Роспись стен: художественная история в пяти жанрах

Монументальная живопись в чем-то сродни литературе: каждая роспись по-своему уникальна и неповторима, каждая «картина» выдержана в рамках заданного автором творческого замысла и строго соответствует жанровому рисунку. В росписи всегда найдется место для героических персонажей и антигероев, антуража и фонового наполнения, неожиданных сюжетных поворотов и интригующих акцентов. Но подобно литературным произведениям, монументальная живопись никоим образом и ни при каких обстоятельствах не может «выйти» за рамки собственного жанра. В художественной истории о настенной росписи можно выделить пять основных «жанровых» ветви: фреску, меццо-фреско, «а секко», витраж и мозаику.

Affresco, или созданная «будто вчера»

Фреска является, пожалуй, одним из самых распространенных и самых красивых видов настенной росписи. Происхождение термина ведет к итальянскому «affresco» — «свежий», и это определение как нельзя лучше описывает данную технику: краска накладывается на сырую, «свеженанесенную» штукатурку. Впоследствии пигмент поглощается мокрой штукатуркой, а известковый раствор высыхает и формирует незаметный прозрачный слой, предохраняющий фреску от повреждений. Поэтому роспись на стенах, исполненная в технике «affresco», долгое время сохраняет свежесть и яркость своих цветов. Иногда даже про фреску XIX века можно сказать, что она создана «будто вчера»: настолько неприкосновенными и прекрасными остаются рисунок и игра оттенков фресковой росписи.

Принято считать, что древнеримские мастера первыми стали использовать технику фресковой живописи в «чистом» ее виде («Buon fresco»). По крайней мере, Марк Витрувий Поллион в своем труде «10 книг об архитектуре» утверждает, что уже в Геркулануме и в Помпее создавались фрески не только «in arido» (по-сухому), но и «in udo» (по-сырому). И если сегодня среди специалистов-искусствоведов и историков нет единодушия в данном вопросе, то нам придется довериться трактату Марка Витрувия. В любом случае, виртуозность художников того времени в деле настенной росписи является несомненной, примером чему служит и фреска «Флора», украшавшая когда-то Виллу Ариадны в Стабии (I век нашей эры). Великолепная композиция, изысканные цветовые решения и тончайшая прорисовка деталей превратили «Флору» в шедевр монументальной живописи мирового значения. Фрески в Помпеях и Стабии время пощадило лишь случайно, благодаря печально известному извержению вулкану Везувий. Большинство античных фресок водоворот столетий поглотил, не оставив никаких следов, и сейчас очень трудно судить о ценности того или иного произведения фресковой монументальной живописи. Но заметьте, некоторые исследователи ставят фресковую роспись стен, обнаруженную на вилле, в ряд ремесленных. Если это произведение можно назвать ремеслом, то каковы же были фрески, относившиеся к вершине античной живописи?

Средневековая фреска ведет свое начало от византийской настенной живописи. Живописцы Византии вплоть до XII века руководствовались древнеримскими технологией и художественной традицией фресковой росписи. Это выражалось и в приготовлении грунта, и в способе наложения красок. Хотя некоторые изменения все же постепенно проникали в византийскую традицию. Например, существенно сократилось количество слоев штукатурки: если у римлян оно обычно достигало семиуровневого показателя, то византийцы использовали в работе двухуровневый грунт. Но верхний слой все еще изготавливался из известнякового раствора с добавлением толченого мрамора и подвергался полировке до слабого блеска. Только в XII веке вместо мраморной крошки стали вводить в раствор растительное сырье — лен и паклю, обладавшие отличными гигроскопическими свойствами.

Художественная роспись потолков и стен в Византии в большей степени была представлена монументальной живописью в храмах и церквях. А иконопись византийских мастеров стала примером для подражания не только в Древней Руси, но и в других православных государствах: Македонии, Грузии, Болгарии, Сербии и др. Безусловным шедевром византийской фресковой росписи является произведение «Белый ангел», расположенное в сербском монастыре «Милешева». Фреска была создана в XIII веке — в эпоху Палеологовского возрождения.

Светское искусство в полной мере смогло проявить себя лишь в VIII-IX вв., и то не самым лучшим образом. Данный исторический период был связан с «темным временем», опустившимся на Византийскую империю в пору так называемого «иконоборчества». «Иконоборческие» правители любили изображать на стенах своих дворцов монументальную живопись, рассказывавшую об их военных победах и достижениях. Однако если византийская храмовая живопись сохранилась во многих городах, то сказать доподлинно, какими именно чертами характеризовался стиль фигурного искусства императоров-иконоборцев, практически невозможно — соответствующих исторических памятников просто не осталось.

