из его представителей, В.Кандинский, считал свои «композиции» «музыкой для глаз», т. е. в них он пытался говорить в живописи языком музыки. Для музыкального же мышления А.Скрябина характерно стремление вообще разрушить все существующие границы художественного языка с целью создать некую сложную музыкальнотеатральную мистерию (вскоре он понял невозможность реализации этого замысла). Особую актуальность проблема художественного языка получает в период становления нового вида искусства. В этом смысле обретение зарождающимся искусством самостоятельности есть процесс выработки им своей системы выразительных средств. Такой путь развития прошел балет, который вначале использовал язык пантомимы и сюжетного танца, подражая изображаемым явлениям, и кинематограф, «говоривший» первоначально языком театрального искусства. Сейчас на пути своего становления находится телеискусство, стремящееся все в большей мере отказываться от языка кино и театра и выработать свою специфическую систему художественно-выразительных средств. Те же проблемы художественного языка решает сегодня

исветомузыка. Стереокино же, на которое С.Эйзенштейн возлагал большие надежды как на новый вид искусства, пока не вышло за рамки технического аттракциона, поскольку не выработало своего художественного языка.

ЯМАТО-ТОСА (яп.) – школа японской традиционной полихромной живописи X—XIII вв. Художники этой школы в основном специализировались на росписи длинных горизонтальных свитков с изображением исторических событий. Наиболее известными художниками были Ф.Такаёси, Т.Мицунобу. Ямато-тоса явилась предшественницей школы

корина.

ЯМАТО-Э (яп. - «японская живопись») — направление в изобразительном искусстве

Японии в X—XII вв. Для этой живописи характерно использование сюжетов из национальной истории и литературы. В стилевом отношении наблюдается преобладание яркого цветового письма с вкраплением золотых и серебряных блесток и четких силуэтов. Ямато-э противопоставлялось кара-э («китайская живопись»).

ЯНТРА (санскр.) - магическая диаграмма, объясняющая принцип строения космоса. Имеет вид геометрической схемы с расположенными внутри квадрата концентрическими кругами и вписанными в них треугольниками, направленными углами вверх и вниз. Переплетение фигур – символ мировой гармонии, единства мужского и женского начал. Янтра в индуизме и буддизме используется как вспомогательное средство в процессе медитации. Схема янтры, указывающей место человека в космосе, лежит в основе ряда строительных канонов, обнаруживается в планировке селений, ступ, жилых домов.