из электронной библиотеки / 836933104554192.pdf

51

изображения, позволяющий определить, насколько аутентично передано воплощение Божие в исторической реальности. Иными словами, была установлена прямая взаимосвязь между текстом Священного Писания и изобразительным искусством. Иконы, признанные церковными авторитетами, стали образцами для последующих изображений, образовали иконографические типы. Церковь стремилась сделать их общеобязательными, закрепив за собой монопольное право на нововведения в иконографии. Подтверждением тому служат постановления VII Вселенского собора (787 г.), согласно которым сочинять сюжеты могли лишь отцы церкви. Окончательно иконография сложилась в Византии в 1Х-Х вв. после восстановления иконопочитания. Были определены общие правила изображения Бога, Богоматери, святых. Для обеспечения зрительного контакта верующих с божественным миром изображаемые фигуры представлялись в фас, профиль или в едва заметных поворотах. Они выглядели неподвижными, ибо отсутствовала энергетическая жестикуляция и подвижность поз. Такая трактовка, по-видимому, была связана с христианскими представлениями о мире как изначально совершенном творении Бога, не требующем дальнейшего развития. Кроме того, неподвижный, лишенный внешней экспрессии образ требовал почти столь же неподвижного, постепенного восхождения к Богу. В иконе создается не трехмерное, а особое беспредельное пространство. Эта задача решается на основе использования золотого фона (символа исходящего отовсюду божественного нетварного света), изолирующего любое изображенное на нем явление от реальной жизни. Оно оказывается вознесенным в идеальный мир, оторванный от физических законов земли. В нем предметы лишены тяжести, а фигуры – объема. Телесная красота считалась греховной и скрывалась за одеждами до пят. Все внимание сосредоточивалось на лике изображаемого, имевшем форму продолговатого овала. В нем особо подчеркивалась одухотворенность: огромные глаза миндалевидной формы с экстатически расширенными зрачками, высокий лоб, тонкие, лишенные чувственности, бесплотные губы, прямая и слегка изогнутая линия тонкого носа. В иконографических композициях нет теней, как и видимого источника света. Выбор цвета носит условный, символический характер: белый означал жизнь, чистоту, моральную невинность или связывался с Богом, от которого все происходит; желтый почитался за его близость к золоту и солнечному свету; красный указывал на любовь Бога, символизировал кровь, пролитую мучениками за христианскую веру; синий был символом неба, спасения вечной молодости; зеленый ассоциировался с жизнью, означал возрождение, юность, надежду; фиолетовый иносказательно связывался со страданием; черный был атрибутом дьявола и смерти, обозначал страдание и траур. Иконографические изображения воссоздавали мир покоя и гармонии, очищенный от греховных земных помыслов.

Русь заимствовала иконографическую схему из Византии и строго следовала ей вплоть до XV в. Первым, кто осмелился внести в нее серьезные изменения, был Андрей Рублев. Его работы отличаются от византийских образов особой мягкостью и глубокой человечностью образов динамизмом композиции, плавными линиями рисунка, спокойными тонами красок, использованием элементов бытовой и пейзажной среды. Высоко оценив творчество Рублева, Стоглавый собор 1551 г. провозгласил его иконографическую схему новым каноном.

ИКОНОСТАС (греч.- изображение, образ) – в православном храме алтарная преграда, стена с несколькими иконными рядами (чинами) и царскими вратами; возник в русском православном культе в XIII-XIV вв. Иконостас отделяет алтарную часть храма от основного подкупольного пространства. Это делает его центром литургического действа (см. Литургия). Алтарная преграда восходит к решеткам позднеантичных базилик, которыми ограждали места писцов и судей. Первоначально эти решетки были низкими, чтобы на них можно было облокотиться. Делали их из дерева или камня в форме глухой стенки или балюстрады из мраморных плит либо колоннады с архитравом. Судьбы алтарной преграды на Востоке и Западе различны: характерные для православного храма глухие стенки постепенно стали превращаться в подставку для икон, а балюстрады и колоннады в католическом храме постепенно исчезали, и алтарь в нем стал открытым.

Общая композиция иконостаса отражает идею небесной иерархии. В его центре находится главный вход за алтарную преграду, называемый царскими вратами. На их створках чаще всего изображаются четыре евангелиста и сцена Благовещения, реже - сцена Евхаристии либо Иоанн Златоуст и Василий Великий. В византийской традиции, где начал складываться иконостас, основной ком-

52

позицией верхнего иконного ряда алтарной преграды является Деисус – изображение Богоматери и Иоанна Предтечи, обращенных с молитвой к Христу. В течение VIII в. по сторонам этой композиции стали помещать полуфигуры святых и некоторые евангельские сцены. Вскоре в Византии появился и второй ряд алтарной преграды, располагавшийся под деисусным чином. Его составляли иконы из 12 лицевых святцев и сцены двунадесятых праздников (12 основных христианских праздников). На Руси многоярусный высокий иконостас разрабатывался на основе усвоения и развития византийской традиции.

Икэбана (яп. – жизнь цветов) – символический букет цветов в традиционном японском искусстве, подобранный в соответствии с сезоном, отмечаемым событием, настроением хозяина. Обычно ставился в нише (токонаме) в чайном павильоне, главной комнате дворца или дома. Композиция икэбаны основывалась на символическом триединстве Неба, Земли и Человека. Икэбаной называется также искусство составления букетов. Широко применяется в оформлении современного интерьера. Существуют различные школы и направления икэбаны.

