18 Бил. Гуманизм Ренессанса. Франческа Петрарки, Джованни Боккаччо, Джованни Пика дела Мирандоллы, Джорджи Вазари, Томас Мор. В чем смысл антропологической идеологии?

Европейское  интеллектуальное движение, являющееся важным компонентом Ренессанса. Возникло во Флоренции в середине 14в, существовало до середины 16в; с конца 15в перешло в Германию, Францию, отчасти в Англию и другие страны.

Ренессансный гуманизм является первой стадией развития гуманизма, движением, в котором гуманизм впервые выступил как целостная система взглядов и широкое течение общественной мысли, вызвав подлинный переворот в культуре и мировоззрении людей того времени. Основной идеей ренессансных гуманистов было улучшение человеческой природы через изучение античной литературы.

Ренессансный «гуманизм» — это не защита прав человека, а исследования человека таким, каков он есть. Гуманизм, с точки зрения Петрарки  и других философов, означал перенесение человека в центр мира, изучение человека в первую очередь. Термин „гуманизм“ в этом плане является в чем-то синонимом слова „антропоцентризм“ и противостоит термину „теоцентризм“. В противовес религиозной философии Западной Европы гуманистическая философия ставит своей задачей изучение человека со всеми его земными и не-земными нуждами. Взамен онтологических вопросов на первый план выдвигаются вопросы этические»

в сочинениях английского философа и политического деятеля Томаса Мора (1478—1535) формулируется общественно-политический идеал гуманизма — знаменитая “Утопия”, как образ “идеального государства”. В основе этого идеала лежит не только отрицание частной собственности и признание собственности общественной, как это принято считать, но и некая религия “почитания Божественной природы” с верховным единым богом Митрой. При этом конкретных религий в Утопии множество, а религиозные убеждения “утопийцев” сочетаются с почитанием светской науки.

Для Эпохи Возрождения характерны антиклерикальные настроения. Антиклерикализм — это критика Церкви, как организации, взявшей на себя обязанности обеспечить верующим общение с Богом. Антиклерикальные идеи проявились во многих произведениях XIV—XVI вв. Например, знаменитый "Декамерон" Джованни Боккаччо буквально наполнен сатирическим изображением образа жизни монахов, священников, церковных деятелей вообще.

Петрарка призывает к самому активному изучению философского наследия античности, к возрождению идеалов античности, к возрождению того, что позднее получило название “античного духа”. Ведь его, как и многих древних мыслителей, интересовали прежде всего внутренние, морально-этические проблемы человека. Франческо Петрарка не создал какого-то законченного философского учения. Более того, он постоянно подчеркивал свое собственное незнание философской проблематики. Но его роль в истории западноевропейской философии заключается в том, что он как бы обозначил главные пути развития философской и общественно-политической мысли своего времени, призвал современников обратить пристальное внимание на проблемы человеческой личности. Он указал и средство, с помощью которого эти проблемы можно осветить — возрождение античной философии

Джованни Пико делла Мирандолла — яркий представитель гуманистической тенденции, стремящейся к синтезу многих начал в философии. Сам Пико говорил: “Для себя же я решил, никому не присягая на верность, пройдя путями всех учителей философии, все исследовать, изучать все школы”. В этой решимости выразилось его стремление к созданию некой “единой философии”, которая могла бы полностью ответить на все вопросы человеческого разума. Интересно, что незадолго до смерти Пико высказал мысль о возможности примирить в одном учении даже Платона и Аристотеля. В этом смысле, он был солидарен со своим старшим товарищем по Платоновской Академии Марсилио Фичино, который разрабатывал идею создания “всеобщей религии”. Наибольшее внимание Пико делла Мирандола уделял еврейским мистическим учениям, прежде всего Каббале. В эпоху Возрождения считалось, что Каббала имеет древнейшие корни и восходит к самому Моисею, поэтому она содержит глубинные тайные знания, передававшиеся из поколения в поколение. Так считал и сам Пико. Позднее было установлено, что Каббала появилась намного позднее, в Средние века, а наиболее завершенный вид она получила в кругу средневековых испанских евреев XII—XIII вв.

В философском отношении мировоззрению Пико делла Мирандола присущи пантеистические взгляды, сходные с идеями Фичино: Бог как некое абстрактное единство, обязательно присутствует во всем, однако, являя собой полноту мира, Бог находится вне мира. По этой причине, Бог, как цельная самосущность, в принципе непознаваем. Но так как мир одушевлен Им, то существует возможность познания мира, его души, причем, с помощью математики — пифагорейским “числом”: “Повсюду, где есть жизнь, там есть и душа, а там, где душа, есть и разум”, — писал Пико делла Мирандола.

Так же как и Платон, Мор видит основной принцип жизни в идеальном обществе в одном — общество должно быть построено на принципе справедливости, который недостижим в реальном мире.

Именно отсутствие частной собственности, по мнению Томаса Мора, создает условия для рождения общества всеобщей справедливости. Однако устранение частной собственности и денег не является для Томаса Мора самоцелью — это всего лишь средство для того, чтобы общественные условия жизни предоставили возможность развитию человеческой личности.

  Антропология  наука о происхождении и эволюции человека, образовании человеческих рас и о нормальных вариациях физического строения человека. Обоснование места антропологии среди других наук было дано Ф. Энгельсом, определившим её как науку, опосредствующую «... переход от морфологии и физиологии человека и его рас к истории»

В эпоху Возрождения для развития антропологических знаний большое значение имел общий прогресс в развитии науки и резко возросший интерес к физической и духовной жизни человека. Огромный шаг вперёд был сделан в изучении анатомии человека, благодаря трудам Везалия, Леонардо да Винчи и др. Некоторые из анатомов и художников уделяли большое внимание вариациям органов человека, а также разным типам его телосложения. Немецкий художник  Дюрер, например, написал специальный трактат «Четыре книги о пропорциях» (1528).

19 билет. Литература. Франческо Петрарки, Джованни Боккаччо, Эразм Ротердамский, Франсуа Рабле, иллюстратор Гюстав Доре, Мигель де Сервантес, Вильям Шекспир. Что нового открылось в образах Возрождения?

