История искусств 2ой симестр

Этапы

Периоды

Характеристика времени

Изображения

Анализ

Готика

Начало 13 века - до конца 16 века

Рост городов и развитие общественных отношений в Западной Европе 12 века приводит к появлению более прогрессивного по сравнению с романским – готического стиля. Его зарождению способствовали сильные изменения в общественной жизни и экономике: на смену феодальному обществу пришли монархические государства: росли города, появились новые богатые слои населения – купцы и банкиры, многочисленные ремесленные цехи и корпорации, возник новый класс - буржуазия. В процветавших городах создавались солидные городские общины с самоуправлением. Даже церковное строительство из рук монастырей переходит в ведомство жителей городов. Городские Соборы возводятся по

заказу и на средства общины. Строители уже не монахи, а объединение ремесленников, которые распространяют по разным городам новые методы строительства.

Элементы каркасной системы готического храма

Готический стиль вызывает у человека чувство прекрасного. Главной идеей готической архитектуры устремление храмов ввысь, мощный вертикализм, что означает уничижение человека перед Божеством.

Крупнейший шаг вперед в развитие реалистического мироощущения и мировосприятия.

Готический стиль пришел на смену романскому стилю, постепенно вытесняя его.

Готическая архитектура представляет собой каркасную систему, как «скелет» человека.

Элементы каркасной системы:

1. Нервюрный свод;

2. Система Аркбутанов;

3. Система Контрфорсов.

Нервюрный свод - полуциркульные дуги представляет собой два стрельчатых пересечения.

Система Аркбутанов - жесткие боковые ребра, связывающие Нервюрный свод с колонной, от нервюров к контрофорсам(неограниченное количество)

Система Контрфорсов - столбы, на которые опирается вся контрфорсная, основная часть, располагающиеся по всему периметру (данная система держит всю тяжесть здания).

Часто на месте опоры аркбутана на контрфорс ставился пинакль.

Преимущества конструкции:

1. большая экономия строительного материала;

2. увеличение высоты здания, освещенности;

3. объединение внутреннего пространства в одно единое целое;

4. сокращение сроков строительства;

:

В ранних постройках ярус нижней стены состоял из мощной стены, которую позднее заменила витражная система.

Все соборы строились на площадях.

Собор – центр композиции в городе, все улицы сходились в одном месте: на площади перед собором.

Особенность готической архитектуры:

1. окно-роза;

2. вертикализм;

3. портал(стрельчатая форма);

4. удлиненные удвоенные окна(стрельчатые);

5. вимперги (декоративные фронтоны, треугольные завершения над окнами);

6. крабы (стилизованные листья, цветы);

7. пинакли и фиалы(завершают систему конрфорсов);

Во Французской готике остроконечный шпиль, а в Немецкой исполнялся в форме иглы.

Витраж - произведение декоративно-прикладного искусства, выполненное из цветного стекла. Использовали синие, красные и желтые цвета. В витражах стекла скрепляются между собой с помощью свинцовых пластин. В XV в. живопись на стекле соперничает с стенной живописью.

Чтобы Стать мастером в этот период, каменотесу необходимо было пройти неоднократные испытания. Пройдя которые он имел право полноценно работать и давать уроки своим ученикам.

Французская готика

Ранняя готика

2- ая половина 12века - по 1 половину 13века

Собор Нотр-Дам де Пари

Готический собор имеет 2 портала (входа): западный и восточный

Прослеживаются зачатки готической архитектуры в первых крестовых сводах на нервюрах, применявшихся уже в романскую эпоху для перекрытия небольших пространств (подбашенной части и пр.). Опоры еще чрезмерно массивны, архитектурные формы и организация пространства хора свидетельствуют о зарождении новой конструктивной идеи.

Собор Нотр – Дам де Пари

(Собор парижской богоматери )

1163—1345

Собор вмещает в себя 9000человек.

Проявляется двойственность стилистических влияний: с одной стороны, присутствуют отголоски романского стиля, а с другой, — использованы новаторские архитектурные достижения готического стиля, которые придают зданию легкость и создают впечатление простоты вертикальной конструкции. В архитектуре собора горизонталь еще вступает в соперничество с вертикалью во внешнем облике здания.

Храм построен по типу базилики (форма латинского креста, с удлиненной продольной частью). Пятинефная базилика, 2 удвоенных боковых нефа в центре(35м высотой) Над тремя перспективно углубленными порталами проходит одна из горизонталей – « галерея королей» - один из важных мотивов оформления готической архитектуры во Франции. Все архитектурные детали последовательно объедены в сбалансированное и согласованное целое.

Влияние романского стиля на готический:

1. приземистость, пока не тяготеет к остроте;

2. мало декора;

3. удвоенные оконные проемы

4. наличие башенной системы;

5. наличие вертикальных линий, но жесткое членение по горизонтали.

Готические черты:

На главном фасаде расположена готическая роза. На боковых порталах окна-колесо, круглое расчлененное радиально каменными брусьями.

Расцвет готики от 2 ой половины 13

Собор в Лане

Собор в Шартре

Конструктивная тенденция(аркбутаны, контофорсы, нервюрный свод) развивается и становится ярче.

Постепенный отказ от романских традиции.

Ланский собор.

1174-1220

В плане Ланский кафедральный собор — базилика с одним трансептом, башнями и вполне совершенным западным фасадом. Структура двухбашенного фасада старого типа была подкреплена в интерьере здания, благодаря чему фасад впервые естественно вписался в общую композицию здания, а не остался стоять перед ним независимым архитектурным блоком. Собор в Лане обретает величественное достоинство не с помощью контрастного противопоставления различных частей здания, а благодаря тому, что представляет собой единое согласованное целое. Размеренный ритм колонн задает вертикальную динамику.

Ранний готический стиль постепенно начинает переходить к зрелой готике.

Особенности:

1. легкость;

2. виден «скелет» конструкции здания;

3. стройность, вертикализм, узость;

4. присутствие сдержанного декора.

Уникальной особенностью здания являются огромные скульптурные изображения 40 быков, которые говорят нам о том, что взаимная помощь и поддержка необходимы для нашего успеха. Это указывает нам на наличие достаточно богатого декора, но не излишнего.

Собор в Шартре

1145-1220

В 1194 году было решено построить новый собор, на месте сгоревшего во время пожара предыдущего храма.

Этому решение послужил «знак свыше» - спасение из огня плащаницы Девы Марии.

.

Особенности:

1. Две разные башни

2. Большое внимание к скульптуре

3. Развитие техники и сюжетности витража

4. Преобладание готических черт, над романскими.

Наблюдается более яркий переход к зрелой готике

Башенная система заканчивается конусовидным завершением. Особенностью внешнего вида собора являются две его сильно различающиеся башни. 105-метровый шпиль южной башни постройки выполнен в форме незамысловатой романской пирамиды. Северная башня высотой 113 метров имеет основание, оставшееся от романского собора, а шпиль башни выполнен в стиле пламенеющей готики.

Каркасная конструкция была доведена до предела своих возможностей и имела головокружительную высоту в ущерб безопасности .

Всего убранство собора насчитывает около 10 000 скульптурных изображений из камня и стекла.

В Соборе насчитывалось около 800 витражей. Отличительной особенностью витражей является чрезвычайная насыщенность и чистота красок. Для изображений характерна необыкновенная широта тематики: сцены из Ветхого и Нового заветов, сюжеты из жизни пророков, королей, рыцарей, ремесленников и даже крестьян.

На полу  собора мозаикой выложен загадочный лабиринт, который символизирует путь верующего к Богу.

Лучистая готика 14 век

Собор в Реймсе

Собор в Амьене

Названа в честь типичного для того периода орнамента в форме солнечных лучей, украшавшего изящные окна-розы.

Особенности развития:

1. дальнейшее совершенствование каркасной конструкции;

2. нарастание вертикализма линий;

3. обилие скульптуры и витражей

4. чистые формы;

5. четкая конструкция;

6. сложные узоры теперь выполняли по предварительным чертежам, сделанным на пергаменте.

Собор в Реймсе

1212 -1311 годы.

Здесь короновались французские короли. Внутреннее пространство устремлено вверх, что означает движение в небо.

В сознании французов Собор является символом национального сплочения.

Яркий пример настоящей готики.

Особенности:

1. его главный фасад имеет 3 яруса ,но горизонтальное членение отсутствует;

2. ярко выраженные остроконечные формы;

3. значительное место занимает скульптура;

4. стрельчатое завершение окон;

5. легкость, ажурность, воздушность, но структурность;

6. порталы не утоплены вглубь, а, напротив, выступает вперед;

7. все архитектурные элементы, за исключением роз стали выше и уже;

8. скульптурное убранство –несомненно, самое великолепное по сравнению с другими соборами;

9. место тимпанов над входом заняли окна.

Фасад удивительно контрастирует с фасадом Собора Нотр-Дам, хотя он был задуман всего около 30 лет спустя. Архитектурные детали использовались и тут, и там, но были видоизменены и теперь образуют совсем иные сочетания.

Собор в Амьене

1218 – 1258

После завершения строительства собор мог вмещать в себя все население Амьена, составлявшее тогда около 10 тыс. человек. Длина 145 м, высота главного нефа 42. По своему объёму (200 000 м³) он превосходит все готические соборы Франции.

Особенности:

1. эффект полупрозрачности за счет системы витражей ;

2. фасад отличается редкостным слиянием архитектуры и скульптуры. 

Центральный неф собора отличается большой высотой(40м) и протяженностью 145 м.

Особенно впечатляет идеально вписанный в общую структуру фасада портал, украшенный лишь низким рельефом, а выше - рельефом гораздо более высоким, чем на порталах более ранних храмов. Такой декор вынуждает зрителя благоговейно взирать на портал снизу вверх и ощущать собственное ничтожество перед величием Бога.

Главный, западный, фасад отличается особым богатством убранства. Три пышно украшенных портала обозначают первый ярус здания. Второй и третий ярус украшен нарядными аркадами — их называют «ажурной галереей», на четвертом находится традиционная «Галерея Королей».

Пламенеющая готика 15 век

Руанский собор

Усиление декоративных элементов.

Строительство больших (в ширину и в высоту) зданий.-

Название пламенеющей готики происходит от похожих на языки пламени узоров орнаментов и сильному удлинению фронтонов и вершин арок.

Для архитектуры пламенеющей готики характерно:

1. богатый декор

2. усложнение формы свода

3. колонны аркады не прерываются капителями и плавно переходят в нервюры свода

Руанский собор

1145—1880 

Особенности:

1. шквал вертикальных линий;

2. библейские сюжеты в основе;

3. обилие ажура;

4. множество декора, вертикальных линий, скульптурных элементов;

5. Плавно переходящие элементы.

В 911 году Руан стал столицей Нормандии, и в 1020 года начинается строительство нового собора в романском стиле. От него до наших времен сохранилась лишь крипта. Остальная часть собора построена в готическом стиле.

Южная башня имеет более желтый цвет. По какой-то причине её строили не из местного известняка, а из более желтого камня, за свой цвет башню прозвали Масляной.

Центральный шпиль пристроен позже всех в середине XIX века. Его высота 151 метр. После его сооружения по 1880 год собор был самым высоким зданием мира, уступив затем этот титул Кёльнскому собору.

Немецкая готика

С 12 века до конца 16 века

1. Феодальная раздробленность гос-ва ;

2. хрупкое экономическое положение;

3. отсутствие природных ресурсов

4. конфликт внутри страны;

Между Южной и Северной частями Германии шло долговременное соперничество за главенствование в стране. Немцы приезжают во Францию как рабочая сила. Позже, когда Германия встала на ноги, строители стали возвращаться на родину и уже с приобретенными навыками стали возводить свои соборы. Сознательное сохранение романского стиля в немецкой готики. Немецкая готика очень редко принимала каркасную систему, но если использовала, то только один элемент.

Новый зальный тип церквей. Центральный неф равен боковым нефам.

Отличия немецкой готики от французской:

1. Потолочное перекрытие плоское, а не полуциркульное.

2. Здесь рано появились зальные церкви (новый тип храма: центральный и 2 боковых нефа). Имеют одинаковую высоту (тип базилики упрощается). Обход хора отсутствует.

3. Система аркбутанов реже используется, особенно на севере, здание предельно вытянуто, своды повышаются.

4. Готическая роза заменяется стрельчатым окном.

