из электронной библиотеки / 330330702476203.pdf

Теплые – красные, красно-оранжевые, желто-зеленые ассоциируются с цветом огня, солнца, накаленных предметов. Холодные – зелено-голубые, голубые, сине-голубые, сине-фиолетовые ассоциируются с цветом воды, льда и других холодных объектов. Эти качества цвета относительны и зависят от расположенного рядом другого цвета. В цветовом облике видимой натуры всегда присутствуют и теплые и холодные оттенки, что основывается, прежде всего, на естественном цветовом противоположении на свету и в тени. В природе часто бывает так: цвет у предмета холодный, а тень – теплая, и наоборот.

Цвет имеет ряд характеристик:

Цветовой тон – качество цвета, в отношении которого этот цвет можно приравнять к одному из спектральных цветов.

Светлота – степень отличия цвета от черного. Яркость – насыщенность цвета.

Чистота – степень соответствия цвета спектральному.

Выделяют также основные и дополнительные цвета. Основные: синий, красный, желтый. Дополнительные образуются путем смешения основных цветов: фиолетовый, оранжевый, зеленый. Расположенные друг против друга в цветовом круге основные и дополнительные цвета усиливают друг друга:

зеленый-красный, синий-оранжевый, желтый-фиолетовый. Этот принцип сочетания цветов использовали в своих произведениях фовисты, экспрессионисты, чтобы усилить эмоциональное воздействие цвета.

Цветовые сочетания могут вызывать ассоциации физические и эмоциональные. Весовые: легкие, тяжелые, воздушные, давящие.

Температурные: теплые, холодные, горячие. Фактурные: мягкие, жесткие, гладкие, шершавые. Акустические: тихие, громкие, звонкие, глухие.

Пространственные: выступающие, отступающие, глубокие, поверхностные. Позитивные: веселые, бодрые, лирические.

Негативные: грустные, вялые, трагические, сентиментальные. Нейтральные: спокойные, уравновешенные.

Итак, через цвет, который должен иметь определенную форму, художник доносит до нас образы. Несмотря на субъективизм, есть общечеловеческие символы, выражающиеся в определенном цвете или сочетании цветов. Белый цвет – благо, свет, чистота, святость, рождение нового. Красный – кровь, страдание, страсть, огонь, солнце. Красный в сочетании с белым – жизнь, жизнеутверждающие силы. Черный – мрак, смерть, зло.

Вразличные периоды истории существовали свои колористические системы. На ранних этапах использовался локальный колорит, исключающий игру цветов и оттенков: цвет здесь как бы однороден и неизменен. В эпоху Возрождения сложился тональный колорит, где цвета обусловлены положением в пространстве и их освещенностью. Умение обозначить именно светом форму изображаемого предмета называется пластикой цвета.

Существует два типа тонального колорита: драматический – контраст света и тени; цветовой – контраст цветовых тонов.

Вразные эпохи задачи цвета понимали по-разному. В античности или классицизме использовали локальный цвет, ложащийся большими цветовыми пятнами, без учета их изменения от соседства с другими цветами, от воздушной среды и пр., без нюансов и оттенков внутри одного цвета (Пуссен «Танкред и Эрминия», Давид «Клятва Горациев», где мастер с помощью цвета лепит форму фигур и предметов). В то же время доминирующие выразительные средства – линия и светотень. Для стилей барокко и романтизм характерны бурные светотеневые контрасты и мощная красочная лепка, рисунок не имеет превалирующего значения. В 19 веке импрессионисты стали писать чистыми красками, разложив цвет на составные спектра, доказав, что даже тени цветные, они изъяли черный цвет из своей палитры. Основываясь на оптическом строении глаза,

они не смешивали краски на палитре, рассчитывая на их смешение в глазу зрителя (прием достиг апогея в живописи пуантилистов).

Цвет у импрессионистов сложен и изменчив: краски текут, оттенки переливаются, живопись приобретает поэтический характер.

Постимпрессионисты посвоему понимали задачи цвета. У Гогена цвет символичен, декоративен, у Ван Гога психологичен («Ночное кафе»), у Сезанна подчеркивает материальность форм.