Импрессионизм (фр. – впечатление) – течение в искусстве Европы последней трети XIX – начала XX вв. Зародилось во Франции. Широкую известность получило во многом благодаря выставкам работ представителей этого течения, объединившихся в борьбе против штампов оторванного от жизни, официального, салонного искусства. Весной 1874 г. группа молодых художников-живописцев (К.Моне, О.Ренуар, К.Писсарро, А.Сислей, Э.Дега, П.Сезанн, Б. Моризо), проигнорировав жюри Парижского салона, устроила первую собственную выставку «независимых» (последняя, восьмая, состоялась в 1886 г.). Одна из представленных картин принадлежала К.Моне и назвалась «Впечатление. Восход солнца» (1872 г.) («Impression, Soleil levant»). От слова impression был образован термин «импрессионизм». Он был введен в оборот благодаря критику Л.Леруа, поместившему на страницах «Charivari» шутливый обзор экспозиции «независимых». С тех пор термин «импрессионизм» прочно закрепился за творчеством участников этой выставки.

Изображая природу, импрессионисты не просто бесстрастно фиксировали виденное. Они вносили в пейзаж сопереживание, настроение. Импрессионизм был продолжением реализма середины XIX в. От него он наследовал ярко выраженную антиакадемическую, антисалонную направленность и установку на изображение окружающей действительности. Вместе с тем импрессионизм нес в себе и немало принципиально нового. Обращение импрессионистов к различным сторонам действительности, к жизни улиц, вокзалов, кафе, баров, к образам современников разных сословий и профессий, к городскому пейзажу расширило рамки реалистического искусства. А стремление передать быстрый ритм жизни большого города, уловить мгновенное состояние природы, атмосферы, освещения привело к поискам новых средств художественной выразительности.

С конца 1880-х гг. импрессионизм стал проявлять себя и в музыке. Подтверждением тому служит творчество К.Дебюсси, М.Равеля, П.Дюка, Ф.Шмита, Ж.Роже-Дюкаса и других французских композиторов, стремившихся зафиксировать едва уловимые психологические состояния, вызванные созерцанием внешнего мира.

ИНКРУСТАЦИЯ (лат. — корка, слой) – один из видов декоративной отделки зданий и различных предметов с врезанными узорами из мрамора, керамики, перламутра, слоновой кости, цветных камней, дорогих металлов и т. д. Используемый для инкрустации материал обычно бывает более ценный, чем фоновый, отличается от него по фактуре, текстуре, цвету.

Искусство инкрустации возникло в культуре Древнего Востока, где посредством этой техники выделяли глаза статуй и различные архитектурные детали. В античной культуре, особенно в римской, инкрустация становится одним из популярных способов декора стен. Особенно часто он использовался в помпеянском стиле и архитектуре периода империи. Одним из главных отличий древнеримской архитектуры являлась мраморная облицовка стен здания, построенного из кирпича. В культуре Византии получила распространение облицовка стен мелкими кусками разноцветного мрамора или чередование мрамора, плинфы и камней разного цвета. Эта традиция получила развитие в Италии в периоды средневековья и Возрождения. Стены фасадов зданий облицовывавались тонкими мраморными плитами разного цвета. Подобная техника обработки впоследствии стала называться инкрустационным стилем. Стены интерьера часто инкрустировались разноцветным деревом. Особого внимания заслуживает искусство флорентийской

53

мозаики, произведения которой создавались из тонких пластинок разноцветных камней: мрамора, янтаря, малахита, агата, ляпис-лазури, сердолика, изумруда, бирюзы, родонита, яшмы, лазурита. Именно в этой технике было выполнено знаменитое панно Янтарной комнаты, которое хранилось в Царском Селе. Инкрустация известна в двух видах: интарсия и маркетри.

ИНТЕРЬЕР (фр. – внутренний) – в архитектуре это внутреннее пространство здания или какого-либо помещения. В зависимости от функционального назначения интерьера определяется его архитектурное решение, выражающееся в пропорциях, размере, а также характер убранства (например, мебель). В живописи и графике интерьером называется изображение внутреннего пространства здания или помещения в здании. Отдельные фрагменты внутренней архитектуры и обстановки нашли отражение еще в искусстве Древнего Египта и Месопотамии, расширяются его границы в античном изобразительном искусстве. Итальянское Возрождение позволило воспроизвести целостный облик внутренних помещений. В современном искусстве особенно большую роль интерьер играет в картинах бытового и исторического жанров.

ИНТРОВЕРТНОСТЬ И ЭКСТРАВЕРТНОСТЬ - понятия, которые раскрывают существенные психологические характеристики индивида, его способность к познанию, самопознанию и самовыражению. Под интровертностью понимается обращенность индивида прежде всего на самого себя, на свой внутренний мир — чувства и эмоции, мысли и переживания. Это особенно отчетливо проявляется, например, в творчестве художника в момент осмысления им идеи будущего произведения и создания образа (который находится пока в его сознании). На этой стадии творческого процесса важную роль играет аутокоммуникация - общение художника с самим собой. Напротив, экстравертность – это обращенность индивида, его активности преимущественно на окружающий (внешний) мир, его предметы, состояние и процессы. В специфической форме она проявляется в процессе воплощения замысла художника в конкретном материале, т. е. в создании произведения искусства.