Франческо Петрарка родился 20 июля 1304 года в городе Ареццо (Италия).  Он был выходцем из семьи нотариуса и должен был продолжать дело отца, но право мало занимало его. К тому же после смерти отца Петрарка по завещанию получил только рукопись Цицерона. Отсутствие средств к существованию заставило его стать священником. Поселившись в Авиньоне и приняв духовный сан, Петрарка впервые встретил свою возлюбленную, Лауру, которой в последствие посвящал свои знаменитые сонеты. Лаура была для него объектом преклонения и чистой платонической любви. Несмотря на то, что виделись они всего несколько раз и не были по-настоящему знакомы, Петрарка пронес это чувство через всю жизнь. Даже после того как жизнь Лауры унесла эпидемия чумы, Петрарка ещё десять лет воспевал её. Лауре Петрарка посвятил сборник своих итальянских стихов «Canzoniere». Книга делится на две части: «На жизнь мадонны Лауры» и «На смерть мадонны Лауры», написанные соответственно до и после смерти возлюбленной. Образ Лауры в лирике Петрарки отличается от другой подобного рода лирики (например, сонетов Данте к Беатриче), тем, что героиня не превращается в бесплотный символ красоты и совершенства. Будучи идеалом в глазах поэта, образ Лауры остается вполне реальным и осязаемым. Книга «Canzoniere» выдержала более двухсот переизданий ещё до начала 17 века.  Кроме лирики на итальянском языке, перу Петрарки принадлежит и некоторое количество произведений на латыни. Это две его автобиографии, одна из которых создана в форме диалога поэта с Августином Блаженным. В ней Петрарка противопоставляет собственное гуманистическое мировоззрение средневековой схоластике и утверждает величие человека и его особенное место в мире, созданном Богом. Франческо Петрарка скончался 19 июля 1374 года в деревня Арква неподалёку от Падуи (Италия).  Джованни Боккаччо — автор ряда исторических и мифологических сочинений на латинском языке. Главным произведением Боккаччо, обессмертившим его имя, был его прославленный и ославленный «Декамерон». Джованни Боккаччо был незаконным сыном флорентийского купца и француженки и родился летом 1313 года (точнее неизвестно). Его семейство происходило из Чертальдо, почему он сам называл себя Боккаччо да Чертальдо. Склонность к поэзии у Джованни проявилась в раннем детстве. Но когда мальчику исполнилось десять, отец отдал его в ученье к купцу. Купец провозился с отпрыском, у которого наблюдалась стойкая неприязнь к купеческому делу, почти шесть лет, а затем отправил его обратно к отцу. Но до «освобождения» было еще далеко: Боккаччо пришлось еще 8 лет томиться над купеческими книгами в Неаполе. И все без толку. Наконец, отец непокорного юноши окончательно потерял терпение и позволил ему изучать каноническое право.  В 1348 году, после смерти отца, Боккаччо получил возможность отдаться своей склонности к литературе. Во время своего пребывания при дворе неаполитанского короля Роберта он подружился со многими учеными того времени и даже снискал расположение молодой королевы Иоанны и молодой принцессы Марии. В 1349 году Боккаччо окончательно поселился во Флоренции и неоднократно был избираем своими согражданами для дипломатических поручений. Его стараниями флорентийцы, некогда изгнавшие своего великого гражданина Данте, учредили особую кафедру для объяснения поэмы последнего, и эта кафедра была поручена в 1373 году Боккаччо. Джованни Боккаччо умер 21 декабря 1375 года в Чертальдо в возрасте около 62 лет.  Джованни Боккаччо — автор ряда исторических и мифологических сочинений на латинском языке. Главным произведением Боккаччо, обессмертившим его имя, был его прославленный и ославленный «Декамерон». Джованни Боккаччо был незаконным сыном флорентийского купца и француженки и родился летом 1313 года (точнее неизвестно). Его семейство происходило из Чертальдо, почему он сам называл себя Боккаччо да Чертальдо. Склонность к поэзии у Джованни проявилась в раннем детстве. Но когда мальчику исполнилось десять, отец отдал его в ученье к купцу. Купец провозился с отпрыском, у которого наблюдалась стойкая неприязнь к купеческому делу, почти шесть лет, а затем отправил его обратно к отцу. Но до «освобождения» было еще далеко: Боккаччо пришлось еще 8 лет томиться над купеческими книгами в Неаполе. И все без толку. Наконец, отец непокорного юноши окончательно потерял терпение и позволил ему изучать каноническое право.  В 1348 году, после смерти отца, Боккаччо получил возможность отдаться своей склонности к литературе. Во время своего пребывания при дворе неаполитанского короля Роберта он подружился со многими учеными того времени и даже снискал расположение молодой королевы Иоанны и молодой принцессы Марии. В 1349 году Боккаччо окончательно поселился во Флоренции и неоднократно был избираем своими согражданами для дипломатических поручений. Его стараниями флорентийцы, некогда изгнавшие своего великого гражданина Данте, учредили особую кафедру для объяснения поэмы последнего, и эта кафедра была поручена в 1373 году Боккаччо.