Возвращаясь к эволюции цвета в живописи в целом, можно сказать, что переломным для нее был 15 век – «кватроченто», когда итальянские мастера (Венеция) перестали накладывать краску отдельными плоскостями, а стали сливать в полутона. Так возникает тональный колорит: краска лепит форму, пространство, свет, движение. Свет все более пронизывает краску (Караваджо, Рембрандт, Веласкес).

Анализ колорита и взаимодействие света и цвета можно проследить на примере произведений импрессионистов и постимпрессионистов, где именно эти выразительные средства определяют и художественный образ.

Клод Моне, которого считают основоположником стиля импрессионизм был «гением изобретательности в области видения», как писал итальянский искусствовед Л.Вентури. Моне, сосредоточив все внимание на свете и цвете, нашел форму наиболее адекватную для передачи свето-цветовых валѐров, которые он поднял на недосягаемую высоту. При этом сюжетная сторона картины становилась не так уж и важной. Пример – «Парусная лодка в Аржентѐе» (1873). Колористический строй картины построен на переходе тонов, притом не путем смешения цветов, а их разделением или сочетанием, образующими оптический синтез. Черный цвет здесь отсутствует, остаются лишь цвета радуги, которые создают свет и тень и становятся субстанцией формы. Единый живописный стиль естественно распространяется на все – на предметы, на воду и небо, преображая их в некое прекрасное видение, а перспектива нерасчлененного пространства объединяет далекое и близкое.

Фиолетовые и желтые тона вплетаются как в голубизну воды, так и в голубизну неба, различная тональность которых позволяет разграничить эти стихии, причем зеркальная гладь реки становится как бы основанием небесного свода. В картине создается ощущение непрерывного движения воздуха.

Каждый цвет в отдельности смягчен, но их совокупность интенсивна. Перед глазами зрителя возникает картина угасающего дня с пламенеющим горизонтом и остывающим в серой полутени большим парусом. « Это – созерцание мечтателя, который как бы сам участвует в жизни света, в его медленном угасании при закате солнца, меланхоличной дымкой окутывающем всю природу. » (Вентури Л. От Моне до Лотрека.

М., 1958., с.36).

Цвет может отражать мысли, эмоциональное состояние художника и передать его зрителю. Рассмотрим картину художника-постимпрессиониста В.Ван Гога «Прогулка заключенных». Работа была написана в 1889 г., когда мастер находился на лечении в психиатрической лечебнице в монастыре СенРеми (Франция). Эта картина – одно из самых личных и вместе с тем общечеловеческих по содержанию произведений, в котором художник стремился показать последний круг ада, где уже все погублено, раздавлено и сведено к тоскливому автоматизму.

Композиция картины проста – в каменном дворике тюрьмы безвольно бредут по замкнутому кругу люди. Перспектива выстроена так, что кажется будто стены дворика стискивают человеческий круг, что создает ощущение безысходности. Ван Гог применяет разнонаправленный штриховой мазок, а плиты каменного мешка даны разной величины, так что ощущается даже истоптанность, истертость, сырость пола, шероховатость кладки стен.

Цветовая гамма полотна, несмотря на сдержанность и приглушенность, разработана Ван Гогом с большим разнообразием оттенков, противопоставлением и

сближением тонов. Для глубокой мрачной тени на дне каменного колодца найдены холодные, синевато-зеленый, болотно-илистый, зелено-мыльный цвета – подлинные цвета безысходной тоски. Они зловеще густеют внизу и бледнеют наверху, на осклизлых кирпичных стенах, оттеняясь бледно-ржавыми, рыжими и красноватыми пятнами. Солнечный свет не достает земли, лишь слегка золотит тюремные стены, а внизу все погружено в сине-зеленый мрак. В этом каменном мешке нет ни клочка земли, ни травинки, в нем не отражается ни один кусочек неба… «Прогулка заключенных» Ван Гога

– одна из самых мрачных картин о том, что нет выхода из тупика, где жизнь подобна замкнутому кругу. Художник сделал свою картину глубоко исповедальным произведением, неслучайно один из центральных персонажей наделен автопортретными чертами. В письмах из Сен-Реми Ван Гог часто называл себя узником и писал, что «заточение раздавило его». Это настроение отражено и в картине.

Раздел 4. Жанры изобразительного искусства 4.1. Жанр портрета

Портрет – это изображение определенного человека или группы лиц. Для портрета характерны сходство с моделью, отражение через нее социальноэтических черт, особое отношение художника к портретируемому.

