Билет №1

1.

Основными характерными чертами культуры эпохи барокко являлись:

1. Развитие религиозной тематики;

2. Высокая эмоциональность;

3. Контрастные и эмоциональные образы;

4. Черты динамизма;

5. Поиск единого целого в противоречиях жизни;

6. В архитектуре преобладание овальных линий в зданиях;

7. В скульптуре подчинение общему декоративному оформлению;

8. В живописи минимизация прямолинейной перспективы, акцент на “бесконечности” пространства;

9. В музыке появление циклических форм (сонаты, концерты), оперы.

В культуре эпохи барокко произведения искусства как бы желают соединиться с другими. Можно сказать, что творцы эпохи барокко мыслят и как скульпторы, и как архитекторы, и как декораторы одновременно. Изначально очагом культуры эпохи барокко являлась Италия. Для неё – это период медленного заката многовекового прекрасного искусства. Самым ярким образом стиль проявлялся в архитектуре, для которой свойственно:

1. Усиление образов в основном в работах над фасадами. Фасад является декорацией, которая связанна со зданием. Колонны выступают вперед, превращаются в плоские пилястры. Оригинальные окна являлись либо пролетами, либо изобразительными элементами (к примеру, в дворце Цуккары, окна есть раскрытой пастью чудовища).

2. Стилизация привычных форм под другие (к примеру, церковь Сант-ИвоБаррамини. План здания выглядит как пчела).

3. Разнообразного рода излишества (проявляются в детализации, в обилии украшений).

Искусство Фландрии эпохи барокко.

Первая буржуазная революция, главной целью которой было освобождение народа от церкви, разделила страну на 2 части: юг (Фландрия, современная Бельгия) и север (территория Голландии). Мощный социальный и духовный подъем, который пережила Фландрия в период революции, имел весомоезначение в расцвете культуры эпохи барокко.

В начале 17 века происходит возрождение страны. Культовая архитектура впитывает черты итальянского барокко: в оформлении фасадов используют декор, который играет самостоятельную роль, применяют скульптуры, пластическую орнаментацию. К примеру, церковь святого Карла Барромея в Антверпене (1614-1621гг.).

Скульптура совмещает в себе народные традиции и итальянскую пластику барокко. Главным образом в искусстве Фландрии преобладала живопись, которая определяла пути развития архитектуры, скульптуры и художественной промышленности. Непревзойденным творцом эпохи был Питер Пауль Рубенс (1577-1640). Он прекрасно передал наследие итальянского Возрождения, которое заключалось в единстве мира, жизне утверждении, прославлении человека как центра мироздания.

Он привил искусству барокко относительную вольность нрава, простодушно-грубоватую чувственность, заставил любоваться натуральным здоровьем и натуральной силой. И все это у него удачно сплавилось с требованиями пышного декора, помпы, восхваления монархов и не вызывало ни малейшего протеста со стороны церкви. А меж тем религиозный дух незаметно ускользнул из фламандского искусства: если в итальянском барокко его немного, то во фламандском нет и вовсе.

Рубенс с равной готовностью писал картины и на религиозные сюжеты и на сюжеты античной мифологии - и те и другие выглядят у него вполне «языческими». Однако орден иезуитов был главным и постоянным заказчиком Рубенса. Как истинный художник барокко, Рубенс изображал обнаженные и полуобнаженные тела в сильном, возбужденном движении и, где только возможно, вводил мотивы схватки, борьбы, погони, напряженных физических усилий. «Смешались в кучу кони, люди» - так почти во всех больших заказных картинах Рубенса. Идет ли охота на кабана или вакхический пир, сражаются ли амазонки, мужчины ли преследуют женщин или женщина мужчину - всюду азарт борьбы, напряжение сил, то кипучее брожение материи, которое в отвлеченной форме выражает барочная архитектура. И даже в «Воздвижении креста» происходит напряженная схватка - схватка людей с тяжелым крестом, который они с великим усилием поднимают вместе с телом распятого. Дело тут не в страданиях распятого, а в усилиях распинающих.

Картины: Похищение дочерей Левкиппа 1617 г., Венера и Бахус1616-1620 гг., Воздвижение креста 1610-1611 гг.

2.

Фовизм (от французского fauve — дикий) - Направление в французской живописи и музыке конца XIX — начала XX века. На парижской выставке 1905 года были продемонстрированы полотна художников, оставлявшие у зрителя ощущение исходящих от картин энергии и страсти, один из французских критиков в насмешку назвал этих живописцев дикими зверями (по-французски les fauves). Так случайное высказывание закрепилось как название за всем течением. Направление не имело четко сформулированной программы, манифеста или своей теории и просуществовало недолго (1905—1907 г.), оставив, однако, заметный след в истории искусства.

Вдохновителями фовистов послужили постимпрессионисты Ван Гог и Гоген, предпочитавшие субъективный интенсивный цвет, цвету мягкому и натуральному, свойственному импрессионистам. Главой этой школы считается Матисс, который свершил полный разрыв с оптическим цветом. На его картине женский нос вполне мог быть зеленого цвета, если это придавало выразительности композиции. Матисс утверждал: «Я рисую не женщин; я рисую картины».

В группу "диких" входили: А. Матисс, А. Дерен, М. Вламинк, А. Марке, Э.-О. Фриез, Ж. Брак, А.-Ш. Манген, К. ван Донген и другие. Художественной манере "диких" были свойственны стихийная динамичность мазка, стремление к эмоциональной силе художественного выражения, яркий колорит, пронзительная чистота и резкие контрасты цвета, интенсивность открытого локального цвета, острота ритма. Фовизм выразился в резком обобщении пространства, рисунка, объема. Характеризуется предельно интенсивным звучанием открытых цветов, сопоставлением контрастных хроматических плоскостей, сведением формы к простым очертаниям при отказе от светотеневой моделировки и линейной перспективы.

Анри Матисс заслуженно считается одним из ярких представителей французского течения конца девятнадцатого - первой половины двадцатого века - фовистов. Отличительными особенностями фовистов являются яркие тона, которые придавали ощущение внутренней энергии картин, которая передавалась смотрящему на них зрителю. Довольно много отзывов получали и продолжают получать картины анри матисса, за свою своеобразность. Например, в одной из своих картин Анри Матисс изобразил наружный нос женщины в зеленых тонах. На получаемые вопросы он отвечал просто: "Я рисую картины, а не женщин".

Картины: Египетский занавес, Красный интерьер – натюрморт на синем столе, Одалиски, Люксембургский сад, Булонский Сад, Женщина в зеленой шляпе.