5. Во Французской готике, как правило, основание одно, а в немецкой чаще всего башня имеют форму вытянутого конуса, заканчивающимся шпилем

6. В немецкой готике декор остается без внимания, мало витражей и рельефов.

7. Немецкие соборы более сдержаны, строги и аскетичны.

8. Нет изящества, ажурности, чувства меры;

9. Появление драматизма, экспрессивности и нервозности, которые в то же время гармонично сочетались с сохранившимися романскими традициями.

Кирпичная готика

В северо-восточной Германии, бедной пригодным для строительства природным камнем, возникла особая кирпичная готика. Так как кирпич более хрупок, чем камень, он практически исключает обработку в процессе строительства. Поэтому кирпичная кладка предопределила известное упрощение архитектурных форм. Здесь готика сохранила кубическую чёткость объёмов, любовь к гладким плоскостям, иногда несколько тяжеловесная, но подчас и очень внушительная. Одновременно строители извлекали художественный эффект из различной фактуры и окраски кирпича, рисунка кладки, формованных профилей.

Черты присущие кирпичной готике:

1. отсутствие украшений, из-за хрупкости кирпича

2. богатство орнаментальных деталей кладки и структуризация плоскостей за счёт чередования красного либо глазурованного кирпича и известковой побелки стен.

Долгое время кафедральные соборы были самыми высокими в мире, однако устремленность вверх выражала не тщеславие, как сегодня, а смирение.

Ранняя

готика 13-14 века

Страсбургский собор

Кельнский собор

Церковь Святой Елизаветы в Марбурге

Церковь Богоматери в Трире

Страсбургский Собор

(строительство началось в 1015 г.)

Здание построено из красного кирпича. Восточные части собора, в том числе

Страсбургский Собор

(строительство началось в 1015 г.)

Здание построено из красного кирпича. Восточные части собора, в том числе хор и южный портал, выполнены в романском стиле, а продольный неф и знаменитый, украшенный тысячами фигур, западный фасад являются шедеврами готической архитектуры. Архитекторы, так же как и при возведении Кёльнского собора, ориентировались на французскую соборную готику, что видно по двоению западных башен и, как следствие, широкому западному фасаду, а также продольному нефу в форме базилики, в отличие от немецких церквей с тремя нефами одинаковой высоты. Северная башня высотой в 142 м, ажурный ступенчатый шпиль которой полностью выполнен из песчаника по проекту

Южная башня не была завершена, что придаёт собору известную асимметричную форму.

Страсбургский собор можно назвать образцом асимметрии в архитектуре 

Внутри Страсбургского собора можно увидеть великолепную купель, которая была выполнена знаменитым, гобелены, алтарь Святого Панкратия, витражные окна и астрономические часы.

Кельнский Собор 1248—1880

Римско-католический готический собор, в городе Кельн. Занимает третье место в списке самых высоких церквей мира. Строительство главного храма велось в 2 приема – 1248-1437 гг. и 1842-1880 гг. По окончании строительство 157-метровый собор на четыре года стал самым высоким зданием мира. Увеличилось число аркбутанов, арок, присутствие ажурности и декора.

 Кёльн, один из самых богатых и политически могущественных городов тогдашней Германской империи, считал нужным, следуя примеру Франции, иметь свой кафедральный собор — и его масштабы должны были затмить все остальные храмы. Кельнский архиепископ Райнальд фон Дассельь, канцлер и военачальник императора Фридриха I Барбароссыы, получил от него в 1164 г останки Святых волхвов, которые ранее хранились в одном из миланских монастырей. Они были вручены как военный трофей. Мощи этих святых последовавших когда-то за необыкновенной звездой, чтобы поклониться богу младенцу, являлись в средние века важным экономическим фактором, они привлекали множество паломников. Для них в течение десяти лет изготавливался саркофаг из серебра, золота и драгоценных камней —  самый большой саркофаг для реликвии на тот момент в западной Европе, а позднее и самый большой собор. Высокий ранг, которого Кёльн достиг в западноевропейском христианском мире благодаря обретению этих реликвий, должен был воплотиться и в соответствующем кафедральном соборе. Формы фундамента, заложенного в 1248 году, были позаимствованы у новых соборных комплексов, появившихся во Франции. Для того чтобы во внутренние помещения проникало больше света, вместо массивных стен были возведены стройные пилястры. А для того, чтобы стены были в состоянии выдержать огромный вес высоких сводов, была применена система внешних пилястр и арок — т. н. арочно-контрфорсная система. При этом арки имели не полукруглую форму, а были заострены в середине, что позволяло равномерно перекрыть ими всю поверхность здания и подчеркнуть устремлённость всей конструкции ввысь к небу. Эта гигантская архитектурная конструкция должна была вызывать у людей благоговение перед Царствием небесным.

 Внутреннее пространство украшено капителями с позолоченными натуралистическими листьями. Большие оконные проёмы отделаны орнаментом по камню. Таким же орнаментом, состоящим из колец и полуколец, украшены и все внутренние архитектурные украшения по сравнению с противоположной северной стороной. Уже 300 лет строили собор, а конца все еще не было видно. В 1560 году работы были прекращены. Лишь в 19 веке за 40 лет собор был достроен, поскольку это столетие не имело собственного стиля собор, хотя время готики уже прошло, был возведен по первоначальному плану.

Кельнскому собору в высокой мере присуще исключительное обилие изощренного  архитектурного декора, покрывающего все детали конструкции беспокойно колеблющимся, бегущим, сплетающимся в великолепные каменные кружева узором.

Так в Кельне появился последний готический кафедральный собор с блеском завершивший эпоху готики.

Церковь Святой Елизаветы в Марбурге

1235-1283

Церковь относиться к зальным постройкам. Несмотря на то, что церковь строилась под влиянием французской готики, в ней отчетливо проявились черты национального своеобразия.

Черты немецкой готики в данной церкви:

1. системы трех апсид, вместо хора с венцом капелл,

2. зальная система внутреннего пространства,

3. несмотря на узкие боковые нефы

4. строгое проведение вертикалей в членение фасадов, чему способствовала своеобразная трактовка башен

5. применение стрельчатого окна, вместо готической розы

Церковь Елизаветы имеет три нефа одинаковой высоты при двойной ширине среднего нефа. Восточная, алтарная часть и рукава трансепта совершенно одинаковы и завершаются абсидами, как это было принято в Кельне и Трире. Логика пространственного построения и хорошо найденные пропорции придают ей законченность и ясность. С внешней стороны две большие башни с высокими четырехгранными шатрами господствуют над западным фасадом; мощные приставленные к стенам контрфорсы без пинаклей создают строгий ритм, а пространство между ними целиком заполняют расположенные в два яруса окна.

Церковь Богоматери в Трире.

1230

Старинная готическая церковь

Богоматери находится рядом с Кафедральным собором Трира. Церковь Богоматери в Трире и церковь св. Елизаветы в Марбурге имеют единый стиль. Храм построен в начале 13 века в 1230 году. Снаружи здание храма похоже на средневековый замок: массивный и немного мрачный. Внутреннее убранство церкви тоже не отличается роскошью, однако сводчатые колонны, барельефы и витражи, через которые на алтарь и орган падает свет, создают в храме светлую атмосферу. Характерной чертой конструкции церкви была центрическая композиция, плана: равноконечный крест, перекрытый нервюрными сводами, в каждом из углов, по две капеллы. Такое расположение капелл было еще неизвестно во Франции: и является оригинальным созданием немецкого мастера. Следуя в общем замысле и  в деталях  за сложившимися  образцами готической разработки архитектурных форм, он сохраняет также некоторые традиционные черты переходного стиля, например круглую арку портала и высокую башню, увенчивающую средокрестие.

Высокая готика 13–14века

Фрайбургский собор

Фрайбургский Собор

1230

В Соборе пока что явно сохранились романские традиции. В башне находиться около 18 колоколов. Высота башни 116м. Во время строительства Фрайбург не был резиденцией епископа, поэтому в отличие от многих других готических соборов, у собора спереди только одна башня, так как соборы с двумя башнями были зксклюзивной привилегией епископов. Собор также славится обилием причудливых украшений сточных желобов, имеющимся только у немногих готических соборов.  Внутреннее убранство собора включает в себя бесценные произведения искусства эпохи средневековья - алтари, витражи и скульптуры, среди которых многочисленные изображения покровительницы собора и города Девы Марии, а также Святых Георгия, Ламберта и Александра.

Поздняя готика

конец 14 –первая полвина 16 веков

Поздняя готика в Германии имеет особые черты:

1. Энергия общего движения ввысь ослабевает. В готике 15 столетия возникла живописная неопределенность форм

2. Одни архитектурные части незаметно переходят в другие, столбы сливаются с системой арок, ребра сводов становятся плоской декорацией.

3. Украшения приобретают самодовлеющий, произвольный характер.

4. Скульптурное убранство готических фасадов в Германии было менее развито, чем во Франции.

Скульптура сосредоточена обычно во внутреннем помещении храма.

Ульмский собор

Церковь Святой Марии в Штральзунде.

Ульмский Собор.

1392—31 мая 1890

В1405 году основная часть собора была завершена, и он был освящён, однако затем строительство приостановилось из-за того, что боковые нефы не выдерживали тяжести сводов.  В 1530—1543, после перехода храма к лютеранам, строительство возобновилось, и шпиль башни достиг высоты в 100 м, однако затем из-за финансовых проблем достройка была прекращена. В 1817—1890 собор был полностью завершён. Сооружение является самым высоким собором в мире. Высота шатра колокольни составляет около 161,70м.

Собор является ярким примером позднеготического стиля.

Законченный в 1434 г., нартекс на западе полностью отражает  декоративную сложность поздней готики. Зал с высокими тройными арками располагается под мощной башней, которая, вопреки идеалам зрелой готики, вырастает из центра западного фасада. Позднее башня была покрыта большим количеством декоративных элементов. Восточные башни собора были построены только в 19 веке.

Церковь Святой Марии в Штральзунде. 1383-1473 

Она относится к шедеврам поздней готики и является самой большой церковь среди городов участников Ганзы. Так же здание какое-то время носило статус самого высокого в мире, с 1625 по 1647 годы.

С ее восьмиугольной колокольни (высотой 104 м.) открывается восхитительная панорама  Штральзунда.

Эпоха Возрождения

Конец 13 века до конца 17 века

Социально - экономические условия:

1. Переход от феодального к буржуазному обществу

2. Формирование сильного и свободного городского общества

3. Период формирования наций

4. Формирование крупных монархий

5. Развитие торговли между странам

6. Время великих географических открытий

7. Заложены основы современных наук

8. Изобретение книгопечатания

Италия была раздроблена на независимые города-государства (Флоренция, Пиза, Сиена, позже Венеция 14в, Рим 15 в). Городами руководили крупные феодалы, семейные кланы (Медичи, Пацци). Феодалы поддерживали творческих

людей, развивая меценатство.

Эти города - государства воевали между собой, но как только им что то угрожало извне они объединялись.

Почему Возрождение коснулось именно Италии:

1. Крепкая связь с Древним Римом

2. Выгодное географическое положение(на пересечении морских путей)

3. Ведение торговли с Азией,

4. Густая сеть сухопутных дорог

5. Предрасположенность к городской цивилизации

Почему в эпоху Возрождения идет возвращение к античным традициям:

1. Римляне изначально жили бок о бок с античными постройками

2. Язык близкий к латинскому

3. Источники знания -древнегреческие философы

4. В античном искусстве человек идеален, в эпоху Возрождения человек совершенен

Культура эпохи Возрождения:

1. В основе культуры лежит принципы гуманизма, утверждая достоинства и красоту реального человека, его разума и воли, его творческих сил

2. Культ человеку

3. Использование форм и мотивов орнаментики античности связано со светскими законами, жизнерадостный характер, благородство форм и красок, единство стиля

4. Открытие законов перспективы и светотени, исследование пропорций и анатомии, что способствовало в живописи реалистичности

5. Индивидуальное творчество вместо цехового мастерства

6. Появление индивидуальной манеры

7. Синтез всех видов искусств

Проторенессанс конец 13 первая половина 14 века

Поцелуй Иуды

Положение во гроб

Введение во храм

Поклонение волхвов

«Поклонение волхвов»

Кафедра баптистерия в Пизе

Кафедра баптистерия баптистерия в Сиене

Фасад сиенского собора

Кафедра в церкви Сант-Андреа в Пистое

Этот период явился подготовкой Возрождения.