Основная тема портрета – человек, но в зависимости от особенностей восприятия художником портретируемого возникает идея, которую стремится передать художник. В зависимости от идеи определяется композиционное решение, техника живописи, колорит и т.д.

Вискусствоведении путь развития живописного портрета начинают нередко с 15 века, когда почти одновременно в Нидерландах и Италии складывается новое представление о человеке и его связях с миром. В то же время, если считать портрет изображением конкретного человека, то такие изображения возникли в 3 веке н.э. в Египте (фаюмский портрет), однако они имели ритуальное, сакральное значение.

Всредние века портрета как такового не существует (кроме изображений правителей на медалях и монетах). Человек еще не обладал частным бытием, оказываясь винтиком сословной системы. Постепенно человек обретает ценность самостоятельного существования.

Возникает станковый портрет на дереве. Сначала конкретный человек изображается в сценах со святыми, как бы вступая в диалог с небесным покровителем, его облик идеализируется в соответствии с представлением о христианских добродетелях (Ван Эйк «Мадонна канцлера Роллена») В Италии, в 15 веке в связи с развитием гуманистической философии утверждается идея антропоцентричности, когда человек воспринимается как субъект истории, творец своей судьбы. Изменяется композиция портрета: изображения «разворачиваются» от профиля в три четверти, затем анфас.

Метафорой антропоцентризма является христоморфный автопортрет Дюрера. Итальянские мастера заимствуют у нидерландцев типы портретных композиций

(человек на фоне пейзажа) и портретных атрибутов (медальон, письмо, перчатка и т.д.), а так же технику масляной живописи. Человек изображается с прославительной интонацией

–как герой, идеал, поэтому между ним и зрителем есть граница: парапет, перила и т.д.

У нидерландцев художник обращается к бытовой среде человека, насыщая ее сакральной символикой.

Таким образом, 15 век дал начало портрету и создал основные композиционные типы. В последующие эпохи на портрет повлияли стиль, школы. Дух его менялся в зависимости от эстетических и философских идеалов.

Типы портретов.

В 16 веке рождается парадный портрет, подчеркивающий статус человека, его достоинство, часто сословное, внутреннюю значительность, масштаб личности. Такие портреты носят официальный характер, и, как правило, идеализируют модель (Ван Дейк

«Портрет Карла 1 на охоте», Клуэ «Портрет Франциска 1», Боровиковский «Портрет князя Куракина»). Парадный портрет в конце 19-нач.20 в. переживает новый расцвет, подчеркивая внешний блеск, красоту модели (Серов «Портрет княгини Орловой») или мощную энергетику героя (Врубель «Портрет Мамонтова»).

В 16 же веке рождается камерный портрет, который приближает модель к зрителю, позволяет вступить им в «диалог». Это, как правило, погрудные или поясные портреты (Рубенс «Камеристка», Рокотов «Портрет Струйской», Рембрандт – портреты стариков).

Следующий тип – интимный портрет. Он открывает чувства человека, тайные движения его души, настроение в данный момент времени (Рембрандт «Автопортрет с Саскией на коленях», З.Серебрякова «Утренний туалет»).

Разновидностями портрета являются автопортрет, двойной портрет, групповой портрет (Хальс «Портрет регентов приюта в Харлеме», Рембрандт «Ночной дозор»), семейный портрет (Боровиковский «Портрет жены канцлера Безбородько с детьми»), детский портрет (Гейнсборо «Голубой мальчик», Веласкес «Портрет инфанты Маргариты»).

Портреты также классифицируются по замыслу, идее, заложенной в произведение автором.

Портрет как идеал красоты. В таком портрете очень силен субъективный фактор в трактовке образа (мадонны Рафаэля, портреты Саскии Рембрандта).

Портрет, отражающий идеал эпохи (ренессансные портреты, в которых воплощается гуманистическая идеология Возрождения, О.Кипренский «Портрет Пушкина»).

Портрет как социальный тип. Акцент здесь делается на социальном положении, на профессиональной принадлежности, на нравственных качествах, соответствующих данному социальному типу; часто такие портреты не называют модель по имени (Лиотар «Шоколадница», Шарден «Кухарка»). Эти портреты создают идеализированный облик человека в соответствии с теорией Ж.-Ж. Руссо о красоте естественного человека.