ИНЬ — ЯН (кит. — тьма - свет) – полярные дуальные силы (женское и мужское, темное и светлое, пассивное и активное и т. д.) Вселенной, составляющие ее движущие основы и гармонию в древнекитайской философии. В искусстве Дальнего Востока - ведущий эстетический принцип гармонии и равновесия, основа художественно-образной системы архитектуры, скульптуры, живописи и каллиграфии.

ИРРАЦИОНАЛИЗМ (лат. – неразумный) – течение и учение в истории философии и культуры, которые существенно ограничивают или же вовсе отрицают позитивные возможности человеческого разума и подменяют его нерациональными формами духовной деятельности: интуицией, эмоциями, воображением и фантазией, волей. В иррационализме имеет место принижение познавательных способностей человеческого разума и его предметных воплощений (науки, культуры, техники), вопреки культу знания, который традиционно был присущ европейской культурной традиции. Иррациональное начало лежит в основе любого творческого процесса, в зависимости от метода, стиля, направления его роль может либо возрастать (барокко, абстрактивизм, сюрреализм), либо ослабевать (классицизм, реализм).

ИСИХАЗМ (греч. – покой, безмолвие, тишина, безлюдное место, уединение) — мистическое течение в православии. Необходимо различать два нетождественных друг другу смысла понятия «исихазм». Во-первых, под исихазмом понимают аскетическое учение о единении человека с Богом через очищение сердца слезами от греховности и через сосредоточение ума в самом себе, «собирание» его внутри себя. Наряду с этим исихазм включает в себя определенные психофизические приемы во время молитвы: особая поза молящегося, сопряженность молитвы с актом дыхания, устремление глаз на сердце, где сосредоточены все способности души, плач. Исихазм появился одновременно с монашеством в IV в. (Макарий Великий, Евагрий Понтийский, Иоанн Лествичник, Симеон Новый Богослов и др.). С другой стороны, «исихазмом» называют учение Григория Паламы (XIV в.), который, однако, дал лишь разработанную богословскую интерпретацию древней мистикоаскетической традиции, но отнюдь не создал нового учения. Поэтому можно говорить о глубинном тождестве «первого» и «второго» исихазма. Различие, скорее, лишь в богословских терминах, но не в сути. Существо учения Паламы состоит в том, что в Боге различаются два образа Его бытия. С одной стороны, Бог есть сущность, которая непознаваема, но Бог не тождествен Своей сущности, т. к. существует не только в Себе и для Себя, но и вне Своей сущности, для иного. Это божественное

54

бытие-для-иного есть божественная воля, благодать, энергия. Энергия (греч. – действие, осуществление) тоже есть Бог, но она отлична от Его сущности, хотя и неотделима от нее, соединена неразрывно. Энергии творятся Богом из Своей сущности и есть проистекания этой сущности. Энергии Бога характеризуются как сверхъестественное, сверхчувственное, несотворен-ное, но, в отличие от сущности, познаваемое. Исихаст в молитве достигает видения своим умом, силой Божества, нетварного, присносущного света (энергии), которым просиял Христос во время Преображения на горе Фавор. В конечном счете исихаст достигает обожения — единения с Богом, но не по сущности (единым по сущности с Богом был лишь Христос), а по энергии. Вот эту преображенную благодатью, обоженную человеческую природу, сияющую нетварным светом, райское состояние плоти и духа призвана изобразить икона. Отсюда связь исихазма с иконописью.

Во второй половине XIV в. в Византии особое распространение получает композиция Преображения, как выражение учения исихазма о Фаворском свете. Апостолы изображаются падающими навзничь под воздействием непреодолимой силы, которая сбрасывает их с горы. Реальность и сила Фаворского света выражаются жестами Иакова и Иоанна, закрывающих глаза руками, будучи не в состоянии вместить всю полноту нетварного света, исходящего от Христа, яркость которого неизмеримо выше яркости любого физического света. Ореол, окружающий Христа, получает своеобразную форму, состоящую из двух сфер и сияния, из которого исходят три луча – указание на Фаворский свет как энергию сущности всех трех Лиц Святой Троицы. На Руси эта трактовка Преображения в иконописании встречается уже на рубеже XIV-XV вв. (школа Феофана Грека, 1403 г.). Отмечаемая исследователями одухотворенность и преувеличенная экстатичность феофановских образов восходит к исступлению ума, в состоянии которого видится божественный свет в исихазме. Непревзойденная в русском иконописании бесплотность рублевских ангелов (Троица, конец XIV в.) являет иную, потустороннюю, небесную материальность, «богоподобную тонкость» плоти, духовное тело, просветленное божественными энергиями. Аналогично у Дионисия спиритуализация плоти приводит к почти что прозрачным, пронизанным нездешним светом фигурам святых, которые «парят, подобно ангелам», преодолевая законы материального бытия. Таким образом, русское иконописание XV-XVI вв. выражает преимущественно исихастское богословие красками, делает паламитское положение об обожении плоти, просветлении ее присносущным светом-энергией Бога зримым в иконе, в результате чего она вновь подтверждает свое значение в качестве непревзойденного свидетельства православия.