В эпоху Проторенессанса воздействие искусства направлено на человеческие чувства – сострадание, красота , чувство прекрасного и п.т.

Проторенессанс развивается на фоне византийского стиля романского и готического стилей. Считается переходным от эпохи Средневековья к эпохе Возрождения. Из готики перенимают декоративные детали – стрельчатые арки, система башен-фиалов, пинакли, готическую розу, а купольную систему заимствуют у Византии.

Тип храма Проторенессанса - центральный купольный.

Для архитектуры Проторенессанса характерны уравновешенность и спокойствие, симметрия и пропорции.

Строительство дворцов (палаццо) для зажиточных граждан. Суровость построек палаццо, означает значимость и весомость. На башнях устанавливали часы.

Для архитектуры характерны уравновешенность и спокойствие. Для скульптуры этого периода характерны пластическая мощь и наличие влияния позднеантичного искусства.

Представитель: Николо Пизано.

Для живописи характерно появление осязательности и материальной убедительности форм. Представители: Пьетро Каваллини, Джотто.

Живопись:

Джотто

1267—1337г.г.

Он обновил язык живописи, связав воедино пластическое начало и ясное членение пространства.

Черты творчества:

1. Особая расстановка фигур в пространстве, он пренебрегает монографической схемой.

2. Фигуры лаконичны по очертанию, нет детализации.

3. Четкость и простота жестов, ясность действий.

4. Активно использовались архитектурные коробки.

5. Вводились элементы пейзажа, носившие фантазийный характер. Это делалось для выразительной передачи главных действующих лиц.

6. Все предметы, фигуры, архитектура - объемные. Складки выделяются с помощью светотеневой моделировки.

7. Перспектива в архитектуре, носившая пока интуитивный характер .

8. Архитектура не соотнесена с фигурами по масштабу.

9. Экспериментирование с форматом. Движение начинается из неоткуда и уходит в никуда. Срезает персонажей.

10. Смещение центра композиции.

11. Конфликт двух миров («Поцелуй Иуды»).

12. Не оставляет края картин («Оплакивание Христа»), за счёт этого зритель чувствует участие в картине.

На первом плане изображение героя спиной, для того чтобы

13. оградить зрителя от мира небесного.

14. Предпочтение цветовым градациям.

Основные произведения:

1. Фрески церкви Сан Франческо в Ассизи - первое проявление гения молодого Джотто.

2. Росписи капеллы Перуцци в базилике Санта Кроче

3.  Капелла дель Арена.

Под его руководством был расписан центральный неф; росписи на стенах апсиды относятся к школе Джотто, считается, что они выполнены после 1317 года.

Цикл состоит из 36 фресок с изображением юности Христа и Страстей. Их размещение на стенах строго продумано с учётом планировки часовни и её естественного освещения. С особым блеском здесь проявилось композиционное мастерство Джотто. Сдвигая перспективную точку зрения, художник достигает этим оптическим смещением нужного направления взгляда зрителя.  Каждая отдельная фреска капеллы, несмотря на полную согласованность всего живописного убранства, является отдельным законченным произведением.

Пьетро Каваллини

 1259—1344

Жил и работал в Риме. Его мозаики и фрески отмечены материальной осязаемостью и объемностью пластической формы, использованием светотеневой моделировки и тонких цветовых градаций. Однако образам Каваллини еще не свойственна та степень жизненности и одухотворенности, которая отличает образы Джотто; у Каваллини больше отвлеченности и холодности, что отражает стиль римской живописи того времени.

Основные произведения:

1.Мозаики в церкви Санта-Мария-ин-Трастевере,

2.фрески  Санта-Чечилия-ин-Трастевере, Сан-Доменико-Маджоре.

Скульптура:

Николо Пизано

1215-1278

Родился в Апулии.

Возможно учился в местных мастерских, работавших для двора императора Фридриха II — центра распространения классических традиций.

Сумел перенести свой пластически мощный язык. Исполненный величавости и драматизма, наполненный энергии жизни и гуманистическим духом. В раннем творчестве копировал памятники античности. Кафедры выполнялись на колоннах, у которых был коринфский ордер, у подножия колон располагались животные. Автор не соблюдал пропорции в полной мере. В его рельефе «Поклонение волхвов» сочетались влияния нескольких стилей: романского и византийского.

От романского:

1. Рельеф

2. не виден фон

3. центр композиции смещен

Признаки влияния Византийского:

1. все направлены к главному персонажу и руки, и глаза

Кафедра баптистерия в Пизе.1260

Колонны сходятся в полуциркульном завершение, что указывает нам на влияние римской традиции.

Колонны, опирающиеся на фигуры львов, несут трехлопастные арки и балюстраду, на плитках которой представлены, пять рельефных композиции на сюжеты Детство Христа, страшный суд, распятие. Шестиугольное сооружение из белого, розово-красного и темно-зеленого мрамора опирается на арки, вырезанные в виде готического трилистника, поддерживаемые высокими колоннами. В углах арок расположены фигуры четырёх основных добродетелей (из них самая известная — аллегория Силы в образе обнажённого Геркулеса), Иоанна Крестителя и архангела Михаила.

В 1265 году он уже работал над кафедрой для Сиенского собора. Восьмиугольная кафедра (завершена в ноябре 1268 года) похожа на пизанскую, но большего размера и декорирована более роскошно. Её многофигурные рельефы, на тему спасения и Страшного суда, несут печать влияния французской готики.

Джованни Пизано

1250 – 1315

Сын и ученик Никколо Пизано.

Он стал гораздо более известным скульптором, чем его отец. Стиль Джованни Пизано отличается большей свободой и динамичностью, он показывает фигуры в движении и использует различные средства драматизации, его скульптурам присущи резкие повороты и угловатые очертания.

Основные произведения:

1.Статуи на фасаде сиенского собора,

2.Кафедра в церкви Сант-Андреа в Пистое (1298-308гг)

3.Нижняя часть фасада сиенского собора

4.Кафедра в соборе Санта-Мария-Ассунта в Пизе

В 1285 г. Джованни приехал в Сиену, где с 1287 по 1296 гг. исполнял должность главного архитектора кафедрального собора. Полные динамики и драматизма фигуры скульптурной композиции фасада собора свидетельствуют о значительном влиянии на Пизано французской готической пластики. Из всех готических итальянских фасадов сиенский собор имеет самое роскошное скульптурное убранство.

Принял участие в строительстве Реймского собора.

Одним из величайших достижений Джовани Пизано считается кафедра для церкви Сант-Андреа в Пистойе (1297—1301). Кафедра более вытянута, чем кафедры отца. Стрельчатое завершение колонн. Если у Николо Пизано образы полновесные, монументальные. То у Джовани фигуры маленькие, дробные, ломается яростность, одна форма деликатно взаимодействует с другой. Фигуры сумбурные, активные, экспрессивные. Тематика украшающих колонн рельефов также сходна с пизанскими. Однако лица персонажей более выразительны, их позы и жесты, более драматичны.

Раннее Возрождение

2я половина 14 века до 70-80г 15 века

В этот период происходят изменения в экономической и культурной жизни. Появляются первые зачатки капиталистической промышленности, развивается банковское дело, международная торговля.

Итальянское искусство в XV в занимает господствующее положение в художественной жизни Европы.

Идет активная торговля, влияющая на развитие ремесел.

Купол Санта Мария дель Фьоре.

Капелла Пацци

Палаццо Питти

Северные двери

Восточные двери

«Райские врата»

«Святой Марк»

«Давид» . 1408

«Давид.» 1430

«Памятник Геттамелате»

«Юдифь и Олоферн»

«Мария Магдалена»

«Мадонна с младенцем и св. Анной».

Мазаччо и Мазолино. Мадонна с Младенцем и св.Анной.

«Изгнание из рая».

«Чудо со статиром»

«Крещение неофитов»

«Раздача имущества и смерть Анании»

«Святой Петр исцеляет больного своей тенью»

«Воскрешение сына Теофила и святой Пётр на кафедре»

«Троица»

Схема построения линейной перспективы «Троица».

«Мадонна с младенцем и четырьмя ангелами»

«Бичевание Христа»

«Крещение Христа»

«Диптих герцога Урбинского Федериго да Монтефельтро и его супруги Баттисты Сфорца».

«Алтарь Монтефельтро»

«Мадонна Евхаристии»

«Аллегория Силы»

«Поклонение волхвов».

« Портрет неизвестного с медальоном Медиччи»

«Портрет молодой женщины»

«Весна»

«Рождение Венеры».

«Мадонна дель Магнификат».

«Юдифь покидает палатку Олоферна».

«Мистическое рождество»

«Покинутая».

Особенности: создание и сознательное распространение принципов гуманизма: человек рожден для счастья, он вправе пользоваться всеми радостями жизни.

Архитектура:

Широкое строительство во Флоренции меняет облик города. Основное внимание сосредотачивается на разработке центрально-купольной постройке.

Новое направление в итальянской архитектуре было связано с переработкой античных традиций и ордерной системы, применительно к местным строительным материалам и конструкциям.

Филиппо Брунеллески

(1377-1446 гг.)

Сын нотариуса. С детства освоил ювелирное дело. Сделал проект дверей флорентийского баптистерия, который не избрали жюри, и он раз и навсегда перестал заниматься скульптурой.

В 1401 г. был конкурс на завершение купола Санта Мария дель Фьоре. Жюри выбрало его проект. В строении купола Филиппо использовал точный математический расчет. Разделил купол на 8 ребер, использование нового материала – красная черепица. Купол является высшей точкой горда. Автор доказал, что человек способен изменить среду вокруг себя и может соперничать с творениями Бога. Наряду с храмовыми постройками строились и общественные здания.

Воспитательный дом 1419 г. Подчеркнутая горизонтальность фасада.

Наличие открытой сквозной галереи, с арками с полуциркульным завершением, создает эффект равновесия, гармонии и покоя.

Каппелла Пацци 1430 г.

Главный фасад: 4 колонны, посередине вход окаймлён торжественной полуциркульной аркой

В 1429 году по заказу богатого флорентийского семейства Пацци Брунеллески начал строительство капеллы Пацци во дворе церкви Санта-Кроче. Перед фасадом капеллы Брунеллески устроил простой открытый 6-колонный портик с аркой посередине, видимо, желая повторить мотив древнеримской триумфальной арки.

Палаццо Питти

Жилой дворец в городской среде Флоренции Суровый внешне, но достаточно роскошный внутри. Квадратные или прямоугольные здания, невысокие 2-4 этажа . Оконные проемы заканчивались полуциркульным обрамлением. Фактурная стена - наличие декора (сходство с романским искусством). За счет таких дворцов владельцы приобретали власть, силу , мощь и торжество.

Дело Филиппо Брунуллески продолжил его ученик – Микелоццио Бартоломео.

Скульптура:

Лоренцио Гиберти

1378 – 1455 г.г

В 1401 г проходил конкурс исполнение дверей флорентийского баптистерия. Лучшим проектом признали рельеф Ф. Брунуллески, но для исполнения в материале выбрали проект Л.Гиберти.

С 1403 – по 1421 г.г работал над исполнением северных бронзовых дверей . 28 небольших рельефов с оформлением в готическом стиле. 20 сюжетов Евангелии , 8 – евангелисты и Отцы Церкви . Изображения , как и рамка напоминают готику : 1. удлиненные фигуры;

2.скользящее постановка тела (нога в сторону); 3.текучая складка одежды; 4.все очень тесно;

5.внес изображения себя и своих учеников;

6.реальная обстановка в нереальных сюжетах.

Восточные двери «Райские врата» 1425 – 1452 г.г Новаторские принцип:

1. Вместо 28 рельефов представлено всего 10. Он объединил похожие по смыслу сюжеты;

2. отсутствие готического обрамления:

3. полновесные сюжеты;

4. использование воздушной и линейной перспективы,

5. четкая плановость;

6. установлен композиционный центр;

7. эффект объема

8. ритмичность;

9. фактурность формы и одежды

10. совмещение небесных образов с земными.

Рельеф был готов в 1440 г., чтобы создать обрамление дверей понадобилось еще 12 лет.

Донателло

1386-1466 г.г.

Ученик Лоренцио Гиберти. Основоположенник скульптурного портрета. Новаторские принципы:

1. Образы обладают яркой индивидуальностью, с богатым, духовным внутренним миром.

2. Все образы основаны на тщательном изучении натуры.

3. Умелое использование принципов античного наследия.