разм Роттердамский занимает совершенно особенное место в истории. Впервые ученый и писатель получил такое влияние и славу. Никто до него не был так популярен. А после так знаменит был толькоВольтер. Самые могущественные правители и самые известные учёные считали за честь находиться с ним в переписке. Когда он прибывал в какой-нибудь город, ему устраивали торжественную встречу, которой не удостаивались иногда и государи. Всё это было тем более удивительно, что свой жизненный путь Роттердамский начинал как незаконнорожденный сирота, изгой общества.  Эразм Роттердамский родился 28 октября 1466 года, в Гауде, неподалеку от Роттердама. Родители его не состояли в браке. В юности он вынужден был уйти в монастырь. Но жизнь в стенах монастыря казалась Эразму скучной, а нравы монахов чудовищными. Зато у него была масса времени на изучение классических языков и литературы.  Вскоре талантливый и обладающий выдающимися познаниями юноша нашел себе богатых меценатов, а вместе с тем и дорогу из монастыря. Больше нигде он не задержится слишком долго. Вся дальнейшая жизнь Эразма прошла в постоянных путешествиях. Деятельность Роттердамского была очень разнообразна. Он коллекционировал рукописи классических авторов и занимался их издательством, впервые применил научные приемы к богословию, подготовил почву для реформации церкви, преподавал в университете богословие. Кроме того, являлся автором собственных литературных произведений. Его «Похвала глупости» представляет собою пародию на популярный тогда панегирик. Автор позволил глупости самой похвалить себя. От многих сатириков его отличал тон. Эразм почти никогда не смеялся зло, он просто благодушно подшучивал над несовершенствами людей.  Роттердамский пользовался популярностью среди многих правителей. Все они хотели получить от него мудрые наставления. Карл V, император Священной Римской Империи, пожаловал ему чин «королевского советника», что впрочем не обязывало Эразма давать советы и вообще находиться при дворе. Он продолжал путешествовать почти до самой смерти.  Умер Эразм Роттердамский в Базеле в ночь на 12 июля 1536 года Франсуа Рабле родился в 1494 года в Шиноне (Турени, Франция) в семье судебного чиновника. Точная дата рождения неизвестна. Около 1511 года Рабле поступает во францисканский монастырь в Пуату. Эти монастыри в ту пору остаются в стороне от гуманистических устремлений и даже изучение греческого считают уступкой ереси, поэтому изучение Рабле латыни и греческого навлекают на него недовольство монастырского начальства. В 1525 году епископ Жофруа д'Эстиссак берёт Рабле к себе секретарём. В 1530 году, оставаясь в духовном звании, Рабле появляется в известной медицинской школе в Монпелье и уже через шесть недель готов держать экзамены на бакалавра – несомненно, что медициной он занимался и прежде. В 1531 году он становится врачом городской больницы в Лионе. В это время Рабле известен как врач, знаток современной и античной медицины, комментатор отца греческой медицины Гиппократа и римского учёного Галена, автор научных работ. С 1532 года Рабле, занимаясь в основном врачебной деятельностью, несколько раз ездит в Италию, пишет и публикует ряд книг, основанных на одной из многочисленных народных переделок средневековых романов о деяниях великанов. Это «Страшные и ужасающие деяния и подвиги достославного Пантагрюэля», «Пантагрюэлево предсказание», «Повесть о преужасной жизни великого Гаргантюа, отца Пантагрюэля». Двенадцать лет спустя вышла «Третья книга», а следом – «Четвертая книга».  Это время отмечено переменами в религиозной политике Франциска I – репрессиями против сторонников Реформации и учёных-гуманистов. Теологи Сорбонны добиваются запрещения «грешных» книг Рабле. В 1547 году, гонимый католическими фанатиками, Рабле покидает Французское королевство и зарабатывает себе на жизнь ремеслом медика в Меце. Последнее десятилетие своей жизни выполняет и дипломатические поручения.  3 апреля 1553 Рабле умирает в Париже. Через 10 лет после его смерти выходит «Пятая книга». Источники пятитомного романа, составляющего своеобразную энциклопедию французского Ренессанса, кроются в народной смеховой культуре средневековья, в карнавальных празднествах, отменяющих на время сословные привилегии, религиозные запреты и общественные нормы, в фамильярной площадной шутке, в уличной речи, не чуждой грубости и даже ругательств.  Доре (Doré) Гюстав (1832—1883) — французский график. Прославился живописно-динамичными, гротескно-выразительными иллюстрациями — полными фантазии и юмора текстовыми рисунками к «Гаргантюа и Пантагрюэлю» Рабле (1854) и «Озорным рассказам» Бальзака (1855—1856), романтически-эффектными страничными рисунками к «Божественной комедии» Данте (1861), «Дон Кихоту» Сервантеса (1862—1863), Библии (1864—1866), гравировавшимися группой мастеров торцовой ксилографии. Социальная острота присуща сценам жизни лондонской бедноты (1860—70-е гг.). С начала 1860-х гг. занимался живописью, офортом, позже — скульптурой. 

Мигель де Сервантес Сааведра родился 29 сентября 1547 года в Алькала-де-Энарес в бедной дворянской семье. В молодые годы он служил в армии, отличился в морском сражении при Лепанто (1571), закончившемся победой христиан. Именно в этой баталии по одной из версий он потерял руку.  На пути домой был захвачен алжирскими пиратами и продан в рабство. Несколько раз пытался бежать, но неудачно. В 1580 году Сервантес был выкуплен из неволи христианскими миссионерами.  Обосновавшись в Мадриде, он вплотную занялся литературным творчеством. Опубликовав несколько произведений, не имевших шумного успеха, Сервантес переехал в Севилью. Причиной переезда послужила и скудость заработка. В Севилье он поступил в интендантскую службу. Она давалась непросто: при выполнении своих обязанностей он терпит множество неудач и даже попадает в тюрьму. Жизнь его в этот период – сплошная череда лишений, бедствий и невзгод. Но он не бросает писательства. Собственная судьба становится для него средством для изучения испанской жизни во всех ее проявлениях. В 1604 году Сервантес опубликовал первую часть своего романа «Хитроумный идальго Дон Кихот Ламанческий», который получил огромный успех как в Испании, так и за ее пределами.  С этих пор до самой смерти литературная деятельность Сервантеса не прекращалась: в 1604 – 1616 годах появились вторая часть «Дон Кихота», новеллы, многие драматические произведения, поэма «Путешествие на Парнас» и роман «Персилес и Сихизмунда», напечатанный уже после кончины автора. Сервантес работал до последнего дня жизни. За несколько дней до смерти он постригся в монахи. 23 апреля 1616 года он скончался от водянки.  Благодаря роману о Дон-Кихоте его имя навсегда вошло в списки авторов величайших произведений мировой литературы.

Уильям Шекспир родился 23 апреля 1564 года в Стратфорд-он-Эйвон в семье ремесленника. Отец его был перчаточником, пользовавшимся уважением в городе. Один раз отец даже был избран мэром. Уильям учился в грамматической школе, считавшейся одной из лучших; основными предметами в ней были английский, латинский и древнегреческий языки. В 18 лет Шекспир женился на дочери соседа-помещика. Жена его была старше на 8 лет, в семье было трое детей. Около 1587 года Уильям перебрался в Лондон, примерно в 1593 году вступил в театральную труппу Р.Бербеджа, работая и как актер, и как режиссер, и как драматург. С 1590 по 1594 год Шекспиром созданы так называемые «ранние хроники» – исторические пьесы «Ричард III», «Генрих IV», трагедия «Тит Андроник», комедии «Укрощение строптивой», «Комедия ошибок». Он пишет поэмы — «Венера и Адонис» (1593) и «Лукреция» (1594), сонеты, пьесы. Только сонетов в период с 1592 по 1600 год им написано более полутора сотен.  В 1595–1600 годах Уильямом Шекспиром были написаны «Король Джон», «Ричард II», «Два веронца», «Сон в летнюю ночь», «Ромео и Джульетта», «Венецианский купец». Этот период в творчестве Шекспира завершился поистине выдающимися комедиями «Двенадцатая ночь», «Много шума из ничего», «Виндзорские проказницы».  В начале 1600-х в творчестве Шекспира наступил перелом – главным жанром для него становится трагедия. В период 1608–1614 годы Шекспир создает одни из лучших своих произведений: «Гамлет», «Отелло», «Король Лир», «Макбет». За свою творческую жизнь великий драматург написал 17 комедий, 11 трагедий, 5 поэм, более 150 сонетов и около 10 хроник. До сих пор не утихают споры о том, был ли Шекспир автором всех этих и других произведений. Вскоре по неизвестным причинам Шекспир уходит в отставку и возвращается из Лондона домой, где в кругу семьи и проводит свои последние годы жизни. Есть предположения, что он был в этот период болен: его завещание, датированное 15 марта 1616, написано весьма неразборчиво. Скончался великий драматург 23 апреля 1616 года. Согласно завещанию, его тело захоронено под алтарём церкви в Стратфорде. 