Древнерусские художники переняли опыт византийских предшественнников и стали расписывать стены по сырому левкасу. Левкас представлял собой ту же штукатурку, приготовленную из гашеной извести и различных наполнителей. Но известь при этом тщательно промывали водой, чтобы избавиться от включений гидроокиси кальция в рабочем растворе, поскольку проступавшее на фреске вещество в дальнейшем совершенно обезображивало роспись. Подобная методика значительно ограничивала временной срок, отводившийся непосредственно на художественное письмо, поэтому русские живописцы обычно заканчивали роспись темперно-клеевой техникой: некоторые детали и участки фона прорисовывались по сухой поверхности красками, смешанными с натуральным клеем либо яичным желтком. Позже, в XVIII веке, эти связующие компоненты были заменены масляной краской, которая совсем не отвечала требованиям настенной росписи.

Одним из величайших произведений древнерусской стенной живописи является фреска Феофана Грека, изображающая неизвестного святителя из сцены «Служба святых отцов» (Великий Новгород, церковь Спаса Преображения, около 1378 г.).

Итальянская фреска так же, как и древнерусская, долго следовала в русле византийских художественных принципов настенной росписи. И только по окончании XIII века итальянские мастера начали вырабатывать собственные каноны росписи интерьеров. Надо отметить, что термин «Buon fresco», или «истинная фреска» по-итальянски, впервые был введен в обиход Ченнино Ченнини в его знаменитом «Трактате о живописи» (XIV век). Причем Ченнини в этом труде четко указывает на необходимость совмещения техники «Buon fresco» с техникой темперы (нанесения красок, произведенных из сухого порошка и связующей эмульсии). Косвенно такое замечание может указывать на тот факт, что художники-современники Ченнини не настолько хорошо владели техникой «чистой фрески», чтобы не приходилось прорисовывать некоторые элементы настенных картин темперой.

Однако многие представители мира живописи Италии и в XIV веке создавали прекрасные творения — и с точки зрения техники, и с точки зрения искусства. К примеру, цикл фресок Джотто ди Бондоне в падуйской часовне «Capella Arena» приводит в изумление даже самых осведомленных ценителей живописи. К данному циклу относится и великолепная фреска «Возвращение Иоакима к пастухам» (1306 г.).

Роспись стены в исполнении Джотто перестает быть неким плоскостным «ковровым» украшением интерьера: в отличие от византийских произведений, она приобретает форму и объемность. Появление «чувства пространства», пластичности фигур и предметов на фреске связано не с количеством цветов, а с умелой их градацией. Трехмерное пространство сформировало также искусное использование светотени, угловых ракурсов и упрощенной античной перспективы. Для XIV века подобный прием означал преодоление блистательного, но двухмерного наследия византийской живописи.

После мастера Джотто фреска — это уже не «стенной узор, наделенный сюжетной линией», а вид сквозь стену на чудесное действо.

В XV-XVI вв. проработанные Джотто методы создания оптических и пространственных эффектов применялись гораздо более широко, если не сказать — повсеместно. Так, итальянский художник Ренессанса Пьетро Перуджино, участвуя в росписи Сикстинской капеллы, в числе прочих живописцев продолжит дело Джотто ди Бондоне. Ярким подтверждением тому является его фреска «Вручение ключей апостолу Петру» (1480-1482 гг.). Произведение символически «связывает» Ветхий и Новый Заветы и показывает, как Христос наделяет святого Петра религиозной властью и этим самым распространяет ее на глав Католической церкви.

Фреска Перуджино является отражением бесспорного композиционного таланта художника, великолепного ощущения монументальной формы и безусловного интереса к античному искусству, проявившемся в классическом характере архитектурных элементов фона. Линия перспективы, которая у Джотто еще только намечалась, в произведении Перуджино изображена со всей возможной для эпохи Возрождения виртуозностью.

Кстати, с 1500-х гг. вопреки указаниям Ченнино Ченнини фресковая роспись вступает в пору первенства «Buon fresco», когда в расписываемое изображение не вносились правки темперой по сухой поверхности. Впоследствии в подобной манере настенная роспись создавалась и мастерами Высокого Ренессанса, и итальянскими художниками второй половины XVI-XVIII вв.