ИСКУССТВО — это понятие применяется в широком и узком значении. Под искусством в широком значении этого слова понимается любая практическая деятельность человека, совершаемая искусно, мастерски (искусство хирурга, педагога, искусство дипломатии, искусство политика). В узкой, собственной семантике «искусство» есть одна из форм общественного сознания и специфический род человеческой деятельности. При такой интерпретации искусства к нему относят особые формы и результаты духовно-практической деятельности человека; живопись, скульптуру, архитектуру, музыку, литературу и т. д.

Многозначность термина «искусство» обусловлена историческими причинами. Первоначально этим словом обозначалось не только собственно искусство, но и сферы практики человека, где проявлялся его высокий уровень. В Древней Греции, например, не проводили различий между творчеством живописца, скульптора и деятельностью ремесленника, изготавливающего мечи, щиты, предметы быта. Все эти виды деятельности обозначались единым словом «techne», хотя объективно искусство как специфический род занятий в этой культуре уже существовало, даже был определенный социальный слой профессиональных художников. Осознание существования в человеческой практике искусства как специфической сферы деятельности приходит сравнительно поздно — лишь в эпоху Возрождения. Главным отличительным признаком искусства, выделяющим его из широкого круга общественной практики, является не проявление в нем высокого уровня мастерства (что само по себе для него необходимо) и не его эстетическая привлекательность, без которой немыслимо существование этого феномена культур, а его художественно-образная природа. Образное начало (см. Образ) отличает искусство как форму общественного сознания от близкой к нему научной формы познания мира. Если последняя отражает действительность в ее объективном значении, а поэтому в научной теории немыслимо

55

субъективное начало, то в искусстве художник не только воспроизводит мир человека и человеческих отношений, ко и выражает к ним свое отношение, дает им оценку, наполняя все это личными чувствами и переживаниями. И если в науке субъективный момент недопустим, поскольку искажает объективную истину, то в искусстве он является тем основополагающим началом, без которого оно не может существовать. Но это не означает, что искусство как форма познания является неким суррогатом науки, как утверждал в свое время Г.В.Лейбниц и другие рационалисты. По своим познавательным возможностям и достоинствам искусство не ниже и не выше последней, а является уникальной специфической формой духовно-практического освоения человеком мира. Например, Отечественная война 1812 г. нашла отражение в исследованиях ряда наук — исторической, военной, социальнополитической. Тем не менее они не могут подменить собой ее художественное воспроизведение в романе-эпопее Л.Н.Толстого «Война и мир», где это событие осмысливается через призму личного опыта писателя, его субъективного понимания и оценки. Искусство не дублирует науку и не вступает с ней в конкуренцию, а существовало, существует и будет существовать рядом с ней, поскольку обладает своими, отличными от нее, образными, а не логико-понятийными средствами осмысления реальности, имеет собственный предмет познания (мир в его значении для человека, или мир в смысловом значении) и выполняет специфические по содержанию функции. Так, воспитание через искусство не повторяет и не подменяет в этой сфере ни педагогическую, ни научную деятельность. Оно также выполняет роль уникального средства социальной коммуникации. Передавая знания в образной системе, искусство воздействует не только на рациональную, но и на эмоциональную сторону психики, не только на сознание, но и на подсознание. Оно выполняет и ряд других специфических функций.

ИСТОРИЧЕСКИЙ ЖАНР – один из основных жанров изобразительного искусства,

посвященный воссозданию событий прошлого и современности, имеющих историческое значение. Исторический жанр часто пересекается с другими — бытовым жанром (т. н. историко-бытовым), портретом (портретно-исторические композиции), пейзажем («исторический пейзаж»), батальным жанром, когда он раскрывает исторический смысл военных событий. Исторический жанр находит воплощение как в станковых формах искусства (историческая картина, статуя, бюст, рисунок, эстамп),

так и в монументальных формах (росписи, рельефы, памятники), и в миниатюрах, иллюстрациях,

мелкой пластике (медали, монеты). Его зачатки восходят к условно-символическим композициям Древнего Египта и Месопотамии (апофеоз военных побед монарха и передача ему власти божеством), к мифологическим образам Древней Греции, к документально-повествовательным рельефам древнеримских триумфальных арок и колонн. Собственно исторический жанр начал складываться в итальянском искусстве эпохи Возрождения - в батально-исторических произведениях П.Уччелло, картонах и росписях А.Мантеньи на темы античной истории. В XVII—XVIII вв. в искусстве классицизма исторический жанр выдвинулся на первый план, включив в себя религиозные, мифологические и собственно исторические сюжеты. Поворотным пунктом в становлении жанра стали в XVII в. произведения Д.Веласкеса, внесшего в изображение исторического конфликта испанцев и голландцев глубокую объективность и человечность. Во второй половине XVIII в., в эпоху Просвещения, историческому жанру придается воспитательное и политическое значение: картины Ж.Л.Давида, изображающие героев республиканского Рима, стали воплощением подвига во имя гражданского долга, прозвучали как призыв к революционной борьбе. Тот же принцип лежит в основе исторической живописи мастеров французского романтизма (Т.Жерико, Э.Делакруа), а также испанца Ф. Гойи. В XVIII-начале XIX вв. героические образы античной и национальной истории утвердились в русском искусстве (А.П.Лосенко, М.И.Козловский, И.П.Мартос, Ф.П.Тол-стоЙ, К.П.Брюллов, А.А.Иванов). В реализме середины и второй половины XIX в. зародилось философское и психологическое осмысление исторических трагедий народов и личностей (О.Роден во Франции, Н.Н.Ге, И.Репин, В.И.Суриков, М.М.Антокольский, В.В.Верещагин в России). В советском искусстве историко-революционная композиция заняла одно из ведущих мест. События революции и гражданской войны представали в 1920— 1930-е гг. в романтическом и символическом ореоле (К.С.Петров-Водкин, А.А.Дейнека, Б.В.Иогансон, М.Б.Греков, И.Д.Шадр, А.Т.Матвеев), но позже превратились в однообразные композиции с вождями и массами. Вторая мировая война воскресила интерес к героическому прошлому народов России (П.Д.Корин, А.П.Бубнов), а в