4. Один из первых мастеров эпохи Возрождения сумел показать устойчивую постановку фигур, передать цельность, массу, тяжесть тела.

5. Возродил исполнение обнаженного тела,.

6. Положил начало Возрождения скульптурного портрета

7. Впервые отлил бронзовый памятник

8. Решил задачу свободно стоящей фигуры или группы людей.

9. Первый, кто использовал в своих работах теорию линейной перспективы.

Донателло жаждал в искусстве жизненной правды, придавал своим работам черты возвышенной героики.

В своих статуях Донателло подчеркивал их характерные черты, подчас грубоватые, неприкрашенные, иногда уродливые, но живые, естественные.

Одно из первых произведений был в 1408 г. образ «Давида».

По легенде Давид это старец, Донателло же изображает его юнцом. Принято изображать Давида в момент борьбы, Донателло же изображает его после свержения подвига. Голова противника покоится у ног Давида. Традиционно его изображали в доспехах и с мечом в руках, а здесь в рубахе, без доспехов и с лавровым венком на голове.

Художник меняет традиционные схемы, потому что он не желает показывать убийство, смерть, озлобленность и агрессию. Донателло хотел, чтобы зритель увидел в нем начало жизни, молодости, свежести. Художник пытается вызвать у зрителя чувство прекрасного.

Еще один образ «Давида». Опять же юнец, но на этот раз он обнажен. Первая обнаженная статуя в итальянской скульптуре Возрождения.

Плавный изгиб тела, без мускулатуры и резкости, напоминает женскую фигуру. Следовательно, заставляет зрителя любоваться. Опять же лавровый венок.

Памятник «Геттамелате». 1447 – 1453 г.г.

Первый памятник из бронзы . Новаторство: Индивидуальность героя, автор не желал копировать, ему захотелось передать героя ренессанса , в его образе собирательный портрет героев своего времени, памятник стоит на пьедестале , особая организация пространства вокруг памятника.

Поздний этап творчества:

Утрата любимой жены, безусловно, повлияло на его творчество.

Это отразилось в скульптуре «Юдифь и Олоферн». Вначале своего творчества Донателло не хотел угнетать зрителя страшными сюжетами, теперь же он изображает трагичные моменты. В лице Юдифь полная отрешенность, злость, ни один мускул не вздрогнет на ее лице.

«Мария Магдалена»

по трактату цветущая женщина, Донателло изображает же ее старой и нищей, молящей женщиной.

Живопись:

Геометрия, математика, анатомия, учение о пропорциях человеческого тела имеют для художников огромное значение; именно тогда начинают тщательно изучать строение человека. Возникает новый критерий оценок прекрасного, в основе которого лежит сходство с природой и чувство соразмерности. В искусстве особое внимание уделяется пластической проработке форм и рисунку. Стремление познать закономерности природы приводит к изучению пропорций человеческой фигуры, анатомии. В XV веке итальянские художники решили и проблему прямолинейной перспективы, которая назрела в искусстве треченто.

В этот период сознательно и целенаправленно изучаются античное искусство, античная философия и литература. Сюжеты языческие и христианские переплетаются, трансформируются, сообщая специфически сложный характер культуре Возрождения.

Раннее Возрождение стало временем экспериментальных поисков. Если в эпоху Проторенессанса художник работал, основываясь на интуиции, то время Раннего Возрождения выдвинуло на первый план точные научные знания. Искусство стало выполнять роль универсального познания окружающего мира. В XV в. появился целый ряд научных трактатов об искусстве. 

Художники Раннего  Возрождения в Италии создали пластически цельную, обладающую внутренним единством концепцию мира. Систематически изучая натуру, они черпали мотивы из жизненной повседневности, наполняли традиционные религиозные сцены земным содержанием, обращались к сюжетам. Искусство  Возрождения, главной темой которого стал человек-герой, постепенно распространилось по всей Италии.

Для живописи характерны ощущение гармонической упорядоченности мира, обращение к этическим и гражданским идеалам гуманизма, радостное восприятие красоты и многообразия реального мира, любовь к повествованию и смелая игра художественной фантазии.

Мазачьо Томмазоди Джованни ди Симоне Кассаи

1401 – 1428 г.г.

– итальянский живописец, крупнейший мастер флорентийской школы, реформатор живописи эпохи кватроченто, общение с Брунулескии, Донателло определенным образом отразилось на его интересе к художественному искусству. Новаторские принципы:

1. Объединяет фигуры и пейзаж;

2. впервые вводит воздушную перспективу;

3. придает изображениям невиданную ранее жизненную убедительность;

4. подчеркивает телесность и монументальность своих персонажей;

5. мастерски передает эмоциональное состояние психологическую глубину образов. 

Ранний период творчества:

«Мадонна с младенцем и Святой Анной».

 Средневековая иконография сюжета обычно именуемого «Св. Анна втроём» требовала изображения Анны, на коленях которой сидит Мария, а на коленях последней — младенец Христос. Иконографическая схема здесь сохранена, три фигуры слиты в трёхмерную, правильно построенную пирамиду. 

Мазаччо и Мазолино. Мадонна с младенцем и св. Анной.

Мазаччо участвовал в нескольких совместных проектах с Мазолино, и похоже, что их связывала дружба. По всей вероятности, манера Мазолино, более близкая и понятная большинству современников, давала ему больше шансов на получение хороших заказов, поэтому в дуэте ему принадлежала ведущая роль организатора работ, в то время как Мазаччо выступал в роли его помощника, хоть и очень талантливого.  Это была первая известная ныне их совместная работа.

Зрелый период творчества :

Фрески  капеллы Бранкаччи.

1. «Изгнание из рая» - отсутствие мистики, особенные драматизм. Отношение пропорций тела, соразмерность (впервые в живописи). Впервые изображены обнаженные фигуры. Красивые тела с обезображенными от стыда и страдания лицами.

2. «Чудо со статиром» со

со времён Вазари считается лучшим произведением Мазаччо.

На фреске изображены сразу три эпизода. Мазаччо выстроил фигуры персонажей вдоль горизонтальной линии, однако группа апостолов в центре образует явный полукруг. Все персонажи фрески наделены яркой индивидуальностью, в них воплощены разные человеческие характеры.

Их фигуры одеты в туники на античный манер. Позы персонажей напоминают позы греческих статуй.

3. «Крещение неофитов».

На фреске изображён апостол Пётр, совершающий обряд крещения. На втором плане расположились фигуры неофитов, готовых принять новую веру

. 

4. «Раздача имущества и смерть Анании».

5. «Святой Пётр исцеляет больного своей тенью».

Художник поместил события на современную ему флорентийскую улицу. Мазаччо изобразил её в перспективе, уходящей за спины апостолов.

6. «Воскрешение сына Теофила и святой Пётр на кафедре».

На фреске изображено чудо, сотворённое Петром после того, как он благодаря апостолу Павлу был освобождён из темницы.

Мазаччо вновь изобразил на одной фреске два события: слева и в центре – апостол Пётр воскрешает сына Теофила, справа – апостол Пётр на престоле. Художник разместил сцену в храме, включив в композицию реальных церковных персонажей – представителей братии из Санта Мария дель Кармине, и прихожан.

Поздний период творчества :

«Троица» - Церковь Санта Мария Лавере (во Флоренции)

На фреске изображён Бог-отец возвышающийся над распятием, возле которого четыре фигуры предстоящих – Марии и Иоанна Богослова, и под ними - два донатора, сложившие руки в молитве.

«Троица» считается одним из самых главных произведений, повлиявших на развитие европейской живописи.  В отличие от традиционного изображения распятия на фоне синего неба с плачущими ангелами и толпой у подножья, Мазаччо расположил крест в архитектурном интерьере, похожем на свод древнеримской триумфальной арки. Вся сцена очень напоминает архитектурную нишу, в которой стоят скульптуры. 

Работе присуще:

1. Спокойствие и статичность;

2. присутствие симметрии;

3. воздушная – линейная перспектива;

4. фон.

Скелет внизу в саркофаге и надпись: « Я был таким, как Вы, Вы будете таким, как Я».

Пьеро делла Франческа

1420-1492г.г.

Родился в небольшом селении Борго-Сан-Сеполькро, в Тоскане, в 1420 г.

Особенности:

1. Использование системы линейной перспективы;

2. идеализация черт лица;

3. композиционная уравновешенность;

4. точность перспективных построений;

5. мягкие тона, плавные переходы;

6. женские образы имеют удлиненные, слегка изогнутые шеи и высокие лбы;

7. статичные позы;

8. изображал фас, профиль или в 3-четверти;

9. включал в изображение архитектурные коробки;

10. не любил детализацию,

обобщал формы.

Ранний период творчества 1445 – 1452 гг:

«Бичевание Христа» 1455-1460 г.г. центральная главная сцена сдвинута на второй план

В других картинах появился пейзаж, с воздушной линейной перспективой.

«Крещение Христа» Впервые ввел отражение в воде.

Пейзаж образует широкую панораму и построен по перспективе. Четкая ось в центре композиции.

Зрелый период творчества с 1452—1466 г.г. :

«Диптих герцога Урбинского Федериго да Монтефельтро и его супруги Баттисты Сфорца, 1466 г.» Впервые портрет художник изображает натуру такой, какая она есть - не приукрашивая. Пейзаж на уровне птичьего полета, в нем прослеживается плановость и естественность. Пейзаж облагораживает несуразный вид героев, использовал технику сфумато.

Техника Сфумато – прием в живописи, направленный на смягчение очертания предметов, фигур, светотеневой моделировки в целом, позволяющей передать, окутывающий предметы и фигуры воздух.

Поздний период 1475 – 1492 гг:

«Алтарь Монтефельтро»  1472-1474г

В центре Мадонна, страусиное яйцо символ непорочного зачатия.

Сандро Ботичелли

1445 – 1510 г.г.

Великий итальянский живописец, представитель флорентийской школы живописи. Сандро отдали на ювелирное мастерство, а позже он заинтересовался и живописью.

Особенности творчества:

1. Энергичные охристые тени для передачи телесного цвета;

2. фигуры персонажей имеют крепкое строение;

3. драматическая выразительность достигается соединением активного действия и глубокого внутреннего переживания;

4. в работах присутствует фантастичность, символизм;

5. пишет на мифологические темы.

Первые самостоятельные работы:

1. «Мадонна с Младенцем, двумя ангелами и юным Иоанном Крестителем» (1465—1470),

2. «Мадонна с Младенцем и двумя ангелами» (1468—1470),

3. «Мадонна в розовом саду» (около 1470),

4. «Мадонна Евхаристии» (около 1470). 

Ранний период творчества (1470-1480гг):

 Картина «Аллегория Силы» (1470г), знаменует обретение Боттичелли собственного стиля.  В 1470—1472 он пишет диптих об истории Юдифи: «Возвращение Юдифи» и «Нахождение тела Олоферна».

Около 1475 года живописец написал для состоятельного горожанина прославленное полотно «Поклонение волхвов», на котором помимо представителей семейства Медичи изобразил и самого себя.

В это время Боттичелли становится известным и как портретист.

«Портрет неизвестного с медальоном Медиччи» и «Портрет молодой женщины» - близкие друг другу цветовые тона, колорит. 

Симонетта Веспуччи - возлюбленная Сандро Боттичелли, трагическая любовь оставила образ девушки, который проходит через многие картины художника.

Зрелый период творчества:

В Риме Боттичелли создал для капеллы три фрески: «Наказание Корея, Дафна и Авирона», «Искушения Христа» и «Сцены из жизни Моисея», а также 11 папских портретов. Эмоциональное состояние этих полотен настолько сильно, что оказывает психологическое воздействие на зрителя.

«Весна»

В этой картине его возлюбленная представлена в 6 разных образах.

Работе присуще:

1. Удлиненность фигур, вытягивание лица (неземная красота):

2. отрешенность во взглядах и позах;

3. мечтательные образы;

4. умение автора изображать драпировки;

5. выражения лиц прекрасны и одновременно печальны.

Есть мнение, что самые красивые линии выделены собственной кровью Сандро.

«Рождение Венеры»

- опять таки представленная его возлюбленная Симонетта в роли Венеры. Боттичелли не пользуется канонами, потому его картины так волнуют современного зрителя своей поэзией.

«Мадонна дель Магнификат»

картина, прославленная уже при жизни художника, о чём свидетельствуют многочисленные копии.

Подобные картины в форме круга были очень популярны во Флоренции XV века.