Билет 20.  Каие новые формы приобрел театр Возрождения? Пьесы Лопе де Вега, П. Кальдерона, У. Шекспира. Музыка.

Театр эпохи Возрождения – одно из самых ярких и значительных явлений в истории всей мировой культуры; Карнавальная игра, уже не могла оставаться на своей прежней стадии стихийной самодеятельности и вошла в берега искусства, став творчеством, обогащённым опытом древних и новых литератур.

В Италии – впервые в Европе – на сцену поднялись актёры-профессионалы и поразили мир яркой, сильной игрой, рождающейся тут же, на глазах у зрителя, и чарующей своей свободой, азартом, блеском и остроумием.

Так в Италии было положено начало театральному искусству нового времени. Произошло это в середине XVI века.

Своей вершины театр Возрождения достиг в Англии. Теперь он воистину вобрал в себя все сферы жизни, проник в глубины бытия. Могучая когорта талантов поднималась будто из-под земли. И главным чудом века был человек из Стратфорда, пришедший в Лондон, чтобы писать пьесы для театра «Глобус». Громкое название театра оправдалось – в творениях Шекспира действительно открылся мир: виднелись исторические дали прожитого, выяснялись главные истины нынешнего столетия и чудодейственно, сквозь пелену времени, проглядывали контуры грядущего.

Гений Шекспира слил воедино всё ранее достигнутое в драме и на сцене. Теперь за два-три часа на шести-восьми квадратных метрах можно было узреть миры и эпохи. Рождение это не может быть отнесено к строго определённой дате, имени или произведению. Шёл процесс длительный, многосторонний – и в «верхах» и в «низах» общества. Он дал исторически полноценный результат только после того, как было найдено необходимое триединство драмы, сцены и большой публики.

О первых опытах ренессансной драматургии можно со всей определённостью сказать, что они были творениями пера, но отнюдь не сцены. Вышедшая из материнского лона литературы, гуманистическая драма если и покидала книжные полки, то лишь изредка и без особой надежды на сценический успех. А незамысловатые простонародные фарсы и импровизации карнавальных масок притягивали к себе толпы зрителей, хотя не обладали и десятой долей

литературных достоинств писаных пьес. Именно на карнавале забил источник комедии дель арте – этой истинной прародительницы нового европейского театра. Надо сказать, что на раннем этапе развития нового театра взаимоотчуждённость сцены и драмы пошла обеим на пользу. Драма оказалась свободной от примитивов фарсовой сцены, а сцена, то есть исполнительское искусство, лишённое драмы и предоставленное самому себе, получила

возможность интенсивно развивать собственные творческие ресурсы.

Для того, чтобы гуманистическая мысль проникла в драму нужен был решительный разрыв драмы со сценой. Задача заключалась в том, чтобы поднять драматургический жанр до художественного уровня литературы и, открыть драме ход в современную жизнь, насытить её реализмом.

Деятельность итальянских гуманистов XV века сыграла чрезвычайно плодотворную роль в возрождении античных знаний и искусства и во многом помогла формированию европейской культуры.

Тогда было обычаем проводить философские беседы на открытом воздухе по примеру древних: говорить о бессмертии души под сенью лавровых деревьев или читать Вергилия, расположившись на цветущем лугу у журчащего источника.

Изучая итальянские комедии XVI века, можно заметить, что их авторы следили не столько за бытовой правдой поведения своих героев, сколько за логикой их поступков, совершаемых по заданным сюжетным схемам. Сюжетная структура произведения имела преобладающее значение. Именно она организовывала, дисциплинировала жизненный материал.

На своей вершине театр оказался в Англии.

Театр английского Возрождения – это Шекспир и его блистательное окружение: Марло, Грин, Бомонт, Флетчер, Чемпен, Неш, Бен Джонсон. Но все эти последние имена принадлежат своему веку и своей нации; Шекспир же, глубже всех выразивший дух своего времени и жизнь своего народа, принадлежит всем векам и всем народам.

Театр Шекспира – это своеобразный синтез культуры Ренессанса. Определив собой самый зрелый этап этой культуры, Шекспир говорил со своим веком и с грядущими веками как бы от имени всей эпохи «величайшего прогрессивного переворота».

Творчество Шекспира было итогом развития национального английского театра. В то же время оно в известной мере суммировало достижения всей предшествующей поэтической, драматической и сценической культуры древнего и нового времени. Поэтому в драмах Шекспира можно ощутить и эпический размах гомеровской сюжетики, и титаническую лепку монотрагедий древних греков, и вихревую игру фабул римской комедии. Шекспировский театр богат высоким лиризмом поэтов-петраркистов. В творениях Шекспира отчётливо слышны голоса современных гуманистов, начиная от Эразма Роттердамского и кончая Монтенем. Углубленное развитие унаследованного – вот что было важнейшей предпосылкой рождения нового и наиболее совершенного типа ренессансной драмы, драмы Шекспира. В лучших своих произведениях Лопе де Вега воплотил наиболее передовые устремления национального испанского Возрождения. Органическое слияние в его драматургии гуманистической мысли и традиций испанской народной культуры обеспечило долговечность этой драматургии. Она и сейчас еще захватывает читателя и зрителя глубиной своего реализма, высокой поэтичностью и необычайным богатством воображения.

Пьесы Лопе де Веги построены таким образом, что случай, вмешивающийся в поток явлений, опрокидывает спокойный ход действия, доводя напряжение драматических переживаний до степени трагизма, чтобы затем ввести это взволнованное море страстей и своеволия в русло законности и строгой католической морали.

Пьесы Лопе де Вега затрагивают различные темы: социально-политические драмы из отечественной и иностранной истории (например, пьеса о Лжедмитрии «Великий герцог Московский»), исторические хроники («Доблестный кордовец Педро Карбонеро»), любовные истории («Собака на сене», «Девушка с кувшином», «Учитель танцев»).