56

I960—1970-е гг. делались попытки обновить исторический жанр романтикой образов или необычностью аспектов (Г.М.Коржев, Е.Е.Моисеенко, Т.Г.Назаренко).

ИТАЛЬЯНСКОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ – первые признаки Возрождения заметны уже в XIII в., особенно в последние два десятилетия и, конечно, в начале XIV в. (ит. – треченто). Эти признаки явились результатом развития коммунальной культуры, неслучайно очагом рождения становится Флоренция. Некоторые исследователи поэтому рассматривают начало Ренессанса с проторенессанса, с середины XIII в. или, во всяком случае, с 1300 г. Другие предпочитают считать точкой отсчета середину XIV в. В это время яркой звездой вспыхнул лирический гений Петрарки, вышел в свет вольнодумный «Декамерон» Боккаччо, разнеслась по Италии слава великого живописца Джотто, который вместо бесплотных и плоскостных фигур впервые дал реалистические, объемные изображения человека. В первой половине XV в. (ит. — кватроченто) Возрождение не только окончательно завладело философией, риторикой, этикой, педагогикой, политической мыслью, историографией, создало текстологию и археологию, но и развернулось в скульптуре и живописи, а также начало свою архитектурную линию. Во Флоренции создаются знаменитые художественные коллекции дома Медичи, Платоновская академия, Лукрецианская библиотека. По всей Италии – от Милана и Венеции до Урбино и Неаполя – возникают своеобразные ренессансные очаги. Появляются школы живописи, светские образованные люди собираются в кружки, в которых обсуждают идеи античной философии, проблемы морали, общественной жизни, научного познания природы. Художники изучают пропорции человеческого тела, анатомию, линейную перспективу. Интеллектуальные и художественные веяния смешались и образовали объемное культурное единство. Это дает основание многим ученым употреблять термин «Раннее Возрождение» в ограничительном смысле, имея в виду раннюю зрелость первых двух третей XV в. Это время творений Мазаччо (живопись), Донателло (скульптура), Брунеллески (архитектура). В итальянском искусстве этого периода вырабатывается своеобразное понимание художественной правды. Живописцы продолжают черпать свои сюжеты из церковных легенд, но они становятся доступны всем жителям итальянских городов и в своей повседневности приобретают возвышенно-исторический характер. Итальянская живопись XV в. — преимущественно монументальная (см. Монументальная живопись). Она выполнялась на стенах техникой фрески и по своему характеру была рассчитана на восприятие издали. Итальянские мастера умели придать своим образам общезначимый характер. Основоположником культуры Возрождения был Донателло. Одна из главных его заслуг - возрождение т. н. круглой статуи. Это заложило основы развития скульптуры последующего времени. Наиболее зрелое произведение Донателло - статуя Давида (Флоренция). Решающую роль в развитии архитектуры Ренессанса сыграл Брунеллески. Он возродил античное понимание архитектуры, не отказываясь в то же время от средневекового наследия. Брунеллески возродил ордер (см. Ордер архитектурный), поднял значение пропорций и сделал их основой новой архитектуры. Но это не было слепым копированием античности. В зданиях, построенных этим мастером (Воспитательный дом, капелла Пацци во Флоренции и др.), архитектура наполняется той одухотворенностью, которая была неведома древним. Под «Высоким Возрождением» обычно понимают вторую половину или последнюю треть (самый конец кватроченто), а также первые два десятилетия чинк-веченто (XVI в.). Это «век Леонардо» - классический период Возрождения. Это время, когда ренессанс охватил все виды духовной деятельности, все ответвления культуры, пропитав их общим настроением и связав в единое целое. Возрождение вторглось в собственно философскую область, преобразило космологию и теологию (неоплатонизм). Родилась натурфилософия падуанской школы во главе с Пьетро Помпонацци. Ренессансное мировосприятие вовлекло в свою орбиту математику, магию, астрологию, историографию, инженерию. Флоренция сохраняла свое значение, но рядом выросли и процветали Рим, Венеция, Феррара. Именно в это время и только в Италии ренессансность успела пройти достаточную историческую дистанцию, чтобы развернуться в полный тип. В «Высоком Возрождении» достигает кульминационной точки тот дух свободы, которым было пропитано уже искусство XV в. В нем этого периода жизнь раскрывается в

57

непривычной для кватроченто сложности и контрастности. Реализм Возрождения поднимается на качественно новую ступень. В основе ренессансного реализма лежало убеждение, что прекрасное заложено в самой жизни.