Поздний период творчества:

В 1490 году во Флоренции появляется доминиканский монах , в проповедях которого звучал призыв к покаянию и отказу от грешной жизни. Боттичелли был заворожён этими проповедями, и даже наблюдал, как жгут его картины на костре тщеславия. С этих пор стиль Боттичелли резко изменяется, он становится аскетичным, гамма красок теперь сдержанная, с преобладанием тёмных тонов. Работы Сандро теперь наполнены мраком и опустошенностью. Флоренция погрязла в грехах, что явно демонстрирует художник в своих полотнах

«Юдифь покидает палатку Олоферна» и «Мистическое рождество»,в которых показаны человеческие грехи.

«Покинутая»

Поистине символ краха судьбы. Картина суть отражение состояния души художника. Его переживаний и дум. Подведение неких полувековых замет. Смятение самого Боттичелли перед безысходностью собственных жизненных усилий в условиях и сложного и трагического времени.

Высокое Возрождение конец 15века-первые 30лет 16 века

Экономический и политический спады, связанные с турецкими завоевательными войнами, впредь закрыт вход в Италию. Резкое экономическое и политическое ослабление итальянских государств, вызванное открытием Америки и новых торговых путей в Индию и, как следствие, потеря роли важнейших торговых центров.

Раздробленность государства, часть Италии переходит к Испании.

Рим стал главенствовать из-за политических действий. Религия объединила Италию. Феодальная система пришла в упадок, но на смену ей пришел капиталистический строй (централизация государства). Географические открытия, развитие науки, открытие космоса.

Города строятся по строго намеченному плану.

«Мадонна около лестницы»

«Битва кентавров»

«Пьета»

«Давид»

«Моисей»

«Мадонна из Брюгге»

Ангел в картине «Крещение»

«Благовещенье»

Конный памятник Франческо Сфорца

«Мадонна в скалах»

«Дама с горностаем»

«Вертрувианский человек»

«Тайная вечеря»

«Джаконда»

«Сон рыцаря»

«Три грации»

«Коронование Марии»

«Положение во гроб»

«Сикстинская модонна»

«Дама с единорогом»

«Три философа»

«Спящая Венера»

«Юдифь»

«Гроза»

«Мадонна с Антонием Падуанским и св. Рохом»

«Давид»

«Конная статуя Бартоломео Коллеони»

«Христос и разбойник»

«Юноша с разорванной перчаткой»

«Прерванный концерт»

«Любовь земная, Любовь небесная»

«Ассунта»

«Венера Спящая»

«Несение креста»

Все, что происходило в мире, в эпоху Высокого Возрождения, отражалось в искусстве Италии. Художники стремятся к выделению основного сюжета и уходу от мелочей, от главного к частному. Произошло объединение архитекторов, скульпторов, живописцев, следовательно все виды искусств начали взаимодействовать с друг другом – « Синтез искусств » Творчество характеризуется верой в неограниченность человеческих возможностей, в его индивидуальность и в рациональный мировой аппарат. Главным мотивом искусства Высокого Возрождения выступает образ гармонически развитого и сильного как телом, так и духом человека, который находится выше повседневной обыденности. В основном изображался один человек, а если группой, то каждую фигуру детально прорабатывали. В это время была велика роль меценатов. Эта практика особенно распространилась во Флоренции XV века, где художественные мастерские осуществляли любые прихоти покровителей. Ученик, желавший стать художником, вначале поступал подмастерьем к мастеру и лишь после шести лет обучения мог основать собственную мастерскую. Искусство и художники обращаются к своим корням, изучение античности.

Микеланджело Буонарро́ти

1475-1564гг.

великий итальянский скульптор, художник, архитектор, поэт, мыслитель. Воплощение своей главной темы — борьбы духа и материи.

Родился в городе  Капрезе. Его отец хотел, чтоб он стал юристом. В 1488 году отец Микеланджело смирился с наклонностями сына и поместил его учеником в мастерскую к художнику Доменико Гирландайо. Он занимался там, в течение одного года. Год спустя Микеланджело переходит в школу скульптора  Джованни, существовавшую под патронажем Лоренцо де Медичи.

Медичи распознает талант Микеланджело и покровительствует ему. Приблизительно с 1490 до 1492 года Микеланджело находится при дворе Медичи. Одна из отличительных черт Микеланджело это гигантомания. Возможно, в это время были созданы «Мадонна около лестницы» и «Битва кентавров». После смерти Медичи в 1492 году Микеланджело возвращается домой.  В 1496 году  Рафаэль Риарио приглашает Микеланджело для работы в Рим, где он создает «Вакха» и «Пьету».

«Пьета» («Оплакивание Христа») 1489-1499.

Мадонна представлена нам как совсем юная и прекрасная женщина, которая скорбит об утрате самого близкого ей человека. Несмотря на сложность соединения в одном изваянии двух столь крупных фигур, композиция «Пьеты» безупречна. Фигуры как единое целое. Соотношение фигур в виде низкого треугольника. Вместе с тем скульптор тонко противопоставляет мужское и женское, живое и мёртвое, нагое и прикрытое, вертикальное и горизонтальное, чем вносит в композицию элемент напряжения. Крупные, ломающиеся складки одеяния Мадонны не только намеренно усиливают драматический излом лежащего на её коленях тела, но и служат своеобразным пьедесталом для всей пирамидальной композиции.

«Давид»

1501-1504 гг.

1. Идеальные пропорции тела

2. Статика тела, динамика духа, скрытое, внутреннее движение (Прекрасное лицо юноши полно гнева, взор грозно устремлен на врага, рука сжимает пращу.)

3. помимо главной фигуры существует поддержка, в данном случае дерево у ног Давида;

4. скульптура отличается ясностью и простотой: выразительный силуэт, четкий контур, ясные членения, отсутствие противоречивых элементов.

5. соединение телесной красоты с глубинной духовной идеей

6. изображение героя до совершения подвига;

7. Руки увеличены, для придания большей мощи

8. заимствование черт античной культуры (точка опоры, движение, согнута рука, выразительный взгляд, напряженные губы, сдвинуты брови);

9. Отшлифовал мрамор до тончайшего, нюансированного материала. Брал породы розоватых оттенков, чтобы получить эффект дышащей кожи.

«Гробница Юлия II»

1505-1545

Должно было быть около 40фигур. Но папа отказался от столь грандиозного проекта. Им создаются скульптуры «Моисей», «Связанный раб», «Умирающий раб», «Лия».

Статуя «Моисей» - динамизм, напряжение духа. Слияние силы физической и духовной в одно целое.

В 1508 году он приступает к

писания фресок потолка в Сикстинской капелле.

«Мадонна из Брюгге» 1501-1504 гг.

1. Вытянутые линии и овал лица;

2. плавные переходы и реалистичность складок, гладкость кожи, словно испускающей сияние, создают живой образ Богоматери и младенца Иисуса;

3. внутренняя грусть и беспокойство Богоматери за сына – она предвидит, что ждёт его в будущем;

4. ребёнок смотрит в будущее, мысля сделать свой первый шаг, а мать бережно держит его за руку.

Леонардо да Винчи

1452—1519

Родился в Винчи. Незаконнорожденный сын нотариуса, в нескольких поколениях.

Когда Леонардо было около 15 лет, отец позволил ему стать учеником в мастерской художника. Он стал подмастерьем у Андреа Вероккьо. И позднее даже превзошел своего учителя в картине «Крещение», где он пишет фигуру левого ангела, лицо которого выделяется своей одухотворенностью среди застывших персонажей. Леонардо живя во Флоренции, был окружен произведениями искусства своих предшественников: Мозаччо, Донателло, Гиберти.

Архитектура Флоренции служила ему своеобразной школой. Он писал собственный трактат, в котором собрал все новаторские идеи и принципы своих предшественников, привнес туда свои мысли и эксперименты. В это время Флоренция была республикой, но ей управляло аристократическое семейство Медичи; которое, как мы знаем, покровительствовала многим знаменитым мастерам, но не Леонардо. В молодости он испортил свою репутацию, что мешало ему в дальнейшем. Со временем он становился все более медлительным, небрежным, мог бросить работу недоделанной. Между с 1476-1478г он открывает свою мастерскую. В 1481 году лучших художников приглашают для работы в Ватикане. Среди приглашенных были Перуджино, Боттичелли.., но не Леонардо. Тогда он устремляет свой взгляд на Север Италии, и ищет покровительства у Людовико Сфорца. В 1481 году он уезжает в Милан, где и получает признание.

Леонардо был великим экспериментатором во всех областях, за которые брался. В 1472—1477 годах Леонардо работал над: «Крещение Христа», «Благовещение», «Мадонна с вазой»

1481 году да Винчи выполнил первый в своей жизни большой заказ — алтарный образ «Поклонение волхвов» (не завершён). Юноша справа-автопортрет Леонардо. Ни одна из фигур не может существовать отдельно. Эта работа считается первой картиной высокого Возрождения.

В 1482 году начата работа над конным памятником Франческо Сфорца. Это бронзовый конь необычайных размеров.

В Произведение «Мадонна в скалах» («Мадонна в гроте») 1483 года он нашел гармонию между воображаемым мистическим миром символов и научным подходом к натуре. В пейзаже, проступающем сквозь проемы в скалах, ощущается воздушная перспектива. Использовал технику «сфумато» (о ней мы говорили выше). Вершиной пирамидной композиции является голова Мадонны.

1489 - 1490 г.г. начата работа над картиной «Дама с горностаем» Горностай- символ чистоты;

«Витрувианский человек» 1490 знаменитый рисунок, иногда называемый каноническими пропорциями

«Тайная вечеря» 1495—1498

Неудачные эксперименты с красками и грунтом чуть не погубили этот шедевр.

Традиционной сцене он дает новую интерпретацию. Обычно изображалась сцена прочищения апостолов. Леонардо выбирает самый драматический эпизод: Христос сообщает ученикам, что среди них предатель. Голова Христа находится на пересечении точек схода, что заставляет зрителя все время возвращаться к главному персонажу.

«Джоконда» («Мона Лиза») 1503г

Знаменует собой высший расцвет творчества художника. В ее образе слились воедино индивидуальное и типичное. Контраст фигуры и далекого пейзажа на дальнем плане, мягкая светотеневая моделировка, изображение по пояс, легкий поворот, скрещенные руки – ограничивают композицию снизу.

Женские образы в творчестве Леонардо – светские или религиозные – неизменно глубоки, обаятельны и сосредоточенны на своем внутреннем мире. Сам да Винчи в разные периоды своей жизни считал себя в первую очередь инженером или учёным. Он отдавал изобразительному искусству не очень много времени и работал достаточно медленно.

Считается что, Леонардо   да Винчи является идеалом эпохи Возрождения - всесторонне развитым человеком.

Рафаэль Санти 1483-1520

Родился в Урбино.

Итальянский живописец и архитектор, график, представительно умбрийской школы. Рафаэль рано потерял мать, все свои горести и внутренние переживания он отразил в своем творчестве. Основным мотивом позже и станет символ и образ идеальной матери. Сила материнской любви. Уже в 16 лет Рафаэль начинает получать заказы от городских, светских любителей искусства.

Его учителем был Перуджино.

Рафаэль многое взял у великих гениев эпохи Ренессанса- Микеланджело и Леонардо. Только Санти удалось так гармонично связать эти тонкие переходы и линии, передать чрезмерный реализм, придать полотнам жизненную энергию, довести до ума технику Сфумато. Рафаэль вписывает свои работы в круг, полуциркульные конструкции.

"Три грации" 1503 года

Невинность, красота, любовь.

Золотой шар символ совершенства.

«Сон рыцаря» 1503г

Слева изображена Добродетель, справа Наслаждение- это обозначает сложный тернистый путь рыцаря. Четкая ось посередине, которая делит картину на 2 плоскости.

«Коронование Марии» 1505 г

На небесах строгость порядок, на земле хаотично расставленные фигуры.

«Дама с единорогом»1506г

На Рафаэля сильное впечатление произвела «Джоконда» Леонардо, это и подвигло его к написанию этой картины. Задний фон - пейзаж. Композиционное единство. Хорошо наблюдается техника сфумато.

«Положение во гроб» 1507г

Рафаэль перенял в данной работе от Микеланджело фигуры, а от Леонардо скорбь в лицах.

У него было 2 серии Мадонн: флорентийские и римские Мадонны.

Рафаэль Санти создал каноны для будущих поколений.

Джорджоне

1476-1510

Живописец, музыкант и певец. Новые гуманистические идеи. Пишет не только человека, но еще и пейзаж.