Портрет как идеал национальной красоты (Кустодиев отразил идеал русской женской красоты в многочисленных изображениях купчих, Гейнсборо в своих портретах создал идеал англосаксонской красоты, утонченной и холодной).

Психологический портрет. Явный интерес к нему возник в 19 веке, когда сословные границы окончательно пали. В центре такого портрета внутренний мир конкретного человека во всей его сложности. Однако психологическая характеристика личности присутствует во многих и более ранних портретах (Веласкес «Портрет папы Иннокентия 10», Пикассо «Любительница абсента», портреты И.Репина).

Портреты могут классифицироваться в зависимости от стиля исполнения: ренессансный, барочный, рокайльный, романтический, реалистический,

импрессионистский, экспрессионистский, сюрреалистический и т.д.

4.2. Жанр натюрморта

Натюрморт – композиция из неодушевленных предметов, включая плоды и цветы. В переводе с французского – «мертвая природа». В композицию включаются и предметы повседневной жизни человека, сотворенные и одухотворенные им. Натюрморт может иметь самостоятельное значение, а также может стать частью композиции другого жанра. Так, например, древнеегипетские и древнегреческие художники включали элементы натюрморта в изображение реальных и мифологических сцен. В средние века художники изображали вещи, наделяя их сакральным значением. В эпоху Возрождения изображение неодушевленных предметов увязывалось с изображением человека, но обретает самостоятельное значение, благодаря новаторству Караваджо в 17 веке («Корзина с фруктами»).

Широкое развитие натюрморт получает в голландском искусстве, в веке. Интерес к натюрморту стимулировался развитием торговли, появлением массы экзотических

фруктов, цветов, овощей, птиц и животных. Кроме того, заказчиков – выходцев из торгово-промышленного круга – интересовали не отвлеченные сюжеты, а мир вещей, придающих жизни вкус и комфорт.

На первом этапе в творчестве художников просто фиксируются вещи, словно выставленные напоказ, при этом мастера стремятся к достоверной передаче форм, фактур, цвета и доводят это стремление до иллюзионизма (Балтазар ван дер Аст).

Следующий этап – «завтраки» - композиции из металлических и стеклянных предметов на белой скатерти. Преобладает серовато-зеленоватая гамма, ассиметричная диагональная композиция (Питер Класс, Виллем Хеда).

Художники сопоставляют материалы, из которых сделаны предметы их форму, выявляют игру светотени, цвет, но всегда чувствуется присутствие человека.

Фон нейтральный, предметы словно существуют в своем мире, не погружены в интерьер.

Популярными в 17 веке становятся натюрморты «ванитас» - «суета сует», где появляются в изображении часы, череп, подгнившие фрукты, бабочки т.е.

все то, что свидетельствует о бренности и скоротечности земного бытия (Доу Ван дер Экхаут). Эти натюрморты носили философский характер.

Всередине 17 века распространяется «охотничий натюрморт», где основное место занимает изображение битой дичи (Корнелис Лелиенберг, Матеус Блум, Ян Веникс).

Вначале 18 века в натюрморте господствует культ цветов. Цветы разных форм, фактур, размеров заполняют все пространство, оставляя небольшой участок светлого фона. С этого момента натюрморт становится более декоративным. Некоторые мастера создают натюрморты, в которых изображаются атрибуты искусства как свидетельство творческого потенциала человека.

В19 веке создаются натюрморты в реалистическом стиле, но иначе творческую задачу живописного натюрморта импрессионисты. Здесь главным было не отражение свойств предметов, их осязаемость, а игра света, цвета, свежесть колорита (натюрморты К.Моне, К.Коровина, И.Грабаря). Главный принцип натюрморта – объединение вещей в нем должно создавать гармоничный эмоционально-насыщенный художественный образ.

4.3. Жанр пейзажа

Пейзаж – изображение природы, естественной или преображенной человеком. В 6 веке н.э. пейзаж распространился в восточном искусстве, в Китае.