В драмах Лопе очень велик исторический пласт. Среди них «Последний готский король», «Граф Фернан Гонсалес», «Зубцы стен Торо», «Юность Бернарда дель Карпио», «Незаконный сын Мударра» и др., — пьесы, в основе которых народные романсы и «Песнь о моём Сиде». Трактовка исторических событий у Лопе близка или совпадает с той, которую столетиями давалиромансеро. Театр Лопе де Вега на более высоком уровне разыгрывал знакомые любому жителю Пиренеев сюжеты.

Драматургия Кальдерона — барочное завершение театральной модели, созданной в конце XVI — начале XVII века Лопе де Вега. Согласно списку произведений, составленному самим автором незадолго до смерти, перу Кальдерона принадлежит около 120 комедий и драм, 80 autos sacramentales, 20 интермедий и немалое число прочих произведений, в том числе стихотворений и поэм. Хотя Кальдерон менее плодовит, чем его предшественник, он доводит до совершенства созданную Лопе де Вега драматическую «формулу», очищая её от лирических и малофункциональных элементов и превращая пьесу в пышное барочное действо. Для него, в отличие от Лопе де Вега, характерно особое внимание к сценографической и музыкальной стороне спектакля.

Существует множество классификаций пьес Кальдерона. Чаще всего исследователи выделяют следующие группы:

Драмы чести. В этих произведениях главенствует традиционная для испанского барокко проблематика: любовь, религия и честь. Конфликт связан либо с отступлением от этих принципов, либо с трагической необходимостью их соблюсти, даже ценой человеческой жизни. Хотя действие часто происходит в прошлом Испании, обстановка и проблематика приближены к современным Кальдерону. Примеры: «Саламейский алькальд», «Врач своей чести», «Живописец своего бесчестья».

Философские драмы. Пьесы этого типа затрагивают фундаментальные вопросы бытия, прежде всего — человеческой судьбы, свободы воли, причин человеческого страдания. Действие происходит чаще всего в «экзотических» для Испании странах (например, Ирландии,Польше, Московии); исторический и местный колорит подчёркнуто условен и призван акцентировать их вневременную проблематику. Примеры: «Жизнь есть сон», «Волшебный маг», «Чистилище святого Патрика».

Комедии интриги. Самая «традиционная» группа пьес Кальдерона включает в себя комедии, выстроенные по канонам театра Лопе де Вега, с запутанной и увлекательной любовной интригой. Инициаторами и самыми активными участниками интриги чаще всего становятся женщины. Комедиям присущ так называемый «кальдеронов ход» — случайно попавшие к героям предметы, письма, пришедшие по ошибке, потайные ходы и скрытые двери. Примеры: «Дама-невидимка», «В тихом омуте…», «По секрету вслух».

Независимо от жанра, стилю Кальдерона присущи повышенная метафоричность, ярко образный поэтический язык, логически выстроенные диалоги и монологи, где раскрывается характер героев. Произведения Кальдерона богаты реминисценциями из античной мифологии и литературы, Священного Писания, других писателей золотого века (например, намёки на персонажей и ситуации «Дон Кихота» есть в тексте «Дамы привидения» и «Саламейского алькальда»). Персонажи его пьес одновременно обладают одной главенствующей чертой (Киприан («Волшебный маг») — жажда познания, Сехисмундо («Жизнь есть сон») — неумение различать добро и зло, Педро Креспо («Саламейский алькальд») — стремление к справедливости) и сложным внутренним устройством.

Последний значительный драматург золотого века, Кальдерон, после периода забвения в XVIII столетии, был заново открыт в Германии. Гёте ставил его пьесы в Веймарском театре; заметно влияние «Волшебного мага» на замысел «Фауста». Благодаря трудам братьев Шлегель, которых особенно привлекала философско-религиозная составляющая его произведений («Кальдерон есть католический Шекспир»), испанский драмататург обрёл широкую популярность и прочно занял место в качестве классика европейской литературы. Влияние Кальдерона на немецкоязычную литературу в XX веке сказалось в творчестве Гуго фон Гофмансталя.

Среди европейских романтиков, испытавших влияние Кальдерона или переводивших его произведения, также можно отметить Перси Биши Шелли, Юлиуша Словацкого, Вильгельма Кюхельбекера.

МУЗЫКА

Исследователи считают, что музыкальное Возрождение укладывается в XV и XVI века. В самом начале XV века складывается ренессансный идеал гармонии и красоты нормы строгого полифонического стиля. Конец же XVI столетия — это творчество композиторов венецианской школы, поздних итальянских мадригалистов, первые шаги оперного искусства и, самое главное, постепенное разрушение принципов строгого стиля и становление совершенно нового музыкального мышления — гомофонно-гармонического. Тогда же, в конце XVI века формируется и принцип контраста в музыкальной композиции, которого практически не знало Возрождение. Все произведение, согласно канонам возрожденческой музыкальной красоты, должно было передавать один образ и ни в коем случае не менять его.  В музыке возрождения, как и в других видах искусства мир земных вещей и явлений, окружающий человека, все явственнее заявляет о себе, наряду с миром духовным. Идеалы теперь ищут не только на небесах, но и в земной жизни. Это необычайно усиливает тенденцию к отражению в музыке множественности мира. Действительно, если представлять себе мир, как это делали в эпоху Возрождения, великой пирамидой сущностей, то чем выше мы поднимаемся, чем более приближаемся к Богу, тем меньше явлений попадает в поле нашего зрения, но и тем идеальнее эти явления. И так продолжается до тех пор, пока на вершине этой великой пирамиды мы не узрим единую и идеальную сущность — Бога. Внизу же пирамида велика до безграничности и явления чисто земного мира весьма разнообразны. Потому художники Возрождения, обратившись к земле, к человеческой жизни, просто не могли не отразить ее бесконечного разнообразия.  Однако идея разнообразия (лат. Varietas) еще сочеталась в музыкантах Возрождения со стремлением к совершенному согласованию, гармонии, строгой соразмерности всех частей целого. Именно эти две идеи — varietas и гармония — составили главное художественное достоинство музыкальных произведений эпохи Возрождения.   И это сказалось не только на самих музыкальных произведениях, но и на условиях их существования. Начало нотопечатания извлекло музыкальное искусство из монашеских келий и рыцарских замков и сделало музыку общедоступной. С развитием городов и городской культуры появляется невиданный ранее светский городской слушатель. А вскоре он сам начинает петь и играть в свободное время. Это ведет к бурному развитию любительского музицирования. С одной стороны, такое любительство упрощает высокое музыкальное искусство, но с другой стороны, необычайно расширяет его границы и вводит в музыкальный обиход новые формы. 