Главным местом его деятельности была Венеция. Он был учеником Джованни Беллини. Умер от чумы.

1. Первый из всех итальянских живописцев стал отводить в картинах важное место поэтически-придуманному, красивому, не чуждому натуральности пейзажу;

2. он писал надпрестольные образа, многочисленные портреты и, по обычаю того времени, украшал своей живописью сундуки, ларцы и фасады домов;

3. идеализировал черты;

4. с помощью прозрачной светотени добивался зрительного слияния человеческих фигур с пейзажем;

5. техника масляной живописи, к которой обратился Джорджоне, позволяла ему в полной мере передавать плавные цветовые переходы, насыщенные пятна цвета, сгущающиеся тени и мягкие очертания фигур и предметов.

«Три философа»

1. Плановость и соразмерность;

2. присутствие пейзажа;

3. перспектива;

4. эмоциональная передача через взгляды и мимику героев картины.

«Спящая Венера»

Происходит зрительное слияние фигур с пейзажем. Джорджоне не окончил картину. Он успел написать саму Венеру и, возможно, скалу за ней, прежде чем скончался от чумы в 1510 году. Картину закончил уже Тициан, который написал пейзаж, небо, одежды, на которых лежит Венера, и поместил Купидона у её ног. «Юдифь»

Наряду с композициями на религиозные темы , создаются полотна и на светские темы.

1. Плавная нежность фигуры по контрасту оттеняется массивом ствола могучего дерева;

2. мягко алые одежды пронизаны ломаным ритмом складок, как бы далеким отзвуком пронесшегося вихря;

3. по лицу Юдифи скользит неуловимая полуулыбка.

4. нежный и чистый образ прекрасной девушки на фоне спокойного предзакатного пейзажа противопоставляется жестокой остроте меча и отрубленной голове Олоферна.

"Гроза" 1505-1508 гг.

1. Контрастное сопоставление образов

2. главным героем становится здесь именно грозовой пейзаж с молнией на заднем плане, а фигуры исполняют второстепенную роль

3. Чувствуется глубокое напряжение, будто мы видим что-то на грани реальности. Картина пугает и завораживает одновременно.

«Мадонна с Антонием Падуанским и св. Рохом.»

Андре́а дель Верро́ккьо  1435 – 1488 г.г. Итальянский скульптор и живописец, один из учителей Леонардо да Винчи. Имя позаимствовал у своего учителя, ювелира Верроккьо. Верроккьо специализировался на скульптуре, но временами обращался и к живописи. Он воспитал таких гениев Возрождения как Леонардо, Пьетро Перуджино и Сандро Боттичелли. Верроккьо был непревзойденным декоратором и режиссёром придворных празднеств. Вероятно, что свою самую внушительную скульптуру, 4-метровую «Конную статую Бартоломео Коллеони», созданную в 1482году, Верроккьо создал в соавторстве с Леонардо. В 1465 г. он создал «надгробие Козимо Медичи», с 1463 по 1487 г. работал над скульптурной композицией «Уверение Фомы», в 1476 г. создал статую «Давида». Эта изящная бронзовая статуя стала символом гуманистической ренессансной культуры.

• Тициан Веселли

• 1488 – 1576 г.г.

Итальянский живописец эпохи Возрождения. Тициан воплотил в своем творчестве гуманистические идеалы Возрождения.

Его жизнеутверждающее искусство отличается многогранностью, широтой охвата действительности, раскрытием глубоких драматических конфликтов эпохи.

В поздний период своего творчества Тициан достиг вершин, как в своем живописном мастерстве, так и в эмоционально-психологическом толковании религиозных и мифологических тем.

Жизнеутверждающая красота человеческого тела стала ведущим мотивом произведений художника с почерпнутыми из античной мифологии сюжетами.

Интерес к пейзажу, поэтичность, лирическая созерцательность, тонкий колорит роднят ранние работы Тициана с творчеством Джорджоне

Имя Тициана стоит в одном ряду с такими художниками Возрождения, как Микеланджело, Леонардо да Винчи и Рафаэль. Тициан писал картины на библейские и мифологические сюжеты, прославился он и как портретист. Ему делали заказы короли и римские папы, кардиналы, герцоги и князья. Тициану не было и тридцати лет, когда его признали лучшим живописцем Венеции. Внимательно изучая работы Рафаэля и Микеланджело, Тициан постепенно вырабатывает свой стиль. Он создает эпические полотна на религиозные и мифологические темы.  «Христос и разбойник»  Безупречно переданное внутренне, эмоциональное и психологическое состояние героев полотна, цветовая палитра выполненная в теплых, но в тоже время мрачных оттенках, что придает картине мистический тон.

"Юноша с разорванной перчаткой"

(1515-20 гг.)

1. Образ: Аристократ, светский человек

2. естественная, раскованная, непринуждённая и свободная поза;

3. чувствуется глубокий внутренний мир;

4. направление взгляда: в сторону, отрешённый взгляд подчёркивает независимость юноши;

5. черты лица: индивидуальны;

6. использование аксессуаров (перчатка);

7. на юноше костюм нового времени.

Практически эти же черты прослеживаются в его следующем полотне «Прерванный концерт», являющийся предшественником следующей работы Тициана «Деревенский концерт», где уже заметно ощущается теплый колорит и мягкие тона, передача светотеневой моделировки.

Легендарное полотно Тициана «Любовь земная, Любовь небесная», построенное не только на внешнем контрасте, но и на смысловой антитезе. Присутствие пейзажей на заднем фоне, характеризующие проявления любви добавляют полотну гармоничность и символизм. Четкость форм, но в тоже время мягкие переходы, потрясающее соотношение фигур, перекрикивание линий горизонтальных с вертикальными. Гармоничный пейзажный фон, плавно перетекающий к фигурам - взаимодействие персонажей с фоном

1. Борьба контрастов;

2. Синие и красные цветовые пятна преобладают

3. Цвета очень насыщены и выразительны

Экспериментировал с форматом своих картин. «Ассунта» нестандартный формат и форма полотна, энергетическое наполнение, психологическое воздействие на зрителя, пересечение жестов и взглядов.

«Венера Спящая» проводится параллель между Венерами Тициана и Джорджни. Джорджони – отрешенная Венера, неземная красота, женственность и невинность. Пейзаж, природный фон. Тициан – плотская любовь, любовь на земле, позыв, Венера обращена к зрителю, соблазняющая, наполненная желанием и страстью. Интерьер.

«Несение креста» (1565 г.)

1. Цвета становятся приглушёнными;

2. доминирует красно-коричневый цвет;

3. намёк на маньеризм;

4. часто наносил краску не только кистью, но и шпателем и пальцами;

5. чувствуется ярко - выраженная диагональ.

Позднее Возрождение середина и 2я половина 17 века

Социально-экономические условия:

1. В условиях острых классовых столкновений, победы в одних странах феодально-католической реакции, в других протестантизма. Наступает кризис ренессансного гуманизма, связанный и с осознанием антигуманистических черт складывавшегося буржуазного общества.

Феодально-католическая реакция нанесла смертельный удар Высокому Возрождению, но не смогла убить мощную художественную традицию, которая формировалась на протяжении двух с половиной столетий в Италии.

«Чудо святого Марка»

« Похищение тела святого Марка»

"Тайная вечеря"

«Введение Марии во храм»

«Христос перед Пилатом»

«Портрет Якопо Сансовино»

«Даная»

Цикл работ

«Аллегория любви»

«Пир в доме Левия»

«Брак в Кане Галилейское»

Особенности развития:

1. Творениям известных художников ещё присущ ренессанский фундамент, но уже с некоторыми изменениями;

2. канули в лето представления о гармонии мира, правде и всесильности разума;

3. судьба человека уже не рисовалась столь беззаветной, хотя отголоски темы героической личности, которая готова сражаться со злом и ощущение реальности всё же до сих пор присутствуют.

Тинторетто

1518-1594 г.г.

Был учеником Тициана.

Особенности творчества:

1. Стремился в своих произведениях соединять тициановские блеск и силу красок с совершенством рисунка, которым, по его мнению, никто не обладал в такой степени, как Микеланджело;

2. Тяга к трагическим конфликтам, пластической мощи и страстной динамике форм и цвета роднит Тинторетто с Микеланджело;

3. В портретах Тинторетто привлекает не столько телесное, внешнее, сколько внутреннее, эмоциональное;

4. Всем портретам Тинторетто присуще благородство, серьезность, аристократизм, они далеки от всего обыденного; в них нет ничего случайного и мимолетного;

5. Глаза самых поздних портретов у художника почти всегда смотрят на зрителя, но его не видят, потому что обращены в себя, в свой внутренний мир.

«Чудо святого Марка» 1548

1. Смелые, сложные ракурсы

2. Криволинейное направление

3. Передний план очень насыщенный

4. Задний план не настолько активен

5. Сложные красивые складки на одеждах

6. Предрасположенность к барокко

7. Колорит — на противопоставлениях густых сверкающих тонов переднего плана и нейтрального фона

8. Композиция, построена по принципу четкой замкнутости: бурное движение в центре замыкается благодаря направленным к центру картины движениям фигур, расположенных в ее правой и левой части.

"Похищение тела святого Марка" 1562-1566 гг.

1. Одним из главных героев картины является природа: мрачная, бурная, бушующая.

2. Ощущение ирреальности наполняет картину.

3. Общий беспокойный драматизм картины.

4. Чётко выраженная диагональ

5. Грозное небо особенно выделяется из-за контраста со светлыми зданиями.

6. Дождевые потоки пронизывают всю картину, что добавляет агрессии и трагизма в картину.

"Тайная вечеря" 1594 г.

1. Мистическая тема

2. Сочетание мрака и света

3. Стол служит разделением Христа и апостолов с обыкновенными людьми в таверне

4. Используется искусственное, выборочное освещение

5. Внешне относительно сдержанные движения апостолов, причащаемых Христом, полны огромной сосредоточенной внутренней духовной силы.

Паоло Веронезе

1528 – 1588 гг

Образы, созданные художником, выделяются яркостью, портретной неповторимостью.

Мастер больших алтарных картин, монументальных росписей, многофигурных композиций, Веронезе изображает на своих полотнах Венецию, современников.

Один из блестящих колористов венецианской школы

основная сфера деятельности художника: монументальная живопись — росписи во дворцах и храмах, торжественные станковые композиции.

Особенности:

1. легкость;

2. праздничность, жизнерадостность;

3. артистично-изощренный рисунок;

4. пластические формы;

5. изысканная колористическая гамма, основанная на сложных сочетаниях чистых цветов, объединенных серебристым тоном;

6. широкая манера письма.

Цикл работ: «Аллегория любви»(1565-1570 г.г.)

«Измена»

Изображена женщина, выбирающая между изменой и верностью мужу

«Презрение»

Амур в ярости – любовь женщины отвергнута, безответное поведение мужчины не может вызвать у противоположного пола ни любви, ни уважения.

«Почтение»

Почтение к женщине, отдыхающей под пурпурным тяжелым пологом, выражает вошедший в спальню высокий черноволосый мужчина.

«Обручение» Судьбы двух людей связывает любовь, но только ангел небесный может связать их воедино.

«Пир в доме Левия» (1573), религиозный сюжет служит лишь поводом для воссоздания красочной сцены жизни патрицианской Венеции. Размеры полотна — 5,5 метра высоты и около 13 метров ширины. Еще никогда архитектура не занимала у Веронезе такого большого места, как в этой картине.

«Брак в Кане Галилейской»

На картине изображено около 130 фигур, среди которых позднейшая традиция выделяла портреты известных правителей эпохи Возрождения

Маньеризм

16-17 века

«Снятие с креста»

«Ужин в Эммаусе»

«Мадонна со святым Иосифом и Иоанном Крестителем»

«Вертумн»

«Бронзовая статуя Нептуна»

Маньеризм появился в Италии, а затем получил распространение во Франции и других европейских странах.

Причины возникновения:

1. кризисные явления в общественно-политической сфере, характерные для позднего Возрождения с его социальной, моральной и религиозной неустойчивостью;

2. иногда начальную фазу маньеризма связывают с разграблением Рима в 1527 году.

3. маньеризм в броской форме отразил существенную, подобную взрыву трансформацию искусства и литературы от средних веков к Новому времени. 