Рождение европейского пейзажа произошло в 16 веке, а самостоятельным жанром он стал в 17 веке. Элементы пейзажа встречаются и в более ранних изображениях разных жанров. Трактовка пейзажа менялась: от среды обитания человека, условного сакрализованного пространства, образа божественной вселенной до понимания самоценности темы и создания декоративных пейзажей.

Большое значение для развития пейзажа имело введение прямой перспективы. Пространство получило протяженность, глубину, что соответствовало более реалистическому восприятию (Ван Эйк «Мадонна канцлера Роллена», Ван дер Вейден «Святой Лука, рисующий Мадонну»).

Образ пейзажа как всеобъемлющего, мирового создали нидерландцы И.Патинир, П.Брейгель («Охотники на снегу»), характерны высокая точка зрения, пространственные зоны, панорамность, свето-воздушная перспектива.

Самостоятельность, как жанр, пейзаж приобретает в Италии. Эволюция этого жанра в течение последующих столетий позволяет составить типологию пейзажа.

Идеальный, классицистический пейзаж возникает в 17 веке. Его принципы: симметрия, трехплановое построения пространства (на первом плане преобладают плотные коричневатые тона, на втором – зеленоватые, на третьем – мягкие оттенки голубого, лилового (Карраччи, Пуссен, Лоррен, Матвеев). Иногда такой пейзаж приобретает героическое начало (Пуссен, Рубенс), подчеркивая величие природы.

Морской пейзаж – марина, родившись в 17 веке, остается популярен и сегодня (Порселис – 17в., Айвазовский – 19в.).

Городской пейзаж, где люди, если они изображены, играют роль стаффажа, так же как в классицистическом пейзаже. Разновидностью городского пейзажа является ведута – точное изображение конкретного места.

Этот вид возник в 18 веке в Италии (Каналетто). Изображение характеризуется реалистической манерой.

Романтический пейзаж раскрывает различные состояния природы, чаще переходные, показывает так же столкновение различных стихий (Тернер, Айвазовский). Манера и композиция становятся более свободными.

Лирический пейзаж – это пейзаж, создающий у зрителя определенное настроение, а также передающий субъективное восприятие природы художником (Левитан, Коро, Саврасов).

Мистический пейзаж отличает стремление выразить через изображение природы определенной философской идеи, внесение в произведение символических, сакральных смыслов (Эль Греко «Толедо в грозу», пейзажи немецкого художника Каспара Давида Фридриха) Реалистический пейзаж (по названию стиля). Возник в 19 веке, в работах реалистов, особенно демократического направления пейзаж трактуется как сфера приложения человеческого труда, поэтому большое место в картинах занимает изображение человека (Милле «Сборщицы колосьев»).

Импрессионистский пейзаж (по названию стиля). Возник в последней четверти 19 века, во Франции, когда художники стали уделять большое внимание изучению оптических законов восприятия света, воздуха, пространства. Меньше внимания уделяют мастера композиции, считая основными выразительными средствами свет и цвет.

В 20 веке появляются и новые виды и новые трактовки пейзажа:

символический (Ван Гог, Гоген, их работы отличаются еще и декоративностью), метафизический, т.е. ирреальный (Беклин, Де Кирико, Карра), экспрессионистский (по названию стиля), отличающийся повышенной эмоциональностью.

Современный пейзаж очень разнообразен по композиции и по живописным приемам. Но, главное, остается отражением человека, его души, эмоционального мира или сугубо рационалистического взгляда на окружающую среду.

4.3. Другие жанры живописи

Значительное место в живописи занимают такие жанры как бытовой, исторический, батальный, анималистический.

Бытовой жанр раскрывает тему повседневной частной и общественной жизни людей, как правило, современников художника. В картинах этого жанра представлены трудовая деятельность людей («Пряхи» Веласкеса, «На жатве»

Венецианова), праздники («Крестьянский танец» П.Брейгеля), минуты отдыха, досуга («галантные празднества» французских художников стиля рококо, «Шахматисты» Домье), национальный колорит «Алжирские женщины в своих покоях» Делакруа) и т.д.

Исторический жанр – это запечатление наиболее важных исторических событий («Сдача Бреды» Веласкеса, «Утро стрелецкой казни» Сурикова).