Самостоятельной стала инструментальная музыка: хоральные обработки, ричеркары, канцоны. Появилась тяга не только к музыкальной импровизации (прелюдии, токкаты, фантазии), но возникла необходимость сочинять музыку. Сегодня это звучит странно, но ведь слово композитор происходит от латинского compositio, что значит “составление” (из уже готовых элементов), “примирение” (то есть согласование того, что уже дано. И действительно, в Средние века музыку не сочиняли, но составляли, примиряя друг с другом разные элементы канона. Теперь же появляется тяга именно к “изобретению” (лат. Inventio) музыкального материала. Именно Возрождение открывает в композиторе изобретателя, и с тех пор мы мыслим композитора как создателя чего-то принципиально нового. 

Билет 21. Как мировоззрения Возрождения изменило перспективу в живописи. Дученто, Треченто, Кварточенто. Дж. Чимабуэ, Д. Джотто, М. Мазаччо.

Возрожде́ние, или Ренесса́нс (фр. Renaissance, итал. Rinascimento; - "снова" или "заново роджённый") — эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки эпохи— начало 14 — последняя четверть 16 веков и в некоторых случаях — первые десятилетия 17 века (например, в Англии и, особенно, в Испании). Отличительная черта эпохи Возрождения— светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Первые предвестники искусства Возрождения появились в Италии в 14 веке. Художники этого времени,  при создании полотен традиционной религиозной тематики отталкивались от традиции интернациональной готики, однако начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане, что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными. Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении. Для обозначения их творчества используется термин Проторенессанс. Различные века в истории итальянского искусства имеют названия, образованные от соответствующих числительных:

• дученто — 1200-е. От итал. ducento (двести). Интернациональная готика.

• треченто — 1300-е. От итал. trecento (триста). Проторенессанс.

• кватроченто— 1400-е. От итал. quattrocento (четыреста). Раннее Возрождение, Высокое Возрождение.

• чинквеченто — 1500-е. От итал. cinquecento (пятьсот). Конец Высокого Возрождения, Позднее Возрождение.

ЧИМАБУЭ (Cimabue),наст. имя Ченни ди Пеппо (Cenni di Peppo)(с 1272 по 1302)

Итальянский живописец. Мастер флорентийской школы. Работал во Флоренции, Ассизи, Пизе, Риме. Упомянут в Божественной комедии Данте как художник, превзойденный только Джотто.

Творческое формирование Чимабуэ связано с господствовавшей в итальянской живописи XIII в. "греческой манерой" и с тенденциями к художественному обновлению, наметившимися в современной ему византийской живописи, с новой, более человечной, обращенной к живому чувству религиозностью; в его работах есть и точки соприкосновения с новаторскими исканиями его итальянских современников — живописца Каваллини, скульпторов Н. и Дж. Пизано. Среди немногих дошедших до нас работ Чимабуэ видное место занимают колоссальные (до 4 м в высоту) алтарные образы. Чимабуэ вносит в алтарную картину новое эстетическое начало, наделяя Мадонну и ангелов гармонической красотой классического типа, сообщая им легкую задумчивость, придавая линиям округлость и плавность, мягко моделируя формы.  Чимабуэ достиг как большой драматической силы (Распятие), так и новых для того времени пространственных эффектов, перенеся действие на неглубокую сценическую площадку, обозначив ее ракурсами архитектурных кулис; в Падении Вавилона он одним из первых использовал для передачи глубины пространства т. н. античную перспективу.

Уже у Джотто (1266—1337) вместе с динамикой жестов и внутренних переживаний и с первыми элементами перспективы иконописная статика взрывается и возникает явное сценическое пространство, и с тех пор интерьеры церквей заполняются не просто фреской или картинами, но именно многоярусными сценами, когда уже не тематика, разумеется, библейская, привлекает взор прихожан, а предельно выразительная, динамичная и красочная театральность, в которой отныне художник, - не богомаз, а художник эпохи Возрождения, - находит свое вдохновение, свою эстетику, эстетику Ренессанса.

В начале 15 века Филиппо Брунеллески (1377—1446), флорентийский ученый и архитектор, открыл и описал законы линейной перспективы в живописи. Это позволило художникам получать совершенные изображения трёхмерного пространства на плоском полотне картины. Другим важным шагом стало появление нерелигиозного, секулярного искусства. Портрет и пейзаж утвердились как самостоятельные жанры. Даже религиозные сюжеты приобретали иную трактовку — художники Возрождения стали рассматривать их персонажей как героев с ярко выраженными индивидуальными чертами и человеческой мотивацией поступков. 

Отдельные перспективные приёмы применялись уже в античной живописи (фрески Помпей), однако научная теория перспективы появилась лишь в эпоху Возрождения . В 1435 году появляется первый плод теоретической мысли Л. Б. Альберти — трактат «Три книги о живописи». «Три книги о живописи» Альберти представляют собой первый в европейском искусствознании теоретический труд, в котором сформулированы основные положения учения о живописи. Значение его огромно. Альберти не только сформулировал теорию живописи, но и наметил дальнейшие пути развития искусства.

Его «Книги о живописи» стали руководством для художников. Так предполагал и сам Альберти, который в посвящении к книге назвал имена Брунеллески, Донатело, Гиберти и Луки делла Роббиа. Недаром этот трактат имел две редакции — латинскую, предназначенную для ученых, и итальянскую, предназначенную для художников.В основу своей эстетики живописи Альберти положил подражание природе.

Это стало одним из наиболее важных открытий, благодаря которому совершился переворот в живописи и родилась станковая картина. Фигуры людей, предметы и пространство стали изображаться в соответствии с законами зрительного восприятия человека, с одной точки зрения. Перспективу, на основе которой создавали свои произведения ренессансные мастера, называют прямой или линейной. Все прямые линии сходятся на изображённой в картине линии горизонта в одной точке (точке схода); масштаб фигур и предметов уменьшается по мере удаления от зрителя. Прямая перспектива позволила художникам передавать на плоскости трёхмерное пространство (убегающие вдаль улицы и реки, интерьер комнат и т. д.) и объёмы фигур и предметов. 