4. Представители маньеризма отошли от ренессансного гармонического восприятия мира, гуманистической концепции человека как совершенного творения природы. Острое восприятие жизни сочеталось с программным стремлением не следовать природе, а выражать субъективную "внутреннюю идею" художественного образа, рождающегося в душе художника.

5. Представители маньеризма культивировали представления о неустойчивости мира, шаткости человеческой судьбы, находящейся во власти иррациональных сил.

6. Особую роль в произведениях маньеризма играет виртуозная нервная линия, нередко приобретающая самостоятельное значение.

7. В большинстве портретов маньеризма подчёркивается внутренняя напряжённость и замкнутость персонажей, обострённое субъективно-эмоциональное отношение художника к модели.

8. В данную эпоху задача художника культивировать по большей мере свою манеру, свой стиль, себя как художника, особого, со своими особыми чертами, со своим уникальным стилем, с индивидуальной манерой.

Понтормо (Якопо)

1494 - 1557

- итальянский живописец, представитель флорентийской школы, один из основоположников маньеризма. В десятилетнем возрасте, потеряв отца, Понтормо отправился во Флоренцию, где и провёл всю свою жизнь. Большое влияние на его творчество оказало знакомство с гравюрами Дюрера. Постепенно Понтормо отходит от традиции Ренессанса.

«Снятие с креста»

В картине отсутствует ясность пространственных отношений, фигуры приближены к переднему плану. Отсутствие твёрдой опоры композиции создает впечатление неустойчивости, подчёркивает драматизм и напряжённость произведения. «Ужин в Эммаусе» Живописец изобразил Христа более высоким, чем остальные участники сцены, но находится он на одном уровне со зрителем, а пол, стол и сидящие за ним персонажи уведены немного сверху. От этого вся композиция буквально стягивается к фигуре Спасителя. Понтормо внес в свое произведение черты бытового жанра, заметные в позах учеников, в том, как один из них наливает вино, а второй держит хлеб. Но над головой Христа изображено всевидящее око Божие в треугольнике, окруженном сиянием и символизирующем Троицу, и это возвращает смотрящего на картину к ее возвышенному плану.

«Мадонна со святым Иосифом и Иоанном Крестителем», картина демонстрирует все личные черты маньериста, прохладный колорит, воздушные тона и безупречный рисунок.

Джузе́ппе Арчимбо́льдо

1527-1593

Итальянский живописец, декоратор, представитель маньеризма. Большинство его современников, также известных людей, смотрели на него с восхищением из-за его талантов и его изобретательности не только в живописи, но также и в организации игр, свадеб, коронаций, процессий.

Он отвечал при дворе за архитектуру и театрально-художественное оформление всех мероприятий. В то же самое время он — инженер, создатель фонтанов, принимал участие в основании музея искусств. «Вертумн»

Это — поясной портрет императора, представленного в виде древнеримского бога времён года, растительности и преобразования. Император состоит полностью из великолепных плодов, цветов и овощей. Сохранилось мало его работ: обычно это портреты по грудь, в профиль, реже — анфас. Изображения составлены из фруктов, овощей, цветов, ракообразных, рыб, жемчужин, музыкальных и иных инструментов, книг и т. д. Лица стилизованы; эффект формы и светотени в пространстве создаётся весьма искусной компоновкой элементов. Аллегории времён года: «Лето» и «Зима», «Весна»; стихий — «Огонь» и «Вода». «Повар» — составлен из кухонных элементов.

Джамболонья,

Джованни да Болонья

1529 – 1608

Флорентийский скульптор-маньерист. Джамболонья находился под сильным влиянием Микеланджело, однако, создал свой собственный художественный стиль маньеристского направления, отличающийся изящными поверхностями, холодной элегантностью и красотой. «Бронзовая статуя Нептуна» Джамболонья создал многочисленные скульптуры из мрамора и бронзы, в том числе для украшения фонтанов, для итальянской знати и в особенности для Медичи.

Северное Возрождение 15-16 века

Отличия Северного Возрождения от итальянского:

1. Человеку, который жил в этом пространстве приходилось выживать в суровых климатических условиях. Он не ждал от природы милости и надеялся только на себя. У него был закаленный характер, трезвое отношение к жизни и к самому себе. К Богу человек относился менее возвышенно, чем люди в Италии, потому что человек Северного Возрождения привык надеяться только на себя и на свои силы.

2. Образ Ренессанса- человек, который творит прекрасное, то человек Сев. Возрождения также создает искусство, но смотрит на мир новыми глазами, который в сложной противоречивой обстановке не перестает стремиться к высокому творчеству. Но в этом искусстве больше отражаются мысли о народе, его мыслях чувствах и о его реальной жизни.

3. В Италии - человек прекрасен во всем, его рассматривают только с позитивных сторон, исключая все негативное. Но, к сожалению, человек не смог пронести свое знамя совершенства и начал примерять «гримасу» пагубности. Итальянцы не могли показать обратную сторону медали – грехи. А мастера Северного Возрождения не побоялись и сумели показать это в своем творчестве.

4. На первом месте выступает живопись, далее музыка и поэзия, архитектуре и скульптуре внимания почти не уделялось. В Северном Возрождении нет синтеза всех видов искусства. Начинает проступать новый, самостоятельный вид искусства- графика.

5. Готический стиль оказал особое влияние на эпоху Сев. Возрождения. Идет обращение, прежде всего к Высокой готике. В полотнах появляется острота, накал, экспрессия, нервозность.

6. В Италии человек считал, что может подчинить себе природу. Но на самом деле человек не должен противопоставлять себе природу, а должен жить с ней в гармонии. Человек, это всего лишь маленький винтик большого механизма, который называется природа.

Новаторства:

1. Последовательные изображения(триптихи, диптихи, полиптихи);

2. религиозные образы наполнены сюжетом, погружены в пейзаж(в отличии от Итальянского Возрождения – там пейзаж ни к чему не привязан; Сев .Возрождение – пейзаж узнаваем, конкретный );

3. точный источник освещения (например, окно)

4. художники использовали аллегории, символы;

5. обращение к портретам (передача человека того времени). Человек на картинах больше не идеализировался. Перед зрителем предстают настоящие люди со всеми своими человеческими недостатками

6. детализированное описание поверхностей предметов;

7. пластичность, достигаемая за счёт точно подмеченных и удачно применяемых световых эффектов;

8. в основу нового стиля легла новая живописная техника — масло.

Нидерландское Возрождение 15-16е века

 «Гентский алтарь»

«Мадонна канцлера Ролена»

«Портрет четы Арнольфини»

«Портрет мужчины в тюрбане»

«Поклонение волхвов»

«Семь смертных грехов и четыре последние вещи»

«Воз сена»

«Блаженные и проклятые»

«Сад земных наслаждений»

«Голова крестьянки»

«Семь смертных грехов-Зависть»

«Семь смертных грехов – Гнев»

«Охотники на снегу»

(из серии «месяцы»)

«Сумрачный день»

(из серии «месяцы»)

«Слепые»

«Снятие с креста»

«Потрет мужчины в красном тюрбане»

«Благовещение Мероде»

«Поклонение пастухов»

«Алтарь Партинари».

Характерные черты Нидерландского Возрождения:

1. У Нидерландов не было античного прошлого, и Возрождение здесь оказалось связано с готическим искусством средневековья;

2. первые живописцы нидерландского Возрождения научились у миниатюристов средневековья точной, передаче деталей;

3. яркость красок;

4. Нидерландское внимание к природе выразилось в пейзажной живописи => пейзаж стал самостоятельным жанром в искусстве.

5. стремление к белизне грунта, к тому, чтобы он, просвечивая сквозь краску, делал ее еще ярче;

6. В 14 столетии Франко фламандская миниатюра получила свой расцвет. Книжная иллюстрация, в которой прослеживается особая тенденция к замене отвлеченного образа мира, на его реальное изображение, преданное в конкретике и подробностях. Там мы видим реального человека, иррационально мыслящего, четко понимающего свое место в мире, патриотичного и социально определенного.

7. человеку приходится прилагать много усилий, для того чтобы выжить, но каждому необходимо хотя бы немного отдыха и развлечений. В Нидерландах с начала 15 века проходили празднества, в которых участвовали все сословия. Праздники перерастали в зрелища, народные гуляния.

8. но главная его особенность — глубокое чувство национального своеобразия жизни, народных форм культуры, быта, нравов, типов, а также отображение социальных контрастов в жизни различных слоев общества;

9. четко подмечали тончайшие различия между предметами, воспроизводя фактуру материалов, оптические эффекты — блеск металла, прозрачность стекла, отражение зеркала, особенности преломления отраженного и рассеянного света, впечатление воздушной атмосферы уходящего вдаль пространства пейзажа.

Отличие Нидерландского Возрождения от Итальянского:

1. Искусство приобрело демократический характер. В нем сильны черты фольклора, фантастики, гротеска, острой сатиры;

2. нидерландское искусство Возрождения не пришло к утверждению безграничного господства образа совершенного человека-титана (человек - неотъемлемой частью мироздания, вплетенной в его сложное одухотворенное целое);

3. в искусстве усиливается взволнованность и трагизм.

Ян ван Эйк

1385-1441

Автор более 100 композиций на религиозные сюжеты, один из первых художников, освоивших технику живописи масляными красками. Ван Эйка считают изобретателем масляных красок, хотя на самом деле он лишь усовершенствовал их. Но именно после него масло получило всеобщее признание, масляная техника стала традиционной для Нидерландов; в XV в. пришла в Германию и во Францию, оттуда — в Италию.

Самое крупное и знаменитое произведение Ян ван Эйка — «Гентский алтарь».

Точность в наблюдении явлений природы распространилась и на изображение человеческого тела. Изображение обнажённых Адама и Евы отличает естественность, невиданная с античных времён. В отличие от итальянских художников, увлекавшихся в своих изображениях обнажённой натуры анатомическими деталями, Ян ван Эйк изучал поверхность и движение человеческого тела и отражал до мельчайших подробностей в своих работах.

«Портрет четы Арнольфини»

Все здесь просто и значительно — и серьезные лица мужа и жены, и залитая рассеянным светом комната. Каждый предмет имеет определенный смысл: собачка — символ верности, туфли — семейственности, зеленый цвет платья — цвет весны и любви. Сзади на стене висит круглое зеркало — шедевр мастерства и миниатюрной живописи ван Эйка. В нем мерцает отражение персонажей картины.

«Портрет мужчины в тюрбане», 1433

В картине ван Эйка — портрете мужчины в тюрбане, исполненном в 1433 году. Выражение лица становится более активным. Портретируемый приближен к краю картины, его глаза обращены к нам Взгляд его обладает некоторым привкусом горечи, то есть его эмоциональная окрашенность более конкретна.

Иероним Босх

1450-1516

Искусство Босха всегда обладало громадной притягательной силой. Сюжеты некоторых работ Босха навеяны народными пословицами и поговорками, сказками и легендами, популярными в его время карнавальными зрелищами, в которых находила воплощение изобразительная народная культура. Ее образы – заморские чудища и черти, обезьяны и химеры, святые и нечистая сила часто присутствовали как в храмовой живописи Средневековья так и в творчестве Босха.

Его техника называется алла прима. Это метод масляной живописи, при котором первые мазки создают окончательную фактуру.

Особенности творчества:

1. Высокое живописное мастерство;

2. не использовал метод работы с натуры;

3. проникает в психику;

4. его не интересовало точное изображение человеческого тела (анатомия, ракурс, пропорции);

5. не интересовался построением перспективы;

6. изображал толпу безликой;

7. воспевал в человеке пагубное, низкое, грязное и глупое;

8. изображал человека-гибрида, не то человек, не то демон;

9. в грязном, низменном пространстве можно встретить образ Христа;

10. пейзаж для него всегда был прекрасен, даже среди толпы безликих людей;

11. главное в его произведениях – экспрессия, эмоциональная выразительность.

«Поклонение волхвов» — последний из триптихов Иеронима Босха, названный по сюжету центральной части.

«Семь смертных грехов и четыре последние вещи», 1475-1480

Своеобразна композиция симметрично расположенных окружностей и двух разворачивающихся свитков, где цитаты из Второзакония с глубоким пессимизмом пророчествуют о судьбе человечества. В окружностях - первое изображение Босхом Ада и существующая в единственном числе интерпретация Небесного Рая. Семь смертных грехов изображены в сегментах всевидящего Божьего ока в центре композиции, они даны в подчеркнуто нравоучительном ключе. Эта работа - одно из наиболее ясных и нравоучительных произведений Босха и снабжено подробными, разъясняющими смысл изображенного цитатами из Второзакония.