Некоторые искусствоведы включают в рамки этого жанра и картины на мифологическую, а также религиозную тему («Похищение сабинянок»

Пуссена, «Вакханалия» Рубенса, «Суд Париса» Кранаха; «Снятие с креста» Рубенса, «Христос в Эммаусе» Караваджо, «Обручение Марии» Рафаэля). Батальный жанр раскрывает тему военных сражений, боевых действий и подвигов

(«Тачанка» Громова, «Оборона Севастополя» Дейнеки, «Смерть комиссара» ПетроваВодкина). Иногда этот жанр включают в состав исторической живописи.

Анималистический жанр основан на изображении мира животных («Домашние птицы» М. де Хондекутера, «Желтые лошади» Ф. Марка).

Для более тщательной подготовки рекомендуется использование:

а) мультимедийных дисков

1.Энциклопедия зарубежного искусства.

2.Современное российское искусство.

3.Шедевры русской живописи.

4.Русский стиль.

5.Азбука искусства.

б) видеофильмов

1.Что такое искусство?

2.Эрмитаж.

3.Русский музей.

4.Дом на Волхонке.

III.Итоговые тесты по дисциплине

1.Предмет искусствоведения:

1.фиксация новых тенденций в изобразительном искусстве в историческом измерении последнего

2.изучение закономерностей развития искусства

3.изучение и сохранение художественного наследия

4.анализ конкретных объектов искусства и художественного процесса в целом

(ответ – 2, 4)

2.Будучи комплексной дисциплиной, искусствоведение выступает как:

1.общая теория искусства

2.история искусства как феномена

3.художественная критика

4.теория искусства, история искусства и художественная критика

(ответ – 4)

3.Функция искусствоведения:

1.исследовательская

2.просветительская

3.публицистическая

4.исследовательская, просветительская и публицистическая (ответ – 4)

4. Искусствовед должен знать:

1.культурно-историческую специфику развития отечественного искусства

2.культурно-историческую специфику развития западного искусства

3.культурно историческую специфику развития мировой художественной культуры

4.специфику современного искусства

(ответ – 3)

5. Дополните пропущенное:

«Искусствовед должен владеть навыками … конкретных объектов искусства и художественного … в целом» (ответ – анализа, процесса)

6. Заполните пропуск:

В современном искусствоведении и науковедении _________________ отождествляют с совокупностью социально-эстетических ценностей и идеалов, выполняющих функцию образного мировосприятия в действительности»

1)искусство

2)этику

3)культуру

4)цивилизацию

(ответ – искусство)

7. Виды искусства – это:

1)способ классификации жанров

2)формы эстетической деятельности человека и художественно-образного мышления

3)совокупность стилей, направлений и течений в искусстве

4)иерархия ценностей в эстетической деятельности человека

(ответ – 2)

8. Жанры искусства – это:

1)Формы эстетической деятельности человека, художественно-образного мышления

2)Периодизация истории искусств

3)Совокупность стилей, направлений и течений в искусстве

4)Совокупность произведений, объединяемых общим кругом тем, предметов изображения (ответ – 4)

9. Художественный стиль:

1)единообразие изображения реальной жизни

2)авторский способ отражения действительности

3)совокупность черт, признаков и художественных приемов, позволяющих отнести объект искусства к конкретно-историческому времени и конкретной культуре

4)мода

(ответ – 3)

10.Признак художественного стиля:

1.стереотипная техника изображения

2.единство формы репрезентации

3.распространение художественного стиля на все виды искусства

4.распространение художественного стиля на отдельные виды искусства (ответ – 3)

11.Художественный канон:

1)стандартное изображение силуэтов фигур на плоскости как канон в живописи

2)выбор материалов, и приемы их обработки, и систему пропорций в архитектуре

3)единство пластики статуй как канон в скульптуре

4)символическая форма репрезентации действительности

(ответ – 1, 2, 3)

12. Отличительные черты художественного стиля и художественного канона

1.живописность-схематичность изображения

2.свобода выбора средств изобразительности-ограниченный набор средств изобразительности

3.распространение художественного стиля на все виды искусства

4.распространение художественного канона на конкретный вид искусства

(ответ – 3,4)

13. Сфера какого вида духовной деятельности человека включает в себя умение соотносить мировоззрение эпохи с определенным художественным стилем- направлением-творческой манерой художника, спецификой техники, равно как и с умением определять характерные особенности художественного стиля в различных видах искусства:

1)религиозная

2)научная

3)художественная

4)искусствоведческая (ответ – 4)

14.Заполните пропуск:

В основании изобразительного искусства лежит _______________________, в силу чего искусство есть образное отражение действительности.