КАБУКИ (яп. — отклонение) — японский театральный жанр, возникший в XVII в. Такое название театр получил из-за того, что его представления очень отличались от других традиционных видов зрелищного искусства. По преданию, труппа кабуки впервые была создана уличной танцовщицей О-куни. Кабуки — особый вид драмы, в которой сочетаются драматические, музыкальные и танцевальные элементы. Движение актеров на сцене и мелодика их речи согласуются по ритму и характеру с музыкальным сопровождением. Выработана система канонических движений, жестов, модуляций голоса, символического грима. Программа выступлений кабуки состоит из нескольких пьес: исторических, бытовых, танцевальных, В репертуар современного театра кабуки входят как классические, канонические пьесы, так и новые, современные, отличающиеся реалистической формой. Исполнительские традиции кабуки способствовали формированию самых знаменитых в Японии актерских династий.

КАГУРА (яп.)- древние мистерии синтоистского ритуала, возникшие в Японии в VII в. Представляют собой пантомиму, сопровождаемую пением и игрой на барабанах и флейтах. Главным содержанием качуры являются мифологические сюжеты, особенно миф о богине солнца Аматэрасу, в основе которого лежит идея умирающего и воскрешающего бога. Представления разыгрывались во время религиозных праздников на площадках перед храмами или вблизи их на подмостках. Качура исполнялась сначала жрецами, а позже специально подготовленными актерами-профессионалами (качура-си). Во время представлений использовались костюмы, маски, парики, специальные ритуальные атрибуты.

КАКЭМОНО (яп.) — в традиционном искусстве Японии вертикальный бумажный или шелковый живописный свиток, наклеенный на плотную основу, обрамленный парчовой каймой и снабженный одним деревянным валиком на конце. Предназначался для украшения стены, ниши по случаю праздника, смены сезона.

КАЛОКАГАТИЯ (греч. – прекрасный, добрый) — одно из важнейших понятий древнегреческой культуры, под которым понимали синтез эстетических и этических достоинств человека. Совершенство телесного сложения и нравственного склада мыслилось как единое целое: доброе полагалось всегда прекрасным, а злое — безобразным. Внешний облик и поступки человека неразрывно объединялись. Принцип калокагатии был связан с идеалом гармонии греческой культуры. Образ человека в греческой культуре эпохи классики должен был соответствовать принципу калокагатии. Идеал калокагатии был вновь востребован итальянскими гуманистами эпохи Возрождения.

КАМЕРНОСТЬ (лат. – свод, комната) – стилистическое качество произведении искусства малых форм, небольших по размеру композиций, художественно-эстетических предметов, являющихся частью обстановки интерьера. Так, камерная музыка создается для небольшого состава исполнителей, а также как музыкальные произведения для сольного исполнения (в противоположность музыке концертной). Наиболее часто встречающиеся формы камерной музыки – сонаты, трио, квартеты, квинтеты, романсы и т. д. с сопровождением одного или нескольких инструментов. В другом смысле камерность – особенность содержания и формы произведений искусства, предназначенных для узкого круга ценителей, знатоков, а также произведения интимного, идиллического характера (см. Идиллическое искусство).

КАНО (яп.) – школа национальной живописи Японии XIV—XVI вв., характеризуемая распространением идей дзен-буддизма и формированием национального художественного стиля. Известна пейзажными композициями. Основателем этой школы был художник Кана Масанобу. Впоследствии все художники принимали имя Кано.

KAHОH (греч. – правило, мерило) – в широком смысле слова — свод общепринятых положений, правил, норм, имеющий обязательный характер, все то, что является образцом для подражания. В искусстве канон — система определенных мировоззренческих, эстетических, художественных и нормативных требований, определяющих содержание и стилистические особенности художественного произведения. По мнению исследователей, понятие канон

58

впервые было использовано древнегреческим скульптором Поликлетом в одноименном трактате. Им были теоретически обоснованы идеальные пропорции тела человека. Поиск идеальных норм рациональным путем в дальнейшем был характерен для художников эпохи Возрождения и классицизма. Канон отличается стабильностью и служит закреплению, сохранению и передаче определенных традиций. Его постепенная трансформация связана с переходом к другому типу культуры. Но даже в новых исторических условиях канон, во многом утратив воплощенные в нем мировоззренческие установки, сохраняет большинство художественных приемов и форм. Догматическое следование канонам тормозит развитие новых тенденций в искусстве.

КАНОН ИКОНОГРАФИЧЕСКИЙ – совокупность правил, строго регламентирующих написание икон и росписи церквей. Основные каноны следующие: образы Иисуса Христа, Богоматери, пророков, апостолов, святых на иконах должны подчеркивать их духовный, неземной, сверхъестественный характер; фигуры библейских персонажей и святых изображаются неподвижными, статичными.

КАПЕЛЛА (лат. — часовня) – небольшое по размерам помещение (реже отдельное сооружение) для молитв членов одного семейства, хранения реликвий и других целей. В готических храмах находилось в боковых нефах или вокруг хора («венок капелл»), размешалось также в замках и дворцах. Существуют и отдельно стоящие капеллы (например, известная Сикстинская капелла). В отличие от храма в ней отсутствует алтарь.