Наряду с архитектором Брунеллески и скульптором Донателло Мазаччо является основоположником искусства Раннего Возрождения, утвердившим в живописи новые эстетические представления о мире и человеке, новые изобразительные принципы. Становление Мазаччо как художника протекало в обстановке мощного общественного и культурного подъема во Флоренции, широкого распространения гуманистических идей, формирования ренессансных художественных принципов в архитектуре и скульптуре. Работы Мазаччо свидетельствуют о том, что он изучал росписи Джотто, проявлял интерес к работам современников-скульпторов, был знаком с архитектурными идеями Брунеллески и разработанными последним принципами линейной перспективы. Новаторство Мазаччо особенно полно раскрылось в его фресковых росписях в капелле Бранкаччи (ок. 1427—1428, Флоренция, церковь Санта Мария дель Кармине), посвященных истории апостола Петра. Живописная система Мазаччо включает принципиально новую трактовку светотени, у его предшественников бывшей средством передачи эффекта скульптурной объемности форм при помощи постепенного сгущения или высветления основного тона. Светотень у Мазаччо связана со светом и тенью как самостоятельными природными и художественными факторами. Частично опираясь на опыт франко-бургундской миниатюры нач. XV в. (по-видимому, знакомой ему в интерпретации Джентиле да Фабриано), он лепит формы светом.

Принципы, разработанные Мазаччо, нашли наиболее законченное, логически ясное выражение в его последней работе — фреске Троица (1427—1428, Флоренция, церковь Санта Мария Новелла). Эта роспись, выполняющая роль монументальной алтарной картины и воплощающая сложную теологическую программу, стала классическим образцом ренессансной композиции. В работе над Троицей Мазаччо впервые использовал картоны — подготовительные рисунки, при помощи сетки квадратов перенесенные на стены. Такой этап работы над живописным произведением получил широкое распространение в эпоху Возрождения.

Умерший в возрасте 27 лет, не получивший при жизни признания в официальных и гуманистических кругах, Мазаччо оказал мощное воздействие на всех современных ему флорентийских живописцев и формирование флорентийской живописной школы XV в. К его наследию обращались и мастера Высокого Возрождения, в том числе Микеланджело и Рафаэль.

Билет 22.Живопись Возрождения. Кварточенто (Раннее Возрождение). Что означает выражение «окно в мир»? Новые приемы. Сандро Боттичелли

Художники этого времени, Пьетро Каваллини (1259—1344), Симоне Мартини (1284—1344) и (в первую очередь) Джотто (1267—1337) при создании полотен традиционной религиозной тематики отталкивались от традиции интернациональной готики, однако начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане, что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными. Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении. Для обозначения их творчества используется термин Проторенессанс. 

Кварточенто

Признаки новой, буржуазной культуры и зарождение нового, буржуазного мировоззрения особенно ярко проявились в XV в., в период Кватроченто. Но именно потому, что процесс сложения новой культуры и нового мировоззрения не был завершен в этот период (это произошло позже, в эпоху окончательного разложения и распада феодальных отношений), XV век полон творческой свободы, смелых дерзаний, преклонения перед человеческой индивидуальностью. Это поистине век гуманизма. Кроме того, это эпоха, полная веры в безграничную силу разума, эпоха интеллектуализма. Восприятие действительности проверяется опытом, экспериментом, контролируется разумом. Отсюда тот дух порядка и меры, который столь характерен для искусства Ренессанса. Геометрия, математика, анатомия, учение о пропорциях человеческого тела имеют для художников огромное значение; именно тогда начинают тщательно изучать строение человека; в XV в. итальянские художники решили и проблему прямолинейной перспективы, которая уже назрела в искусстве Треченто.

Мировоззренческие принципы и тенденции кватроченто оказали несомненное влияние на искусство последующих веков — от классицизма и романтизма до определённой направленности в развитии культуры вообще. В изобразительном искусстве этот период знаменуется окончательным переходом от гармоничной условности и образного строя средневековья, в значительной степени подчинённых идеалам духовности и каноническим нормам раннехристианской культуры (переход этот наметился ещё в эпоху проторенессанса — дученто и треченто),— к системе взглядов, представлений и правил, послуживших основой для формирования концепции фигуративного искусства, т. н. реализма, и, в свою очередь, ставших питательной средой для такого направления, как академизм.

Кватроченто характеризуется расцветом архитектуры, живописи и скульптуры. В этот период в Италии работала целая плеяда выдающихся мастеров, и среди них — архитектор Брунеллески, скульптор Донателло. В XV в. начали работать Рафаэль, Микеланджело, творил Леонардо да Винчи.

Впервые после Античности фигура заключалась в конкретную пространственную среду, которая ограничивалась тремя перспективно построенными плоскостями и замыкалась сзади стеной, идущей параллельно плоскости изображения. Объемное пространство обнаруживает новый способ видения: плоскость перестает быть стеной или доской, она становилась как бы прозрачной поверхностью. Художники Возрождения стремились сделать картину «окном в мир»; для передачи глубины пространства они разработали так называемую линейную перспективу, а округлость объемов стали умело изображать с помощью светотени, особое значение имело изучение анатомии человека. 

Сандро Боттичелли

 (1445—1510), итальянский живописец. Представитель Раннего Возрождения. Был близок ко двору Медичи и гуманистическим кругам Флоренции. Произведения религиозного, мифологического и аллегорического содержания («Весна», около 1477—78; «Рождение Венеры», около 1483—84). Ученик Филиппо Липпи.

Стиль Филиппо Липпи оказал на Боттичелли огромное влияние, проявившееся главным образом в определенных типах лиц (в повороте в три четверти), орнаментальности и декоративности рисунка драпировок, рук, в склонности к детализации и мягком высветленном колорите, в его «восковом» свечении. В произведениях конца 1460-х хрупкая, плоскостная линеарность и грация, перенятые от Филиппо Липпи, сменяются более объемной трактовкой фигур. Приблизительно в это же время Боттичелли начал применять охристые тени для передачи телесного цвета — прием, который стал приметной чертой его стиля. Эти новшества стиля и манеры проявляются во всей полноте в двух ранних образах Мадонны кисти художника (Неаполь, Национальный музей и галерея Каподимонте; Бостон, музей Изабеллы Стюарт Гарднер) и в его раннем «Поклонении волхвов» (Лондон, Национальная галерея). 

Хотя Боттичелли, несомненно, был приверженцем гуманистической культуры, в том, что касается техники, он был далек от новых веяний эпохи: в то время, как многие его современники старались сделать живопись как можно реалистичнее, объемнее, «живее», он, кажется, не проявлял ни особого интереса к новациям своего времени или даже проявлял к ним полнейшее равнодушие.  Так, несмотря на то что математические законы перспективы еще в первой половине 15 в. были изучены Ф. Брунеллески  и Л. Б. Альберти, и во времена Боттичелли были полностью освоены живописцами, и их использование стало признаком художественной грамотности, многие произведения мастера говорят о не слишком строгом обращении с ними. В «Рождении Венеры» и «Поклонении Волхвов, или Мистическом Рождестве» (Национальная галерея, Лондон) все фигуры написаны фронтально, лица однообразно в три четверти (впрочем, как на всех других картинах художника), а почва как бы ускользает у них из-под ног. 