1)личностное восприятие;

2)корпоративный интерес;

3)художественный образ 4)историческая ситуация (ответ – 3)

15.В каком «соотношении» находятся материальная, духовная культура и изобразительное искусство:

1) в диалектическом единстве 2) не существует взаимосвязи, автономны в отношении друг с другом

3) имеются существенные качественные различия, поэтому нет взаимосвязи 4) подобное деление не правомерно; так как искусство и культура – это то, что создано человеком в процессе эволюции цивилизации (ответ – 1)

16.Дополните определение:

Искусство – это социально-эстетический феномен и особая форма человеческой деятельности, в которой органически сочетаются _________________________ и

________________________________.

(ответ – а) познание мира, б) творчество по законам красоты)

17. Как называется форма духовной деятельности человека, порождающая нечто качественно новое, никогда ранее не существовавшее, характеризующееся неповторимостью, оригинальностью и уникальностью?

1)изобретательность

2)художественное творчество

3)самодеятельность

4)мимесис

(ответ – 2)

17. Современное искусствоведение опирается на:

1.историю и культурологию

2.технологиское изучение искусства

3.реставрацию памятников

4.музейное дело

(ответ – 1, 2, 3, 4)

18. Дополнить пропущенное:

«Источники иствоведа – остатки …, которые могут быть…, … и …» (ответ – эпохи, вещественными, устными, письменными)

19. Дополнить пропущенное:

«При изучении художественной эпохи репродукция может стать …, отличным от множества других тем, что дает живое … о произведении искусства» (ответ – пособием, представление)

20. Дополнить пропущенное:

«В искусствознании проявляется ярко выраженный интерес к отдельным элементам художественной формы: …, …, …, …, …, ...» (ответ – композиции, конструкции, пространству, плоскости, объему, цвету)

Время заполнения тестов 15 мин. Результат: 20 – 19 – «отлично»

18 – 17 – «хорошо»

16 – 15 – «удовлетворительно»

IV. Словарь искусствоведческих терминов

Абстрактный экспрессионизм (англ. Abstract expressionism), нью-йоркская школа

– течение в абстрактной живописи, возникшее в США около 1942 г. Его особенность – предельная спонтанность, импровизационность творческого акта, нередко использование приема дриппинга (разбрызгивания или выдавливания краски прямо на холст). Такой метод исключает целенаправленно построенную форму, картина запечатлевает последовательность действий художника. Один из характерных признаков абстрактного экспрессионизма – крупный масштаб работ (порой более пяти метров в длину).

Абстракционизм (от лат. Abstractus – «отвлеченный») – общее название ряда течений в изобразительном искусстве XX в., отказавшихся от понимания искусства как подражания природе, воспроизведения форм действительности.

Авангардизм, авангард (франц. Avant-garde – «передний край», «передовой отряд»), – общее название ряда течений в искусстве XX в., демонстративно порывающих с установившимися художественными традициями (фовизм, кубизм, футуризм,

экспрессионизм, абстракционизм, сюрреализм и др.).

Барбизонская школа, барбизонцы – группа французских живописцев, работавших в 30-60-х гг. XIX в. преимущественно в жанре пейзажа (часто напленэре в деревне Барбизон близ Парижа).

Барокко (итал. Barocco – «странный», «причудливый») – стиль в европейском искусстве конца XVI – середины XVIII в. Для барокко характерно тяготение к ансамблю и синтезу искусств, большая степень взаимопроникновения архитектуры, скульптуры, живописи. Искусство барокко отличается пышностью, экзальтацией образов; ему свойственны контрастность, напряжѐнность, динамичность образов, стремление к совмещению реальности и иллюзии.

Болонский академизм – направление, возникшее в конце XVI в. и занявшее вXVII в. значительное место в итальянской живописи. По мнению академистов – членов «Академии вступивших на правильный путь», – вечный идеал красоты воплощен в искусстве античности, Возрождения; совершенство формы, композиции, высокий уровень техники важнее содержания. В «Академии вступивших на правильный путь» были разработаны