«Воз сена» (триптих)

Триптих Иеронима Босха «Воз сена» считается первой из больших сатирико - правоучительных аллегорий зрелого периода творчества художника. Триптих изобилует маленькими фигурками, написанными в смелой технике мазка.

Грех и наказания за него — одна из главных тем работ Босха.

Сюжет его, видимо, основывался на старой нидерландской пословице: «Мир,— стог сена, и каждый старается ухватить с него сколько может».

Питер Брейгель

1525-1569

Южно-нидерландский живописец и график. Свою творческую биографию он начал как график.

Чтобы не путать Питера Брейгеля с его сыном — тоже живописцем, Старшего позднее окрестили Брейгелем Мужицким.

Более тридцати приблизительно из сорока пяти картин кисти Брейгеля посвящено изображению природы, деревни и её жителей. Безликие представители сельских низов становятся главными героями его работ: на своих рисунках он зачастую вообще скрывает лица. Никто из художников ранее не осмеливался создавать произведения на подобные темы. Показывая эпизоды из жизни обездоленных людей, художник отражал социальные противоречия своей страны и своего времени. Брейгель не писал заказных портретов и обнажённых фигур.

1564 года.

«Семь смертных грехов-Зависть», гравюра

Зависть всегда трудно было изобразить ясно.

Две собаки, грызущиеся за одну кость -

стойкий символ зависти в нидерландской иконографии.

«Семь смертных грехов – Гнев», гравюра

Те, кто пылали ненавистью, горят в прямом смысле.

В 1565 году были написана серия «Картины месяцев или времён года», от которой сохранилось всего пять. У Брейгеля в смене времён года основную роль играет природа, а люди, так же как и леса, горы, вода, животные, становятся лишь частью необозримого ландшафта.

"Охотники на снегу"

зима под кистью художника предстает равниной, сияющей сплошной белизной нетронутого снега, открывающейся зрителю внезапно и с высоты, словно в полете; зеленовато-серое небо невольно хочется назвать небесным сводом: так оно холодно и спокойно.

Питер Брейгель, Сумрачный день, 1565.(из серии «Месяцы»)

В картине Питер Брейгель изобразил природу ранней весны, конец февраля или март с его рваными, набухшими тучами, медленно разгорающимися красно-коричневыми тонами земли, оживающими голыми ветвями и всепронизывающим весенним сырым ветром.

Слепоту человечества воплощает художник в глубоко драматичной картине «Слепые». На фоне безмятежного сельского пейзажа в ясный летний день происходит катастрофа. Бредущие друг за другом слепые доверчиво следуют за своим поводырем, не подозревая о страшной реальности: вожак падает с откоса плотины, участь остальных также предрешена.

Рогир ван дер Вейден 

 1400-1464

Нидерландский живописец.

 Творчество ван дер Вейдена сфокусировано на постижении индивидуальности человеческой личности во всей ее глубине.

«Снятие с креста»

Неглубокое пространство словно «выталкивает» на зрителя подчёркнуто объёмные фигуры, что уподобляет композицию скульптурному рельефу. Золотой фон, изломанные линейные ритмы напоминают об искусстве поздней готики.

Робер Кампен 

 1378 - 1444

Он мог достигнуть такого уровня реалистичности и наблюдательности, как никакой другой живописец до него. Всё же, его произведения более архаичны, чем работы его младших современников. В бытовых деталях заметна демократичность, подчас имеет место бытовая трактовка религиозных сюжетов, которая и позднее будет свойственна нидерландской живописи.

Хуго ван дер Гус

 1420 -1482

Самое известное произведение — большой алтарный образ «Поклонение пастухов», или «Алтарь Портинари»

Стефан Лохнер

«Мадонна в беседке из роз»

Конрад Виц «Хождение по водам»

«Автопортрет»

«Меланхолия»

«Всадник,Смерть и дьявол»

«Праздник четок»

«Послы»

«Портрет Эразма Роттердамского»

«Венера и Амур»

«Юдифь с головой Олоферна»

«Мартин Лютер»

«Голгофа»

«Тифенбронский алтарь»

«Алтарь Магдалины»

«Поклонение волхвов»

«Богоматерь в беседке из роз».

«Изенгеймский алтарь»

«Поругание Христа»

Характерные черты Германского Возрождения:

Готические традиции очень медленно уходили из культурной жизни страны. Немецкая живопись в XV в. была тесно связана с церковью, поэтому главное место в творчестве большинства художников занимали алтарные композиции, а не станковые картины. Главным достижением этого времени являлось то, что мастера стремились в своих религиозных произведениях отразить живые человеческие чувства. В библейских сценах появились элементы бытового жанра, святые приобретали черты простолюдинов.

В Германии гравюра имела широкое хождение и пользовалась большой популярностью в народной среде. Во многих семьях хранились листы с изображением религиозных, аллегорических композиций, сатирических сценок. Гравюра, заменяющая дорогие миниатюры, делала книги значительно дешевле, что давало возможность небогатым людям покупать их.

Альбрехт Дюрер

1471–1528

Немецкий художник, мыслитель, обладавший разным разносторонним творческим гением, создал национальные типические характеристики своего народа. Для него был интересен весь окружающий мир человек, природа, животные, птицы. Сам себе он также интересен как объект познания и изучения.

Дюрер был равно одарен как живописец, гравер и рисовальщик; рисунок и гравюра занимают у него большое, подчас даже ведущее место. Наследие Дюрера-рисовальщика, насчитывающее более 900 листов, по обширности и многообразию может быть сопоставлено только с наследием Леонардо да Винчи. Рисование было, видимо, частью каждодневной жизни мастера.

Одной из главных тем творчества Дюрера в 1500-х гг. становится поиск идеальных пропорций человеческого тела, секреты которых он ищет, рисуя обнаженные мужские и женские фигуры (Дюрер первым в Германии обратился к изучению обнаженной натуры).

«Автопортрет», 1484,

Важнейшее место в живописном наследии Дюрера занимает портрет. Уникальность Дюрера и в том, что ведущее место среди его ранних портретов занимает автопортрет. Тяга к самопознанию, водившая рукой 13-летнего мальчика.

«Меланхолия». На берегу моря, подперев голову рукой, сидит мрачная крылатая женщина. К ее поясу привязана связка ключей и толстый кошель — символы власти и богатства. В правой руке она держит раскрытый циркуль — атрибут геометрии, знак ее покровителя Сатурна. Над морем в сиянии радуги и в лучах падающей кометы проносится по небу летучая мышь, символ вечного сумрака. На ее распростертых крыльях надпись: «Меланхолия I».В образе этого существа Дюрер передал напряженность мысли, скорбное раздумье, предощущение творчества, предшествующее полету воображения, вдохновению. Крылатая женщина с взглядом Дюрера — это муза художника, это образ его души и его творчества. Вся сложность характера Дюрера, весь трагизм душевного одиночества великого художника, жившего в трудную и противоречивую эпоху, выступают здесь с отчетливостью. Справедливо эта гравюра была названа духовным автопортретом великого живописца и гравера, замечательного инженера и теоретика искусств Альбрехта Дюрера.

«Всадник, Смерть и дьявол».

Сам Дюрер назвал ее «Всадник». Всадник Дюрера — это христианин, упорно следующий к Небесному граду (представлен в образе замка, венчающего скалу на заднем плане), несмотря на искушения дьявола и неотступную близость смертного часа. Мрачный лес, какой может привидеться лишь в страшном сне. Голые стволы, обломанные колючие сучья, дерево, едва удерживающееся на осыпи обнаженными корнями. Дюрер любит листву, шелест ветвей, цветение, но знает, какой пугающей может быть природа, и создает на этой гравюре проклятый лес.

«Праздник четок» (точнее — «Праздник венков из роз») — одна из самых больших работ Дюрера; она наиболее близка итальянскому искусству не только мотивами, но и жизненной силой, полнозвучием красок, широтой письма, равновесием композиции. В двухметровой алтарной композиции «Праздник четок» он решил религиозную тему, по существу, как групповой портрет многочисленных дарителей различных сословий, изображенных на фоне солнечного горного пейзажа у трона Марии. Гармоничное равновесие целого, строгая пирамида фигур центральной части сближают композицию с произведениями Высокого Возрождения.

Ганс Гольбейн

1497- 1543

Портреты Гольбейна отличаются реалистической и благородной трактовкой образов. Исключительно разносторонний художник, он был автором композиций на религиозные сюжеты, фресок и декорации интерьеров, создавал эскизы ювелирных изделий и витражей, работал в жанре книжной иллюстрации.

Для своих портретов художник предварительно выполнял очень тщательные карандашные наброски, некоторые из которых сохранились. Тени и свет наводились углем, мелом и сангиной. В эскизах Гольбейн обращал, преимущественно, внимание на лицо, не набрасывая руки. Непосредственной работе над портретом предшествовал краткий период наблюдения, во время которого художник старался определить для себя важнейшие черты характера модели. Каждый раз ему удавалось дать поразительно точную и всестороннюю характеристику личности портретируемого. Его рисунки полны едкого сарказма, тонкой наблюдательности и, несмотря на свою жизненную правду и индивидуальность, поражают красотой формы и отделки. Значение Гольбейна в немецком искусстве увеличивается ещё тем, что он перенес в Германию расцвет итальянского возрождения, не утратив при этом своего национального характера — в его работах ощутимы пути, намеченные в портретах Дюрера.

«Послы»

Два богато одетых человека изображены перед высоким столом, загроможденным множеством предметов, намекающих на их религиозные, интеллектуальные и художественные интересы. Самым странным в картине кажется некий вытянутый по форме предмет, помещенный на переднем плане. Если смотреть на него слева, с близкого расстояния, видно, что это череп.

«Портрет Эразма Роттердамского»

Гольбейн создал множество портретов, в которых подчеркивал внутреннее достоинство и сдержанную духовную силу людей.

Лу́кас Кра́нах Ста́рший 1472 - 1553 Немецкий живописец и график эпохи Ренессанса, мастер живописных и графических портретов, жанровых и библейских композиций.

Произведения художника поражают новаторством замыслов, с помощью которых он выражает противоречивость своей эпохи. Став придворным художником, достиг большого мастерства в жанре портрета, запечатлев немалое число своих известных современников. Работая над портретами, Кранах относился к моделям с симпатией, но без восхищения; он не идеализировал своих заказчиков, хотя и не особенно стремился проникнуть в их внутренний мир.

Лукас Мозер

1390—1434

немецкий живописец 1-й половины 15 века, работавший в Швабии.

«Тифенбронский алтарь»

Персонажам Тифенброннского алтаря, созданного Мозером, свойственны жизненность и реалистичность. В то же время в этом произведении отсутствует целостность композиционного построения, лишен пространственной глубины пейзаж, изображающий море с плывущей по нему лодкой.

«Алтарь Магдалины»

  В произведении мастер сочетает свойственную «мягкому стилю» условность форм со свежестью наблюдений природы (морской пейзаж на левой створке) и поисками убедительных пространственных решений, что роднит его творчество с живописью раннего нидерландского Возрождения.

Штефан Лохнер

 1400 – 1451

Немецкий художник, который работал в Кёльне с начала 1430-х гг. Рассматривается историками искусства как главный мастер кёльнской школы.

«Поклонение волхвов»

Лиризм и мягкость характерны для этого художника.

Маттиас Грюневальд

1470-1528

 Сохранилось не более десятка его произведений, из которых главное — «Изенгеймский алтарь».

Особенности творчества:

1. Темы его работ связаны с идеологией народных низов и ересями;

2. творчество исполнено с драматической силой , напряжением , динамизмом ;

3. трагические образы;

4. экспрессии линий;

5. мощные аккорды цвета.

Наряду с наукой его волновали проблемы религии, философии и общественного устройства. Его искусство пронизано глубочайшей человечностью, живым состраданием к человеческим мукам, неисчислимым страданиям, которые он видел кругом. На его глазах прошло Великая Крестьянская война, Реформация  — первая революция в Европе, потрясшая сознание людей и весь феодальный мир, и вместе с тем он стал свидетелем кровавых расправ с восставшим людом. Наделённый в высшей степени восприимчивой душой, Грюневальд вслед за Босхом поставил в своём искусстве проблему подлинной трагедии жизни благородной и честной души человека, подвергаемого преследованиям и оскорблениям в жестоком, озверевшем мире.