23 Мая 1924 года умер от скарлатины её сын. Любовь Сергеевна Попова умерла также от скарлатины 25 мая 1924 года в Москве. Похоронена на Ваганьковском кладбище.

В декабре того же года в Москве состоялась персональная выставка работ художницы, одного из ярких представителей русского авангарда в изобразительном искусстве.

Наде́жда Андре́евна Удальцо́ва (10 января 1886, Орёл — 25 января 1961, Москва) — русская художница, яркий представитель русского авангарда (кубофутурист, супрематист) в живописи.

Училась живописи в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у К. Ф. Юона, затем вместе с Любовью Поповой в Париже у Дюнуайе де Сегонзака, Анри Ле Фоконье и Жана Метценже. По возвращении в Россию работала в мастерской Владимира Татлина.

В 1915 г. Удальцова примкнула в группе последователей Казимира Малевича «Супремус».

1915-1916 гг. — вместе с Малевичем, Ниной Генке, Любовью Поповой, Александрой Экстер, Иваном Пуни, Иваном Клюном, Ольгой Розановой и другими известными художниками-супрематистами работала в Вербовке и Скопцы. Работы Удальцовой этого периода тяготеют к супрематизму и кубизму.

После Октябрьской революции Удальцова преподавала во Вхутемасе и Институте художественной культуры. Выйдя замуж за художника Александра Древина, она, отчасти под его влиянием, вернулась к фигуративной живописи, особенно пейзажной (супруги много ездили по СССР, побывав, в частности, на Урале, на Алтае, в Армении). Древин и Удальцова были участниками группы «13».

В 1938 г. Александр Древин был арестован и расстрелян в ходе сталинских репрессий. Надежда Удальцова спасла его работы от конфискации и уничтожения, выдав их при обыске за свои.

Сын Удальцовой и Древина — известный скульптор Андрей Древин.

Именем художницы назван кратер на Венере.

24. Марк Заха́рович Шага́л ‎; 6 июля 1887 — 28 марта 1985, Сен-Поль-де-Ванс, Прованс, Франция) — российский и французский художник еврейского происхождения. Помимо графики и живописи занимался также сценографией, писал стихи на идише. Один из самых известных представителей художественного авангарда XX века.

Основным направляющим элементом творчества Марка Шагала является его национальное еврейское самоощущение, неразрывно связанное для него с призванием. «Если бы я не был евреем, как я это понимаю, я не был бы художником или был бы совсем другим художником», — сформулировал он свою позицию в одном из эссе.

В 1964 году Шагал расписывает плафон парижской Гранд Опера по заказу самого президента Франции Шарля де Голля, в 1966 году создает для Метрополитен Опера в Нью Йорке два панно, а в Чикаго украшает здание Национального банка мозаикой «Четыре времени года» (1972). В 1966 году Шагал переезжает в построенный специально для него дом, служивший одновременно и мастерской, расположенный в провинции Ниццы — Сен-Поль-де-Вансе.

В 1973 году по приглашению Министерства культуры Советского Союза Шагал посещает Ленинград и Москву. Ему организовывают выставку в Третьяковской галерее. Художник дарит Третьяковке и Музею изобразительных искусств им. А.С. Пушкина свои работы.

От своего первого учителя Юделя Пэна Шагал воспринял представление о национальном художнике; национальный темперамент нашёл выражение и в особенностях его образного строя. Художественные приемы Шагала основаны на визуализации поговорок на идиш и воплощении образов еврейского фольклора. Шагал вносит элементы еврейской интерпретации даже в изображение христианских сюжетов («Святое семейство», 1910, Музей Шагала; «Посвящение Христу» /«Голгофа»/, 1912, Музей современного искусства, Нью-Йорк) — принцип, которому он остался верен до конца жизни.

Помимо художественного творчества, Шагал на протяжении всей жизни публиковал стихотворения, публицистические эссе и мемуаристику на идише. Часть из них переводились на иврит, белорусский, русский, английский и французский языки.

Сутин вырос в семье бедного портного, имевшего 11 детей, в среде, враждебной из-за догматов иудаизма изобразительному искусству. В детстве он познал голод, побои и унижения. И если для Шагала местечковый быт оказался источником образов, утверждавших высший смысл бытия, то Сутин вынес оттуда способность сопереживать страдающим и постигать драматизм человеческого существования. Сутин являлся экспрессионистом по преимуществу и чистым живописцем. Его лучшие картины написаны на одном дыхании, без предварительных набросков, в максимальном напряжении творческих сил. При этом художник постоянно возвращался к одному и тому же мотиву, добиваясь адекватного воплощения своего замысла, и постоянно уничтожал несовершенные с его точки зрения холсты. Его палитра содержала более 40 красок и для каждой употреблялась отдельная кисть. С помощью цвета художник из Смиловичей возвышал своих задавленных жизнью героев и претворял грубое вещество жизни в духовное качество.