КАПИТЕЛЬ (лат. — голова) — верхняя часть колонны, пилястры, столба, на которую опирается перекрытие. Капитель являлась неотъемлемой частью ордерной системы (см. Ордер архитектурный). Конструктивно она принимает нагрузку от архитрава и других расположенных выше частей здания, пластически завершает и художественно оформляет фуст колонны. В античной культуре сложились следующие типы капителей – дорическая, эолийская, ионическая, коринфская, тосканская и композитная. Две последние возникли в древнеримской культуре и являются производными от дорической, ионической и коринфской капителей. Дорическая капитель состояла из полукруглой, расширяющейся кверху нижней части

– эхина и следующей за ней прямоугольной плиты — абаки, что зрительно выражало плавность передачи давления от перекрытия на колонну. Прототипом капители ионического ордера являлась эолийская (финикийская) капитель, получившая распространение в период архаики (VII-VI вв. до н. э.). Ее происхождение связывают с первоначальной деревянной конструкцией из расщепленного ствола дерева, на который укладывались горизонтальные балки перекрытия. Поэтому выглядела она как два расходящихся по бокам завитка (волюты), между которыми распускается цветок пальметты. Предполагают, что подобную форму капители заимствовали у финикийцев жители малоазийских островов – эолийцы. Ионическая капитель выглядит а виде волют – спиралеобразной орнаментальной детали в форме крутого завитка по обе стороны колонны. Коринфская капитель декорирована пластическим орнаментом в форме аканфа (стилизованных листьев растения). Композитная капитель состояла из элементов различных архитектурных ордеров, чаше всего сочетая волюты и аканф. Помимо этого, она могла включать и другие фигурные элементы. Вне античного архитектурного ордера наибольшим своеобразием отличались капители древнеегипетской архитектуры в виде стилизованных цветков лотоса, папируса, скульптурных изображений богов Осириса и Хатхор. Древние египтяне часто помещали между капителью в виде цветка и тяжелым перекрытием значительно меньшую по размерам абаку, которая не была заметна снизу. В результате у зрителя создавалось ощущение, что потолок висит в воздухе, не касаясь колонн. Оригинальные типы капителей были созданы также в византийской, романской, готической, древнерусской архитектуре, а также в художественной культуре средневекового Востока.

КАПИЩЕ (старослав. «капъ» — изображение, идол, изваяние, статуя) — место для идолов и принесения жертв; языческое культовое сооружение славян. Капище являлось своеобразным центром, отмечавшим место сбора людей. Кроме того, в нем хранились предметы поклонения – изображения божеств. Такая постройка могла иметь сложную форму и вместе с тем быть прозрачной, легко создаваемой и разрушаемой. Судя по археологическим находкам и немногочисленным описаниям, конструкции капищ были весьма разнообразны. Так, Арконское

59

капище (о. Рюген) представляло собой деревянное сооружение на каменном фундаменте. Наружные стены из вертикально поставленных бревен покрывала ярко раскрашенная резьба. Внутри их квадрата со стороной около 20 м поднималась на четырех мощных столбах башнеподобная сень над огромным столпообразным кумиром Святовита, лица которого были обращены на все четыре стороны. Кровля над сенью, возможно, имела очертания высокого шатра. До XI в. на горе Богит у реки Збруч существовало капище с кольцом из восьми круглых ям-жертвенников. Внутри кольца стоял знаменитый Збручский идол – четырехгранный столб, завершенный круглой шапкой, под которой – четыре обращенных в разные стороны человеческих лица. Главной частью культовых обрядов, совершаемых в капище, было принесение жертв. В жертву приносили не только животных, но в важных случаях и людей. Культовая архитектура средневековой Руси унаследовала у безымянных создателей капищ приверженность к пирамидальным композициям, к гармоничному сочетанию построек с местным ландшафтом.

КАПРИЧОС (um. – козья нога) – жанр фантастических, причудливых, странных, необычных изображений. Понятие «капричи» впервые возникло в Италии в XVI в. для обозначения своеобразия и остроумия художественного языка. Сюжеты капричос рождались исключительно фантазией художника, часто они были связаны со сверхъестественными явлениями, суевериями. Этот жанр получил наибольшее развитие в стилях маньеризм, барокко, романтизм. В истории искусств широко известны офорты капричос художников Дж.Тьеполо, Дж.Пирандели, Ф.Гойя.

КАРАОКЕ (яп. – пустой оркестр) — феномен массовой культуры, возникший в Японии и распространившийся по всему миру в 1980-е гг. Представляет собой любительское исполнение песен перед публикой под предварительно записанную фонограмму. Осуществляется с помощью музыкального автомата с записями популярных мелодий, текст обычно высвечивается на экране. Система караоке устанавливается в барах, ресторанах, клубах, такси.

КАРИКАТУРА (лат. – нагружать, преувеличивать) — жанр изобразительного искусства (как правило графики), изображение, в котором комический эффект создается за счет преувеличения и заострения характерных черт того или иного персонажа или объекта. Истоки карикатуры обнаруживаются в античной художественной культуре. Расцвет карикатуры обычно связан с периодами крупных общественных конфликтов. Как особый жанр сложилась в

XV1II-XIX вв.