Конечно, мастер не воспользовался новациями живописной техники не по причине неумения или незнания (в его «Мадонне Магнификат», например, пейзаж с извилистой речкой покрыт дымкой), скорее, мастер следовал требованиям гармонии линии, выразительности и чистоты силуэта, утонченной экспрессии, одухотворенности.

В то время, когда многие современники с помощью светотени или внимательного изучения анатомии и системы пропорций стремились придать фигурам реалистическое живоподобие, Боттичелли отдавал предпочтение удлиненным, тонким и изящным, почти абстрактным в своих силуэтах, бесплотным фигурам, которые удивительно напоминают нам готические статуи.  Кажется, что истоки утонченного и элегантного стиля Боттичелли восходят к традициям флорентийских ювелиров и миниатюристов. Как и эти мастера, художник стремился добиться абсолютного совершенства линии, до такой степени тонкой и точной, чтобы с ее помощью иметь возможность передать эффект прозрачности материала и воспроизвести рукописную страницу с такой точностью, чтобы зритель мог прочесть каждое слово.

Билет 23. Чинквеченто (Высокое Возрождение).Искусство Леонардо да Винчи.

Чинквеченто (Высокое Возрождение).

Искусство чинквеченто, увенчавшее ренессансную культуру, было уже не локальным, а всемирным явлением. Хотя по времени культура кватроченто и чинквеченто непосредственно соприкасались, между ними было отчетливое различие. Кватроченто — это анализ, поиски, находки, это свежее, сильное, но часто еще наивное, юношеское мироощущение.  Чинквеченто — синтез, итог, умудренная зрелость,  сосредоточенность на общем и главном, сменившая разбрасывающуюся любознательность раннего Ренессанса. Период Высокого Ренессанса был сравнительно коротким. Он связан прежде всего с именами трех гениальных мастеров, титанов Возрождения — Леонардо да Винчи, Рафаэля Санти и Микеланджело Буонаротти. 

Подлинным основоположником стиля Высокого Возрождения был Леонардо да Винчи (1452 — 1519), гений, чье творчество знаменовало грандиозный качественный  сдвиг в искусстве.

Воспитывался Леонардо в доме отца. Его образование, очевидно, было таким, как у всякого живущего в маленьком городке мальчика из хорошей семьи: чтение, письмо, начало математики, латынь. Его почерк удивителен, Он пишет справа налево, буквы перевернуты так, что текст легче читать с помощью зеркала. В более поздние годы он увлекался ботаникой, геологией, наблюдениями за полетом птиц, игрой солнечного света и тени, движением воды. Все это свидетельствует о его любознательности и еще о том, что в молодости он много времени проводил на свежем воздухе, прогуливаясь по окрестностям городка. Эти окрестности, которые мало изменились за последние пятьсот лет, и сейчас чуть ли не самые живописные в Италии. Отец  заметил и приняв во внимание высокий полет дарования сына в искусстве, отобрал в один прекрасный день несколько его рисунков, отнес их Андреа Верроккио, который был его большим другом, и настоятельно попросил его сказать, достигнет ли Леонардо, занявшись рисунком, каких-либо успехов. Пораженный теми огромнейшими задатками, которые он увидел в рисунках начинающего Леонардо, Андреа поддержал сера Пьеро в его решении посвятить его этому делу и тут же договорился с ним о том, чтобы Леонардо поступил к нему в мастерскую, что Леонардо сделал более чем охотно и стал упражняться не в одной только области, а во всех тех, куда входит рисунок.

Первая датированная работа Леонардо (1473, Уффици) – маленький набросок долины реки, видимой из ущелья; с одной стороны расположен замок, с другой – лесистый склон холма. Этот набросок, сделанный быстрыми штрихами пера, свидетельствует о постоянном интересе художника к атмосферным явлениям, о которых он позднее много писал в своих заметках. Пейзаж, изображенный с высокой точки зрения с видом на пойму реки, был обычным приемом для флорентийского искусства 1460-х годов (хотя он всегда служил лишь фоном картин). Рисунок серебряным карандашом античного воина в профиль демонстрирует полную зрелость Леонардо как рисовальщика; в нем искусно сочетаются слабые, вялые и напряженные, упругие линии и внимание к постепенно моделированным светом и тенью поверхностям, создающим живое, трепетное изображение.

К числу ранних произведений Леонардо относится и хранящаяся в Эрмитаже «Мадонна с цветком» (так называемая «Мадонна Бенуа», ок. 1478),недописанными остались большая алтарная композиция «Поклонение волхвов» (Флоренция, Уффици) и «Св. Иероним» (Рим, Ватиканская Пинакотека).» Мадонна в гроте» (1483 — 1494, Париж,Лувр) Леонардо да Винчи — первая монументальная алтарная композиция  Высокого Возрождения. Ее персонажи: Мария, Иоанн, Христос и ангел — приобрели черты величия, поэтическую одухотворенность и полноту жизненной выразительности. В мир реальных страстей и драматических чувств переносит самая значительная из монументальных росписей Леонардо — «Тайная вечеря» исполненная в 1495 — 1497 гг. для монастыря Санта Мария делле Грацие в Милане. Из произведений последнего двадцатилетия жизни Леонардо, пожалуй, самое известное — «Мона Лиза» («Джоконда») (Париж, Лувр.). Представление о самых светлых и возвышенных идеалах гуманизма Возрождения с наибольшей полнотой воплотил в своем творчестве Рафаэль Санти (1483—1520). Нежный лиризм и тонкая одухотворенность отличают одно из ранних его произведений —«Мадонну Коннетабиле» (ок. 1500, СПб, Эрмитаж) Умение свободно расположить фигуры в пространстве, связать их друг с другом и с окружением проявляется в композиции «Обручение Марии» (1504, Милан).

Подходя к живописи с точки зрения естествоиспытателя, Леонардо да Винчи добился высокого мастерства в передаче мимики лица и тела человека, способах передачи пространства, построения композиции. Вместе с тем его работы создают гармоничный образ человека, отвечающий гуманистическим идеалам. В дальнейшем эти новации были развиты Рафаэлем Санти.