Наряду с портретом, постоянная тема Сутина в 1920-е годы - «мертвая натура». Это его знаменитые «бычьи туши», точкой отправления для которых послужила одноименная картина Рембрандта, подвешенные на крюке птицы и рыбы, глотающие ртом воздух. У него было небольшое психическое отклонение - он испытывал болезненное влечение к красному. При виде окровавленных мясных туш Хаим впадал в экстатическое оцепенение. Об этом вспоминают многие его биографы и друзья. Патологическая любовь к красному породила его неповторимую манеру письма - что бы ни изображал Сутин, это напоминало выворачиваемое наружу чрево, словно живое тело разрывает рог быка или некий инстинкт, призванный природой не уберечь, а уничтожить человека.

Соня Делоне или Терк-Делоне (, 14 ноября 1885— 5 декабря 1979, Париж) — французская художница-абстракционистка еврейского происхождения, родилась на Украине.

Под влиянием кубистов Соня Делоне после 1911 уходит в своих работах от натурализма и фигуративности в сторону геометрии и абстракции, экспериментирует с ритмом и с разложением цвета. В 1913 Аполлинер, который познакомил супругов Делоне с Блезом Сандраром, назвал версию кубизма, которую развили в своих работах Соня и Робер, орфизмом. Соня создала иллюстрации к кубистической поэме Сандрара Проза о транссбирском экспрессе и маленькой Жанне Французской.

В Испании Соня Делоне познакомилась с Дягилевым, оформляла декорации для поставленного им балета Клеопатра на музыку А.Аренского.

Известна также как иллюстратор книг, разработчица узоров для тканей «haute couture» и театральных костюмов. Работала также над скульптурой, керамикой и акварелями.

Соня Делоне — первая художница, имевшая персональную выставку в Лувре (1964). В 1975 она стала офицером Ордена Почётного легиона.

Мари́я Ива́новна Васи́льева (12 февраля 1884, Смоленск — 14 мая 1957, Ножан-сюр-Марн) — французская художница русской эмиграции. (стиль которой искусствоведы относят к кубизму).

В мастерской Васильевой на авеню дю Мэн в эпоху расцвета художественного Монпарнасса бывали Пикассо, Брак, Модильяни, Сутин, Цадкин, Макс Жакоб и Матисс, чьей ученицей была Васильева. Фернан Леже дважды выступал в Русской академии с докладами "о современном искусстве". Говорят, что знаменитый русский коллекционер живописи Щукин начал покупать работы Матисса после того как Васильева написала о нем статью в журнале "Золотое руно".

Выставки работ Васильевой (стиль которой искусствоведы относят к кубизму) проходили в Лондоне, Нью-Йорке. С 1924 года она работает для театра, выполняя эскизы декораций и костюмов. После лондонской выставки 1930 г. она переезжает на юг Фрацнии. В Париж Васильева вернется только после Второй мировой войны. Однако довоенная популярность в этот момент уже, очевидно, была для художницы потеряна - послевоенные годы будет организовано лишь несколько ее выставок, она переселяется в дом для престарелых художников в Ножане-сюр-Марн, неподалеку от Парижа.

Граф Андре́й Миха́йлович Ланско́й (фр. Andre Lanskoy; 31 марта (13 апреля) 1902, Москва — 24 августа 1976, Париж) — русский живописец, график, «творец цвето-света».

Большое значение художник придавал свету, который, по его мнению, являлся первым органическим элементом, организующим все остальное: рисунок, композицию, ритм. Это не только физический цвето-свет, творцом которого называют Ланского, но главным образом мистический, освещающий витражи соборов христианской Европы. Поэтому палитра Ланского выделяется своей уникальной цветовой гаммой и среди его русских современников, и среди всего фигуративного искусства 1920-х годов. Она несет в себе тот неповторимый «славянский элемент», который отличает Ланского от других художников Парижской школы. В таком стиле написаны основные картины художника 1920-х — натюрморты, пейзажи, семейные портреты и сцены в интерьере: «Городской пейзаж» (1923), «Банкет» (около 1925), «Комедианты» (1925). В 1925 в Париже прошла первая персональная выставка Ланского и ряд совместных выставок с другими русскими художниками.

Постепенно он пришел к новой для себя форме искусства — полуфигуративности на грани абстракции. Фигуративные элементы распадались на геометрические формы, возникали абстрактные элементы, обозначенные цветовыми пятнами. Для абстракции мастер выбирал гуашь — более гибкую и непосредственную технику, чем масло. Цвет становился единственным объектом и сюжетом картин художника, причем в его гуашах начали преобладать холодные цвета. Геометрические фигуры заняли место фигур одушевленных, но, по замечанию критика Жана Гренье, «эти фигуры не имеют ничего общего с созданиями кубистов: они состоят из впадин и наростов, наслаиваются и перемешиваются». Заметными произведениями этого периода являются «Мужской портрет» (1938–1940), «Мыслитель» (1940), «Пейзаж с велосипедистом» (1941). В 1945 Ланской основал направление «лирической абстракции», «абстрактного экспрессионизма» или action painting, цель которого заключалась в разрыве с геометризацией европейского конструктивизма, господствовавшего в абстракционизме 1920-х — 1930-х, и в поиске непосредственного выражения во внутреннем «Я» художника. Однако вплоть до 1946–1947 в картинах Ланского существовали и сюжеты и фигуративные элементы.