КАРТИНА - произведение искусства, определенного размера и формата, замкнутое и завершенное в себе (в отличие от эскиза или этюда). Картина как художественное произведение двойственна: с одной стороны, это материальный предмет, вещь, с другой — особый художественный мир со своим пространством и временем, со своей системой эстетических и нравственных ценностей. Картина, как явление художественной культуры, возникает в искусстве Возрождения в общем русле гуманизации всех сфер жизни общества. Ее оформление в самостоятельный художественный феномен тесно связано с процессом индивидуализации самого человека, она становится атрибутом его духовной жизни. По своей природе картина стала выражением нового типа мировосприятия. Она не копия объективного мира, а ее чувствен- но-рациональный образ. Став автономным организмом, способным сохранять свою целостность, независимо от перемещения в пространстве и во времени (в отличие от иконы), картина обрела свою логику, структуру, язык, решив таким способом две важнейшие задачи: передать на плоскости глубину и объем трехмерного пространства и выразить систему взаимоотношений изображаемых объектов в их восприятии художником. Поиски в решении этих проблем привели к созданию законов перспективы и композиции. Такая построенная по законам перспективы и композиции картина предполагала не ремесленника-воспроизводителя, а сочинителя, автораличность. Появление картины и утверждение суверенитета живописи (ее независимости от архитектуры) вызывает к жизни целый ряд деятелей, выступающих посредниками между картиной и художником, картиной и зрителем: теоретики искусства и художественные критики, меценаты и коллекционеры и др. С ней связано возникновение новых явлений в духовной жизни людей: любование картинами, как самоценное занятие, стремление украсить быт и

60

научиться понимать законы красоты и т. д. Картина как станковое произведение живописи создается на основе (холст, деревянная или металлическая доска, фанера, картон, прессованная плита, пластик, бумага, шелк и т. д.), на которую наносится грунт и красочный слой. Европейский тип картины требует рамы, отделяющей мир живописи от окружающего пространства, и обычно подрамника, составляющего жесткую конструкцию вместе с холстом. Дальневосточный тип картины сохраняет традиционную форму свободно висящего развернутого свитка (горизонтального или вертикального).

КАТАРСИС (греч. - очищение) – одна из категорий древнегреческой культуры. Греки трактовали катарсис в трех значениях: религиозном, медицинском, эстетическом. В религиозных культовых церемониях катарсис понимался как внешняя (омовение рук, окуривание) и внутренняя (очищение от греха, скверны) чистота человека при его обращении к богам. Согласно воззрениям греков, здоровье человека зависело от гармонического сочетания всех элементов и сил. Поэтому медицина, используя очистительные средства, должна была способствовать восстановлению утраченной гармонии. Греки впервые попытались осмыслить возможность психологического воздействия искусства на человека. Начало эстетического понимания катарсиса – очищающую роль музыки и песнопений — исследователи находят в произведениях Гомера и Гесиода. Эта идея получила свое развитие у пифагорейцев, которые воспринимали музыку как магическое средство врачевания души, избавляющее человека от уныния и гнева. Платон полагал, что способность человека припомнить идеальные образы, запечатленные в его душе, позволяет ему стать на путь очищения от суетного, преходящего бытия. Аристотель приписывал основное катарсическое действие искусству. Особое очищающее действие на душу человека он связывал с аффектами, вызываемыми трагедией. Идеи греческого понимания катарсиса способствовали разработке проблем художественного восприятия, становлению таких научных дисциплин, как эстетика, искусствоведение и психология искусства.

КЕРАМИКА (ГОНЧАРНОЕ ИСКУССТВО) – художественные изделия из глин и их смесей, закрепленные обжигом очень высокой температуры. Керамика относится к монументально-декоративному и декоративно-прикладному искусству. По технологии изготовления различают следующие ее виды: гончарные изделия, каменная масса, терракота, майолика, фаянс, фарфор. Скульптурно-пластические свойства глины и разнообразие декора керамики позволяют создавать различные предметы: кирпич, изразцы, черепицу, плитки, архитектурные детали, скульптуру, вазу, панно, игрушки, украшения, посуду. Керамика получила широкое распространение с эпохи неолита. Важное значение имело появление гончарного круга в древневосточных культурах. Начиная с этого времени керамика изготовлялась ручной лепкой, при помощи гончарного круга или отливалась в форме. Каждая последующая культурная эпоха способствовала развитию технологии, поиску новых форм, типов росписей, стилистических особенностей.

КИНЕМАТОГРАФ (греч. - движение и пишу) – первоначальное название процесса съемки на кинопленку какого-либо изображения (статичного или находящегося в движении) и последующего воспроизведения его путем проецирования на экран, а также комплекс устройств и методов, обеспечивающих съемку и демонстрацию фильма. Термин «кинематограф» впервые появился во французском варианте - «синематограф», обозначающем систему создания и показа фильмов, разработанную братьями Люмьер. Часто термин «кинематограф» употребляют в значении киноискусство.

КИНЕТИЧЕСКОЕ ИСКУССТВО (КИНЕТЙЗМ) – (греч. — движение) — направление в художественном творчестве, возникшее в 1950-х гг. в европейской культуре, имеющее целью создание эстетического эффекта с помощью движущихся, а также светящихся и звучащих установок. Элементы кинетизма использовались в изобразительном искусстве на протяжении многих веков в виде различных ручных или механических трюков, оживлявших скульптуру, архитектуру, прикладные искусства (движущиеся фигуры часов и т. д.), в особенности в театральной сценографии. Однако только в XX в. кинетизм обособился в виде отдельного течения, хотя корни его надо искать в конструктивизме. Объекты кинетического искусства могли приводиться в действие техникой, вручную или природными стихиями. Впервые о кинетизме в